Die Herbstmonate bescherten uns einige Veränderungen: neue Gesichter, neue Rubriken, neue Gastautoren. In „A life in Pictures“ widmen wir uns seit Oktober verschiedenen spannenden Firmengeschichten, und auch der News Radar, der kurzzeitig vom Radar verschwunden war, tauchte wieder auf. Eine Reise durch die vergangenen Monate. 

Oktober

Jil Sander schockierte mit einem erneuten Aussteig bei Jil Sander, Condé Nast gab das Ende des Praktikantenprogramms bekannt und Christopher Walken setzte sich für Jack & Jones an die Nähmaschine.

Unsere Gastautorin Mara Michel von VDMD fragte sich, warum in Deutschland immer alles schlecht geredet werden müsse, während Dawid Tomaszewski sich mit seinem großen Vorbild Azzedine Alaïa auseinandersetzte.

November

Mit A Life in Pictures schufen wir eine Kategorie, in der die Leben von Modedesignern oder Marken visuell und biografisch dargestellt werden können. Bisher beschäftigten uns Jean Patou, Thierry Mugler, Esprit, Isabella Blow, Franck Sorbier und Ana Alcazar.

Louis Vuitton ernannte Nicolas Ghesquière zum neuen Artistic Director, nachdem Marc Jacobs seinen Ausstieg bei dem Haus verkündet hatte.

Die Diskussion um die umstrittenen Praktiken von Terry Richardson wurde nicht zuletzt durch den „einschlagenden“ Erfolg von Miley Cyrus Video Wrecking Ball wieder aufgenommen. Was darf ein erfolgreicher Fotograf im Namen der Kunst, und wieviel Verantwortung tragen seine Auftraggeber?

Dezember

Im Jetzt angekommen. Dem Monat geschuldet drehte sich im Dezember das meiste schon um Weihnachten. Nach einem turbulenten und anstrengenden Jahr wurde es langsam Zeit für ein wenig Ruhe und Besinnlichkeit. Unser Adventskalender auf Facebook nahm viel Zeit in Anspruch und generierte viel Freude bei den Gewinnern.

Florian, ein neuer Gastautor aus Paris, fragte sich in seinem Feature, ob Ghesquière mit Louis Vuitton der lange erwartete Traumprinz sein könne, der die französische Mode wieder wachküsst.

„Blame it on the Bloggers“ ist eines der Lieblingsspiele des Modebusiness. Diesmal ausgelöst durch die Absicht IMGs, weniger Blogger zur New York Fashion Week zuzulassen, ging wieder einmal eine Welle von „Blogger raus“ und Selbstmitleid seitens der Blogger durch die Medienlandschaft. Wir konzentrierten uns auf den Kern des Problems: Wer ist „legit“, wer nicht, und wer darf darüber entscheiden?

Außerdem unternahmen wir ein paar Reisen in die Vergangenheit: mit den Brüdern Seeberger stellten wir die lange vergessenen, vielleicht ersten französischen Society- und Streetstylefotografen vor, Charles Frederick Worth bekam ein Life in Pictures und im Interview mit Helen Zisul beschäftigten wir uns mit der Vergangenheit von Louis Vuitton, Goyard und Hermès.

Ein ständiges Hin und Her im Hause Jil Sander. Bereits zum dritten Male verlässt die Grand Dame der deutschen Mode das von ihr 1968 in Hamburg gegründete Label, diesmal aus „persönlichen Gründen“. 

Sander, die mittlerweile fast 70 Jahre alt ist (geb. November 1943) , war erst im Februar 2012 zu dem nach ihr benannten Label zurückgekehrt, um Raf Simons abzulösen. Das Haus teilte mit, dass die A/W 14 Kollektion vom hauseigenen Dersign-Team entworfen werde, ein Nachfolger Sanders stehe noch nicht fest.
Vielleicht ist es ja jetzt Zeit für Frau Sander, sich als Leitfigur ein bisschen um das Ansehen und die Förderung der deutschen Mode zu kümmern? Wir würden es begrüßen.

Ein bisschen Jil Sander-Feeling kommt da schon auf, wenn man die A/W 13/14 Kollektion der Hamburger Designerin Birgit Brockbals betrachtet. Sie gründete 2011 ihr Label Spectrum nachdem sie die Ausbildung an der AMD Hamburg abgeschlossen hatte, gewann 2010 den European Fashion Award des SDBI und präsentierte ihre Kollektion anschließend auf der ISPO in München.

Hanseatische Kühlheit trifft in ihren Kollektionen nordischen Minimalismus, ohne dabei jedoch eine gewisse weibliche Romantik und Raffinesse vermissen zu lassen, die die Kollektion abrunden. Ein breites Spektrum eben, das die Hanseatin zu bieten hat.
Hoffentlich hört man in Zukunft mehr von Birgit Brockbals und ihrem Label, das bisher leider nur in Hamburg und online hier zu erwerben ist.

Foto: Sebastian Lemme, Sina Sonnenschein
Hair&Make-up: Susanna Jonas
Models: Sophie Gehrmann, Vanessa Walther by
Model Management

Die Riga Fashion Week findet zweimal jährlich statt und zeigt die Kollektionen der Mode-Kreativenschaffenden des Baltikums. Das viertägige Event hatte einige beachtenswerte modische Höhepunkte.

Ülle Suurhans-Pohjanheimo, mit ihrem Label Pohjanheimo könnte man vielleicht die Jil Sander Talinns nennen. Ihre minimalistischen Kreationen erinnern jedenfalls an die Stücke der deutsche Queen of Minimalism, allerdings sind sie Einzelstücke, die in enger Zusammenarbeit auf ihre Couture-Kundinnen maßgeschneidert werden und insbesondere im Baltikum, Skandinavien und Russland eine starke Fanbase haben.

Kristina Valanciute, die in der Eröffnungsveranstaltung der Riga Fashion Week ihrer Kollektion eine Mischung aus Gothic, Futurismus und sportlich-nachhaltiger PET-Ästhetik präsentierte, bildete ein weiteres Glanzlicht der Veranstaltung.

Als Gäste aus Italien präsentierten das Designduo Comeforbraekfast ihre Kreationen. Bekannt für ihre Prints, insbesondere der Oberteile, beweisen die beiden, dass Italien auch nordisch-clean kann.

Das absolute, avantgardistische Highlight bot aber eine Nominierte des Baltic Fashion Award 2013, die 1989 in Lettland geborene Sabine Skarule, welche soeben erst ihren BA an der Art Academy of Latvia abgeschlossen hat.
Ihre an Martin Margiela und Viktor & Rolf erinnernden Entwürfe bringen das Spannungsfeld zwischen der Zweidimensionalität von Modeskizzen und der Raumwirkung der letztlich daraus entstehenden Kleidung zum Ausdruck.

Bilder: Mark Litvyakoff

In einem Kurzfilm präsentiert Raf Simons, der kürzlich wegen seines Abschieds bei Jil Sander und als Nachfolger von John Galliano bei Dior in aller Munde war, seine S/S 2013 Kollektion. In Zusammenarbeit mit Pierre Debusschere präsentiert das Video auf dokumentarische Art in langsam bewegten Bildern die Looks, bestehend aus markanten Schnitten, sowie floralen Drucken. Das Styling verantwortete Robbie Spencer.

In den Hauptrollen die Models Andrew Westermann, Matthieu Gregoire und Anne-Catherine Lacroix, von einer dunklen Ästhetik umgeben, unterbrochen von einem weißen Bildschirm, der einzelne Teile der Kollektion hervorhebt.
Die künstlerische Aufführung wird von alten Nirvana Interviewausschnitten begleitet, scheint auf gleichgültige Art gelenkt, zeigt sich unheimlich und verstörend zugleich. Mit dem Dialog zwischen Grunge und Natur soll die jugendliche Leidenschaft des Fan-Daseins dargestellt werden, ohne viel Bewegung und Ablenkung.
Das Team um Raf Simons, Pierre Debusschere und Marieke Van Dongen, zuständig für die Art Direction fanden hier ihre Inspiration in Filmen wie „Last Days“, „Suspiria“, sowie in den Gemälden von Steven Shearer und Brian Calvin.

Odeeh ist das 2009 gegründete Label von Otto Drögsler und Jörg Ehrlich. Drögsler studierte unter Karl Lagerfeld und Jil Sander an der Angewandten in Wien, Ehrlich bringt als gelernter Herrenschneider die Handwerkskunst zu Odeeh und kümmert sich außerdem ums Marketing. Die Inspiration für S/S 2013 zogen die Beiden aus Vintagefotografien einer Anleitung zu Ikebana, der japanischen Kunst des Blumenbindens. 

Dior S/S 2013

Nachdem Raf Simons bereits sein Debut bei Christian Dior mit einer blumigen Haute-Couture Show feierte, nahm er nun die zweite Hürde auf der Paris Fashion Week. Mit der S/S 2013 Ready to Wear Kollektion scheint sich der Designer noch nicht ganz von seinem cleanen Jil Sander-Look zu verabschieden, stellte aber leuchtend feminine Designs vor, die es so bei Christian Dior zuvor nie gegeben hat.

Schlanke Hosenanzüge, diagonal gestreifte Kleider, hautenge Bodys zu weiten Röcken mit großflächigen Blumenprints, Dazwischen ein A-Linien geschnittenes Kleid mit Laser Cuts, welches ein fluoreszierendes gelbes Inneres enthüllte. Die Show war schön, aber nicht schillernd, wie sonst von dem französischen Modehaus gewohnt, mit Spannung und großer Erwartung schaut man bereits auf den Kollegen Hedi Slimane, und was er bei Saint Laurent enthüllt.

Internetauftritt des CFDA, Liste der CFDA Members

In ersten Tagen nach Ende der Modewoche in Berlin war bei fast allen großen Zeitungen Fashion-Week-Rekapitulation, bei einigen war es wieder Zeit für Fashion-Week-Bashing.
Das Spiel ist jede Saison das gleiche: Berlin sei zu arm, zu langweilig, zu avantgarde, zu unwichtig, zu experimentell, zu desinteressiert. Meist bleibt es bei diesem pessimistischen Bild Berlins als (Nicht-)Modehauptstadt Deutschlands.
Dieses Jahr jedoch verstärkt sich einigerorts der Ruf, die deutsche, oder die Berliner Mode, solle sich organisieren – in Form eines Mode-Rates, oder, um es modischer zu sagen, eines Fashion Council.
Jetzt gibt es im föderalen Deutschland schon einige Organisationen, die sich um die Förderung der Mode kümmern, doch warum strahlt deren Arbeit so wenig ins Ausland, oder zumindest doch in Deutschland, aus? Sollte Berlin wirklich einen Platz unter den Grossen anstreben? Welche Faktoren könnten zum Erfolg führen?
Und, die entscheidende Frage: interessiert das überhaupt irgendjemanden?

Die Ausstellung anlässlich des fünfzigjährigen Bestehens der CFDA, des Council of Fashion Designers of America, im Museum des FIT in New York, zeigte eines ganz deutlich: Organisation bringt weiter. Der Zusammenschluss der amerikanischen Modedesigner hat die Mode des zuvor Nicht-Modelandes innerhalb eines halben Jahrhunderts nach ganz weit vorne gebracht.
Das Rezept dafür war ein Fashion Council, gebildet aus den wichtigsten Vertretern der nationalen Modebranche, der sich der Nachwuchsförderung und Imagepflege der amerikanischen Mode nach außen sowie nach innen verschrieb.
Zu den erklärten Zielen des 1962 gegründeten CFDA gehörten: 1. die Verankerung des Modedesigns als eine anerkannte Sparte der amerikanischen Kunst und Kultur; 2. die künstlerischen und professionellen Standards der Branche voranzutreiben, ethische und professionelle Standards einzurichten und zu pflegen, und 3. das öffentliche Verständnis und die Wertschätzung der Mode zu verbessern.

Großbritanniens Modeindustrie verfügt ebenso über einen Mode-Rat. Der British Fashion Council (BFC) wurde 1983 gegründet und hat sein Ziel, „London als einen der major players im internationalen Modezirkus zu etablieren“, seither durch wegweisende Initiativen, die Organisation von Modenschauen, Ausstellungen und anderen Events zur Förderung der britischen Modeindustrie, vorangetrieben.
Zuletzt beispielsweise „Britain Creates„, denn was bietet sich besser an, auf das kreative Potential des Landes aufmerksam zu machen, als wenn die Welt schon zu Gast ist, wie dieses Jahr zu den Olympischen Spielen?

Internetauftritt des British Fashion Council

Auch Italien hat einen solchen Dachverband, die Camera Nationale della Moda Italiana (CNMI), gegründet 1953 als Non-Profit Organisation, die die „höchsten kulturellen Werte der italienischen Mode“ vertreten soll.
Das Ziel des Verbandes, auch hier, ist der Schutz, die Koordinierung, und das Stärken des Images der italienischen Mode, sowohl im Inland als auch international.

Internetauftritt Camera Nationale della Moda Italiana

In Frankreich übernimmt dieselbe Funktion die Fédération française de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode (Link). Die Fédération, bekannt für ihre harten Auswahlkriterien für Designer und Presse zu den Pariser Schauen, hat als Hauptziel, Paris als Modestandort Nummer eins zu bewahren.
Dafür organisiert sie die Schauen, fördert junge Labels und Designer, kümmert sich um die Pressekontakte, und andere Belange, wie zum Beispiel geistiges Eigentumsrecht.

Fédération française de la couture, Fashion Shows

Alle vier dieser Organisationen stehen miteinander in Kontakt und sprechen sich u.a. über ihre Schauenkalender ab. Alle vier fördern mit verschiedenen jährlichen Awards junge, aufstrebende Designer, und ehren solche, die sich um die jeweilige Mode des Landes verdient gemacht haben.
Alle vier haben die führenden Köpfe ihres nationalen Modebusiness in ihren Gremien sitzen, Leute also, die nicht nur wissen, wovon sie reden, sondern es auch umsetzen können.

Berlin und Deutschland fehlt genau das, eine zentrale Organisation, das sich darauf fokussiert, die deutsche Mode im In- und Ausland, wenn das Wort erlaubt ist, cool zu machen -zu branden- und somit eigenes Kulturgut zu fördern, anstatt sich an anderen Ländern zu orientieren, oder fragwürdiger noch, das eigene herunterzumachen.
Es bräuchte nur einen starken Interessenverband, nach den oben aufgeführten Vorbildern, mit Wirtschaft, Kultur und Politik assoziiert, und in dem deutsche Modefachleute sitzen.
Warum nicht, wie beim CFDA mit Diane von Fürstenberg, beispielsweise eine Jil Sander als Präsidentin?
Das Potential ist da.

Kunsthochschule Berlin-Weißensee, „Seefashion12″

Auch zu dieser Fashion Week präsentierten einige Berliner Kunst- und Modehochschulen wieder ihr Portfolio an jungen Talenten. Eine gute Gelegenheit, drei der wichtigsten, die Universität der Künste (UdK), die Kunsthochschule Berlin-Weißensee und die Esmod International University of Art for Fashion im Vergleich zu sehen. Was sind die Stärken, wo findet sich kreative, wo Marktorientierung? Welche Abgänger kennt man?

Kunsthochschule Berlin-Weißensee
Die Modeschule ist für die meisten Modedesigner die einzige Zeit, und der einzige Ort, um sich wirklich auszuprobieren, und frei von kommerziellen Zwängen oder unternehmerischen Richtlinien die eigene Sprache, den eigenen Stil zu finden.
Dementsprechend ausgefallen und unkonventionell zeigten sich die Entwürfe der Studenten der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Gestalterische Vielfalt und Rafinesse bewiesen diese, als sie in der Gemäldegalerie der staatlichen Museen ihre Entwürfe auf den Catwalk schickten. Die Universität zeigt klar, dass sie in Sachen Out-of-the-box-thinking die Nase vorne hat, was sich auch an der Berliner Jungdesignerszene wiederspiegelt.
Einige der erfolgreichsten Avantgardisten der Stadt haben in dieser Kreativschmiede ihre Lehrjahre abgeleistet: Michael Sontag, Gewinner des „Start Your Fashion Business“ Awards 2011, sowie das zweitplatzierte Designduo Perret Schaad; der diesjährige „Designer for Tomorrow“ Finalist Siddharta Anselm Meyer, die Gewinnerin von 2011, Alexandra Kiesel, der Gewinner von 2010, Parsival Cserer; c.neeon und viele weitere. Diese Erfolgsserie spricht für sich.

Kunsthochschule Berlin-Weißensee, „Seefashion12″

Universität der Künste
Die UdK kam im Zelt der Mercedes-Benz Fashion Week deutlich aufgeräumter, aber nichtsdestotrotz kreativ daher: Orientiert an Klassikern wurde auf moderne Weise interpretiert. Hier geht es weniger ausgelassen, etwas verkopfter, vielleicht etwas realistischer an die Anforderungen in der späteren Berufswelt angepasst, zu.
Trotz der wechselnden Berühmtheiten wie Vivienne Westwood im Lehrkörper fallen spontan wenige Abgänger des Modedesign-Studienganges ein.
Von Wedel & Tiedeken, die sich 2009 trennten, waren ein UdK-Label. Die UdK Alumni, deren Stärke eine künstlerisch-konzeptionelle Ausbildung ist, kommen nach dem Studium zum Beispiel als Kreativdirektoren, oder bei Labels wie Acne oder Jil Sander unter.

Universität der Kunste, „schau12″

Esmod International School of Art for Fashion
Die eigentliche Graduate-Show der Esmod liegt erst ein paar Wochen zurück, doch während der Fashion Week ein Event auf die Beine zu stellen, ließ sich die Hochschule nicht nehmen.
Im Deutschen Historischen Museum zeigten sie die diesjährigen Gewinnerkollektionen des Abschlußjahrgangs, sowie einige Ehemalige, darunter David Ubl und Julia Knüpfer. Die Stärke der Esmod ist ein handwerklich orientierter Lehrplan und eine wirtschaftsnahe Arbeitsweise. Ehemalige der Esmod sind unter Anderem Barre Noire, Damir Doma, Frida Weyer, Kaviar Gauche, Marios Schwab, Mongels in Common, Patrick Mohr, Eva Poleschinski (ep_anoui), Ivan Man und JULIAANDBEN.

Abschlusskollektion Karen Jessen, Esmod

David Ubl, Esmod Alumnus 2008

Abschlusskollektion NauvaNauva; rechts: Geminschaftsoutfit von Schülern des 2. Jahres

Mögliche Galliano-Nachfolger. Foto via anneofcarversville.

Der Designertransfermarkt ähnelt derzeit ein wenig dem des Fussballs. Wer wechselt wohin, wie viel wird bezahlt, steigen die Aktien? Der Posten des Dior-Chefdesigners ist nicht fest besetzt, seit dem unglimpflichen Verschwinden Gallianos, doch die Gerüchteküche kocht heiß, zuletzt über Christopher Kanes möglichen Einstieg; Stefano Pilati verlässt YSL, YSL heuert Hedi Slimane an; Jil Sander feiert ihr Comeback, dafür muss Raf Simons gehen.

Der Persönlichkeitskult um den Designer begann um die letzte Jahrhundertwende, gerade als die Monarchien Europas in ihren letzten Atemzügen lagen. Die Demokratisierung der Mode erhob ihre Kreateure zu den neuen Adligen. Die großen Modehäuser, die in dieser Epoche gegründet wurden, von ca.1910 bis ca. 1990, sind auch diejenigen, die heute noch Einfluss haben.

Paul Poiret erfand sich selbst als Künstler, der Mode machte. Der Modedesigner wurde zu einer höchst mystifizierten Persönlichkeit, Herrscher über die Mode, Diktator der Coolness, Ausstatter der High Society. Coco Chanel, Christian Dior, Yves Saint Laurent, Giorgio Armani – allesamt nutzten dieses Image des Designers, das des Künstlers am menschlichen Körper, um die Mode ihrer Zeit zu beherrschen. Sie sind bis heute die einflussreichsten Häuser der Mode.
Doch die Designer, die ihnen ihren Namen gaben sind größtenteils verschwunden.

Stattdessen werden von den heutigen Besitzern der Modehäuser – Businessmänner der Riege Bernard Arnaults – die vielversprechendsten jungen Talente eingekauft, um den Luxusmarkt und den Mythos des Universalgenies Designer weiter am Laufen zu halten.
Denn, wie Dana Thomas in Deluxe. How Fashion Lost Its Luster schreibt: „the luxury industry is the only area in which it is possible to make luxury margins“.

Bernard Arnault. Foto: via fashionweekdaily

Man kann sicherlich argumentieren, dass dieses neue Businessmodell die großen Häuser gerettet habe – möglicherweise hätten viele Labels ohne den Schirm von LVMH, PPR und der Gucci Group, sowie deren Lizenzen, die Umwälzungen der letzten 20 Jahre nicht überlebt. Wenn es aber in der Luxusindustrie weder um Qualität, noch um die Aura ihrer Schöpfer geht, wie viel Agenda kann ein junger Designer dann noch haben?
Wenn Designer nur noch für Profitmaximierung eines nicht ihnen gehörenden Labels zuständig sind, wie kreativ kann dann ihre Mode sein? Ähnlich wie beim Fussball, um an der Analogie festzuhalten, wo zwar die Clubs bestehen bleiben, die Spieler aber wechseln, stagniert die Mode derzeit. Um wirkliche Umsätze zu erzielen, muss ein Label bereits einen etablierten Namen haben, denn Luxus bedeutet heute nicht mehr im selben Maße wie früher hochwertige Verarbeitung und Materialien, sondern das richtige Etikett im Kragen.
Deshalb ist der Designer zum Gebrauchsgut „verkommen“. Labels haben Fans, Designer schießen die Tore oder werden auf die Ersatzbank verbannt.

Loic Prigeant sagte vor Kurzem bei einem Screening seines Dokumentarfilms „Marc Jacobs and Louis Viutton“ am FIT, dass all die Modehäuser in welchen er gefilmt habe (Chanel, Dior, Lanvin u.a.) noch heute vom geist ihrer Gründer erfüllt seien: bei Chanel besipielsweise herrsche eine genauso gemeine Stimmung wie die der Gründerin, die ihre Angestellten des Morgens auf Toilette inspizierte und Streikende feuerte.
Marc Jacobs habe Glück gehabt, so Prigent weiter, denn Louis Vuitton habe keinen Mythos um seinen Gründer, er habe den Raum, sich dort zu entfalten.
Die Geister der Vergangenheit scheinen die Branche, die das Morgen ausstattet, zumindest in Europa, fest im Griff zu haben.

Coco Chanel. Foto via loveisspeed.

Carla Sozzani, Chefredakteurin der Vogue Italia, von Le Monde gefragt, warum Italien seit Dolce & Gabbana keine neuen Modehäuser mehr hervorgebracht habe, erklärte ihre Sicht der Dinge folgendermaßen: „Die jungen Designer heute haben keine Lust zu leiden. Sie wollen lieber von den großen Gruppen für einen glorreichen Posten angeworben werden, anstatt sich selbständig zu machen. Valentino, Armani, Dolce & Gabbana haben es geschafft, weil sie etwas ausdrücken wollten und sie haben für ihr Ziel gearbeitet.
Man kann es eine Art von Egoismus nennen, wenn man nicht für seine Kunst leiden will, oder?“

Eines steht fest: die Modeindustrie hat sich gewandelt, seit sie von Konglomeraten regiert wird, und diese herrschen gerne alleine. Allentscheidend sind Umsatzzahlen und das Image. Die Mode – zwar immer schon eine Industrie der Gebrauchsgüter – scheint ihre Verankerung in der Kunst zu verlieren.
Eine Frage bleibt jedoch: wo wäre die Kunst – beziehungsweise die Mode – heute, ohne das Leid und die Freiheit ihrer Künstler?