Das Jahr 2013 liegt in den letzten Zügen – Zeit für uns, Revue passieren zu lassen, was uns im vergangenen Jahr bewegte. Im ersten teil blicken wir zurück auf das erste Quartal: Berlin Fashion Week, unsere spannendsten Features und Nachrichten aus der Mode im Rückblick. 

Januar 2013

Der Januar stand unter dem Stern der Berlin Fashion Week: Die vielversprechendstan Nachwuchsstars der Berliner Modeszene wurden im Januar 2013 in den bekannten Nachwuchswettbewerben gekürt: aus dem DfT-Award im Juli ging Leandro Cano als Sieger hervor, der mit Keramik auf dem Laufsteg glänzte. Der Premium Young Designers Award ging an Tom Van Der Borght, Asger Juel Larsen und Benedetta Bruzziches.

Als Hitserie des Jahres setzten wir uns mit Lena Dunhams TV-Show Girls auseinenader, und wie Mode dort hilft, überzeugende Charaktere zu kreieren. Kostüme beschäftigten uns auch in einem anderen Feature, Hollywoods größte Kostüm-Designer interessierten uns im Januar 2013 mit einem Auge auf die im Februar stattfindenden Oscars, sowie den nominierten Filmen.

Zum It-Look des Jahres erklärten wir im Januar den Granny-Look. Nicht ganz unschuldig an diesem: Ari Seth Cohen von Advanced Style und Lena Dunham.

Februar 2013

Im Februar ging es für Anita nach Paris und für Barbara nach London zu den Modewochen. Begeistert waren wir von Mugler, den Showrooms, dem London College of Fashion und KTZ.

In Sachen Features waren wir ein wenig morbide aufgelegt und beschäftigten uns mit dem Tod: eine Fashion Film Variety sowie ein Feature zum Thema Tragisches aus der Modewelt beschäftigte sich mit dem Ableben von Models und Designern.

Zu guter Letzt gab es noch eine Auseinandersetzung mit dem Thema Zef, grob zusammen gefasst ein Lifestyle der ein bisschen an White Trash erinnert, oder wie Lena Dunham als Hanna in Girls sagt: “it costs a lot of money to look this cheap”.

Die Ausstellung zu dem britischen Couture-Haus Belleville Sassoon am Fashion and Textile Museum in London begleitend, hat Kuratorin Sarah Vine eine kleine, aber feine Auswahl an „modischen“ Büchern der vergangenen sechs Jahrzehnte zusammengetragen. Die literarischen Werke, die teils gar nichts mit dem Thema Mode zu tun zu haben scheinen, stammen allesamt aus den Archiven von Penguin Books und haben eine stylische Leserschaft oder ProtagonistIn gemeinsam. Wir haben Sarah Vine zu der ungewöhnlichen Idee befragt.

Modabot: Wie haben Sie die Bücher ausgewählt?
Sarah Vine: Die Auswahl sollte den Geschmack und die Sitten ihrer Zeit widerspiegeln, entweder durch zeitgenössische Fiktion einer Ära oder Klassiker, die in einem bestimmten Zeitraum wieder an Aktualität gewannen – zum Beispiel „Brideshead Revisited“ in den frühen 80ern.

Modabot: Wie kamen Sie auf de Idee, eine „Fiction in Fashion“ Ausstellung zu konzipieren?
Sarah Vine: Die Ausstellung untersucht, wie modische Frauen sich kleiden, von den 1950er bis in die 2010er Jahre. Eine Diskussion über die Leben dieser Frauen – wo sie ausgingen, wie sie sich die Zeit vertrieben – gab Ausschlag dazu, sich in der jeweils beliebten Literatur der Jahrzehnte umzusehen.

Modabot: Welchen Zusammenhang haben Mode und Literatur Ihrer Meinung nach?
Sarah Vine: Literatur ist eines der Werkzeuge, das Modehistorikern zur Verfügung steht, um Mode zu analysieren: die Beschreibungen der Mode einer Ära können Einblick darüber geben, was die Leute trugen. Auch Literatur unterliegt Moden, die sich mit der Zeit ändern.

Modabot: Welche Art der Präsentation haben Sie für die Bücher gewählt und warum?Sarah Vine: Die Bücher sollten im direkten Austausch mit den Kleidern stehen, damit sollte die Verbindung beider Welten reflektiert werden.

Modabot: Was sagen die ausgewählten Bücher und die Kleidung über die Gesellschaft der jeweiligen Dekaden aus?
Sarah Vine: Ich glaube, dass Bücher durch die verschiedenen Jahrzehnte die Veränderung der Gesellschaft widerspiegeln, die Offenheit und Entspannung der Traditionen. Sie können aber auch eine gewisse Nostalgie ausstrahlen – schön zu sehen an der Beliebtheit  Jane Austens oder Evelyn Waughs.

Modabot: Gibt es, ihrer Meinung nach, einen britischen Stil in Kleidung und Literatur? Wenn ja, was ist der gemeinsame Nenner?
Sarah Vine: Britischer Stil, sowohl in Kleidung als auch in Literatur verfügt über eine gewisse „Wryness“ (zu dt. etwa: Schiefheit) sowie Understatement. Beide Disziplinen können geschliffen, souverän, intelligent und herausfordernd sein, aber immer mit einem gewissen Witz und Erdung.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 11. Januar, mehr Infos gibt es hier.

Iris van Herpen, Nick Knight und Daphne Guiness haben sich im April für „Splash“ bei Showstudio zusammen gefunden; bei dieser Kollaboration stellte der Photograph einen Kreis aus Highspeed Kameras auf und bewarf die irische Biererbin mit schwarzen und klarem Wasser. Iris van Herpen nahm darauf hin die Bilder und entwarf ein Kleid.

Dazu hatten noch die Künstler Geoffrey Lillemon und Salvador Breed ein Video mit dem Titel „Sonomorphic Mirror“ gefilmt, der sowohl akustisch und visuell den Arbeitsprozess darstellen soll.
Dieser Arbeitsprozess wurde am 3. und 9. April live auf SHOWstudio übertragen und wurde nun mit einem Shooting des Kleides, das nach der Zusammenarbeit im 3D-Laserdruck  entstanden ist, vervollständigt.
Das Kleid, sowie das Video, gehörten zu einer PR-Aktion der Juni Ausstellung im SHOWcabinet und der darauffolgenden Ausstellung im Centre Pompidou Paris.

Forbes-Liste: Amancio Ortega reichster Modeunternehmer
Inditex-Chef Amancio Ortego, zu dessen Imperium Zara, Bershka, Massimo Dutti und andere Marken gehören, hat nun LVMH-Chef Bernard Arnault überholt und ist laut Forbes Magazine mit einem Vermögen von 57 Mrd Dollar der reichste Modeunternehmer der Welt.
Profashionals reagierte mit einer amüsanten Liste der „10 ärmsten Modemilliardäre“. Auf Platz 9 findet sich hier z.B. Urban Outfitters-Gründer Richard Hayne („nur“ 1,6 Mrd. Dollar schwer), Platz 1 belegen gemeinsam Tory Burch und ihr Exmann Christopher Burch mit je 1 Mrd. Dollar Vermögen und einem traurigen Platz 1342 der Forbes-Liste.
[Textilwirtschaft]

Cro für H&M
Deutschrapper Cro versucht sich jetzt auch in Mode. In Kooperation mit H&M wird es ab dem 4. April 2013  eine limitierte Kollektion des Rappers geben, die in rund 200 Stores und im Onlineshop in Deutschland, Österreich und den Niederlanden erhältlich sein wird. Die sommerliche Kollektion umfasst je 10 Teile für junge Männer und Frauen mit vielen Prints, Jerseystoffen und Jutebeuteln. Die Illustrationen auf den Oberteilen wurden von Cro sogar selbst designt, der frühere Designer und Cartoonist konnte hier seine Wurzeln mit einbringen. [FashionDaily]

Amazon mit erstem TV-Werbespot für Modesparte
Der US-Onlinegigant Amazon.com hat am Montag seinen ersten TV-Werbespot mit Fokus auf seine wachsende Modesparte vorgestellt. Der 30-Sekunden-Werbespot ist auch auf der Homepage von Amazon zu sehen und soll sowohl Amazon selbst als Modeanbieter, als auch den Modebereich von Amazon besser präsentieren. [Textilwirtschaft]

André Leon Talley verließ US Vogue wegen aus monetären Gründen
Money Money Money. Darum ging es zumindest dem Contributing Editor André Leon Talley, als er die amerikanische Ausgabe der Vogue verließ. Während Anna Wintour 2 Mio. Dollar jährlich kassiert, musste er mit spärlichen 200.000 Dollar auskommen. Grund genug für ihn als Editor-at-Large zur russischen Ausgabe von „Numéro“ zu wechseln. Talley gab an, dass er mit seinen 64 Jahren bald an das Dasein als Rentner denken und daher finanziell vorsorgen müsse.
[Fashion Telegraph]

Einigung im Rechtsstreit nach PR-„Bitchslap“
Der Wettstreit um die besten Plätze bei einer Fashion Week Show ist ein bekanntes Phänomen. Letzten Herbst rutschte dabei der Jalouse-Redakteurin Jennifer Eymere offenbar die Hand aus und landete im Gesicht der PR-Dame Lynn Tesoro, die sich um die Zac Posen Spring/Summer 2013-Show kümmerte. „Don’t fuck the French“, wurde Eymere nach der Show zitiert. Eymere wurde im Anschluß von Tesoro auf 1 Mio. Dollar verklagt. Nun wurde die Klage fallen gelassen und das Problem außergerichtlich geklärt. [Fashionista]

Der Hearst Fashion Hack fand in diesem Jahr, während der New York Fashion Week zum ersten Mal statt, und brachte Computer und Couture zusammen.
Das Event versammelte Teilnehmer aus den Bereichen Mode und Tech, um in einer 24-Stunden Challenge kreative Apps und Lösungen für die Modebranche zu ersinnen. 

Der Gewinner des Wettbewerbs ist eine App mit dem Namen Drobe – wie „Wardrobe“ – deren Gestalter sich am Tag des Events kennenlernten, und am Ende des Selbigen mit 10.000 Dollar nach Hause gingen.
Die App erlaubt es den Usern, sich in einer Collagentechnik Outfits zusammenzustellen, basierend auf den vorher eingestellten Vorlieben des Benutzers. Als Quelle dienen der App die Archive und und Websites von Hearst Publikationen wir Elle, Harper’s Bazaar, Marie Claire und Cosmopolitan.
Die Kleidungsstücke können anschließend direkt aus der App gekauft werden. Andere spannende Vorschläge suchten Kleidung z.B. beruhend auf Musikgeschmack bei Spotify aus.

Hearst reagiert mit dem Event auf eine sich verändernde Medienlandschaft, in der die Nutzung von mobiler Technologie bisher zu wenig Beachtung fand.
Man bereue, nicht schon früher damit begonnen zu haben, so Hearst Magazines Präsident David Carey.

In der vergangenen Woche fand in Paris die Haute Couture Woche statt, in der die großen Modehäuser wie Dior, Chanel und Valentino ihre Frühjahr-Sommer-Kollektionen 2013 präsentieren.
Neben den etablierten Designern hatte die „Chambre Syndicale de la Haute Couture“ als Gäste diesmal die Designer Hervé Leroux, Lefranc Ferrant, Zuhair Murad und Rad Hourani. Die spannendsten und interessantesten Kreationen im Überblick:

Maison Martin Margiela, Paris Haute Couture Spring 2013

Traditionell verhüllte Gesichter und Bonbonpapier gab es bei Maison Martin Margiela zu sehen. Die Show bestach durch lange Kleider mit auffallenden Stoffen und wilden Mustern, alles kombiniert mit weißen Plateaus.
Bunte Stickereien und Federbustier als exotisches Highlight und Kontrast zum silbernen Mantel daneben.

Bei Valentino wurde man in ein Paradies aus bestechend schöner Abendgarderobe entführt. Die Schneiderkunst bei den Kleidern ist beeindruckend, bei einem Exemplar wurden bis zu 1500 Stunden Arbeit investiert.

Valentino, Paris Haute Couture Spring 2013

Schwarz- und helle Weiß- und Beigetöne dominierten bei den Kleidern, eine Kombintation mit Rot oder auch aufwendige Blumenmuster kamen zum Einsatz. Die Kollektion wirkte natürlich und geheimnisvoll schön. Die Valentino-Designer Maria Grazia Chiuri und Pierpaolo Piccioli wollten in einen verwunschenen Garten entführen und erklärten, dass Couture magisch sein muss. Diesen Zauber versprühten sie tatsächlich.

Bei Chanel wählte Karl Lagerfeld diesmal einen dunklen, wuchernden Wald als Kulisse. In Kombination mit dem Grand Palais also ein perfekter und eindrucksvoller Hintergrund für die Schau.

Chanel, Paris Haute Couture Spring 2013

Neben typischen Chanelkostümen gab es bauschige Kleider und Federn. Der Kontrast aus beigem Tweetkostüm und Zombibraut gelingt perfekt. Vor allem die Kreationen, die neben dem Federkleid mit großen Lederstiefelen kombiniert werden, haben einen starken Gothiclook, Lagerfelds Märchen im Wald mit der bösen Hexe gelang ihm.

Raf Simons entwarf für Dior seine zweite Couture-Kollektion und wählte das Thema Garten als Symbol für Natur, Wachstum und Veränderung.

Dior Paris Haute Couture Spring 2013

Die Models präsentierten mit burschikosen Kurzhaarschnitten die Garderobe von Dior, die zwar sehr schwarz begann, die Farbleggins unterbrachen den dunklen Look aber gleich. Sehr viele Rot- und Gelbakzente waren zu sehen, und die Liebe zu Detail wurde sehr gut sichtbar.
Auf Kleider gefallene Blätter, erblühende Knospen auf Handschuhen und wachsende Blumenwiesen auf Oberteilen waren zu sehen. Simons stellte mit seiner Kollektion den sanften Übergang der Jahreszeiten und den Verlauf in der Natur dar, alles aber sehr konzentriert auf den Sommer und starke Farben.

Die Niederländerin Iris van Herpen ist bekannt für ihre avantgardistischen Kreationen, und auch diesmal enttäuschte sie nicht. Mit dem Warnhinweis „Voltage“ begann die Show und der Saal wurde erstmal unter Strom gesetzt.

Von Highheels mit astronomisch hohen Absätzen wurde man dank der 3D-Outfits auch in eine andere Welt versetzt. Wie mit lebendigen schwarzen Kristallen besetzt, wird ein Kleid präsentiert, begleitet mit sphärischer Musik der kanadischen Sängerin Grimes, die eine Muse für van Herpen ist.
Flauschige, korallenartige Lebewesen sind auf anderen Stücken zu sehen, ein Kleid aus futuristischen Metallorigami-Applikationen runden den Trip durch das Weltall ab. Die Kollektion sollte Elektrizität und Science-Fiction verbinden und verwendet sogar neue, flexible Hightechmaterialien, die laut van Herpen noch nicht mal einen Namen besitzen.

Bei dem italienischen Designer Giambattista Valli dreht sich anfangs alles sehr um Schwarz-Weiß-Kontraste, danach geht der Fokus aber schnell über in blumige Eindrücke.

Giambattista Valli, Paris Haute Couture Spring 2013

Die romantischen Roben mit auffälligen Blütenstickereien wirkten sehr verspielt, und es gab viele Muster zu sehen. Neben den blumigen Akzenten sind viele Zebra- und Krokomuster zu sehen, aber auch Luchs- und Leopardenprints. Viel Tüll und Seide lassen die Stücke sehr rokoko-esque wirken und runden die vorhergehenden Schwarz-Weiß-Prints ab.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Giacomo Leopardi, der große italienische Dichter, schrieb 1824 einen Dialog zwischen der Mode und dem Tod. Darin erkennt der Tod, der Feind der Erinnerung, seine Schwester, die Mode, nicht wieder, als sich ihm diese offenbart.
Dabei, so argumentiert diese, sind sie beide „born of decay“, haben also die selbe Mutter. Doch liegt es auch in der Natur beider, die Welt ständig zu erneuern.

Edgar Allan Poe schrieb, der Tod einer schönen Frau sei „zweifelsohne das poetischste aller Themen“. Ein Gedanke seiner Ära – das viktorianische Zeitalter pflegte eine andere Beziehung zum Tode als man das heute gewohnt ist. Fotografien verstorbener Familienmitglieder, sogenannte post-mortem Fotografie, sollten das Andenken an Geliebte über ihren Tod hinaus stärken.
Damals eine ganz normale Umgangsweise mit dem Verlust, heute ein Anblick, der Tabus verletzt.

Post-Mortem Fotografie. Bild via

In dieser Ära, in der korsettbedingte Blutarmut und vornehm-kränkliche Blässe das Schönheitsideal stellten, wurde der tote Frauenkörper in Literatur und Gemälden bis hin zum Stereotyp reproduziert. Insbesondere Suffragetten, die zu dieser Zeit Frauenrechte einzufordern begannen, aber auch unpolitische, attraktive Frauen wurden als bedrohlich wahrgenommen, weil sie eine unkontrollierbare Macht über Männer besaßen.
Um der Schönheit also ihre erotische Gefahr des Kontrollverlusts zu nehmen, entstand eine Konvention, in der Frauen leblos dargestellt wurden.

John Everett Millais, Ophelia. 1851-52. Bild via

John Everett Millais, Anhänger der ersten Avantgarde-Kunstbewegung, brachte das wohl bekannteste solcher Frauenbilder hervor, die leblos im Wasser treibende, den Tod scheinbar willkommen heißende Ophelia.
Dass dieses Bild eine Kunst-Konvention geworden ist, zeigen popkulturelle Referenzen von Kylie Minogue bis hin zu Lars von Trier, der Kirsten Dunst in Melancholia nach ihrem Vorbild inszeniert.

Kirsten Dunst in „Melancholia“. Bild via

Kylie Minogue „Where the Wild Roses Grow“ Bild via

Guy Bourdin war wohl der Erste, der diese Bildsprache in die Modefotgrafie übertrug. Seine Modestrecken schockierten, sandten eine morbide Faszination aus.
Nick Knight sagte über die Ikonografie Bourdins folgendes: „Fear is something that we, despite ourselves, want to experience. And I think the violence does add glamour in a kind of perverse way.“
Dieses Nicht-Wegsehen-Können, aber auch nicht wirklich hinsehen dürfen, ist eine mächtige Emotion, die die Darstellung von Gewalt in uns auslöst.
Gepaart mit Erotik und Schönheit multipliziert sie sich ins Unendliche. Bourdin nutzte diesen Kampf zwischen Gut und Böse in seinen Fotografien, kämpfte ihn wohl auch mit sich selbst.
Auch Helmut Newton nutzte den Effekt für seine Fotografie, spielt visuell direkt auf Bourdin und Millais an.

Guy Bourdin, Bild via

Guy Bourdin, Bild via

Helmut Newton, Bild via

Wie Ingrid Loschek in Wann ist Mode bereits bemerkt, ist „die Provokation (…) nichts anderes, als die Verführung, sich mit dem Dargestellten zu beschäftigen“. Da die Modefotografie, die meist als Teil einer Strecke in einem Magazin erscheint, und daher kurzlebiger ist, als die Kunstfotografie, schnell überzeugen muss, bedienen sich ihre Künstler dieser Provokation.
Der Tod wird zum Punktum, wie Barthes es benennt, der Tabubruch wird zum Verweilort des Blickes.

Seana Cavanagh, Bild via

Die Schönheit der Mode wird durch ihre prekäre Existenz unterstrichen. Schön bis zum Ende, und dadurch endlos schön werden die Frauen in dieser Konvention des Betrachtetwerdens dargestellt – eine weit zurückreichende visuelle Tradition, die Frauen für ihre Schönheit verehrt, ihnen aber jegliche Agenda, jegliche Teilhabe am Kunstwerk abspricht.
Das Model wir durch ihre Passivität auf das rein Körperliche reduziert, der Mann als Fotograf oder Maler stellt seine Position als der Schaffende, der Akteur wieder her. Vielleicht sind Phänomene wie Rick Genest, bekannt als Zombie Boy, ein Anzeichen für das Auflösen dieser Tradition, der schöne Tod ist nun nicht mehr nur der Frau vorenthalten.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Dem Zahn der Zeit entgehen – der einzige Weg, dem äußerlichen Verfall zu vermeiden und unsterblich zu werden, ist der verfrühte Tod selbst. Hier haben Mode und Tod ihre Schnittmenge – sie leben vom Werden und Vergehen, lediglich der Stillstand ist für sie tödlich.

Eine „Fashion Design Revolution“ nennen die beiden New Yorkerinnen Mary Huang und Jenna Fizel, die Gründerinnen des Modelabels und Designlabs Continuum, ihre neueste Kopfgeburt: CONSTRVCT. Das derzeit auf Kickstarter zu findende Projekt, das seinen Zielbetrag bereits erreicht hat und somit verwirklicht werden kann, ist in der Tat eine technische Innovation.
Es handelt sich dabei um eine interaktive Modekollektion, in der jeder zum Modedesigner werden kann. Eigene Fotos, Kunstwerke oder Bilder können online auf CONSTRVCT hochgeladen und in individuelle Prints für Kleider oder Shirts verwandelt werden.

Derzeit gibt es die Möglichkeit, sich ein Kleid oder ein T-Shirt aus Baumwolljersey selbst zu designen, andere Styles sollen in Zukunft hinzukommen.
Die verfügbaren Größen variieren von 0-16, in den Ausführungen standard, petite, und tall. Auch Maßanfertigungen sind möglich. Preislich liegen die Kleider bei ca. $250, die Shirts für Herren und Damen deutlich darunter.

Die Idee der beiden aus dem vergangenen Jahr übrigens, die ihren erhofften Mindestbetrag nicht erreichte, hatte es auch in sich. Computational Couture, also maßangefertigte und selbst designte Couturekleidung, basierend auf 3D-Technologie war damals die Vision der beiden.
Schade, dass das Projekt nicht mehr Unterstützung fand.