In einem am Montag erschienen Interview mit Fashionista übte Suzy Menkes, ihres Zeichens Modekritikerin ersten Ranges, Kritik am momentanen Zustand der Pariser Haute Couture: „Haute couture in Paris used to be my favourite – in the days of John Galliano at Dior and the great Saint Laurent shows. Now there is not much couture left“, sagte sie auf die Frage hin, welche Modewoche sie am liebsten möge. Und tatsächlich, besonders viel wirklich „Hohes“ lässt sich derzeit nicht finden auf den Laufstegen der Haute Couture.
Dabei ist Haute Couture längst keine Verkaufsveranstaltung mehr, sondern ein kostenintensives Imagetool der großen Modehäuser, in der ein Feeling, ein Konzept verkauft werden soll, für das die Marke steht, aber auch ein Barometer für den Stand der Kultur, die Megatrends der Gesellschaft, die Grenzen der Kunst.
Wieso also toben sich die – oft jungen – Designer in diesem „Labor der Ideen“ nicht aus; zeigen was sie können, welche Fragen sie umtreiben?

Die alteingesessenen Häuser wie Chanel, Armani, Valentino, Dior „unterraschen“ mit Vielgesehenem. Karl Lagerfeld präsentiert Saison für Saison scheinbar denselben Klassiker genannten Mix aus den Chanel-Insignien Goldkette, Bouclékostüm und Kamelie; selbst Raf Simons, vermeintliche Design-Wunderwaffe, bringt weder modernen Glamour noch aufs Wesentliche destillierten Minimalismus ins Couture-Treiben, sondern enttäuscht mit einem faden Kompromiss beider.
Und Maison Martin Margiela, lange Zeit Leitwolf unter den Créateuren, hat sein Aus-Alt-Mach-Neu-Kontingent langsam erschöpft. Valli und Mabille hielten sich an hübsche Kleidchen, zweifelsohne aufwändig verarbeitet, aber eben auch ein wenig einfallslos.

Alexis Mabille Haute Couture A/W13

Ein paar angenehme Ausnahmen, insbesondere unter den jungen Kreativen, gibt es natürlich. Da wäre Yiquing Yin, die Hyères-Finalistin 2010, die mit Materialien experimentiert, oder Viktor & Rolf, die ein Couture-Comeback in Schwarz feierten, im Zen des Hier und Jetzt, oder Ulyana Sergeenko, deren russischer Blickwinkel eine andere Art der Femininität vertritt.
Letzten Endes ist aber niemand der hier Aufgezählten besonders radikal oder herausragend, was das Konzeptuelle angeht, das Boundary-Pushing, das Eröffnen neuer Horizonte. Genau dafür aber eignet sich die Haute Couture doch eigentlich so gut, losgelöst von Verkaufszahlendiktat, Einkaufspreisen und Margen.

Diejenige, die das Motto der Hohen Mode alleinig noch zu verstehen scheint, ist Iris van Herpen, die mit dem Einsatz neuer Technologien überzeugt und verblüfft, mit Silhouetten und Materialien spielt, und an deren Haute Couture sich ablesen lässt, wo die Menschheit ihre „Frontiers“ hat.
Nachdem sie sich in der vergangenen Saison mit der Elektrizität des menschlichen Körpers auseinandersetzte, widmete Herpen sich diesmal den Naturgewalten.
Unter dem Titel „Wilderness Embodied“ kundschaftete sie, zusammen mit führenden Wissenschaftlern und Künstlern, die Wunder der Natur aus.
Dabei entstanden magnetisch gewachsene Kleider (mit Jolan van der Wiel), 3D-Print-Kleider (zusammen mit Isaie Bloch), und surreal anmutende Schuhe (im Kollaboration mit Rem D. Koolhaas von United Nude und Stratasys).
Die Schaffenskraft der Niederländerin scheint keine Grenzen zu kennen – und dass ihnen eine Holländerin in Sachen Couture etwas vormacht, das sollten die Franzosen nicht auf sich sitzen lassen.
Die Bühne wäre frei für mehr von dieser Art.

Iris van Herpen, Nick Knight und Daphne Guiness haben sich im April für „Splash“ bei Showstudio zusammen gefunden; bei dieser Kollaboration stellte der Photograph einen Kreis aus Highspeed Kameras auf und bewarf die irische Biererbin mit schwarzen und klarem Wasser. Iris van Herpen nahm darauf hin die Bilder und entwarf ein Kleid.

Dazu hatten noch die Künstler Geoffrey Lillemon und Salvador Breed ein Video mit dem Titel „Sonomorphic Mirror“ gefilmt, der sowohl akustisch und visuell den Arbeitsprozess darstellen soll.
Dieser Arbeitsprozess wurde am 3. und 9. April live auf SHOWstudio übertragen und wurde nun mit einem Shooting des Kleides, das nach der Zusammenarbeit im 3D-Laserdruck  entstanden ist, vervollständigt.
Das Kleid, sowie das Video, gehörten zu einer PR-Aktion der Juni Ausstellung im SHOWcabinet und der darauffolgenden Ausstellung im Centre Pompidou Paris.

Wie die derzeit stattfindende Ausstellung am London College of Fashion zeigt, sind die Möglichkeiten, die das 3D-Printing für die Mode eröffnet, beinahe unbegrenzt – die einzige Einschränkung scheint das menschliche Vorstellungsvermögen zu sein.
Die Avantgarde der 3D-Print nutzenden Modemacher pusht aber genau diese vermeintlichen Grenzen. Eine Auswahl an wahrlich visionären Anwendungsbeispielen und die ungelösten Probleme dieser Technik – ein Blick durchs Schlüsselloch der Zukunft.

Neben medizinischen Einsatzgebieten – von Zahnersatz, künstlichen Nieren und Nanorobotern, die medizinische Eingriffe vornehmen sollen – über Häuser und Möbel und Waffen scheint die Technologie des 3D-Prints alles zu können. Die bisherigen Einsatzgebiete sind jene, in denen die Werkstoffe fest und/oder chemisch sind, Architektur eben oder Interior- und Produkt Design.
Sogenannte Bioprinter, basierend auf Molekulartechnologie, drucken aber potentiell sogar Fleisch und Schokolade: der 3D-Druck klingt wie die eierlegende Wollmilchsau der Wissenschaft.
Vergessen ist der Lieferservice, die Pizza wird in Zukunft direkt vom Sofa aus runtergeladen und ausgedruckt, oder?

Nun gut, bis es so weit ist, dass jeder Konsument seinen eigenen 3D-Drucker zu Hause stehen hat, dauert es wohl noch eine Weile. Die günstigsten Open-Source Printer fangen bei ca. 300€ an, sind dann aber in Sachen Material stärker festgelegt als die teureren Geräte.
Auch steckt das Bioprinting, welches für die Mode besonders interessant ist – man denke an nahtlos gedruckte Baumwollshirts oder Seidenkleider – noch in den Kinderschuhen. Die schiere Anzahl an Youtube-Videos und Blogeinträgen lädt aber bereits zur Euphorie ein.

3D-Druck ermöglicht zuvor nicht realisierbare Formen, Materialverbindungen und Eigenschaften für Designs. Für Designer heißt das, das sich zuvor unerforschte Welten auftun. Ganz vorne mit dabei ist Modemacherin Iris van Herpen, die zusammen mit der israelischen Architektin Neri Oxman die ersten Vorstöße in das unerforschte, zukunftsträchtige Universum vornimmt.

Besonders interessant dabei für die Modebranche: es werden geringere Auflagen möglich, der Designer ist nicht an eine Mindestabnahmemenge eines Stoffherstellers gebunden, gedruckt wird on demand. Außerdem könnten Reklamationen reduziert werden, jedem Kunden kann theoretisch jedes Design per Body-scan auf den Körper geschneidert werden, die digitale Umkleidekabine ist auch bereits Realität.

Die momentane Problematik für den Einsatz in der Mode liegt in der Flexibilität der Materialien. 3D-Print basiert auf dem Einsatz von flüssigen oder pulverförmigen Werkstoffen, die zwar sehr dünn geprintet werden können, sich aber mit Naturfaser und herkömmlichen Stoffen nicht vergleichen lassen.
Auch Atmungsaktivität, Wasser- und Luftdurchlässigkeit sind Variablen, an welchen noch gedreht werden muss, bevor gedruckte Kleidung wirklich Einzug in den Alltag der Mode finden kann.
Daher kommt 3D-Druck vorerst nur im Bereich der Haute Couture und als Showpiece, sowie für Accessoires zum Einsatz, wo Tragekomfort zweitrangig ist.

Shapeways ist die führende Plattform, über welche 3D-Designs käuflich erwerbbar sind. Von gewoben scheinenden Keramiktassen über Eierbecher, bis hin zu pfenninggroßen Miniaturobjekten, 3D-Prints finden hier ihre Nippes-nische, zeigen aber auch deutlich die Möglichkeiten und Einschränkungen der Technik auf ihrem aktuellen Stand.

Continuum Fashion ist teils ein Modelabel, teils ein experimentelles Designlab. Neben D.Dress, einer App, und Constrvct einem Crowd-Sourced Fashion Label, durch die jeder User zum 3D-Designer werden kann, haben Mary Huang und ihre Partnerin Jenna Fizel auch einen komplett 3D-gedruckten Bikini designt.
Unter dem Namen N12, für Nylon 12 stehend, wird dieser in verschiedenen Größen angeboten, zwar relativ günstig für die dahinter stehende Designleistung und technische Umsetzung, mit 250-300 Dollar aber noch immer kein Schnäppchen. Auch scheint die Performance des Bikinis in Sachen Transparenz zumindest anzweifelbar.

Michael Schmidt, der sich selbst „wardrobe und jewelry designer“ nennt, könnte man wohl am ehesten als einen Modekünstler bezeichnen. Seine Werke finden Einsatz als Bühnenkostüme für Madonna, Rihanna oder Lady Gaga oder werden im Metropolitan Museum ausgestellt.
Nun hat er ein 3D-gedrucktes Kleid für Dita Von Teese designt, welches auf der Fibonacci-Zahl basiert und mit 13.000 Swarovskisteinen besetzt ist – ein netter Publicity-Stunt für alle Beteiligten, aber auch hier zeigt sich die Lückenhaftigkeit der Technik und die Grenzen ihrer Anwendung im Kleidungsbereich.

Abschließend bleibt die Betrachtung, dass 3D-Print ein Feld voller ungeahnter Möglichkeiten ist, eine Spielwiese für Designer aller Disziplinen.
Viele halten die Technologie für den Beginn der dritten industriellen Revolution, kritische Stimmen halten dagegen, mahnen die nicht reduzierbaren Materialkosten an, die die Technologie für eine breite Anwendung unmöglich mache. Mit Vorhersagen in Sachen Technik sollte man sich aber lieber nicht zu weit aus dem Fenster lehnen. IBM-Vorsitzender Thomas Watson prophezeite 1943: „I think there is a world market for maybe five computers“, und Ken Olsen, Gründer der Digital Equipment Corporation wusste 1977 folgendes: „There is no reason anyone would want a computer in their home.“
Welche und ob 3D-Printing nun Auswirkungen auf die Mode haben wird, bleibt mit Spannung zu erwarten. Wir jedenfalls stellen uns auf die Seite der Euphorischen.
Brave New World!

Die Londoner Fashion Space Gallery gibt mit der Ausstellung Layer By Layer eine Einsicht in den aktuellen Entwicklungsstand des 3D-Printing. Mit dieser Technologie rollt auf die Welt zweifelsohne eine Welle der Innovation zu, die in ihren unendlichen Möglichkeiten die Zukunft der Gestaltung in allen Bereichen beeinflussen wird.

Eigentlich hat alles bereits in den 70er Jahren angefangen, als der 3D-Druck erstmalig patentiert wurde; eingesetzt wurde er aber weitestgehend nur zur Herstellung im medizinischen und militärischen Bereich, sowie im Flug- und Fahrzeugwesen.
Nach und nach kamen Architekten auf die neue, innovative Methode zur Realisierung ihrer Visionen bis die Welle letztendlich vom Gebäudedesign über in den Modesektor schwappte.
Die Neugier über die Möglichkeiten, die diese neue Technologie mit sich bringt ist groß, der Enthusiasmus, sie in der Praxis anzuwenden jedoch bisher noch verhalten, zum grossen Teil wegen des in weiten Teilen noch fehlenden Know-Hows, sowie der hohen Anschaffungskosten.
So soll zum Beispiel Ende des Jahres ein 3D Großraumdrucker, Objet 1000, mit dem stolzen Preis von ca. einer halben Million Euro auf dem Markt erscheinen, der aber auch vierzehn verschiedene Materialeigenschaften pro Print verarbeiten kann.
Auch wenn dieses Modell als top-notch gehandelt wird, gibt es natürlich auch weit günstigere, dafür aber auch kleinere und leistungsschwächere Optionen.

Zusammen mit den teilnehmenden Designern erklärt die Ausstellung Layer By Layer am London College of Fashion in Bild und Detail, wie 3D Printtechnologie die Welt des Mode- und Accessoiredesigns Schritt für Schritt, also Layer By Layer, weiter revolutionieren kann – und wie sie Selbiges bereits getan hat.
Als einer der Pioniere dafür in der Modebranche gilt die niederländische Modedesignerin Iris van Herpen, die erstmalig 2010 ein 3D Print Kleid in ihrer Kollektion präsentierte. Ihre aktuellste Kollektion, Voltage,  beinhaltet zwei verschiedene solcher Modelle, eines davon hergestellt mit dem oben erwähnten Verfahren, der Multimaterial Technologie, die dem Designer erlaubt, über den Drucker verschiedene Materialien gleichzeitig in einem Modell zu drucken.

Hoon Chungs Schuhdesign demonstriert, wie zwei verschiedene Teile ein- und desselben Objekts dank der modernen Technologie zusammen produziert werden können und sich der Einsatz des 3D Druckes damit sogar als ökologisch vorteilhaft erweist.
Er reduziert die Materialvergeudung und vermeidet die Verwendung von toxischen Klebern, die den Schuh normalerweise zusammenhalten würden.
Nachteile im Tragekomfort hat die Technologie angeblich keine: Hartplastik als Material für die Sohle ermöglicht einen ebenso sicheren Halt und komfortablen Gang wie übliche Materialien.

Zur Realisierung des RapifForm Shoes verwendete die junge Designerin Chau Har Lee eine Kombination aus 3D Printing, Laser Cutting und einer Schweißtechnik, um ihren Schuhkreationen einen konzeptuell-architektonischen Touch zu verleihen.

Auch London College of Fashion Alumna Marla Marchant, über die wir bereits berichteten, präsentiert ihre Entwürfe in der Ausstellung. Ihre Arbeit ist eine 3D-gedruckte Metallstruktur, welche ihr als Rahmen für ihre Schuhe dient. Marchant schafft es, bei der Herstellung ihrer komplizierten, handgewobenen Kreationen leichtfüßig auf dem schmalen Grat zwischen ästhetisch und abstrakt balancieren.

Victoria Spruce nutzte die Technologie, um die Grundbasis für ihre Schuhentwürfe aus Nylon zu schaffen. Diese werden anschließend handpoliert und bekommen schließlich mit klassischen Elementen der Schuhherstellung den letzten Schliff verliehen.

Neben diesen und anderen Designern, verschafft Layer By Layer dem Besucher ebenfalls einen Überblick von Firmen, die bereits nah an der Markt-Kommerzialisierung im Bereich des 3D Print Designs sind.
So arbeiteten die Aussteller beispielsweise mit Unternehmen wie Shapeways oder Nervous System zusammen, die dem Kunden ermöglichen, sein eigenes Design online zu erstellen und drucken zu lassen, oder einfach nur ein vorhandenes Design zu personalisieren.

Mit all den bereits existierenden und noch kommenden Innovationen, die der 3D Druck bisher über die verschiedenen Branchen der Designindustrie gebracht hat, öffnet es nun auch der Accessoire- und Modewelt vorher ungeahnte Möglichkeiten – und birgt in Zukunft vielleicht sogar eine 2.0 Version der traditionellen Haute Couture.

Noch bis zum 18. Mai ist die Ausstellung in der Fashion Space Gallery in den Räumlichkeiten des London College of Fashion am Oxford Circus in London zu besichtigen.

Sass & Bide ahnen wohl einen milden Winter voraus, oder aber das Duo mit den australischen Wurzeln hat seine Zielgruppe, nämlich derzeit noch fröstelnde Europäerinnen, aus den Augen verloren. Wie anders lässt sich die völlige Abwesenheit von Mänteln in einer Herbst/Winter Kollektion mit dem Titel Wintergate erklären? Auch die Farben lassen Wunschdenken für ewigen Sommer erkennen: zu starken schwarz-weiß Kontrasten und viel Silberakzenten kombinieren die Designerinnen ausschließlich Sonnengelb.

Vielleicht kann man die Kollektion am ehesten folgendermaßen zusammenfassen:  monochrome Maya-muster treffen 3D-Couture mit Gothic-Chic. Sich bei dieser Kollektion auf einige wenige Highlights festzulegen ist beinahe ein Ding des Unmöglichen.
Ein Kleid aus Metallriemen oder das bauchfreie, knallgelbe Oberteil, das an einen Fischeranorak aus PVC erinnert, die an Ricardo Tiscis Goth-Glamour für Givenchy erinnernden Kontraste von Toughness und Sanftheit, die Iris van Herpen-esken architektonischen Textilgebilde oder die einer Sandra Backlund Ehre machenden Strickkunstwerke – es einfach zu viele Besonderheiten für eine einzige Kollektion.
Den einzigen Vorwurf, den man Sass & Bide vielleicht an dieser Stelle machen kann, ist der des Rosinenpickens bei anderen, aber auch das will gelernt sein. Hier könnten gut und gerne die Meisterinnen darin am Werk sein.

In der vergangenen Woche fand in Paris die Haute Couture Woche statt, in der die großen Modehäuser wie Dior, Chanel und Valentino ihre Frühjahr-Sommer-Kollektionen 2013 präsentieren.
Neben den etablierten Designern hatte die „Chambre Syndicale de la Haute Couture“ als Gäste diesmal die Designer Hervé Leroux, Lefranc Ferrant, Zuhair Murad und Rad Hourani. Die spannendsten und interessantesten Kreationen im Überblick:

Maison Martin Margiela, Paris Haute Couture Spring 2013

Traditionell verhüllte Gesichter und Bonbonpapier gab es bei Maison Martin Margiela zu sehen. Die Show bestach durch lange Kleider mit auffallenden Stoffen und wilden Mustern, alles kombiniert mit weißen Plateaus.
Bunte Stickereien und Federbustier als exotisches Highlight und Kontrast zum silbernen Mantel daneben.

Bei Valentino wurde man in ein Paradies aus bestechend schöner Abendgarderobe entführt. Die Schneiderkunst bei den Kleidern ist beeindruckend, bei einem Exemplar wurden bis zu 1500 Stunden Arbeit investiert.

Valentino, Paris Haute Couture Spring 2013

Schwarz- und helle Weiß- und Beigetöne dominierten bei den Kleidern, eine Kombintation mit Rot oder auch aufwendige Blumenmuster kamen zum Einsatz. Die Kollektion wirkte natürlich und geheimnisvoll schön. Die Valentino-Designer Maria Grazia Chiuri und Pierpaolo Piccioli wollten in einen verwunschenen Garten entführen und erklärten, dass Couture magisch sein muss. Diesen Zauber versprühten sie tatsächlich.

Bei Chanel wählte Karl Lagerfeld diesmal einen dunklen, wuchernden Wald als Kulisse. In Kombination mit dem Grand Palais also ein perfekter und eindrucksvoller Hintergrund für die Schau.

Chanel, Paris Haute Couture Spring 2013

Neben typischen Chanelkostümen gab es bauschige Kleider und Federn. Der Kontrast aus beigem Tweetkostüm und Zombibraut gelingt perfekt. Vor allem die Kreationen, die neben dem Federkleid mit großen Lederstiefelen kombiniert werden, haben einen starken Gothiclook, Lagerfelds Märchen im Wald mit der bösen Hexe gelang ihm.

Raf Simons entwarf für Dior seine zweite Couture-Kollektion und wählte das Thema Garten als Symbol für Natur, Wachstum und Veränderung.

Dior Paris Haute Couture Spring 2013

Die Models präsentierten mit burschikosen Kurzhaarschnitten die Garderobe von Dior, die zwar sehr schwarz begann, die Farbleggins unterbrachen den dunklen Look aber gleich. Sehr viele Rot- und Gelbakzente waren zu sehen, und die Liebe zu Detail wurde sehr gut sichtbar.
Auf Kleider gefallene Blätter, erblühende Knospen auf Handschuhen und wachsende Blumenwiesen auf Oberteilen waren zu sehen. Simons stellte mit seiner Kollektion den sanften Übergang der Jahreszeiten und den Verlauf in der Natur dar, alles aber sehr konzentriert auf den Sommer und starke Farben.

Die Niederländerin Iris van Herpen ist bekannt für ihre avantgardistischen Kreationen, und auch diesmal enttäuschte sie nicht. Mit dem Warnhinweis „Voltage“ begann die Show und der Saal wurde erstmal unter Strom gesetzt.

Von Highheels mit astronomisch hohen Absätzen wurde man dank der 3D-Outfits auch in eine andere Welt versetzt. Wie mit lebendigen schwarzen Kristallen besetzt, wird ein Kleid präsentiert, begleitet mit sphärischer Musik der kanadischen Sängerin Grimes, die eine Muse für van Herpen ist.
Flauschige, korallenartige Lebewesen sind auf anderen Stücken zu sehen, ein Kleid aus futuristischen Metallorigami-Applikationen runden den Trip durch das Weltall ab. Die Kollektion sollte Elektrizität und Science-Fiction verbinden und verwendet sogar neue, flexible Hightechmaterialien, die laut van Herpen noch nicht mal einen Namen besitzen.

Bei dem italienischen Designer Giambattista Valli dreht sich anfangs alles sehr um Schwarz-Weiß-Kontraste, danach geht der Fokus aber schnell über in blumige Eindrücke.

Giambattista Valli, Paris Haute Couture Spring 2013

Die romantischen Roben mit auffälligen Blütenstickereien wirkten sehr verspielt, und es gab viele Muster zu sehen. Neben den blumigen Akzenten sind viele Zebra- und Krokomuster zu sehen, aber auch Luchs- und Leopardenprints. Viel Tüll und Seide lassen die Stücke sehr rokoko-esque wirken und runden die vorhergehenden Schwarz-Weiß-Prints ab.

“The movie could be the beginning of a whole new genre of entertainment; fashion cinema” (Zach Gold, 2011)

Der Amerikaner Zach Gold, 1972 geboren, ist Mode- und Werbefotograf sowie Filmregisseur. Nach seinem mit Auszeichnung abgeschlossenen Studium 1995 an der Parsons School of Design begann auch schon seine erfolgreiche Karriere.
Der New York Art Directors Club ernannte 1997 Zach Gold zu einem der Top 100 Künstler in New York City unter 35 Jahren und dies nicht zuletzt weil er einer der ersten Künstler war, die erfolgreich Kamera und Computer nutzten, um fotorealistische digitale Kunst zu produzieren.

Zach Gold

Artikel über seine bahnbrechende Arbeiten erschienen in der Vogue und wurden in vielen weiteren Fachmedien gefeatured, darunter Harper’s Bazaar Art, French Photo, AdWeek und viele mehr.

Es folgte die Auszeichnung des International Center of Photography als „Young Photographer of the Year“ im Jahr 2000 neben Preisträgern wie Helmut Newton und Robert Frank.
Als Mitbegründer und Co-Kurator des Playground, ein unabhängiges Kollektiv, ergründet er die Beziehung zwischen Mode und Kunst in Form von Ausstellungen, Installationen und Artwork Arbeiten. Präsentationen fanden bereits erfolgreich bei Colette, Selfridge und im MOCA Museum statt, sowie mit einer Daueraustellung im “ Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute.

In seinen verschiedenen Shootings friert er faszinierende, wie verblüffende menschliche Momente ein; im Kampf, fallend oder im Ausweichen vor fliegendem Pulver. In der Zusammenarbeit mit der Gallim Dance Company und dem Choreographen Andrea Miller entfremdete Zach Gold die halbnackten Tänzer in einem Pool voller Milch, mit einem atemberaubendem, visuellem Ergebnis.
Seine Bilder halten eine gewisse Spannung, doch auf Grund der sehr scharfen Details zeigen sich die Szenen ruhig und elegant.

Sein Stil und seine innovativen Ansätze haben einige der größten Namen in der kreativen Branche angezogen. Zach Gold hat als Fotograf bereits zahlreiche Prominente vor der Linse gehabt; David Bowie, Iman, Willem Dafoe, David Beckham, Iggy Pop, 50 Cent und viele mehr.
Kunden wie Nike, Sony, MTV, V Magazine, Samsung, Issey Miyake, Converse, Iris van Herpen und AF Vandevorst reihen sich in seinem Portfolio neben weiteren ein.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo and Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers. © Christo

Den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst versucht eine außergewöhnliche Ausstellung im Wiener mumok zu beleuchten. Reflecting Fashion. Kunst und Mode seit der Moderne beschäftigt sich mit den Grauzonen zwischen Kunst und Mode, schaut da genau hin, wo übliche Definitionen der beiden versagen, und regt so zum Überdenken eines Kategoriendenkens an, das angesichts der Postmoderne versagt: „Whether fashion is art, or whether even art is art, doesn’t really interest me. Maybe nothing is art. Who cares?“ (Miuccia Prada zitiert hier von Valerie Steele)

Sylvie Fleury, Formula 1 Dress, 1999, Edition von 100, mit Hugo Boss Sammlung Hoffmann, Berlin, @ Sylivie Fleury. Erwin Wurm, Construct (aus der Serie Hermès), 2008, Courtesy of the artist, © VBK Wien, 2012 / mumok.

Wenn sich die Mode in Richtung Kunst lehnt, wenn Alexander McQueen, Miuccia Prada oder Iris van Herpen die Grenzen zwischen den beiden Disziplinen ausloten, dann erfahren diese Kollektionen meist viel Lob und Kritik – die einen sind begeistert ob dieser genialen Grenzüberschreitungen, für andere stellen sie einen Affront dar, kurz, es scheiden sich die Geister.
Viel seltener lehnt sich die Kunst, die es mehr als die Mode geschafft hat – und auch mehr Zeit dafür hatte – sich als intellektuelles Feld zu etablieren, in Richtung Mode.

Marcus Geiger, Ohne Titel, 2003 Schusack, evn collection, Maria Enzersdorf, Foto: Jens Preusse, © Markus Geiger

Wenn sie es doch tut, dann entstehen dabei Stücke, die eine neue Dimension zur Kunst hinzufügen: sie stellen eine direktere, körperliche Beziehung zwischen Betrachter und Werk her.
Noch mehr als Gemälde, selbst als Skulpturen, erwecken diese textilen Grauzonenkunstwerke den Wunsch, sensorisch erfasst, „begriffen“ zu werden. Stoff und Haut haben eine enge Beziehung, die, wenn nicht herzustellen erlaubt ist, eine spürbare Leere hinterlässt.
Wenn, wie in einem Museumskontext, das Anfassen, das Anziehen eines Kleidungsstückes verboten ist, verliert es seine Funktion, doch wird es dadurch bereits zu Kunst?
Auch auf dem Laufsteg ist das Kleidungsstück auf einem Podest, überhöht, ausgestellt und darf nicht berührt werden: Ist es dort Kunst oder Mode? Die Ambivalenz der Mode verschärft sich, wenn der Faktor der Kunst hinzu kommt. Die Aura des Kunstwerks, wie Benjamin sie beschreibt, kann zweifelsohne auch dem Kleidungsstück anhaften, doch erreicht es selten ähnliche Bedeutung wie das Gemälde, der Duck oder die Statue.

Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí, Woman’s Dinner DRess, 1937, Schenkung von Mme Elsa Schiaparelli, 1969, © Philadelphia Museum of Art / VBK Wien, 2012. Joseph Beuys, Filzanzug, 1970. Sammlung Philipp Konzett, Wien ©bpk/ Bayerische Staatsgemäldesammlungen / VBK Wien, 2010

Weder Mode noch Kunst lassen sich wirklich lückenlos definieren, und sind doch als Konzepte, als platonische Ideen, bei jedem Menschen auf die eine oder andere Weise hinterlegt.
Diese vagen Umrisse der beiden erlauben Spielraum, doch sorgen sie auch für Sprengstoff in Diskussionen. Schiapparelli’s Zusammenarbeit mit Dali: Mode oder Kunst? Die historische Bedeutung des sogenannten Lobsterdresses: Kunst- oder Kostümgeschichte? Wie steht es um Joseph Beuys‘ Filzanzug? Sein Diebstahl wurde ohne Zögern als „Kunstdiebstahl“ deklariert, doch kann er auch getragen werden, war, im Gegensatz zum Lobster Dress, nicht einmal ein Einzelstück.

Welche Bedeutung hat in dieser Diskussion die Produktion von Mode versus Kunst? Weshalb ist es so, dass dem Nähen der fade Beigeschmack des Profanen anhaftet, während die handwerklichen Mittel zur Kunst – Malen, Zeichnen, Montieren, Drucken oder Meißeln der Wertigkeit der daraus entstehenden Werke keinen Abbruch tun?

Mai-Thu Perret, Flow My Tears I, 2011, Courtesy Galerie Francesca Pia, Zürich, © Mai-Thu Perret. Cindy Sherman, Untitled # 217, 1984/1990, Courtesy Essl Museum, Klosterneuburg/ Wien, Foto: Photoatelier Laut, Wien, © Cindy Sherman

Diese und zahlreiche weitere Fragen wirft die Ausstellung im mumok auf, Fragen, die wohl – und das ist das beste daran – nicht beantwortet werden können. Reflektion, so sagt ja bereits der Titel der Ausstellung, ist schließlich das Ziel, nicht die Beantwortung aller Fragen.
Der umfangreiche Audioguide bietet viele Hintergründe zu den Ausstellungsstücken, der sehr spannende einleitende Vortrag von FIT-Direktorin Valerie Steele zur Ausstellung ist hier zu sehen.

Das Kooperationskarussell dreht sich weiter: Who’s next?

Vor nicht allzu langer Zeit berichteten wir über den Blog Fashematics, der Runway-Looks auf gewitzte Weise in ihre Bestandteile aus Popkultur und Produkten aufdröselt.
Auch Modelabels haben schon lange die Macht der Addition verstanden, und suchen sich geeignete Partner für Kooperationen in Designern oder sogar modefremden Kreativen und Celebrities. H&M, Target und Topshop machen schon seit langem vor, wie doppelte Designpower auch die Medienwirksamkeit multipliziert und Umsätze vervielfacht.
Kooperationen ergeben mehr als die Summe ihrer Einzelteile, sowohl im Designoutput als auch in der finanziellen Bilanz. Hier eine Auswahl zur Frage: welche Gleichungen gingen auf, und weshalb sich die Rechnerei lohnt.

Adidas Originals X Jeremy Scott (2003-heute)
Adidas, der weltgrößte Sportartikelhersteller aus Herzogenaurach und Jeremy Scott, der exzentrische Modedesigner aus Kansas City, haben neben einer uncoolen Geburtsstätte wenig gemeinsam. Gerade deshalb läuft vielleicht ihre Kooperation seit 2008 so gut.
Scott ist bekannt für seine schreienden Kreationen, stattet regelmäßig Popstars für Videos oder Shows aus – Britney Spears, Lady Gaga, Katy Perry und selbst Miss Piggy zählen zu seinen Kundinnen – Adidas hilft Sportlern zu Höchstleistungen und kooperiert gerne mit Avantgarde Labels.
Gegensätze ziehen sich eben tatsächlich an. Scott’s unverkennbar kitschig-knallige Handschrift und die drei Streifen machen ein gutes Team.

United Nude X Iris van Herpen (2009-heute)
United Nude ist an sich schon ein ziemlich cooles Schuhlabel, welches Architektur mit Mode vereint. Die Gründer sind ein niederländischer Architekt und ein englischer Schuhmacher in der 7. Generation – man kann also getrost sagen, United Nude ist der Intellektuelle unter den Avantgardeschuhen, vereint mit Traditionshandwerk.
Nun sucht sich das Label aber auch noch junge Designtalente wie Iris Van Herpen, der Königin der skulpturellen Mode oder Mattijs van Bergen, dem, laut ELLE Holland, „Kronprinzen der holländischen Mode“.
Heraus kommen dabei Schuhkreationen wie von einer anderen Welt, namens „Synesthesia“, „Crystallization“ oder „Fang“.
Iris Van Herpen, der beste Fang für United Nude.

Louis Vuitton X Artists Collaborations (2001-heute)
Marc Jacobs ist selbst ein eifriger Kunstsammler, und seine Leidenschaft für moderne Kunst schlägt sich auch in seinen Designs für den französischen Luxusartikelgiganten Louis Vuitton nieder. 2001 kollaborierte das Label mit Graffiti-Künstler Stephen Sprouse, 2003 folgte Takashi Murakami, dem japanischen superflat-Künstler, dessen naiv-kindlich wirkende Ästhetik die Grenzen zwischen „high“ und „low“ art verwischt.
Der neueste Coup ist die Zusammenarbeit mit Yayoi Kusama, einer japanischen Künstlerin, die in der Pop Art beheimatet ist, ein wiederkehrendes Erkennungsmerkmal in Kusamas Werk sind Polka Dots, allerdings nennt sie diese „infinity nets“.

Die Beispiele weiterer Kooperationen sind zahllos, und meist bringen sie beiden Beteiligten einen Zuwachs an medialem Interesse, neuen Kunden, die sie anderweitig nicht erreichen können, sowie zusätzlichen Umsatz.
H&M beispielsweise erreichte eine 23% Gewinnsteigerung vor Steuern im Frühjahr 2012, das unter anderem die Marni-Kollektion beinhaltete.
Welche zusätzlichen Beträge bei diesen Deals die Konten wechseln, was also ein Adidas einem Jeremy Scott, oder ein Louis Vuitton einer japanischen Künstlerin bezahlt, lässt sich so einfach nicht herausfinden und ist vermutlich durch Verschwiegenheitserklärungen geklärt.

Fest steht, die Gagen steigen mit anhaltendem Erfolg des Konzepts. Karl Lagerfeld und Stella McCartney sollen 2005 jeweils etwa $1 Million für ihre Dienste bei H&M erhalten haben, Madonna in 2007 bereits 4 Mio. Dollar – die Kollektion brachte dem schwedischen Modekonzern ca. 20 Millionen ein.
Dabei ist die Werbe- und PR-Wirkung für beide Beteiligten noch nicht berücksichtigt. Eine New Yorker Luxusgüter-Research-Firma berechnete beispielsweise den Werbewert der Kooperation zwischen Target und McQ, dem günstigeren Unterlabel von Alexander McQueen im Jahr 2009: 2,1 Millionen war deren Mini-Kollektion an Anzeigenkosten wert.

Kooperationen können Gewinne, Image und Karrieren boosten, sie können diese aber auch besiegeln und stellen für beide Seiten ein Wagnis dar. Isaac Mizrahi, der von 2003 bis 2008 mit Target gemeinsame Sache machte, sagte in einem Interview mit dem Wall Street Journal zu dem Thema: „You’re not selling out, you’re reaching out.“
Eine Gratwanderung ist das allemal – wenn auch Mizrahi zu dem Zeitpunkt seiner Kollaboration nicht mehr viel zu verlieren hatte. Der Designer muss seine Handschrift massentauglich umgestalten und mit niedrigerer Materialqualität umgehen.
Ist er zu nahe an seinem Benchmark, so läuft er Gefahr dieses Alleinstellungsmerkmal seiner eigenen Marke zu entwerten. Ist er zu weit davon entfernt, kann es sein, dass die Kooperation nicht die geplanten Umsätze erzielt. Auch für den Retail-partner kann die gemeinsame Reise also potenziell aufs Glatteis führen. Bisher scheint dies aber ausgeblieben zu sein, die Zusammenarbeitsmaschinerie läuft ungebremst weiter.
Als nächstes stehen Anna Dello Russo und Margiela auf der Discount-Einkaufsliste bei H&M.

Winde Rienstra ist eine Designerin aus Friesland in den Niederlanden, die erst 2009 ihre Ausbildung an der School of Arts in Utrecht abschloss. Seitdem macht sie architektonische Mode, die ein bisschen an Sandra Backlund, ein bisschen an Iris van Herpen erinnert, aber dennoch ihr ganz eigenes Vokabular besitzt.
Insbesondere durch selten gewordene Handwerkstechniken aus verschiedenen Kulturen, sowie deren Mix, und durch die Wahl ihrer Materialien hebt sich Rienstra von anderen skulpturellen Designern ab.
Extrem aufwendige Details, wie großflächige Stickereien auf Pressholzplatten und ein Paar Plattform-Heels aus Legobausteinen, bilden, neben den geometrischen Silhouetten, die Highlights ihrer Kollektion.

Als Inspiration diente Winde Rienstra für ihre S/S 2013 Kollektion Ithaca das gleichnamige Gedicht von Konstantinos Kavafis:
„Always keep Ithaca fixed in your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for long years…“

Um das virtuelle Wandern geht es dabei, um den unbegrenzten Raum des Internets, der sirenengleich manchen Surfer des Web vom Wege abbringen kann, und gleichzeitig den Weg zum Ziel macht.
Es geht dabei auch um die Möglichkeiten, dort, in den unendlichen Weiten des Netzes, Gleichgesinnte zu finden, virtual tribes zu bilden, obgleich Tausende von Kilometern voneinander entfernt.

Ihre Kreationen verbinden die Moderne mit der Antike, avantgardistisches Design mit althergebrachtem Handwerk. Die togahaften Schnitte werden durch neu interpretierte Strick- und Sticktechniken ins Heute geholt, ihre Holzein-und Aufsätze erinnern an mittelalterliche Rüstungen und die Legoschuhe wirken wie Pixel, auf welchen die Models nicht über den Catwalk, sondern durch virtuelle Welten wandern.
Eine detailreiche und chronologisch-eklektische Kollektion, die nie den roten Faden – oder eben Ithaka aus dem Sinn – verliert.

Bilder: Peter Stigter