Die Monate März, April und Mai brachetn neue Designer, viele spannende FashionFilme und Ausstellungen. Die Highlights finden sich hier zusammengefasst.

März

Im März stellten wir die Jungdesigner Nils Peeraer, Marla Marchant und Ana Ljubinkovic  vor. Peeraer zeigte sich als der Meister des zarten Lederaccessoires, Marchant begeisterte mit Architektonisch-Skulpturalem und Ljubinkovic überrschte mit spannenden Material- und Farbkombinationen.

Die Paris Fashion Week überraschte – außer mit diesen filmischen Monstern-  dagegen wenig, was wir mit Paris Mach Neu mit einem Feature quittierten.
Zu guter Letzt amüsierten wir uns über lustige Fashion-Tumblr mit Katzenbabies und High Heels.

April

Im April freuten wir uns mit Satu Maraanen über den Sieg beim Festival in Hyères, Yohji Yamamoto besuchte Berlin für eine Modenschau der ganz besonderen Art und Nicola Formichetti verließ Mugler für Diesel, was bei modabot die Frage aufwarf: Wohin will Renzo Rosso?

Mai

Der Mai machte zwar nicht alles neu, doch gab es einige überrschende Themen: 3D-Print ließ uns keine Ruhe, dieses neue Thema beschäftigte uns in einem Feature, angestossen von der Layer by Layer Ausstellung in London.

Das Germany’s Next Topmodel Finale wurde von Femen Aktivistinnen als Protestplattform genutzt, was uns zu dem Feauture Heidi Horror Picture Show veranlasste.

Auch edie Künstlerin Vanessa Beecroft benutzt den weiblichen Körper in ihren Installationen als Politikum – was bedeutet es, Frau und Model zu sein?
Don’t Wear our Fashion – Wenn das Markenimage kippt, war uns eine weitere Auseinandersetzung wert – was passiert wenn eine Marke die falsche Art von Aufmerksamkeit bekommt?

Avantgarde Meister Yohji Yamamoto feiert mit Y-3 ein Jahrzehnt des sportllich-intellektuellen Stils. Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums kommt mit „10 Years of Y-3: The Book“ ein limitiertes Buch heraus, das auf die Zusammenarbeit des Designers mit Adidas zurückblickt. “Y-3 forged new paths for others to follow. It’s a creative partnership that has defined a new genre in fashion and inspired those who have been fortunate enough to work with the brand.” (Georgina Lim, Art Diector von PL Studio)

Die Publikation verzichtet auf einen chronologische Zusammenfassung der Kampagnen, Kollektionen oder den Modenschauen und hält lieber mit einer Mischung von ausdrucksvollen Bildern die Marke in einer Art Inspirations-Album fest. Begrenzt auf 2000 Exemplare wird das Sammlerstück leider nicht zum Verkauf angeboten und zur Weihnachts-Saison an ausgewählte Partner und Freunde verschenkt. Hier geht’s zur digitalen Version.

“The 10th anniversary of Y-3 celebrates the fusion of two seemingly opposed forces: avant-garde fashion and hi-tech sportswear. The collaboration with Adidas has imbued function with a renowned and unconventional design aesthetic and his constant reinterpretation of the three stripes continues to amaze and delight”. (Hilary Alexander, Fashion Director Daily Telegraph)

Die Zusammenarbeit zwischen Adidas und Yohji Yamamoto feiert in diesem Jahr 10-jähriges Jubiläum, und immer noch zeigt die Kombination von traditionellem Sportlabel und Modevisionär Sehens- und Tragenswertes.

Für die SS13 Kampagne erforscht Fotograf und Regisseur Pierre Debusschere die Essenz von Y-3, findet eine interaktive Schnittstelle in der Studie von Bewegung, Verzerrung und Transformation: ”the campaign explores the partnership of the opposed – the transmission of ideas from the two worlds of Japan and Germany.”
Auf der Y-3 Website wird der Benutzer eingeladen, in Echtzeit den Video-Content zu manipulieren und auf Bild, sowie Ton Einfluss zu nehmen.
Beim Experimentieren mit audio-visuellen Effekten und der Auswahl von Filmausschnitten entstehen neue Geschichten, die aufgezeichnet und geshared werden können.

Luxury Brands and the ‚Great Gatsby‘ Movie
Lucie Greene von der Finanacial Times hat gesammelt, welche Luxuslabels im Great Gatsby Film auf welche Weise mitmischen. Die Liste liest sich dann auch wie eine – zugegeben, spektakulär inszenierte – Dauerwerbesendung: Moët & Chandon, Miu Miu und Prada, Tiffany & Co, Brooks Brothers und viele mehr.
Die Wechselwirkung zwischen Marke und Film hat sich aber längst über reines Produkt Placement und Merchandise hinaus zu einem komplexen Business ausgeweitet, eine Beziehung, die hier unter die Lupe genommen wird. [Financial Times]

Fashion Brands fehlen bei der „Wearable Tech“ Revolution
Vikram Alexei Kansara von BoF plädiert für den Aufstieg der Modelabels auf den Tech-Bandwagon, der bereits im Abfahren begriffen ist. Spätestens mit der Erfindung und Vorstellung von Google Glass, so der Autor, sei die Marketing-Schlacht um tragbare Technologie (hier sehr treffen als „real estate on the human body“ bezeichnet) eröffnet worden – der Autor merkt an „It’s worth remembering, however, that real estate on the human body is limited. People only have two wrists and one face.“
Tech-Unternehmen fehle das Know-How, Produkte zu erschaffen, die die Kunden wirklich auf dem eigenen Körper tragen wollen. Google Glass Technologie ist der erste Schritt der „Wearables Revolution“, die die Modeindustrie nicht verpassen sollte. [BoF]

Mit Yamamoto im Café: Feinstoffliches Fingerspitzenwissen – FAZ
Verena Lueken traf Yohji Yamamoto für die Frankfurter Allgemeine Zeitung im Borchardt in Berlin. Der viel schweigende, langsam redende Japaner wirkt wie ein schwieriger Interviewpartner – zumindest für ein Interview gegen die Zeit. Wenn er dann aber etwas von sich gibt wie: „Entwerfen heißt, etwas zu zerbrechen. Ohne eine Anti-Haltung kann man nicht schöpferisch sein. Ich kann es nicht. Ich arbeite gegen den Trend. Die Medien. Den gesunden Menschenverstand. Ich bin umgeben von schrecklichen Modetrends, ich atme sie sozusagen ein, aber ihr Geruch gefällt mir nicht“ oder „Polyester ist leicht. Manchmal brauche ich diese Leichtigkeit. Seide, Baumwolle, das sind Materialien, die leben und sich ständig verändern, sie sinken hinab, sie stehen nicht einfach in der Luft und behalten ihre Form, wie Polyester es kann. Weil es tot ist“, dann weiß man, dass es nicht viele Worte braucht um ein Genie zu erkennen. [FAZ]

Tragödie in Bangladesch – Corporate Social Responsibility wird Thema bleiben
Die Konsequenzen, beziehungsweise die Nicht-Konsequenzen, aus dem Einsturz eines Fabrikhauses in Bangladesch zieht Tanwi Nandini Islam für Fashionista. Dass ein Boykott nicht die Lösung sei, und die Modeindustrie für Bangladesch ein Weg aus der Armut, für die dort arbeitenden Frauen ein Weg, ein einigermaßen selbstbestimmtes Leben zu leben, ist natürlich nichts Neues. Was wirklich helfe, sei die Marken image-technisch unter Druck zu setzen. [Fashionista]

Ottavio Missoni, der Meister des Zickzacks, ist tot
Der Nachruf auf Ottavio Missoni, den Erfinder des ikonischen Zickzack-Dessins und Oberhaupt der familiengeführten italienischen Firma, blickt zurück auf das bewegte Leben des Modemachers und fast ein Jahrhundert europäischer Geschichte. [New York Times]

Das Genie Yohji Yamamotos in Worte zu fassen ist eine unbewältigbare Aufgabe. Seine Kreationen als Oversized, seine Farbpalette als „hauptsächlich schwarz“ zu bezeichnen, ist in etwa so, als würde man Michael Jackson einen Popsänger nennen, oder Picasso einen Kubisten: Es stimmt zwar, aber es lässt so vieles, Tieferes, ungesagt. Gestern Abend zeigte der Meister der Dekonstruktion, der zusammen mit Rei Kawakubo in den 80ern die Mode revolutionierte, seine ikonischsten Outfits anlässlich des Gallery Weekends in Berlin unter dem Titel „Cutting Age„, präsentiert von Audi.
Eine philosophische Zeitreise.  

Das Publikum erschien großenteils in schwarz, die Nicht-Farbe, für die Yamamoto bekannt ist. In dieser prallen asiatische und europäische Philosophien aufeinander. Die Farbe Schwarz hat für der buddhistisch geprägten asiatischen Kulturkreis ganz andere Assoziationen als im Westen, sie bedeutet dort nicht Tod und Trauer, sondern Geheimniskrämerei und List; Kleidungstraditionen, Geschlechterrollen, Scheidereihandwerk entwickelten sich in Japan völlig unterschiedlich von jenen hier.
Daher konnte Yamamoto, passend zu den Umbrüchen der Postmoderne, Konventionen und Ideologien stofflich sichtbar machen und dekonstruieren, die westlichen Designern durch ihre Ritualisierung selbsverständlich und natürlich schienen.

Zen-Gedankengut ist der wohl herausragendste philosophische Zug Yamamotos, eine Eigenschaft die sich oft unsichtbar, aber als Aura spürbar, über seine Werke legt. Was beispielweise viele nicht wissen, ist das Yamamoto-Schwarz eben gar kein schwarz ist, sondern viele aufeinanderfolgende Färbevorgänge in indigo-blau. Überhaupt ist bei Yamamoto selten etwas so einfach, wie es scheint, und es gibt immer verschienene Schichten seiner Schöpfungen, sowohl im textilen, als auch im philosophischen Sinne.

„Cutting Age“ bezieht sich auf die 40-jährige Schaffensperiode des japanischen Designers, lässt sich aber auch als Kritik des Jugendwahns unserer Gesellschaft lesen. Yamamotos Faszination für den weiblichen Körper in allen Stationen des Lebens, die Veränderung der Silhouette, die Schönheit des gereiften Geistes in einem ebenso gereiften Körper drückt sich in diesem Titel aus.
Auch die Faszination des Vergänglichen, die Flüchtigkeit des Lebens und der Mode zeigt sich in diesem Namen, ein weiterer Hinweis auf den Zen-Buddhismus, der Yamamotos Ästhetik auszeichnet.

Am besten hat bisher sein guter Freund Wim Wenders den Tiefgang des Ausnahmedesigners auf Zelluloid gebannt.
Wer versuchen will, Yamamoto zu verstehen, sollte bei Wim Wenders‘ Notebook of Cities and Clothes beginnen (Nicht vergessen: englische Untertitel aktivieren!) und das Interview des Victoria & Albert Museums anlässlich seiner Ausstellung 2011 ansehen.

Wer jetzt neugierig geworden ist, kann sich von Sonntag an, bis zum 5. Mai die Videoinstallation zu Yohji Yamamoto, 5 Cuts – A Visual Dialogue,  im Made Space, sowie ab heute die Installation Untitled Berlin 2013 seines langjährigen Bühnenbildners Masao Nihei bei Andreas Murkudis ansehen.

Bilder: Barbara Russ/modabot

In ihrem jährlichen School-Battle trafen sich gestern Abend das Fashion Institute of Technology und das Parsons Institute, die beiden führenden amerikanischen Modeschulen, zu einem erneuten Kräftemessen bei der Fusion Fashion Show. Die Gewinner des Abends: Marian Van Nguyen (Parsons) und K’Luu (FIT). Außerdem konnte das FIT die Gesamtwertung dieses Jahr für sich entscheiden und geht damit nach dem letztjährigen Gleichstand der Schulen in Führung.

Beide Designer konzentrierten sich auf Schnitt und Konstruktion, beziehungsweise Dekonstruktion, und ließen Farben links liegen. Wie auch bei Julien Archer im vergangenen Jahr scheint die Ästhetik japanischen Dekonstruktivismus, wie den von Issey Miyake oder Yohji Yamamoto zu Rate zu ziehen, allerdings wirken beide Kollektionen nicht ganz so sophisticated.

Alexander Wang AW 2013, Bild via

New York kämpft gegen den Blizzard, doch die Modewelt lässt sich davon nicht beeindrucken, und winkt weiterhin namhafte Designer, Redakteure und Einkäufer durch Schneewehen zum Catwalk im Lincoln Center.
Seit Donnerstag zeigen dort die amerikanischen Designer ihre Looks für Herbst/Winter 2013 – Zeit für eine Halbzeitbilanz.

Alexander Wangs finale Show vor seiner mit Spannung erwarteten Premiere bei Balenciaga war auf jeden Fall einen Besuch wert, denn es ging flauschig zu. Wang kombinierte Burka-ähnliche Kaschmiroberteile; schwarzer Pelz und schwarzes Leder verleihen der Kollektion eine Gothic-Optik, feminin-kastige Schnitte, metallisches Silber und viel Grau wirken fast wie eine Hommage an die Wolkenkrater New Yorks.
Ob beim Entwurf dieser Kollektion wohl Abschiedsschmerz mitschwang?

Letzte Woche lief David Beckham noch durch die Vorgärten Hollywoods in seiner neuen H&M-Unterwäschekollektion, nun durfte Victoria Beckham sich auch mal wieder von ihrer Modeseite zeigen.
Ihre Herbst/Winter-Kollektion 2013 zeigte „Männliche Modernität“, die zwar zurückhaltend und manchmal auch fast bodenständig wirkte, aber auch ein paar ausgefallene Raffinessen barg.
Colourblocking mit Violett, Dunkelblau und leuchtendem Gelb zu traditionellem Tweed, Anzugmäntel mit Eingriffschlitzen und alles sehr körperbetont.

Bei Y3, Yohji Yamamotos Linie für Adidas, kam man auf seine Kosten, was etwas futuristischere Looks betrifft: es gabe lange, schwarze Gewänder, Glanzoptik, Neongelb und Karomuster als schräge Kombination ein paar durchsichtige, ärmellose Regenmäntel zus ehen.
Die 3 Streifen stellten sicher, dass Adidas immer noch seine Finger im Spiel hat. Ob die bunten Turnschuhe nun passten und den Colourblock ergänzten, oder optisch störten, darüber kann man sich streiten.

Joseph Altuzarra eröffnete seine Show mit dramatischen Pianospiel und auffälligen Augen-Make-Up. Abseits davon gab es viel Schwarz-Weiß-Kontraste, Lagenlook mit Lederjacke über dem beigen Mantel, pompösen Pelz im Stinktiermuster und Muffs im selbigen Muster gegen die Kälte. Schlichtheit gepaart mit kastigen und puffigen Schnitten ergab hier eine gut funktionierende Symbiose.

Weitaus fröhlicher und lebendiger ging es bei Mara Hoffmanns Show zu. Die Designs strotzten nur so vor Farbe, Indiomustern, afrikanischen Inspirationen, alles unterlegt mit tranciger Musik. Besonders häufig bekommt man solch farbenfrohe Kreationen, besonders bei der sonst recht kommerziell ausgelegten New York Fashion Week, nicht zu sehen. Eine wahre Abwechslung für das Auge.

Tommy Hilfiger eröffnete seine Show mit Oasis‘ Klassiker „Wonderwall“. Danach folgten Karomuster, viele Karomuster, selbst der Boden passte zu Mantel und Anzughose. Glencheck, Pepita und Rautenmuster wurden abgelöst von Pelzeinlagen und schicken, klassichen Anzügen mit akuratem Schnitt. Eine runde Kollektion im typischen Preppy-Hilfigerlook.

Gründer und Creative Director des i-D Magazine Terry Jones ist der Herausgeber der beim Taschen Verlag erschienen Serie über drei der wichtigsten Modedesigner der jüngeren Vergangenheit: Yohji Yamamoto, Rei Kawakubo und Vivienne Westwood. Yamamoto, der tiefgründige japanische Designer, Moderevolutionär und Mitbegründer des des „Hiroshima-Chic“ macht den Anfang.

Mit Yohji Yamamoto verbindet Jones eine lange gemeinsame Geschichte, die von philosophischem Tiefgang, gemeinsamen Nachkriegserinnerungen und gegenseitiger Wertschätzung geprägt, und in schriftlicher Korrespondenz in diesem Bildband festgehalten ist.

„I love you Terry, I need you forever. It’s surprising that we both celebrated 30th anniversaries together. That’s a miracle for me. Let’s hope we survive stronger.“ schreibt Yamamoto.
Jones antwortet „I love you, too. I have started reading your biography. I find it eloquent and inspiring and I have noticed parallels with my own story, as I too did not know my father. You and I have two years between us, I was born in 1945 and as I read your words they trigger familiar memories because I grew up with my mother after we moved out of London in the pot war years“.

Diese überaus privaten Einblicke in die Leben zweier Herren, die die Ästhetik der Mode seit den 80ern entscheidend mitgeprägt haben, erlaubt es, ihre Motivationen nachzuvollziehen, wie zum Beispiel die Yamamotos, Frauen mit seinen Kleidern vor der Welt zu schützen.

Ein eindrucksvoller Bildband, dessen großformatiges Layout, Bilderauswahl und Textzusammenstellung visuell wie inhaltlich Freude bereiten.

Yohji Yamamoto
Terry Jones
Hardcover, Halbleinen, 29,6 x 42 cm, 120 Seiten, € 29,99
ISBN 978-3-8365-3889-3
Mehrsprachige Ausgabe: Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch

Eine der harmonischsten und beständigsten Modepartnerschaften ist die des ungleichen Paares adidas und Yohji Yamamoto. Der Sportartikelhersteller aus Franken und der Ausnahmedesigner aus Japan feiern im kommenden Jahr ihr zehntes Jubiläum.
Die S/S Kampagne für 2013, unter der kreativen Leitung von Pierre Debusschere, fängt die Essenz dieser Kooperation in stillen und bewegten Bildern ein.

Neben den Fotografien soll Januar/Februar eine interaktive Videoplattform erscheinen, auf welche die User Einfluss nehmen, und so selbst schöpferisch tätig werden können.
Auch der Sound kommt nicht zu kurz, so wurde eigens der Komponist Tim Hecker für die musikalische Untermalung des Videos engagiert.

Inez & Vinoodh. Bild via.

Als Vorreiter der digitalen Fotografie sorgte das holländische Modefotografenduo Inez van Lamsweerde und Vinoodh Matadin Anfang der Neunziger für Furore. Die Geschichte der Beiden ist die einer künstlerischen Suche, leblose Bilder in Bewegung zu versetzen, zu manipulieren, um damit unendlich viele weitere Ausdrucksmöglichkeiten auszuschöpfen.

Pretty Much Everything. Bild via.  

Vinoodh Matadin (1961) und Inez van Lamsweerde (1963) lernten sich 1986 in ihrer Geburtstadt Amsterdam kennen. Die Fotodesignstudentin wurde zum Fotografieren seiner ersten Modekollektion engagiert, seit dieser Kooperation gehen sie sowohl beruflich als auch privat gemeinsame Wege.  Das Paar gilt seither als ikonisches Dreamteam der Modefotografie, sie erforschen die Grenze der Realität und schaffen seit über zwei Jahrzehnten einen Spagat zwischen Kunst und Kommerz der in gleichem Maße provoziert wie begeistert.

Vinoodh Matadin für Fantastic Man, Inez van Lamsweerde für Gentlewoman. Bilder via und via.

Zu ihrem Durchbruch verhalf 1993 die Fotoserie Final Fantasy, um die Frage nach dem Kind als Symbol der Unschuld, inspiriert durch den Heroin Chic Hype um Kate Moss. Mit einer gezielten Grenzüberschreitung sorgte die Arbeit für einen regelrechten Schock: Kleinkinder in koketten Posen, unschuldig und beängstigend zugleich. Die Bilder von Lamsweerde & Matadin lösen oft Unbehagen aus. Erst bei genaueren Betrachten bemerkt man eine Manipulation, dass irgendetwas nicht stimmt.

Während bei der Kindfrau Wendy nicht nur die Haltung, sondern auch der Ausdruck irritiert, zeigt die Arbeit um Thank You Thighmaster lebensgroße Puppenfrauen ohne Genitalien. Das Punktum der fotografischen Werke des Duos liegt in diesen Manipulationen. Ob nun Erwachsenenaugen in Kinderportraits gesetzt, Personen aus einer Szene eliminiert oder Geschlecht und Hautfarbe verändert werden – das Duo arbeitet nicht nur gern mit der Computermanipulation am Bild, sondern macht sie den Betrachtern auch bewusst.

Final Fantasy Wendy 1993. Bild via.

Die Arbeiten des Paares erscheinen in bekannten Zeitschriften wie Vogue, Haper’s Bazaar, V Magazine oder The New York Times Magazine und sie zeichnen sich für Werbekampagnen exklusiver Kunden verantwortlich, darunter Balenciaga, Balmain, Chloé, Yves Saint Laurent und viele mehr. Die Gestaltung des Pirelli Kalenders wurde 2006 von ihnen übernommen, wo sie mit ihren Starportraits von Sophia Loren, Tilda Swinton, Mickey Rourke oder Nathalie Portman beeindrucken.

Ihre Referenzen lesen sich dabei wie das Who is Who der Modebranche und ihre Fotografien scheinen mühelos zwischen den Welten zu navigieren. Ob in Galerien oder Modemagazinen, für die Elite oder dem Massenmarkt, ihre Bilder können überall andocken. Mit Wohnsitz in New York und Paris erfinden sie mit einer Leichtigkeit die Mode- und Kunstfotografie immer wieder neu und stoßen damit in beiden Branchen auf großen Respekt.

Das innovative Dreamteam genießt mit ihren unvergesslichen Bildern Kultstatus und kommentiert das Zeitgeschehen nicht nur von außen; sie sind selbst ein Teil des Systems geworden. Mittlerweile sind die digitalen Manipulationen subtiler und die beiden entwickelten ihre eigene künstlerische Sprache. „I don’t see fashion as most people do – as something separate, reduced to seasonal hemlines (…) it’s always with me inside, like a language.“ (Inez van Lamsweerde)

Ihre Sprache ist die Fotografie, die Stillstand nicht zulässt, daher war der Schritt zum Film nur die logische Konsequenz ihrer Entwicklung. Auch ist es kein Zufall, das die beiden in Lady Gaga ihre Muse fanden. Die Ausnahmekünstlerin mit Hang zur Exzentrik und Vorliebe für Rollenspiele stand neben diversen Fotoproduktionen für fünf eigene Fashionfilme vor der Linse des Duos, für die sie keine Scheu hatte, in neue Identitäten zu schlüpfen. Auch Inez selbst experimentiert gerne mit dem Frauenbild und zeigt sich mit Bart, den sie auch schon Kate Moss und anderen Prominenten angebracht hat.

In der dreibändigen Fotoreihe Pretty Much Everything (1985 – 2010) versammelte man mit einer Retrospektive mit über 666 Fotos fast die gesamte Arbeit der beiden Fotografen. Die Gestaltung verantwortete der Artdirektor von M/M (Paris), ein langjähriger Partner der beiden mit dem bereits Projekte wie das Björk Portrait oder Werbekampagnen für Givenchy realisiert wurden. Die erste gemeinsame Kampagne für Yohji Yamamoto zählt man zu einem wichtigen Beitrag in der Geschichte der Modefotografie.

www.inezandvinoodh.com