Vor einigen Wochen erschütterte ein Erdbeben die Modewelt: Marc Jacobs verkündete, er werde Louis Vuitton verlassen um sich seinem eigenen Label zu widmen. Nicht alle erinnern sich wohl an die Zeit vor ihm, als Louis Vuitton „nur“ ein luxuriöses Pariser Accessoirelabel war, noch dazu eines der ältesten in der Welt. Heute ist es eines der wichtigsten Modehäuser, ein Name, den Marc Jacobs mit der vor 16 Jahren ins Leben gerufenen Ready-to-Wear Kollektion aufgebaut und gestärkt hat, indem er seinen eigenen Stil mit dem reichen Erbe des Hauses zusammenbrachte und dieses so erneuerte. Er erkundete über die Jahre das Klischee der Pariserin, frischte es auf, zerriss es, zerstörte es, aber immer mit Eleganz. Mit ihm reisten wir durch viele Zeiten und Stile, von den 20ern bis in die 90er, von Grunge bis Bondage.

Und reisen liegt natürlich in der DNA von Louis Vuitton: Züge und exzentrische Hotels waren die Eindrücke, die uns Marc Jacobs während seiner fantasievollen Shows zeigte, die wir nicht zu vergessen bereit sind. Seine letzte Kollektion für LV war sein Meisterstück, das Eindrucksvollste, was er in seiner 16-jährigen Louis Vuitton Karriere präsentierte; ein Abschied voller Referenzen an seine früheren Kollektionen, und an einen der größten Designer des zwanzigsten bzw. einundzwanzigsten Jahrhunderts. Doch natürlich ist diese Abschiedskollektion nicht das Ende, weder für Jacobs, noch für Vuitton. Ganz im Gegenteil: ein kreativer Führungswechsel an der Spitze des Hauses ist bereits gesichert.

Von vielen als eines der größten Genies der Mode der vergangenen Dekade gefeiert, st Nicolas Ghesquière vermutlich die beste Wahl, die man im Hause Louis Vuitton treffen konnte. Warum? Vielleicht, weil Ghesquière, wie Jacobs, einem alten Traditionshaus neues Leben einhauchte – in seinem Falle Balenciaga. Fast genauso lange wie Jacobs, nämlich 15 Jahre, leitete er dort die kreativen Geschicke des Hauses und schuf einen distintiktiven Stil für das Label, der sich aus der Vergangenheit speiste, aber seinen Blick in die Zukunft richtete. Bekannt für seine futuristischen Muster und minimalistische Silhouetten, schaffte er es nicht nur, den Geist von Cristobal Balenciaga am Leben zu erhalten, er arbeitete auch mit der Zukunft.
Der Zukunft von was?
Von allem! Von Frauen, Stoffen, Mustern, Formen. Ob man seine Arbeit mag oder nicht, ist sicherlich Geschmackssache, doch was er schuf, war neu und visionär.

Die Tatsache, dass er Franzose ist, macht einen gewaltigen Unterschied. Jacobs arbeitete sehr erfolgreich mit dem Klischee der französischen Frau, der Pariserin. Das ging, weil er einen amerikanischen Blickwinkel hatte. Ghesquière wird das definitiv nicht auf dieselbe Weise fortführen. Eben weil er Franzose ist, wird er sich nicht von dem leiten lassen, was zuvor in Paris getan wurde. Ich muss sagen, nicht viele französische Designer sind übrig an der Spitze der französischen Häuser, und dort jemanden zu haben, der nicht in der Vergangenheit schwelgt, ist eine echte Rarität geworden.

Deshalb glaube ich, dass Louis Vuitton eine hervorragende Wahl getroffen hat. Die Kombination aus einem Haus, das über keine Codes verfügt (abgesehen von dem überanspruchten Monogrammmuster) welches offen ist für eine Neuinterpretation, und einem Mann, der in der Zukunft denkt, nicht im Gestern, könnte eine explosive und erfrischende Mischung ergeben.

Zwei Fragen bleiben letztlich offen: wird Ghesquière in Sachen Taschen in Marc Jacobs Fußstapfen treten können (die umsatzstärkste Sparte des Labels)? Jacobs ließ sich in Sachen Kleidung von der Vergangenheit inspirieren, nicht aber wenn es um die Taschen ging. In diesem Bereich entwickelte er viele künstlerische und zeitgenössische Kollaborationen, die Louis Vuitton fest ganz oben am Luxury-Bags-Markt etablierten.
Und zweitens: wird Louis Vuitton Ghesquière genug Freiraum lassen, wirklich kreativ zu sein?
Ich hoffe es. Mein größter Wunsch für diese Zusammenarbeit ist es, dass Ghesquière die schlafende Schönheit namens französische Mode wiedererweckt. Und mit Louis Vuitton an seiner Seite ist er dazu machtvoll genug.

Text: Florian Lemaire, Übersetzung: Barbara Russ

Die mögliche Wiederbelebung des berühmtes Pariser Modehauses Patou hat vergangene Woche für Aufsehen in der Modewelt gesorgt. Eine gute Gelegenheit, in die Geschichte der Marke und des Mannes, der sie erschaffen hat, einzutauchen: Was zeichnet Patou aus?

Der Weg zum Erfolg – Mode für die „neue“ Frau

Jean Patou, der Sohn eines Gerbers, durchlief eine Ausbildung zum Kürschner, bevor er 1912 sein erstes kleines Atelier „Maison Parry“ in Paris eröffnete. Die Kollektionen entsprachen dem damaligen, vom amerikanischen und europäischen Stil geprägten Zeitgeist: dezent, elegant und luxuriös.
Als der I. Weltkrieg ausbrach, wurde auch Jean Patou an die Front geschickt. Erst nach Ende des Krieges kehrte er nach Paris zurück und eröffnete dort unter seinem eigenen Namen eine neue Boutique. Der Krieg hatte seinem guten Ruf keinen Abbruch getan und so kehrten sie wieder zu ihm zurück, die Schauspielerinnen, Sängerinnen und Damen der Gesellschaft.
In den Zwanziger und Dreißiger Jahren prägte er die Modelandschaft bis zu seinem frühen Tod maßgeblich mit. Patou war stets innovativ und modern, er spürte, was Frauen wollten und gab ihnen die Möglichkeit, sich gleichzeitig schick und entspannt zu kleiden. Es ist nicht übertrieben, wenn man behauptet, dass Ralph Lauren seine Idee der eleganten Sportswear bei Patou aufgegriffen hat.

Modische Innovationen der 1920er

Weitere Beispiele für die Neuerungen seiner Zeit waren gewebte Schwimmbekleidung, Designerkrawatten und ärmellose, knielange, gerade geschnittene Kleider aus wertvollen Stoffen, die mit künstlerischen Stickereien verziert waren – eine perfekte Symbiose aus der Geradlinigkeit des Art déco und den graphischen Elementen des Kubismus.
Patou griff damit den Geschmack der Flapper der Zwanziger Jahre auf, jene Frauen, die sich, inspiriert durch Margueritte´s skandalöses Buch La Garçonne die Haare abschnitten, dunkelroten, fast schwarzen Lippenstift trugen, rauchten, Jazz hörten und ein neues Erscheinungsbild der Frau prägten. Sie waren berufstätig, besser gebildet als je zuvor, fuhren Auto, spielten Tennis. Jean Patou kreierte für diese Frau eine Garderobe, die für alle Gelegenheiten das Passende bot.

Sein sogenanntes „Weekend-Case“ beinhaltete u.a. Badeanzüge, Pyjamas, ein Kleid für den Abend, eines für das Golfspiel, eine Strickjacke für abends sowie Tenniskleidung. Die kleine Auswahl ermöglichte unzählige Kombinationen.
Die damals weltbeste Tennisspielerin Suzanne Lenglen spielte 1921 in Wimbledon in einem waschbaren Faltenkleid aus Seide und einer maskulin geschnittenen Strickjacke von Patou. Wen wundert es bei soviel Pioniergeist noch, dass Patou auch als erster Designer seine Initialen J.P. auf Jacken und Polo-Shirts stickte?

Der Duftkrieg: Chanel No.5 gegen Joy

Jean Patou war ein Zeitgenosse Coco Chanels. Beide sollen einander nicht sehr zugetan gewesen sein, im Gegenteil. Es herrschte Konkurrenz, ob bei der Mode oder dem zweiten Erfolgsgeheimnis beider Designer: Parfums. Nach Chanel No. 5 ist Patou´s Joy das erfolgreichste Parfum aller Zeiten. Bis heute hat sich die Marke durch das Renommee seiner Düfte seinen guten Ruf erhalten können.
Die Amerikaner nannten ihn den „most elegant man in Europe“. Er war schlank, hatte ebenmäßige Gesichtszüge und eine tiefe, wohlklingende Stimme. Jean Patou konnte man durchaus als „Ladies´Man“ bezeichnen, obwohl er Zeit seines Lebens Single blieb. Aber er liebte die Frauen. Er liebte es, sie einzukleiden und ihre feminine Ausstrahlung zu unterstreichen. Seine Patou – Frau ist attraktiv, strahlend, gesund. Sie bewegt sich gern in der Natur, hat ein entspanntes Verhältnis zu ihrem Körper und trägt Kleidung, die zwar betont, aber nicht einengt. Sogar ein sanft gebräunter Teint kam durch ihn in Mode.

Die modische Nachfolge Jean Patous

Über Jean Patou ist bekannt, dass er eine Vorliebe für schnelle Autos und Boote hatte, seltene Bücher ebenso sammelte wie wertvolle Bilder. Er verstarb im Jahr 1936 viel zu früh an Herzversagen. Nach seinem Tod führten seine Schwester und ihr Mann die Marke weiter, die jedoch hauptsächlich von den Düften getragen wurde.
Später engagierten sich zahlreichen namenhafte Designer für Patou. Marc Bohan, Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier und Christian Lacroix versuchten, der Marke wieder Leben einzuhauchen.
Nach Lacroix´ Weggang 1987 gab es jedoch keine Haute Couture mehr. Mittlerweile gehört Patou einem Vertrieb namens Designer Perfumes Ltd.

Das Comeback des Labels: welche Rolle spielt die Mode dabei?

Umso überraschender ist die Neuigkeit, dass Patou schon nächstes Jahr im Frühling in Paris eine neue Ready-to-wear Kollektion zeigen will. Laut Vizepräsident Bruno Cottard gibt es Pläne und Ideen, wie die Kollektion aussehen soll und welche Designer in Frage kommen. Ebenso soll ein neues Parfum in Planung sein und ein Re-Launch dreier weiterer Düfte anstehen, nachdem bereits drei bekannte Parfums von Patou überarbeitet wurden.
Es bleibt zu erwarten, ob die Neuauflage dem Erwartungsdruck standhalten kann. Manchmal ist es auch gut, Großes in Würde ruhen zu lassen und in Erinnerungen zu schwelgen – wenn man damit lediglich die Parfümverkäufe durch mehr Medien- und Moderummel anregen möchte. Wenn man tatsächlich ein Couture-label mit einer derart spannenden DNA wiederbeleben will, sollte man vorher gründlich überlegen, wie.

Text: Claudia Baldauf

Jef Montes wurde zu seiner Key-Silhouette mit den speziellen Drapierungen und der symmetrischen Form in seiner AW13 Kollektion von der Bethaltung der Katholiken inspiriert. Priester, Kathedralen und die Grundstimmung des Katholizismus übersetzte er in Kleidung. Insbesondere fokussierte er sich auf eine Kombination aus matten und glänzenden Strukturen. Letztere soll auf Nässe und somit auf die weinende Madonna anspielen; Hüte wie Heiligenscheine ergänzen den futuristischen, katholisch-abstrahierten Look.

Lucas Nascimento überzeugt mit sauberen, minimalistischen Schnitten, sowie luxuriösem Strick, der auf dem ersten Blick gar nicht wie Strick aussieht. Mit kreativen Handwerkstechniken werden verschiedene Texturen und Materialien  bis zur Perfektion miteinander geschichtet – so erhält unter anderem die Kombination aus Seide und Wolle eine ungeahnte Leichtigkeit, dazu sorgen Lederdetails für einen spannenden Kontrast. Ohne große Extravaganzen präsentiert der brasilianische Designer mit Sitz in London eine zeitlose Silhouette, die feminin und zugleich klassisch, sowie absolut modern wirkt. Die ganze Show hier.

Die Kollektion von Jean-Pierre Braganza entführt in eine kosmische Science-Fiction Welt, spielt mit symbolischer Geometrie und sphärischen Drucken. Zu weiblichen Silhouetten werden robuste Taillengürtel kombiniert, die Vielzahl von Falten und Formen präsentieren exzentrische Schneiderkunst. Jean-Pierre Braganza vereint durchdringende Härte mit weichen Kurven für eine kreative Zukunftsvision.

Die schwedische Schmuckdesignerin Fanni Schiavoni, ausgebildet in Mathematik und Naturwissenschaften, zeigt in ihren Kreationen ihre Leidenschaft für Komplexität und Struktur. In aufwendiger Handarbeit kreiert sie komplizierte Musterungen und Verkettungen mit historischen Referenzen. Nach ihrem Abschluss am London College of Fashion folgte der NewGen Award 2009. Heute kann Fanni Schiavoni bereits Lady Gaga, Rihanna und Katy Perry zu ihren Fans zählen, sowie auf Kooperationen mit Swarovski, Diesel oder Craig Lawrence zurückblicken.

Haizhen Wang spielt mit männlichen und weiblichen Charakteristiken, steht für präzise Designs mit facettenreichen Konstruktionen und zieht seine Inspiration vorwiegend aus Architektur und Kunstgeschichte. Fasziniert von gotischen Gebäuden, übersetzte Haizhen Wang deren Linien und Proportionen in skulpturale Formen für seine AW13-Kollektion.

Photo Credits: Anita Krizanovic / Modabot

Die gebürtige Russin Yulia Kondranina studierte am Central Saint Martins College und präsentierte in diesem Jahr ihre Diplomkollektion auf der London Fashion Week. Ihre strukturellen Entwürfe bringen komplizierte handwerkliche Techniken mit sich, erreichen aber eine ausgewogene Balance zwischen Kunst und Kreativität. Die Idee der Umwandlung einer flachen zweidimensionalen in eine dreidimensionale Form und Silhouette übt eine große Faszination auf Yulia Kondranina aus. Die skulptural anmutenden Designs wirken auf dem Bügel fast statisch, doch werden sie bei Bewegung aufgrund der einzelnen Fransen, aus welchen sie bestehen, fast unkontrollierbar lebendig.

Âme Sœur, gegründet 2008 in Berlin von den Schwestern Sabina und Madina Taschen, trägt die Vision, aus den kreativen Techniken der Haute Couture eine dreidimensionale Moulage (Modellierung) aus nur einem Stück Stoff zu erschaffen. Mit dem One-Cut-Piece Konzept werden architektonische Formen mit besonderem Volumen konzipiert, welche eine eigene visuelle Sprache sprechen. Âme Sœur erfreut sich großen Erfolges mit ihrem Label und zieht nach fünf Jahren Paris nun wieder zurück nach Berlin.

Die Designs von Edward Meadham und Benjamin Kirchhof  sind dunkel und geheimnisvoll, verschmelzen viktorianischen Stil mit den goldenen 20ern und kombinieren dazu futuristische glänzende Elemente. Meadham Kirchhoff schickt die Herbst Winter 2013-14 Kollektion durch eine wilde geschichtliche Zeitreise.

Das Label Yeashin verbindet die Londoner 60ies mit traditioneller koreanischer Kleidung, präsentiert einen niedlichen Girlie-Look  in einer quirlig bunten Farbpallette. Die Koreanerin Yeashin Kim gründete ihr Label 2011 in London nach ihrem Abschluss am London College of Fashion und durfte sich schon über einige Auszeichnungen freuen, darunter „Best Fashion Graduates“ 2011 Vogue UK, „WGSN Global Fashion Award„ 2011 für die „Most Creative Student Collection“, sowie 2012 den „Bristish Fashion Council Emerging Talent Award Fashion“.

Shao Yen war Teil des Programmes des Fash/On Film Festivals und durfte seinen Kurzfilm „Stalker“ im BFC Canon Cinema präsentieren. Inspiriert von den surrealistischen Schwarz-Weiß Filmen von Luis Buñuel, Jean Cocteau und der Kunst Dalis ließ Shao Yen die verschiedenen Genres mit seiner außergewöhnlichen Avantgardemode verschmelzen. Der Designer lädt auf eine Reise ein durch das Reich der Träume und der Fantasie. Seine Kollektion ist geprägt vom Layering-Look und spielt neben den Schichtungen auch mit Texturen in der Verwendung von Samt, Kunstfell, Leder und Denim in ruhigen Farben mit funkelnden Akzenten.

Photo Credits: Anita Krizanovic / Modabot

In einer verblüffenden Inszenierung wurden gerade einmal 10 Outfits im sehr couturigen Look bei Alexander McQueen in Szene gesetzt. Aufgrund des Mutterschaftsurlaubes von Sarah Burton verzichtete das Modehaus auf eine traditionelle Modenschau und entschied sich für eine exquisite Präsentation im kleinen, intimen Rahmen in der vergoldeten Halle der Opéra Comique. Die theatralischen Silhouetten in Anlehnung an Elizabeth I, die jungfräuliche Königin Elizabeth Tudor, erstrahlten im unschuldigen Weiß, wirkten wie lebendig gewordene Gemälde und ließen ob ihrer extrem aufwendigen Verarbeitung das Staunen kein Ende nehmen.  

Mit einer effektvollen Show, bei der das Publikum über Umwege zu ihren Plätzen fand, während es sich im Labyrinth der Ballons reflektierte, trumpfte Dior auf. Während Karl Lagerfeld bei Chanel die Erde celebrierte, feierte man bei Dior den Himmel. Die Models schritten auf einem himmelblauen, leicht bewölkten Catwalk entlang, die silbern verspiegelten Kugeln ermöglichten den Blick aus unterschiedlichen Perspektiven.
Die Hommage an den Surrealismus wurde nur von der an Andy Warhol getoppt. Durch den Einsatz früher Damenschuhskizzen des Künstlers kombinierte Raf Simons Modernes mit Zeitlosem. Die Zeichnungen wurden mit 24-karatigem Gold auf die limitierten Dior-Taschen aufgetragen, dabei verwendete man die selbe Technik wie beim Pariser Dom.

Raf Simons war an der Zartheit und Sensibilität der frühen Arbeiten von Andy Warhol interessiert. In dessen grafischem Stil sah er die Verbindung zu Dior und somit die perfekte Symbiose. In der femininen Silhouette blieb Raf Simons der Dior Linie treu, interpretierte einige Signaturelooks der Vergangenheit, wie Schleifen oder asymmetrische Schnitte, in eine moderne Richtung. Ein besonderes Highlight in der Kollektion stellte das Bustierkleid dar, an dem per Hand Lederblumen angebracht wurden – eine zeitgenössische Interpretation eines Haute Couture Kleides mit der Raf Simons seine neue Vision für Dior festigt.

Photo Credits: Anita Krizanovic / Modabot

Diese Pariser Fashion Week war eine der spannendsten, bezogen auf personelle Neuerungen bei den großen Häusern. Doch neben den Modegrößen war auch viel dynamische Bewegung bei den kleineren Designern zu entdecken. Über die Modenschauen hinaus fanden viele weitere Präsentationen, sowie eine ganze Reihe andersartiger Veranstaltungen, teils beinahe unbeachtet, statt. Ein Highlight beispielsweise: die Ausstellung „Arrrgh! Monsters in Fashion“ über Modemonster wie Pandemonia, ein gern gesehener Gast der Pariser und Londoner Front Rows, hier im Interview zu sehen.

In einen verwinkelten Showroom lud der belgische Designer Jean Paul Knott ein, entschied sich nach der größeren Installation zur letzten Saison bewusst für einen intimeren Präsentationsrahmen und erfreute die Gäste mit seiner persönlichen Anwesenheit.  Mit seinem mühelosen Chic, den klaren Schnitten, stellte Jean Paul Knott fließende Kreationen vor und bewies mit Liebe zum Detail, dass auch einfachere Schnitte originell sein können.

Das Kult-Lederlabel VSP (Very Special Pieces of Vespucci) lud neben Champagner und leckeren Häppchen zur Videopräsentation ein. In gemütlicher Atmosphäre und in Anwesenheit des Kreativdirektors Kadri Soygul wurde die neue Herbst/Winter Kollektion2013/14  vorgestellt. VSP zeigt besonderes handwerkliches Können in der Verarbeitung von Leder und Fellen und ist daher auch Hersteller für Marken wie Dries Van Noten, Isabel Marant oder Acne.

Zum ersten Mal bringt eine Ausstellung über 100 Haute Couture Kleider, Roben und Outfits zusammen, die eintrittsfrei im Musée de la Mode de la Ville de Paris noch bis zum 6.Juli 2013 zu besuchen ist. Mit der Unterstützung von Swarovski, ein Unternehmen, das eine enge Beziehung zur Haute Couture pflegt, sind Kreationen weltberühmter Modehäuser zu bestaunen. Fotos und Zeichnungen führen die Besucher bei „Paris Haute Couture“ hinter die Kulissen des Modebusiness und geben einen Einblick in die Entstehungsgeschichte der Kunstwerke. Die Ausstellung läuft noch bis zum 6. Juli 2013; weitere Informationen zur Ausstellung gibt es hier.

Im Gaité lyrique ist noch bis zum 7. April die originelle Ausstellung „Arrrgh! Monsters in Fashion„ zu bestaunen. Eine Auswahl von 58 zeitgenössischen Künstlern präsentiert deren Kostüme in Monsterformen. Die über 80 Kreaturen von Kreateuren wie Alexander McQueen, Bernhard Willhelm, Charlie Le Mindu, Henrik Vibskov, Walter Van Beirendonck oder Issey Miyake zeigen eine neue Welt der Mode. Die komplette Ausstellerliste, sowie weitere Informationen hier.

Photo Credits: Anita Krizanovic / Modabot

Das L’Oratoire du Louvre war bis unters Dach mit Gästen vollgepackt, die gespannt auf die neue Herbst/Winter 2013/14 Kollektion von Jean-Charles de Castelbajac hin fieberten. Mit viel Poesie, sowie Prints der prä-raffaelitischen Ophelia von John Everett Millais, Fuchs- und Stacheldrahtmotiven, oder Alltagsobjekten wie Nägeln und Rasierklingen entführte der Designer auf eine visuelle Erkundung der Menschheitsgeschichte.

Photo Credits: Alejandra Gómez

Giambattista Valli präsentierte stets eine erwachsene, doch sehr anspruchsvolle Ästhetik die oft in einer anderen Welt zu leben schien, weit weg von den Anforderungen des Alltags.
Zur Herbst Winter 2013-14 Saison jedoch sind seine Kreationen gereift. Die Looks präsentieren sich praktisch und tragbar, ohne dabei auf Luxus verzichten zu müssen.
Gleichzeitig erhält die Kollektion eine sensible Weiblichkeit und Giambattista Valli tut gut daran mit seinem Entschluss einer Haute Couture Linie den verspielten, untragbaren Part aus der Ready To Wear Kollektion herauszuhalten.

In der Region von Rotterdam sind die Frauen Fans von Motocross und tragen ihre schönsten Kleider für den Liebsten, wenn dieser zurück vom Hering-Fischfang kommt.
Jean-Paul Lespagnard ließ sich für seine fünfte Kollektion von dieser Leidenschaft den traditionellen holländischen Fischerfrauen inspirieren, und transportierte die Idee in ein zeitgenössisches Pop-Universum.

Photo Credits: Anita Krizanovic / Modabot