Mode im Museum? Bis Diana Vreeland sich 1973 der Angelegenheit annahm, und die Ausstellungen des Costume Institute des Metropolitan Museums in New York zu den größten Kunstevents des Jahres ausbaute, eine Undenkbarkeit. Heute hat jedes moderne Museum, das ein bisschen etwas auf sich hält, zumindest eine Modeausstellung auf dem Kerbholz.
Wenn auch die Mode noch immer um ihre prekäre Positionierung an den Fransen der Kunst zu kämpfen hat, so wird die (Mode-)Kuration an ihrer statt derzeit zur Kunstform erhoben.

Eines von Vreelands Projekten – Vreeland muss in diesem Artikel als Blueprint und Präzedenzfall einer Modekuratorin herhalten – war die Ausstellung über Yves Saint Laurent 1983. Mit ihr brach man ein absolutes Tabu der Kunstwelt: sie brachte einen noch lebenden Modemacher in das museale Umfeld. Eine Verkaufsveranstaltung, unkten die Kritiker, die YSL lieber ein Stück weiter unten in der 5th Avenue gelassen hätten, auf der Ladenfläche des Luxushauses, anstatt ihr schönes, der hohen Kunst gewidmetes Museum mit Mode zu beschmutzen.

Mittlerweile ist die jährliche Met Gala fest im Red-Carpet-Kalender verankert, das Museum ist zu einer interaktiven Erfahrungsfläche geworden, das Disneyland des Camps, Entertainment mit intellektuellem Mehrwert.
Für die Museen ist die Modeausstellung eine willkommene goldene Cash- und PR-Cow, nicht zuletzt, weil sich durch sie auch hochkarätige Sponsoring-Partner, wie etwa Moda Operandi (From Punk to Chaos) Amazon (Schiaparelli and Prada) oder American Express und Condé Nast (Savage Beauty) finden lassen.

Die bisher erfolgreichste dieser Ausstellungen, Alexander McQueen: Savage Beauty, spülte 2011 sage und schreibe innerhalb von drei Monaten 661,509 Menschen in die Eingangshalle, und etwa $14,603,862, Merchandise inklusive, in die Kassen des Metropolitan Museums.

Ob sich dadurch, neben den Verkaufszahlen der Modehäuser, dem Image von Sponsoren und den Budgets der Museen, auch am Status der Mode als Kunstform allgemein etwas ändert, ist diskussionswürdig, aber die Diskussion alleine ist schließlich auch schon was wert.
Fest steht, dass Kuratoren wie Harold Koda, Valerie Steele oder Andrew Bolton die neuen heimlichen Stars der Modeszene geworden sind – ein Job mit dem sich gutes Geld machen lässt. So interessant für junge Menschen offenbar, dass das London College of Fashion nun einen Masterstudiengang Fashion Curation anbietet.

Auch in Deutschen Landen wird versucht, sich ein Stück vom Modeausstellungskuchen abzuschneiden. Derzeit zeigt das Museum Angewandte Kunst (MAK) in Frankfurt die von Mahret Kupka kuratierte Ausstellung „Draußen im Dunkeln. Weitermachen nach der Mode“, das NRW-Forum Düsseldorf zeigt „Alaïa. Azzedine Alaïa im 21. Jahrhundert“, und in München lockt das Stadtmuseum mit „Geschmackssache. Mode der 1970er Jahre“.

Gemeinsam ist all diesen Sammlungen eines: sie sind Indikatoren eines gesellschaftlichen Wandels, den das Wall Street Journal folgendermaßen beschreibt: „It’s a high-profile indicator of an intellectual trend that has been building for decades. Fashion is shedding its cultural stigma. It is increasingly recognized as a significant cultural activity—indeed, one of the defining characteristics of our civilization.“

Mode bekommt also mehr und mehr den Status eines Gesellschaftsbarometers zugeschrieben, den sie sicherlich zum Teil verdient hat – doch ist hier auch Vorsicht geboten. Die Unkenrufe der Kritiker aus den 80ern hallen nach: Ausstellungen sollten nicht aufgrund ihrer Popularität allein veranstaltet werden. Wenn Kunst von nun an mit den Kassenergebnissen dieser „Blockbuster-Mode-Ausstellungen“ messen muss, schadet das sowohl der Kunst, als auch der Mode und der Gesellschaft. 

Das Berlin Fashion Film Festival geht in die zweite Runde: Berlin Film Society, Fier Management, Furore Film und London College of Fashion wählen unter den zahlreichen Einsendungen die Finalisten, die am 4.Juli zur Berlin Fashion Week gescreent werden und im Rahmen einer Award Ceremony die Gewinner auszeichnet.

Eine internationale Jury bestehend aus dem Duo AlexandLiane (Best Cinematography), Boris Entrup (Best Make-up & Hair), DJ Hell (Best Music), James Rose (Best Editing), Michael Schachtner (Best Idea/Script), Sarai Maino (Best Fashion) und Steve Summersgill (Best Production Design) wählen die Sieger in den entsprechenden Kategorien.
Noch bis zum 15. Mai kann man sich mit seinem Fashionfilm hier bewerben.

Wie die derzeit stattfindende Ausstellung am London College of Fashion zeigt, sind die Möglichkeiten, die das 3D-Printing für die Mode eröffnet, beinahe unbegrenzt – die einzige Einschränkung scheint das menschliche Vorstellungsvermögen zu sein.
Die Avantgarde der 3D-Print nutzenden Modemacher pusht aber genau diese vermeintlichen Grenzen. Eine Auswahl an wahrlich visionären Anwendungsbeispielen und die ungelösten Probleme dieser Technik – ein Blick durchs Schlüsselloch der Zukunft.

Neben medizinischen Einsatzgebieten – von Zahnersatz, künstlichen Nieren und Nanorobotern, die medizinische Eingriffe vornehmen sollen – über Häuser und Möbel und Waffen scheint die Technologie des 3D-Prints alles zu können. Die bisherigen Einsatzgebiete sind jene, in denen die Werkstoffe fest und/oder chemisch sind, Architektur eben oder Interior- und Produkt Design.
Sogenannte Bioprinter, basierend auf Molekulartechnologie, drucken aber potentiell sogar Fleisch und Schokolade: der 3D-Druck klingt wie die eierlegende Wollmilchsau der Wissenschaft.
Vergessen ist der Lieferservice, die Pizza wird in Zukunft direkt vom Sofa aus runtergeladen und ausgedruckt, oder?

Nun gut, bis es so weit ist, dass jeder Konsument seinen eigenen 3D-Drucker zu Hause stehen hat, dauert es wohl noch eine Weile. Die günstigsten Open-Source Printer fangen bei ca. 300€ an, sind dann aber in Sachen Material stärker festgelegt als die teureren Geräte.
Auch steckt das Bioprinting, welches für die Mode besonders interessant ist – man denke an nahtlos gedruckte Baumwollshirts oder Seidenkleider – noch in den Kinderschuhen. Die schiere Anzahl an Youtube-Videos und Blogeinträgen lädt aber bereits zur Euphorie ein.

3D-Druck ermöglicht zuvor nicht realisierbare Formen, Materialverbindungen und Eigenschaften für Designs. Für Designer heißt das, das sich zuvor unerforschte Welten auftun. Ganz vorne mit dabei ist Modemacherin Iris van Herpen, die zusammen mit der israelischen Architektin Neri Oxman die ersten Vorstöße in das unerforschte, zukunftsträchtige Universum vornimmt.

Besonders interessant dabei für die Modebranche: es werden geringere Auflagen möglich, der Designer ist nicht an eine Mindestabnahmemenge eines Stoffherstellers gebunden, gedruckt wird on demand. Außerdem könnten Reklamationen reduziert werden, jedem Kunden kann theoretisch jedes Design per Body-scan auf den Körper geschneidert werden, die digitale Umkleidekabine ist auch bereits Realität.

Die momentane Problematik für den Einsatz in der Mode liegt in der Flexibilität der Materialien. 3D-Print basiert auf dem Einsatz von flüssigen oder pulverförmigen Werkstoffen, die zwar sehr dünn geprintet werden können, sich aber mit Naturfaser und herkömmlichen Stoffen nicht vergleichen lassen.
Auch Atmungsaktivität, Wasser- und Luftdurchlässigkeit sind Variablen, an welchen noch gedreht werden muss, bevor gedruckte Kleidung wirklich Einzug in den Alltag der Mode finden kann.
Daher kommt 3D-Druck vorerst nur im Bereich der Haute Couture und als Showpiece, sowie für Accessoires zum Einsatz, wo Tragekomfort zweitrangig ist.

Shapeways ist die führende Plattform, über welche 3D-Designs käuflich erwerbbar sind. Von gewoben scheinenden Keramiktassen über Eierbecher, bis hin zu pfenninggroßen Miniaturobjekten, 3D-Prints finden hier ihre Nippes-nische, zeigen aber auch deutlich die Möglichkeiten und Einschränkungen der Technik auf ihrem aktuellen Stand.

Continuum Fashion ist teils ein Modelabel, teils ein experimentelles Designlab. Neben D.Dress, einer App, und Constrvct einem Crowd-Sourced Fashion Label, durch die jeder User zum 3D-Designer werden kann, haben Mary Huang und ihre Partnerin Jenna Fizel auch einen komplett 3D-gedruckten Bikini designt.
Unter dem Namen N12, für Nylon 12 stehend, wird dieser in verschiedenen Größen angeboten, zwar relativ günstig für die dahinter stehende Designleistung und technische Umsetzung, mit 250-300 Dollar aber noch immer kein Schnäppchen. Auch scheint die Performance des Bikinis in Sachen Transparenz zumindest anzweifelbar.

Michael Schmidt, der sich selbst „wardrobe und jewelry designer“ nennt, könnte man wohl am ehesten als einen Modekünstler bezeichnen. Seine Werke finden Einsatz als Bühnenkostüme für Madonna, Rihanna oder Lady Gaga oder werden im Metropolitan Museum ausgestellt.
Nun hat er ein 3D-gedrucktes Kleid für Dita Von Teese designt, welches auf der Fibonacci-Zahl basiert und mit 13.000 Swarovskisteinen besetzt ist – ein netter Publicity-Stunt für alle Beteiligten, aber auch hier zeigt sich die Lückenhaftigkeit der Technik und die Grenzen ihrer Anwendung im Kleidungsbereich.

Abschließend bleibt die Betrachtung, dass 3D-Print ein Feld voller ungeahnter Möglichkeiten ist, eine Spielwiese für Designer aller Disziplinen.
Viele halten die Technologie für den Beginn der dritten industriellen Revolution, kritische Stimmen halten dagegen, mahnen die nicht reduzierbaren Materialkosten an, die die Technologie für eine breite Anwendung unmöglich mache. Mit Vorhersagen in Sachen Technik sollte man sich aber lieber nicht zu weit aus dem Fenster lehnen. IBM-Vorsitzender Thomas Watson prophezeite 1943: „I think there is a world market for maybe five computers“, und Ken Olsen, Gründer der Digital Equipment Corporation wusste 1977 folgendes: „There is no reason anyone would want a computer in their home.“
Welche und ob 3D-Printing nun Auswirkungen auf die Mode haben wird, bleibt mit Spannung zu erwarten. Wir jedenfalls stellen uns auf die Seite der Euphorischen.
Brave New World!

Die Masterarbeit der London College of Fashion Absolventin Marla Marchant begeisterte bereits zur London Fashion Week, nun kann man das Gesamtprojekt online einsehen. Die architektonisch gestalteten Absatzschuhe sind kleine Meisterwerke, die schriftliche und visuelle Herleitung ihrer Designs nicht minder faszinierend. 

In der Arbeit setzte sich Marchant mit traditionellem Handwerk wie Knüpftechniken und Korbmacherei auseinander, ließ sich von Alexander McQueen und Jean Paul Gaultier, sowie Möbeln, Skulpturen und Gaudis Architektur inspirieren, um schließlich bei ihren Sci-Fi-anmutenden Designs zu landen. Eine bemerkenswerte Arbeit, die hier ganz zu sehen ist.

Das London College of Fashion zeigte am Freitagvormittag eine Show mit den Kreationen seiner zehn den Master-Absolventen, das Royal Opera House diente der Modeschule als Eventlocation. Ein lichtdurchfluteter und eindrucksvoller Einstieg in die Londoner Modewoche und die nachwachsende Kreativszene der Stadt.

London College of Fashion, Antonia Lloyd, Herbst/Winter 2013

London College of Fashion, Antonia Lloyd, Herbst/Winter 2013

Designerin Antonia Lloyd ließ sich von der Surf- und Skateszene der 70er Jahre inspirieren. Ihre Schuljungenästhetik gepaart mit Knallfarben und Tennissocken bildeten eine ungewohnte Herrenkollektion mit einem Schuss Ironie.

London College of Fashion,Gina Xin Sun , Herbst/Winter 2013

Gina Xin Sun aus China ließ sich von den Beziehungen verschiedener sozialer Bereiche in China zur Kulturrevolution inspirieren.

London College of Fashion,Maddalena Mangialavori , Herbst/Winter 2013

Maddalena Mangialavori aus Italien kritisiert mit ihrer Kollektion die Stellung der Frau in ihrer italienischen Kultur. Durch die Nutzung von Heimtextilien für ihre Kollektion verschmilzt die Frau mit den Einrichtungsgegenständen ihres häuslichen Umfelds, wird als Person nicht mehr wahrgenommen und geht als Inventar durch, ganz ähnlich wie das Klischee der italienischen Mamma.

London College of Fashion, Min Wu, Herbst/Winter 2013

London College of Fashion, Min Wu, Herbst/Winter 2013

Der Künstler Anthony McCall und seine „solid light“ Installationen dienten Min Wu als Inspiration. Die so entstandenen 3D-Details sind beeindruckend. Auch die sogenannte „Schizo Vase“ von Studio OOOMS hielt als Vorbild her: optische Täuschungen und das Paradoxon, dass für das menschliche Auge zwei gegensätzliche Fakten zur gleichen Zeit möglich sein können, bildet die Grundlage für die Abschlusskollektion Min Wus.

London College of Fashion, Na Di, Herbst/Winter 2013

London College of Fashion, Na Di, Herbst/Winter 2013

Na Di, ebenfalls aus China, begeisterte mit einer farbenfrohen Herrenkollektion, in deren Zentrum Blumenprints stehen. Die Tang Dynastie und deren traditionelle chinesische Malerei diente hierbei als Vorbild.

 
Illustrationen von Amelie Hegardt   

London College of Fashion, Octo Yan Yu Cheung, Herbst/Winter 2013

London College of Fashion, Octo Yan Yu Cheung, Herbst/Winter 2013

Alchemie, Numerologie und das Spirituelle sind die Quellen der Inspiration für Octo Yan Yu Cheng. Seine cheeky Designs basiert der aus Hong Kong stammende Designer auf der Metapher des Goldherstellens, ein Prozess in welchem er sich als den Meisteralchemisten betrachet. Die dieser Metapher innewohnende Ironie – die Aussichtslosigkeit des zum Scheitern verurteilten Unterfangens – erklärt wohl den oft frustrierenden künstlerischen Schaffensprozess besser als so manch langwiereige Beschreibung.

London College of Fashion, Yi Xie , Herbst/Winter 2013

Hans Bellmer diente Yi Xie als Inspiration für ihre Damenkollektion. Der in den 1930ern tätige deutsche Fotograf war Anhänger des Surrealismus und zudem der Ansicht, dass „der Körper wie ein Satz“ ist, der „dazu auffordert, ihn umzustellen“. Die raffinierten Farbverläufe und Stoffbearbeitungen in Form umgenähter Biesen führen tatsächlich zu einer Neu- und Umformung des darunter liegenden menschlichen Körpers, ob nun die Silhouette nachgeahmt oder erweitert wird.

London College of Fashion, Sian Davies, Herbst/Winter 2013

London College of Fashion, Sian Davies, Herbst/Winter 2013

 
London College of Fashion, Sian Davies, Herbst/Winter 2013

Auch bei Sian Davies wurde vom Körper ausgegangen, allerdings begann die Waliserin bei bereits deformierten Silhouetten. Plastische und ästhetische Chirurgie gehen vom fehlerbehafteten Grundmaterial aus, das durch einen gefährlichen Eingriff perfektioniert wird. Ähnlich geht die Fotografie mit dem Menschen um, er ist stets ein Rohmaterial, das noch verbessert werden muss. Genau diese verquere Logik war es, die Sian Davies zu ihren Kreationen inspirierte. Es zeigt sich: Schönheit liegt nur allzu oft im Imperfekten, im Fehlerhaften, im Asymmetrischen.

Bilder via ShowStudio

Weitere News und Impressionen von London Fashion Week auf unserer Facebook-Seite.

Studio Jux, Kollektion F/W 12/13

Auch in der kommenden Berlin Fashion Week gibt es wieder jede Menge Shows, Events, Parties, Messen, Ausstellungen und Präsentationen rund um die deutsche und internationale Mode in Berlin. Einige unserer Highlights und Talente sollen hier in mehreren Teilen vorgestellt werden.
Im ersten Teil geht es um grüne, also ökologische oder nachhaltige Mode, mit einer kleinen, lange nicht erschöpfenden, Auswahl von Designern, die Green Fashion mit ansprechendem Design verbinden.

Studio Jux
Nachdem Jitske Lundgren in Indien eine folgenreiche Begegnung mit einem durch seine Arbeit als Textilfärber lila gewordenen Mann hatte, beschloss sie, ihr eigenes Label zu gründen. Sie lebt heute in Kathmandu und managt eine Kleiderfabrik zusammen mit einer Nepalesin.
Zu sehen sind die Designs der Niederländerin, die einmal mehr beweisen, dass grüne Mode nicht „öko“ aussehen muss, bei der Ethical Fashion Show Berlin.

Studio Jux, Kollektion F/W12/13

Elsien Gringhuis
Gringhuis schloss ihr Studium an der Academy of Visual Arts in Arnhem cum laude ab, gewann den Createeurope Award und die Green Fashion Competition 2011 in Amsterdam. Und auch hier: freigeistiger Bohéme, und nicht zotteliger Hippie, ist das Gesicht der Green Fashion von heute.
Die sonst in Amsterdam ansässige Designerin zeigt ihre Kollektion im Green Showroom im Hotel Adlon.

Elsien Gringhuis, F/W 2013

Ada Zanditon
In einem spannenden, an James Bond, Lady Gaga Musikvideo und Kill Bill erinnernden Fashion Film erzählt Ada Zanditon die Story ihrer Kollektion „Tigress Reign“ für S/S 2013. Ihre starken, vielseitigen Frauencharaktere observieren darin eine karge mediterrane Landschaft, dressed to kill, und bereit zu extremen Abenteuern.
Die Absolventin des London College of Fashion hat sich auf Sustainability spezialisiert, benutz organische, natürliche und Recyclingstoffe, und zeigt ihre Kollektion beim lavera Showfloor.

Leila Hafzi
Leila Hafzi, die ebenfalls im lavera Showfloor präsentiert, fertigt Bridal und Red Carpet Kollektionen, hat sich also den Traum vieler Mädchen verwirklicht, ausschließlich dramatische Roben zu kreieren. Ebenfalls in Nepal ansässig, ist das hehre Ziel des Labels, seine Verantwortung gegenüber Menschenrechten, insbesondere gegenüber den Näherinnen, und umweltfreundlichen Fertigungsprozessen nicht zu vernachlässigen – Ethical Luxury eben.
Und was gibt es besseres als ein Hochzeitskleid, das auch am anderen Ende der Welt noch Frauen emanzipiert?

Leila Hafzi, Mayalu, 2013

Jonathan Saunders, Gewinner des BFC/ Vogue Designer Fashion Fund 2012, Bild via

BFC/ Vogue Designer Fashion Fund Nominierungen
Die Nominierten für den BFC/Vogue Designer Fashion Fund Preis 2013 wurden nun vom British Fashion Council verkündet. Es handelt sich um Roksanda Ilincic, Mary Katrantzou, Nicholas Kirkwood, Peter Pilotto and Emilia Wickstead. Der oder die Gewinner/in wird am 29. Januar verkündet und erhält eine einjährige finanzielle Förderung in Höhe von 200.000 Pfund. [WWD] Außerdem verkündete der BFC auch eine Zusammenarbeit mit Versandhändler Farfetch. [BFC]

Romeo Beckham für Burberry
Der zehjährige Romeo Beckham tritt jetzt in die Fußstapfen von Mami und Papi. Für das englische Traditionshaus Burberry modelte er jetzt für die S/S 2013 Kampagne und das zugehörige Video. [TheCut]

Harvey Keitel für Prada Men S/S 2013

Harvey Keitel und Benicio del Toro für Prada
Neben den beiden bekannteren Schauspielern sind auch Dane DeHaan, ein Amerikaner bekannt für seine Rolle in In Treatment, und Aaron Taylor-Johnson, ein britischer Mime, derzeit zu sehen in Anna Karenina, mit von der Partie. Alle vier Herren verkörpern den Prada-Mann verschiedener Altersklassen und Typen, gleichbleibend ist dabei die mühelose Coolness der vier. [Fashionista]

Benicio del Toro für Prada Men S/S 2013

Enteignung durch Instagram 
Facebook wird zur größten Bildagentur der Welt, so zumindest fasst die Zeit den neuesten Coup des sozialen(?) Netzwerkes zusammen. Nach der Übernahme Instgrams im April und dem Rauswurf Twitters aus dem Bildsharing-Netzwerk, folgt nun, so scheint es, der finale Schlag. Facebook darf die Bilder der Instagram-Nutzer an andere Unternehmen weiterverkaufen. Ein wenig dystopisch fühlt sich diese fortschreitende, freiwillige Rechtsabtretung an globale Konzerne schon an. [ZeitOnline]

H&M -Margiela jetzt im Sale
Die designkooperation zwischen dem belgischen Modehaus und dem schwedischen Textilriesen scheint beim Kunden nicht so gut angekommen zu sein wie erhofft. Daher finden sich nun die guten Stücke im Sale, sowohl online als auch in den Ladengeschäften wieder, um ca. 50% reduziert.

Savile Row Tradition: Gieves & Hawkes.

Catwalk im Buckingham Palace
Im Juli, anlässlich des 60-jährigen Krönungsjubiläums der Queen, wird es im Palast der Familie Windsor eine Modenschau geben. Teilnehmen dürfen die Labels, die sich besonderer Wertschätzung der Royal Family erfreuen: die Savile Row Schneider Gieves & Hawkes sowie Dege & Skinner, und die Lieblingsschuhersteller ihrer Majestät, Hunter Wellingtons. Wie genau die Milborrow-Schornsteinfeger und die Tom Smith Christmas Crackers, beides wohl Teil der Show, integriert werden sollen, und ob Kate ihre Finger im Spiel haben wird, wird allerdings nicht verraten. Tickets gibt es ab Sonntag für 30 Pfund hier. [Dailymail]

 
Jennifer Gadient, Manon Kundig

NJAL und Wallpaper wählen best Graduates des Jahres
Darunter: Cosima Gadient, Institute for Fashion Design Basel; Ryan Mercer, Royal College of Art; Jie Liang, London College of Fashion; Jennifer Gadient, Institute for Fashion Design Basel; Aina Beck , Parsons The New School for Design; Craig Green, Central Saint Martins; Yulia Kondranina, Central Saint Martins; Lucia Cuba, Parsons The New School for Design; Hiroaki Kanai, Royal College of Art; Manon Kundig, Antwerp Royal Academy of Art. [NJAL]

 
Jie Lang, Craig Green

Die in Südkorea aufgewachsene Yeashin Kim vereint in ihrer Kollektion mit dem Titel Garden of East östliche und westliche Einflüsse. Genauer gesagt – und sehr gut zu Thanksgiving passend – wirken ihre Entwürfe wie Mischwesen aus puritanischen Siedlern und naturverbundenen Ureinwohnern – dadurch entsteht ein unterschwelliges Gefühl der immanenten Spannung in ihrer fröhlich-naiven Kollektion. 

Allgemein beschreibt sie die Ästhetik ihres Labels „Shin“ als einen Mix aus dem London der 60er und traditionellen koreanischen Kostümen. Damit kommt sie gut an: 2011 gewann die Absolventin des London College of Fashion den WGSN Award für die „Most Creative Student Collection“ und wurde als eine der „Best Fashion Graduates in 2011″ in der Vogue UK gefeatured.

Dejan Kovacevic, „I don’t believe (in Fairy Tales)“; Ryan Mercer,“A Graphic Ebb & Flow“

Die Entscheidung der Jury, wenn einmal die Finalisten des Muuse X Vogue Talent Awards feststehen, dürfte schwer werden. Zuerst aber stellen sich die jungen Modemacher aus aller Welt dem Online-Voting ihrer Fans und Freunde. Damit am Ende nicht nur die Bestvernetztesten übrig bleiben, hier eine zweite Wahlempfehlungssammlung.  

Simon Dongxing Li, Parsons. Inspiration: Hybride, Maschinen

Sara Lundberg, Swedish School of Textiles. Inspiration: Digital Forest.

Ryan Mercer, Royal College of Art. Inspiration: Grafische Formen und Kontraste.

Rotem Mitz, Shenkar. Inspiration: Vanishing Point.

Peggy Pei-Chuan Tsai, Istituto Marangoni. Inspiration: Movement, 4er-Muster.

Freya Dalsjö, Royal Academy of Fine Arts Antwerp. Inspiration: Spannung zwischen Innerem und Äußerem.

Ming Pin Tien, London College of Fashion. Inspiration: Perfection is faux

Dejan Kovacevic, IUAV Venedig. Inspiration:Virgin Mary vs. Disney princess.

Stefanie Nieuwenhuijse, Kingston University. Inspiration: Luctor et Emergo

Andrew Cruz, „Bioluminiscent“; Angela Brandys, „Hoarders“.

Muuse und Vogue Italia veranstalten zusammen den momentan wohl interessantesten Jungdesignerwettbewerb. Noch bis zum 20.November kann online abgestimmt werden, wer das größte Potential besitzt. Eine immer noch zahlreiche Vor-Selektion der vielversprechendsten Young Talents folgt nach dem Jump – mit dabei: Julia Winkler aus Berlin.

Alexandra Stutz, Akademie der Angewandten Künste in Basel. Inspiration: Bilbeltexte

Alice Ferraro, Istituto Marangoni. Inspiration: der indische Philosoph Osho

Ana Cris Pascual, IDEP. Inspiration: Zwangsneurose. 

Andrew Cruz, SAIC. Inspiration: Biolumineszenz.

Angela Brandys, London College of Fashion. Inspiration: Messies.

Ankur Gupta, NIFT & LCF. Inspiration: Kinder, Träume und surrealer Hinduismus 

Bartosz Malewicz, MSKPU Warschau. Inspiration: Künstliche Intelligenz
Julia Winkler, Esmod Berlin. Inspiration: David Lynchs Musik