Das Label Alexander McQueen ist für seine emotionale Kraft und geballte Energie bekannt. Auch die romantische und moderne Art seiner Kollektionen sorgen für internationales Ansehen. Dieses Jahr präsentierte das Label von Creative Director Sarah Burton eine äußerst düstere, aber dennoch elegant geprägte Männerkollektion. Schwarze Londoner-Business-Coats sind ein absoluter Klassiker, der Jahr für Jahr neu interpretiert wird. Verschiedene Prints und Schriftzüge zieren Wintermäntel sowie einen maskulinen Unterrock mit goldenen Streifen.

Das Label huntergather, welches erst seit 2012 gelauncht wurden, zeigte auf der diesjährigen Londoner Fashion Week eine kleine, achtteilige Männerkollektion. Diese hob sich durch Eleganz ab, brach jedoch den eleganten Stil durch derbe Bikerjacken mit schwarzen Fell oder auch sportliche, weiße Hosen mit asymmetrischen Reißverschlüssen am Bein. Weder High-Fashion, noch Haute Couture – erschwinglicher Luxus für den modernen Mann.

Kay Kwok’s gleichnamiges Label zeichnet sich durch seine futuristischen Prints auf verschiedenen Bekleidungsstoffen der Kollektionen aus. Kwok erlangte seinen Master in Menswear am Londoner College for Fashion im Jahre 2012. Seine Kollektion für AW14 weist vor allem sehr extravagante sowie galaktische Elemente auf, wie die des Alien oder der Weltraumrakete. Kay Kwok kreierte dennoch tragbare, moderne Teile, wie Hosen mit Nadelstreifen und ebenfalls schwarze Oversize-Coats mit überdimensionalen Revers.

Kürzlich, in einem Gespräch mit  Freunden, in welchem es um Mode ging, kam folgende Frage auf: was hat die Mode heute noch zu sagen? In der Vergangenheit, so einer meiner Gesprächspartner, sei die Mode stets der Gesellschaft vorausgeeilt.
Nun suche sie immer wieder Zuflucht in „Retro“ und „Vintage“, verliere sich in ewigen Neuauflagen der Vergangenheit. Doch dies seien letzten Endes nur Euphemismen für ein und dasselbe Problem: die Mode tue nichts mehr für die Menschen, außer – so wandte ich scherzhaft ein – zu verursachen, dass er sich zu fett fühle. Doch warum ist das so, warum trifft die Mode im 21.Jahrhundert keine Aussagen mehr? Eine Spurensuche. 

Vor etwa hundert Jahren, 1911, entwarf Paul Poiret die Harem Pants, auch „Jupe-culotte“ genannt, eine orientalisch inspirierte Schöpfung irgendwo zwischen Rock und Hose – damals eine wahrhaft schockierende Neuheit, aus mehreren Gründen. Erstens: Frauen trugen damals keine Hosen; Bein zu zeigen, den Körper der Frau derart abzuformen war eine unerhörte Obszenität, man fürchtete die „Vermännlichung der Frau“. Zweitens: die Harem Pant griff die neue Faszination mit dem Orientalischen auf, die das Ballet Russe initiiert hatte, und das Ballet Russe war ein Anschlag auf die politischen und sozialen Normen der Zeit. Drittens: Orientalismus als Chic zu verkaufen, hieß auch, Zweifel an der damals herrschenden Meinung zu äußern, dass der Westen allen anderen Kulturen überlegen sei. Die Haremhose Paul Poirets war also dreifach politisch aufgeladen: geschlechterpolitisch, kulturpolitisch und geopolitisch.

Auch Coco Chanel nutzte die Macht des ethnischen-inspirierten Designs um Dissent auszudrücken; war, wie man in Coco und Ivan sehen konnte, eng mit dem Ballet Russes verbandelt. Doch ihre bahnbrechende Aussage traf sie etwas, wenn auch nicht viel, später mit dem Einsatz vorher als minderwertig betrachteter Materialien. Coco Chanels wahre Errungenschaft war nicht das kleine Schwarze, sondern ihre Herangehensweise an Materialien: unechte Perlen, chemische Inhaltsstoffe in ihrem Parfüm und Jersey waren die wahren Neuheiten eingeführt unter Mademoiselle. Sie nivellierte den qualitativen Unterscheid zwischen teuer und billig – und auch wenn ihre Kreationen nicht für Jedermann leistbar waren, H&M und Zara verdanken es zu einem nicht geringen Teil ihr, dass sie heute bei den Großen mitspielen dürfen, dass günstig auch chic sein kann. Sie sah damit große gesellschaftliche Umwälzungen hervor, die das Wirtschaftswunder in der Nachkriegszeit mit sich bringen würde.

Dann kam Yves Saint Laurent. Er nahm die letzte große Hürde und steckte die Frau in einen Smoking, verwandelte die Kunstwerke Mondrians und van Goghs in Kleidungsstücke, fabrizierte eine Kollektion zu scheinbar jeder Kultur – die Vielfalt, die er schuf übersetzte den Aufruhr des Civil Rights Movements und des Feminismus seiner Lebzeiten in Stoff.
In den 80ern erlebte die Mode ihre nächste große Rebellion, als die Japaner, allen voran Rei Kawakubo, die Schneiderei, und die vermeintlich einzig wahre – ergo westliche- Ästhetik auf den Kopf stellten. Ein letztes Wetterleuchten bescherte uns Alexander McQueen, dessen Kollektionen die Macht besaßen, die Welt auf den Kopf zu stellen, oder zumindest neu zu überdenken.
Doch seitdem? Es scheint, die Mode stecke fest, klopfe vergeblich gegen eine Glasdecke, die bereits abgeschafft scheint.

Vielleicht ist genau das das Problem. Ähnlich wie der Feminismus, so scheint sich auch die Mode in einem angenehmen, aber ungerechtfertigten, Mittagsschläfchen zu befinden. Mit vermeintlich keinen gravierenden Problemen mehr, gegen die es in dieser westlichen Konsumgesellschaft zu kämpfen gibt, kann sie sich bequem dem Kapitalismus hingeben, sich zwitterhaft immer wieder von ihrer eigenen Formensprache befruchten lassen und dem süßen Nichtstun frönen, während das Online-shopping den Rest besorgt.

Vielleicht gibt es nach Punk, nach Strukturalismus, nach der Postmoderne, der ultimativen Dekonstruktion, einfach nichts mehr zu sagen?
Sind wir eine verlorene Generation, oder besser, ist uns die Macht der Formulierung, der Zielsetzung verloren gegangen? Selbst die (Leit-)Medien, wie es Meredith Artley, Managing Editor von CNN neulich so pointiert darlegte, sind mehr interessiert an Klickzahlen und Auflagensteigerung als an investigativem oder mobilisierendem Journalismus.
Ähnlich wie bei dem kläglichen Ende der Occupy Wall Street Bewegung, das nach dem Winter einfach nicht mehr an Fahrt aufnehmen konnte, fehlt es der aktuellen Generation an einer klaren Agenda: nichts scheint mehr sicher, keine Zukunftspläne mehr schmiedbar, die Pluralität der Lebensentwürfe verhindert eine klare Entscheidung. Auch die Mode kann sich nicht auf eine deutliche Aussage einschießen, treibt sich eine Saison in den 40ern, eine andere in den 90ern herum und dreht Däumchen.

Nun fehlt natürlich ein Lösungsvorschlag dieses Dillemmas: Ökorrektes, 3D-Print, Wearables könnten die Entwicklungsfelder der Zukunft zu sein. Doch allen drei mangelt es an Potential, was politische und soziale Kritik angeht – sie sind keine Revolution, sondern lediglich eine Kontinuation des Status Quo.
Sind alle Schlachten der Mode geschlagen? Ist die Zeit der kritischen Mode ein für allemal vorüber?
Natürlich nicht.
Aber es wird höchste Zeit, dass sie ihre Stimme wiederfindet.

Die Unterwäsche hat einen langen und ereignisreichen Weg hinter sich: Vom Feigenblatt über den Lendenschurz und den Keuschheitsgürtel zum Stringtanga; vom Korsett bis hin zum Push-Up und Victoria’s Secret Shows: Welche Art der uns Menschen nähesten Kleidungsschicht in einer Periode getragen wird, sagt stets auch etwas über die Gesellschaft, ihre Schönheitsideale, ihre Geschlechterrollen aus. Das Drunter entscheidet über Bewegungsfreiheit, sendet sexuelle Reize und stand bisweilen auch für den Geschlechterkampf.

Insbesondere der BH dient als Zeichen der Unterdrückung sowie der sexuellen Befreiung. Bislang wurde geglaubt, der erste Büstenhalter in seiner heutigen Form sei 1912 erfunden worden. Dass dem nicht so sei, behauptet die Textilhistorikerin Beatrix Nutz von der Universität Innsbruck. Dort fand man, auf einem Schloss in Osttirol, Unterhosen und einen BH in einem Fußbodenhohlraum, welche auf den Zeitraum zwischen 1390 und 1485 datiert werden konnten. Das besondere daran: der BH war spitzenverziert, also keine rein funktionelle Vorrichtung, sondern durchaus auch dafür gedacht, gesehen zu werden und zu erfreuen. Doch dann kam ein neuer Wind aus Spanien – das prüde Frauenideal des spanischen Hofes hielt Einzug in die Unter- und Überwäsche sowie die Gesellschaft Europas und Unterwäsche wurde Werkzeug, den Körper zu bändigen, verschnüren, verformen.

Doch was ist der heutige Wonderbra anderes als eine Manifestation des derzeitigen Schönheitsideals in stofflicher Form? Was unterscheidet ihn, sagen wir, vom Schnürleibchen, das um 1500 von den Damen Europas getragen wurde, weil die Flachbrüstigkeit des spanischen Hofes mit all seiner Prüderie nun „in“ war? Aus dem Leibchen entwickelte sich anschließend das Korsett, das für Jahrhunderte den Frauenkörper verformte und diktierte – bis es um die letzte Jahrhundertwende abgeschafft wurde. Die erste Welle der Emanzipation der Frau kämpfte für die Hose und gegen das Korsett, die zweite Welle des Feminismus verbrannte den BH – einen gewissen Symbolwert kann man der Unterwäsche kaum abstreiten.

Die Unterwäsche dient seit jeher aber nicht nur dem Schutz oder dem Verbergen der Scham. Der Lustgewinn, den ein zartes Stöffchen, das eigentlich im Verborgenen bleiben sollte, mit sich bringt ist ebenso Aufgabe der Dessous, wie das in Form halten der jeweilgen Körperpartien. Das gilt nicht nur für den BH. Auch die Jockey, die heute „klassische“ Herrenunterhose, erregte 1934 Aufsehen mit ihrer eng anliegenden Form. Als diese auf der Unterwäsche-schau in Chicago präsentiert wurde, unter einem durchsichtigen Zellophan-Smoking, stockte der Welt der Atem. Heute würde man den Shockvalue mit drei Buchstaben abkürzen: TMI, Too Much Information.

Erfunden von Arthur Kneibler für Cooper’s, ein amerikanisches Unternehmen, eroberte der Slip aber schnell die Welt, wird heute in China und Afrika genauso getragen wie in den USA und Europa. Seine Vorzüge liegen auf der Hand: Passt, wackelt und hat Luft, oder so ähnlich. Weiterer Fun-Fact zur Herrenunterwäsche: der Eingriff, den laut diesem Autor noch nie Mann benutzt hat, wäre längst ausgestorben, wenn nicht 70% der Frauen die Unterwäsche für ihre Männer kaufen würden.

TMI, das gilt auch für den (String-)Tanga, der in den 90ern in Mode kam, zusammen mit den Lowrider Jeans, die die Welt Alexander McQueen zu verdanken hatte, und häufig in Erscheinung tretend zusammen mit ihrem BFF, dem Arschgeweih, zu englisch auch unter dem klingenden Namen Tramp Stamp bekannt. Dieses Ministückchen Stoff legte eine steile Karriere hin und verschwand ebenso schnell wieder in den Schubladen, nicht ohne eine gehörige Menge peinlicher Fotos und (fremd-)beschämender Erinnerungen zu hinterlassen.

Die Geschichte der Unterwäsche, hier sicherlich nur angerissen, begleitet die Menschheit seit Anbeginn der Zeit. Vom ersten Kleidungsstück sozusagen, dem Feigenblatt, der Erfindung der Scham im biblischen Schöpfungsmythos, bis hin zur beinahe-Abschaffung selbiger an den Stränden der Copacabana oder auf Plakatwänden der Metropolen – die Unterwäsche ist ein Spiegel der menschlichen Entwicklung und der jeweilig vorherrschenden Definition von körperlicher Schönheit, sowie ein Mahnmal ihrer Irrwege.

Die Grenzen zwischen Kunst, Mode und Kommerz – sie sind längst verwischt. Die Zeiten, in denen Yves Saint Laurent van Goghs Sonnenblumen in Paillettenblazer stickte, mit „Mondriankleidern“ Aufsehen erregte, oder als Diana Vreeland einen lebenden Designer ins Metropolitan Museum brachte und damit für Empörung sorgte, sind längst vorbei.
Alexander McQueens Retrospektive „Savage Beauty“ war die erfolgreichste Ausstellung des Metropolitan Museums, die es je gab, Lady Gaga nennt ihr Album „Artpop“ und vereint damit Popmusik und Kunst, oder wirbt in einem Performancevideo für den Kickstarter des geplanten Marina Abramovic Instituts (MAI) und nun kooperieren auch noch Alexander McQueen und Damien Hirst. 

Hirst gilt auf dem Kunstmarkt teils als die goldene Cashcow und teils als der Antichrist. Alexander McQueen war für viele der Messias der Mode, ist den meisten in Erinnerung geblieben als ein Märtyrer für die Kreativität.
Außerdem haben beide den Totenschädel zum Kult- und Kunstobjekt erhoben.
Zum zehnten Jubiläum der Modebrand soll nun eine gemeinsame Schalkollektion auf den Markt gebracht werden, die eine Hommage an den Totenkopf-Schal McQueens darstellt, und Hirsts‘ „Etymology“-Serien aufgreift. Eine vielversprechende Kollaboration, jedenfalls im monetären Sinne – der modische wie künstlerische Aspekt wird sicherlich für Streitpunkte in beiden Lagern sorgen.

Die Londoner, und alle, die die Möglichkeit haben einen kurzen Abstecher in die britische Hauptstadt zu unternehmen, sind momentan noch mehr als üblich zu beneiden: eine ganze Riege hochinteressanter Modeausstellungen bahnt sich dort an oder hat bereits begonnen. Doch auch außerhalb der britischen Hauptstadt bewegt sich wieder etwas in Sachen Modeausstellungen.

Hugo Boss –  „Red Never Follows“ in der Saatchi Gallery in London
Hugo Boss feiert sein 20-jähriges Bestehen mit einer Pop-up Ausstellung in London’s Saatchi Gallery. Zu diesem Anlass haben die Metzinger 20 ikonische Stücke und 20 zeitgenössische Kreative ausgesucht, erstere sind im Onlineshop erhältlich, letztere zeigen noch bis 1. September ihre Visionen für Hugo online und in der Saatchi Galllery in London.

„The Future is Here“ im Design Museum London
In Zusammenarbeit mit der UK Innovation Agency und dem Technology Strategy Board präsentiert das Design Museum in London die technischen Neuerungen in der Industrie, die die Welt von morgen prägen werden. Darunter auch das Thema 3D-Printing, welches dort Live zu bestaunen ist, Crowd Funding, Nanotechnologie, Biotech, und CNC Micro-computing. Noch bis  29. Oktober 2013, dann folgt…

…„Hello My Name is Paul Smith“ im Design Museum im London
Vom 15. November bis 9. März 2014 beschäftigt man sich im Londoner Design Museum dann mit dem britischen Herrenschneider Paul Smith, der wenn nicht das, dann zumindest eines der wichtigsten Gesichter der britischen Schneiderkunst, wie man sie nur an der Savile Row lernen kann.

„Club to Catwalk. London Fashion in the 80s“ im Victoria & Albert Museum in London
Im krassen Gegensatz zu Paul Smiths Tailoring steht die Ausstellung „Club to Catwalk, London Fashion in the 80s“ am V&A Museum, die noch bis zum 16. Februar 2014 zu sehen ist. Die Explosion der Kreativität in Londons Clubszene und auf dem Laufsteg gingen in den 80ern Hand in Hand, eine Entwicklung, die sich hier in Bildern, Filmen und anderen Exponaten darstellt.

„Front Row: Chinese American Designers“ im MOAC in New York
Das Museum of Chinese in America (MOAC) zeigt noch bis zum 29. September eine Sammlung von 16 chinesischstämmigen Designern, die amerikanisches Design prägen und vorantreiben, darunter Jason Wu, Vera Wang, Derek Lam, Philip Lim, Peter Som und Anna Sui.

„Edward Steichen – In High Fashion, the Condé Nast Years, 1923–1937″ im FOAM in Amsterdam
Einst der bestbezahlte Fotograf der Welt, und der vielleicht erste moderne Modefotograf, hat man sich mit Edward Steichen im FOAM einem wahren Großmeister der Fotografie angenommen. Seine ikonischen Bilder, die bei den Condé Nast Publikationen Vogue und Vanity Fair veröffentlicht wurden, prägen die Modefotografie bis heute. Die Ausstellung läuft noch bis zum 6. September.

„Virgule, Etc. Dans le Pas de Roger Vivier“ im Palais de Tokyo in Paris
Eine Retrospektive über den französischen Accessoiredesigner Roger Vivier gibt es im Palais Royal vom 2.Oktober bis 18. November 2013 zu sehen. Die Inspirationen des Schuhmachers in aus aller Welt und jeder zeitlichen Epoche werden dort genauso ausgestellt wie seine eigenen Schöpfungen. Bei den Stars und im Hochadel ist Vivier längst eine feste Adresse: so trug auch Königin Elisabeth zu ihrer Krönung 1953 sein Schuhwerk, was direkt zur nächsten Ausstellung überleitet, nämlich…

…„Fashion Rules“ im Kensington Palast in London
Drei royale Stilikonen und ihre Designerkleider sind der Mittelpunkt der Ausstellung „Fashion Rules“ im Kensington Palace in London: Queen Elizabeth II, Prinzessin Margaret und Diana, Princess of Wales. Die ausgestellten königlichen Roben wurden unter anderem gefertigt von Hardy Amies, Norman Hartnell, Zandra Rhodes, Marc Bohan, oder Bruce Oldfield.

„Isabella Blow: Fashion Galore!“ im Somerset House in London
Die Krone, zumindest aus modejournalistischer Sicht, setzt der ganzen Riege schließlich diese Ausstellung auf: die tragische Heldin der britischen Mode und Mentorin von Designergenies Alexander McQueen und Philip Treacy, Isabella Blow, wird ab 20. November bis März 2014 in einer Ausstellung im Somerset House gewürdigt.

Am Mittwoch befand der oberste Gerichtshof der USA den „Defense of Marriage Act“ für rechtswidrig, und verbietet damit die Diskriminierung von homosexullen Lebenspartnerschaften.
In New York wird eine weitere Errungenschaft in der Geschichte der LGBT-Bewegung gewürdigt: Das Museum des Fashion Institute of Technology widmet ab dem 13. September 2013 dem Einfluss homosexueller Modedesigner auf die Mode eine Ausstellung mit dem Titel ”A Queer History of Fashion”.

Damit will das Museum auf zwei Dinge aufmerksam machen: Erstens, viele der größten Modedesigner des vergangenen Jahrhunderts, seien es Yves Saint Laurent oder Alexander McQueen waren homosexuell, und Zweitens, die breite Masse geht davon aus, dass ein Mann, der in der Mode arbeitet, schwul ist.
Die Ausstellung wirft damit viele interessante Fragen auf. Haben schwule Männer ein Mode-Gen? Oder ist es nur ein Vorurteil, dass man bei einem Mann, der in der Mode arbeitet, davon ausgehen kann, dass er schwul sei?

Es gibt einige Erklärungsansätze für den Schwulen-Überschuss der Modebranche, aber keiner gibt wirklich eine zufriedenstellende Antwort. Viele Meinungen zielen auf die schwule Szene ab: in dieser hat das Äussere einen hohen Stellenwert.
Der Schönheitskanon, speziell homosexueller Männer, verlangt seinen Mitgliedern einen gewissen Standard ab. Der Körper muss schön sein, der Versuch, so lange wie möglich jung zu wirken ist geschuldet, und ein modisches Auftreten ist Pflicht.
Diese Punkte entscheiden über Aufmerksamkeit und Partnerwahl. Natürlich spielt Mode hier eine Hauptrolle, und „Mann“ beschäftigt sich sozusagen gezwungenermaßen damit.

Doch, sich mit Mode zu befassen, mag eine Sensibilität auslösen, aber sicherlich kein Können. Woher kommt also das vermeintlich geballte Talent schwuler Modemacher, Fotografen, Redakteure und generell Akteure im Moderaum?

Glaubt man Floriane de Saint Pierre, Frankreichs bekanntester Headhunterin, waren in den Neunzigern fast alle führenden kreativen Köpfe in der Modebranche Männer.
Sie stellte weiter in einem Interview fest, dass Tara Subkoffs Leitspruch, die Modewelt sei eine „gay man’s profession“, nicht unwahr ist.
Subkoff, die Designerin von Imitation, hatte zuvor Anna Wintour kritisiert und behauptet, dass diese nur schwule Männer unterstütze, ferner, dass man in der Modewelt kaum eine Chance habe, wenn man kein schwuler Mann sei.
Anna Wintour erwiderte nur, dass sie nach Sensibilität und Ästhetik suche – wenn sich diese bei einem schwulen Mann fände, läge es eher an der Person und nicht an deren sexueller Orientierung.

Gender-Theoretikerin Judith Butler fährt in der Hinsicht eine ganz andere Schiene. Sie behauptet, dass die Mode ein Ausdruck der Persönlichkeit sei und sie das Werden und das Sein eines Menschens darstellt. Dass so viele Homosexuelle in der Mode arbeiten, erkläre sich folgerichtig damit, dass diese einem ständig die Möglichkeit gibt, etwas anderes, oder zumindest ein optimierteres Selbst zu werden.
Die „Performativität“ von Gender, laut Butler ein gesellschaftliches Konstrukt, würde sich dann an der Mode besonders manifestieren, potenziell eine Angriffsfläche der gesellschaftlichen Intervention bieten.

Wenn man diesen Gedanken weiter verfolgt, wären homosexuelle Männer auch deshalb in der Mode, weil diese die Möglichkeit bietet, ihre prekäre Situation ideologisch sichtbar zu machen.
Die Mode wäre dann ein Abbild des inneren Spannungsverhältnisses zwischen Konformität und Abgrenzung, ein selbst gewähltes Schlachtfeld gegen gesellschaftliche Normen und heteronormative Machtstrukturen.
Für diese These spricht, dass Schwule und Lesben Mode derart unterschiedlich nutzen. Konventionelle Rollen – Frauen, als das schöne Geschlecht zu fungieren haben, sich herausputzen, und Männer, die sich in Sachen Kleidung gesittet zurückhalten – werden im homosexuellen Bereich oft umgedreht, selbst wenn man Transvestitismus außen vor lässt.

Viele Psychologen gehen bei diesem Thema auch von (Über-)Kompensation aus. Da die Gesellschaft die Homosexualität lange nicht akzeptiert(e), versuchen sich Homosexuelle positiv zu profileren, indem sie Erfolg haben oder etwas Großes schaffen.
Dies, so die Theoretiker, führe auch dazu, dass man in den Branchen, in denen es viele Homosexuelle gäbe, vielmals nach Superlativen strebe.
Und die Mode giert nun mal nach Superlativen.

Welche dieser Theorien nun tatsächlich zutreffend sind, oder überhaupt einen Anhaltspunkt geben, wieso Schwule sich gerne in der Mode tummeln – und Lesben eher seltener – sei dahingestellt.
Eines kann man aber mich Sicherheit sagen: Den Homosexuellen verdankt die Mode ihr Gesicht.

Wir schulden die zeitgenössige Kostüm- und Modegeschichte zum großen Teil einer handvoll schwuler Männer. Man nehme nur Christian Dior, der es schaffte, in den Fünfzigern der Frau eine (überzeichnete) Weiblichkeit wieder zu geben, nachdem sie diese zuvor in den Dienst des Vaterlandes gestellt hatte.
Oder Karl Lagerfeld, der das Traditionshaus Chanel rettete und die Pariser Mode revolutionierte, indem er mehr auf das Branding setzte als auf die tatsächlichen Designs.

Ein berühmtes Beispiel auch der verstorbene Yves Saint Laurent, der Frauen den Anzug schenkte, und mit diesem prometheischen Akt Wegbereiter für die Bürokleidung wurde, die in den Neunzigern ihre Apotheose feierte.

Jean-Paul Gaultier machte die Kostüme für Madonna, führte den Matrosen auf den Laufsteg – eine der Fetischgestalten der Szene – brach weiter mit den Konventionen der Heteronormativität indem er die Schnitte für den Mann femininer machte und vice versa.

Seien es Dries van Noten, Zac Posen, Viktor & Rolf oder das Duo hinter Dolce & Gabbana, die Homosexuellen haben einen immensen Beitrag zur Mode geleistet.
Mit ihr haben sie tatsächlich indirekt die Homophobie bekämpft, worüber sich die Post-Stonewall-Generation oft nicht bewusst ist, sowie Homosexualität in der Gegewartskultur publik, gegenwärtig und akzeptabel gemacht.

Wichtig ist aber auch stets im Hinterkopf zu behalten, dass die sexuelle Orientierung einer Person bei weitem nicht ihr Können oder ihr Wesen zusammenfasst, und dass die eigenen Klischees immer wieder einmal einem Reality-Check unterzogen werden sollten.
Mode ist besonders wegen ihrer Offenheit gegenüber Neuem und ihrer Begeisterung für Außergewöhnliches und Andersartiges eine wichtige Festung in der LGBT-Bewegung geworden.
Die Ausstellung im FIT ist somit ein großer Moment für beide, sowie für Toleranz, Akzeptanz und Menschlichkeit.

HIER kann man die Ausstellung finanziell unterstützen.

Auch die großen Modelabels haben verstanden, dass Microblogging ein wichtiges Marketingtool ist. Deswegen haben viele große Namen nun einen eigenen Tumblr mit denen sie das Lebensgefühl und die Ästhetik ihres Hauses propagieren oder Fans, die sich intensiv der Bildgeschichte ihrer Lieblingslabels widmen. Im Folgenden eine kleine Auswahl der besten Label-Tumblr.

Chanel
Eine Label-Edition ohne die Werbeprofis von Chanel wäre kaum möglich. Der Tumblr von Chanel besticht durch ein reines und elegantes Design und jede Menge wunderschönes Bildmaterial. Von Chanel-inspirierter Kunst bis hin zu Werbefilmen und den Photoshootings von Karl Lagerfeld ist hier alles vertreten. [Chanel]

Nicole Miller NYC
Die texanische Modeschöpferin Nicole Miller hat sich sehr früh für einen Tumblr entschieden. Ab 2010 wird dieser regelmäßig geupdated und zu jeder Kollektion in Sachen Farbe, Formen und Mustern des Labels angepasst. [Nicole Miller NYC]

Viktor und Rolf
Die in Amsterdam sitzenden Designer Viktor & Rolf haben einen Tumblr, der einem gut organisierten Archiv ihrer Arbeit gleicht. Voll mit Runway-Bildern und Kampagnen kann man diese Seite perfekt nutzen, um einen Überblick über die Arbeit des Designerduos zu bekommen. [Viktor und Rolf]

Alexander McQueen
Der Tumblr von Alexander McQueen ist ähnlich aufgebaut wie die von Viktor und Rolf. Die Designs des Großmeisters sind einem nach dem anderen auf der Seite verewigt, ein wahres Mausoleum für das Genie des Gründers. [Alexander McQueen]

Burberry 
Der Tumblr fuckyeahburberry widmet sich ganz dem britischen Traditionshaus. Die Seite verbindet Streetwear-Fotos mit Kampagnen und kleinen Videos. So findet man ein Instagrammbild von Poppy Delevingne mit einer Burberry-Mütze, neben einem Red-Carpet-Look von Sienna Miller oder einem Front-Row-Shot von Michelle Dockery. [Burberry]

Thierry Mugler
Thierry Muglers Tumblr Seite sieht aus wie ein Panopticum der Kuriositäten. Von Gifs seiner vergangenen Laufstegpräsentationen, bis hin zu den Bühnenkostümen einer Beyoncé ist alles was das Haus gemacht hat vertreten. Es glänzt und es blinkt, wie wir es von Mugler gewöhnt wurden. [Thierry Mugler]

Mode im Museum? Bis Diana Vreeland sich 1973 der Angelegenheit annahm, und die Ausstellungen des Costume Institute des Metropolitan Museums in New York zu den größten Kunstevents des Jahres ausbaute, eine Undenkbarkeit. Heute hat jedes moderne Museum, das ein bisschen etwas auf sich hält, zumindest eine Modeausstellung auf dem Kerbholz.
Wenn auch die Mode noch immer um ihre prekäre Positionierung an den Fransen der Kunst zu kämpfen hat, so wird die (Mode-)Kuration an ihrer statt derzeit zur Kunstform erhoben.

Eines von Vreelands Projekten – Vreeland muss in diesem Artikel als Blueprint und Präzedenzfall einer Modekuratorin herhalten – war die Ausstellung über Yves Saint Laurent 1983. Mit ihr brach man ein absolutes Tabu der Kunstwelt: sie brachte einen noch lebenden Modemacher in das museale Umfeld. Eine Verkaufsveranstaltung, unkten die Kritiker, die YSL lieber ein Stück weiter unten in der 5th Avenue gelassen hätten, auf der Ladenfläche des Luxushauses, anstatt ihr schönes, der hohen Kunst gewidmetes Museum mit Mode zu beschmutzen.

Mittlerweile ist die jährliche Met Gala fest im Red-Carpet-Kalender verankert, das Museum ist zu einer interaktiven Erfahrungsfläche geworden, das Disneyland des Camps, Entertainment mit intellektuellem Mehrwert.
Für die Museen ist die Modeausstellung eine willkommene goldene Cash- und PR-Cow, nicht zuletzt, weil sich durch sie auch hochkarätige Sponsoring-Partner, wie etwa Moda Operandi (From Punk to Chaos) Amazon (Schiaparelli and Prada) oder American Express und Condé Nast (Savage Beauty) finden lassen.

Die bisher erfolgreichste dieser Ausstellungen, Alexander McQueen: Savage Beauty, spülte 2011 sage und schreibe innerhalb von drei Monaten 661,509 Menschen in die Eingangshalle, und etwa $14,603,862, Merchandise inklusive, in die Kassen des Metropolitan Museums.

Ob sich dadurch, neben den Verkaufszahlen der Modehäuser, dem Image von Sponsoren und den Budgets der Museen, auch am Status der Mode als Kunstform allgemein etwas ändert, ist diskussionswürdig, aber die Diskussion alleine ist schließlich auch schon was wert.
Fest steht, dass Kuratoren wie Harold Koda, Valerie Steele oder Andrew Bolton die neuen heimlichen Stars der Modeszene geworden sind – ein Job mit dem sich gutes Geld machen lässt. So interessant für junge Menschen offenbar, dass das London College of Fashion nun einen Masterstudiengang Fashion Curation anbietet.

Auch in Deutschen Landen wird versucht, sich ein Stück vom Modeausstellungskuchen abzuschneiden. Derzeit zeigt das Museum Angewandte Kunst (MAK) in Frankfurt die von Mahret Kupka kuratierte Ausstellung „Draußen im Dunkeln. Weitermachen nach der Mode“, das NRW-Forum Düsseldorf zeigt „Alaïa. Azzedine Alaïa im 21. Jahrhundert“, und in München lockt das Stadtmuseum mit „Geschmackssache. Mode der 1970er Jahre“.

Gemeinsam ist all diesen Sammlungen eines: sie sind Indikatoren eines gesellschaftlichen Wandels, den das Wall Street Journal folgendermaßen beschreibt: „It’s a high-profile indicator of an intellectual trend that has been building for decades. Fashion is shedding its cultural stigma. It is increasingly recognized as a significant cultural activity—indeed, one of the defining characteristics of our civilization.“

Mode bekommt also mehr und mehr den Status eines Gesellschaftsbarometers zugeschrieben, den sie sicherlich zum Teil verdient hat – doch ist hier auch Vorsicht geboten. Die Unkenrufe der Kritiker aus den 80ern hallen nach: Ausstellungen sollten nicht aufgrund ihrer Popularität allein veranstaltet werden. Wenn Kunst von nun an mit den Kassenergebnissen dieser „Blockbuster-Mode-Ausstellungen“ messen muss, schadet das sowohl der Kunst, als auch der Mode und der Gesellschaft. 

Parsons sagt Workshop mit John Galliano ab
Der vor Kurzem angekündigte Workshop am Parsons Institut in New York, gegen den sich Studenten mit einer Petition wehrten, ist nun gecancelt worden. In der E-Mail, die an alle Studierenden versandt wurde, wird nicht klar formuliert, ob dieser Entschluss von der Schule oder dem Designer ausging. [Fashionista]

Met Gala 2013 – „Punk: Chaos to Couture“
Anlässlich der Eröffnung des diesjährigen Ausstellungshighlights am Metropolitan Museum in New York, „Punk: Chaos to Couture„, fand gestern die Stiefmutter aller Red Carpet Events statt – übertrumpft wohl nur von den Oscars. Das Motto „Punk“ ignorierten die Gäste – Anna Wintour beispielsweise erschien in einem geblümten Chanelkleid – andere wiederum, wie Madonna, Miley Cyrus oder Sarah Jessica Parker nutzen Anleihen wie Netz, Iro und Nieten für ihre Outfits. [TheCut]

Baltic Fashion Award Gewinner
Der Baltic Fashion Award, der am Samstagabend auf Usedom zum zwölften Mal verliehen wurde, ging an das deutsch/russische Designerduo Tanja Schmidt und Philip Rudzinski (Hochschule Hannover).
Mit ihrer Geschlechterrollen kritisierenden Jeans-Kollektion „Alles geht in die Hose“, welche Jurypräsidentin Gudrun Allstädt von der Textilwirtschaft als eine „marktreife Kollektion“ würdigte, setzten sie sich gegen die neun anderen Nominierten durch.
Platz Zwei, sowie die Auszeichnung des Publikumslieblings ging an Konstantin Laschkow (Kunsthochschule Berlin Weißensee), der dritte Platz gehört Louise Friedlaender (Esmod Berlin).

Woolmark Prize Nominierungen
Der Woolmark Prize geht in die nächste Runde. Nun wurden die 49 internationalen Nominierten für den Woolmark Prize 2013/14 verkündet: für Europa gehen Dawid Tomaszewski, Gabriele Colangelo, Hana Zarubova, Jan-Jan Van Essche, Mattijs van Bergen, Norwegian Rain, Piece d’Anarchive, Sara Coleman, Sibling und die Tabernacle Twins ins Rennen.
Die Nominierten der anderen Kontinente finden sich hier.

Isabella Blow Ausstellung in London geplant
Ab November 2013 sollen Kleider der Modeikone Isabella Blow im Somerset House zu sehen sein. Unter dem Titel „Isabella Blow: Fashion Galore!“ werden Teile der Garderobe einer außergewöhnlichen Frau ausgestellt werden, die 2007 den Kampf mit ihrer Depression verlor und Selbstmord beging, die Welt aber vorher zu einem schöneren Ort gemacht hatte.
Insbesondere als Entdeckerin und Mentorin von Alexander McQueen und Philip Treacy gebührt Blow ein Platz in den Modeannalen. [WWD]

Beyonce für H&M
Nun ist es offiziell: Beyoncé wurde als Kampagnengesicht für Sommerkollektion des schwedischen Einzelhändlers H&M bestätigt. Die Kampagne trägt den Titel „Beyoncé as Mrs. Carter in H&M“, u.a. in Anlehnung an ihre am 15. April startende Welttournee „The Mrs. Carter Show„. Die Kampagne wurde auf den Bahamas geshootet, die vier Elemente Feuer, Wasser, Erde und Wind sollen die Merkmale der Kollektion werden. [Fashion Telegraph]

Marion Cotillard für Lady Dior, Bild via

Marion Cotillard für Lady Dior
Auch Dior konnte sein Kampagnengesicht erneut für sich gewinnen, die französische Schauspielerin Marion Cotillard modelt in der neuen Pre-Fall 2013-Kampagne von Lady Dior. In den Looks von Raf Simons wurde Cotillard von Fotograf Jean-Baptiste Mondino abgelichtet, die Fotos gibt es in der nächsten Ausgabe des Numéro-Magazins in Frankreich und in der Mai-Ausgabe der Vanity Fair in den USA zu sehen. [WWD]

14oz am Ku’damm: Store of the Year 2013
Der 14oz-Store, Besitzer ist Bread&Butter Chef Karl-Heinz Müller, am Kurfürstendamm 194 im Haus Cumberland wurde vom Handelsverband Deutschland (HDE) nun als „Store of the Year 2013″ , übrigens wie die 1. Filiale in der Neuen Schönhauser Str. im Jahre 2009, ausgezeichnet.
Der Store wurde im Oktober vergangenen Jahres eröffnet und zeichnet sich u.a. durch sein innovatives und herausragendes Interieur aus.

PPR-Gruppe wird zu Kering
Die französische Luxusbrandgruppe PPR, zu der u.a. Alexander McQueen, Balenciaga, Gucci, Stella McCartney und Saint Laurent Paris gehören, firmiert ab Mitte Juni unter dem Namen „Kering„.
CEO von PPR (und Ehemann von Selma Hayek) François-Henri Pinault erklärte, dass der Name aus seiner Geburtsregion, der Bretagne stamme, wo der Name etwas wie Haus oder Foyer bedeute. [WWD]

Zahlen der Woche: Hermès mit Rekordgewinn, H&M legt schlechtes 1.Quartal hin
Das französische Modeunternehmen Hermès steigerte seinen Reingewinn 2012 um 24,5% auf etwa 715 Mio. Euro und verzeichnet damit den höchsten Gewinn in der Unternehmensgeschichte. [GlobalPost].
H&M verkündete dagegen einen Gewinnrückgang um 10,3% auf etwa 294 Mio. Euro im 1.Quartal 2013.
Als Gründe hierfür nannte H&M u.a. weitere Investitionen in Expansionen und die Lancierung der neuen Kette & other stories. [FashionUnited]

Pierre Bergé mochte Hedi Slimanes Saint Laurent Kollektion
Dem früheren Lebensgefährten von Yves Saint Laurent, Pierre Bergé, gefällt offenbar die neue Herbst/Winter 2013-Kollektion von Hedi Slimane.
Bergé nannte sie „genau das, was getan werden musste“. Er unterstützt damit die neueste Saint Laurent-Kollektion, die bei der Kritik nicht gut ankam. Bergé schätzt ebenfalls, dass Slimane regelmäßig die Archive des Modehauses besuche. [The Cut]