Wenn man Iris van Herpen, die diesmal leider keine Präsentation zur Pariser Couture Woche gab, als die  Prinzessin der Avantgarde-Mode sehen möchte, dann ist ihr Gegenpart wohl Serkan Cura.
Sie ist die unumstrittene Herrscherin über das Digitale, über die Innovation durch Technologie und er, er benutzt ganz Back to the Roots Naturprodukte: Federn, Leder, Fell, Bast, selbst die Stacheln von Stachelschweinen kommen bei ihm auf ungewöhnliche Art zum Einsatz.

Die dabei entstehenden Silhouetten sind ausgefallen und innovativ, die Kleidungsstücke eigentlich eher Kunstwerke. Eben so wie Haute Couture eigentlich sein soll: Die Krone der Mode-Schöpfung – und Serkan Cura ist ein würdiger Nachfolger der alten Meister seiner Zunft.

Mit ihrer Kollektion unter dem Titel „Moth“ imitierte die in Paris lebende Chinesin Yiqing Yin die Schönheit der Natur zur Dämmerung: Ums Licht tänzelnde Falter, ein zarter Flügelschlag, ein emsiges Schwirren, die mysteriöse Verwandlung von der Raupe über den Kokon bis hin zum geflügelten Wesen – Yiqing Yin lässt den Sonnenuntergang auf der Heide gekonnt mit mythischen Anklängen verschmelzen.

Seit dem ersten Treffen mit der Designerin beim Festival Hyères 2010 ist viel Zeit verstrichen, aber die Faszination für Ephemerales ist Yiqing Yin geblieben. Die Chinesin hat ein Händchen für die leisen Töne des Kreierens, ihre Spielart ist ruhig und detailverliebt.
Auch mit dieser Kollektion trifft sie damit wieder ins Schwarze: spannende Materialmixe, Kontraste zwischen Transparenz und Schwere, Drapierungen und Stickereien, Mattheit und Glanz machen diese Kollektion zu einer Lektion in der hohen Kunst der Schneiderei.

Ulyana Sergeenko hält für die Pariser den Pariser Chic hoch. In einer Zeit, in der Dior Netzstoffe und Crop Tops und Chanel einen mangahaften Skaterlook propagieren, muss es offenbar die schöne Russin und Millirdärsgattin Ulyana Sergeenko auf sich nehmen, den Franzosen eine Lektion in Sachen Eleganz zu erteilen. Sie nahm gestern ihr Publikum – darunter Suzy Menkes, Carine Roitfeld und Tim Blanks- mit auf eine Weltreise, die auch eine Reise in eine vergangene Zeit zu sein schien.

Wie ein Zugabteil war der Laufsteg aufgebaut, das Publikum wurde zu Mitreisenden, auf einer Fahrt im Orient Express, möglicherweise auch der Transsibirischen Eisenbahn. Die Inspirationen der Designerin waren vielfältig: China, Russland, Mittlerer Osten – von allem war etwas dabei, jedoch auf eine moderne Silhouette gebracht, mit einer üppigen Portion Femme Fatale obendrauf.
Jeder Look schien wie ein dramatischer Moment aus einem Film Noir oder einem klassischen James Bond Streifen. Bravo.

Das Designerduo Viktor & Rolf eröffnete vergangenen Monat seinen Flagship Store, und damit die erste Boutique in Frankreich – in Paris. Mit der luxuriösen Adresse 370, rue Saint-Honoré hat man sich bei den Holländern in Sachen Positionierung nicht lumpen lassen und auch die Innenarchitektur überzeugt: komplett in Filz ausgekleidet bewiesen die beiden, zusammen mit den Innenarchitekten Pierre Beucler und Jean-Christophe Poggioli (Architecture & Associés) wieder einmal ihr Querdenkertum und Nähe zur Kunst.

Auf 350qm und zwei Stockwerken bieten die Ausnahmedesigner ihre Herren- und Damenkollektionen sowie Accessoires zum Verkauf an. Hinter dem Einzug in das Prestige-Objekt und der ehrgeizigen Expansion steht Staff International, ein seit Oktober 2000 zu Renzo Rossos Only The Brave Gruppe gehörendes Produktions-, Distributions- und Lizenzunternehmen, welches unter anderem Viktor & Rolf, Maison Martin Margiela und Marc Jacobs Men unter seinem Gürtel vereint.

Fotos: Luc Boegly

Vor einigen Wochen erschütterte ein Erdbeben die Modewelt: Marc Jacobs verkündete, er werde Louis Vuitton verlassen um sich seinem eigenen Label zu widmen. Nicht alle erinnern sich wohl an die Zeit vor ihm, als Louis Vuitton „nur“ ein luxuriöses Pariser Accessoirelabel war, noch dazu eines der ältesten in der Welt. Heute ist es eines der wichtigsten Modehäuser, ein Name, den Marc Jacobs mit der vor 16 Jahren ins Leben gerufenen Ready-to-Wear Kollektion aufgebaut und gestärkt hat, indem er seinen eigenen Stil mit dem reichen Erbe des Hauses zusammenbrachte und dieses so erneuerte. Er erkundete über die Jahre das Klischee der Pariserin, frischte es auf, zerriss es, zerstörte es, aber immer mit Eleganz. Mit ihm reisten wir durch viele Zeiten und Stile, von den 20ern bis in die 90er, von Grunge bis Bondage.

Und reisen liegt natürlich in der DNA von Louis Vuitton: Züge und exzentrische Hotels waren die Eindrücke, die uns Marc Jacobs während seiner fantasievollen Shows zeigte, die wir nicht zu vergessen bereit sind. Seine letzte Kollektion für LV war sein Meisterstück, das Eindrucksvollste, was er in seiner 16-jährigen Louis Vuitton Karriere präsentierte; ein Abschied voller Referenzen an seine früheren Kollektionen, und an einen der größten Designer des zwanzigsten bzw. einundzwanzigsten Jahrhunderts. Doch natürlich ist diese Abschiedskollektion nicht das Ende, weder für Jacobs, noch für Vuitton. Ganz im Gegenteil: ein kreativer Führungswechsel an der Spitze des Hauses ist bereits gesichert.

Von vielen als eines der größten Genies der Mode der vergangenen Dekade gefeiert, st Nicolas Ghesquière vermutlich die beste Wahl, die man im Hause Louis Vuitton treffen konnte. Warum? Vielleicht, weil Ghesquière, wie Jacobs, einem alten Traditionshaus neues Leben einhauchte – in seinem Falle Balenciaga. Fast genauso lange wie Jacobs, nämlich 15 Jahre, leitete er dort die kreativen Geschicke des Hauses und schuf einen distintiktiven Stil für das Label, der sich aus der Vergangenheit speiste, aber seinen Blick in die Zukunft richtete. Bekannt für seine futuristischen Muster und minimalistische Silhouetten, schaffte er es nicht nur, den Geist von Cristobal Balenciaga am Leben zu erhalten, er arbeitete auch mit der Zukunft.
Der Zukunft von was?
Von allem! Von Frauen, Stoffen, Mustern, Formen. Ob man seine Arbeit mag oder nicht, ist sicherlich Geschmackssache, doch was er schuf, war neu und visionär.

Die Tatsache, dass er Franzose ist, macht einen gewaltigen Unterschied. Jacobs arbeitete sehr erfolgreich mit dem Klischee der französischen Frau, der Pariserin. Das ging, weil er einen amerikanischen Blickwinkel hatte. Ghesquière wird das definitiv nicht auf dieselbe Weise fortführen. Eben weil er Franzose ist, wird er sich nicht von dem leiten lassen, was zuvor in Paris getan wurde. Ich muss sagen, nicht viele französische Designer sind übrig an der Spitze der französischen Häuser, und dort jemanden zu haben, der nicht in der Vergangenheit schwelgt, ist eine echte Rarität geworden.

Deshalb glaube ich, dass Louis Vuitton eine hervorragende Wahl getroffen hat. Die Kombination aus einem Haus, das über keine Codes verfügt (abgesehen von dem überanspruchten Monogrammmuster) welches offen ist für eine Neuinterpretation, und einem Mann, der in der Zukunft denkt, nicht im Gestern, könnte eine explosive und erfrischende Mischung ergeben.

Zwei Fragen bleiben letztlich offen: wird Ghesquière in Sachen Taschen in Marc Jacobs Fußstapfen treten können (die umsatzstärkste Sparte des Labels)? Jacobs ließ sich in Sachen Kleidung von der Vergangenheit inspirieren, nicht aber wenn es um die Taschen ging. In diesem Bereich entwickelte er viele künstlerische und zeitgenössische Kollaborationen, die Louis Vuitton fest ganz oben am Luxury-Bags-Markt etablierten.
Und zweitens: wird Louis Vuitton Ghesquière genug Freiraum lassen, wirklich kreativ zu sein?
Ich hoffe es. Mein größter Wunsch für diese Zusammenarbeit ist es, dass Ghesquière die schlafende Schönheit namens französische Mode wiedererweckt. Und mit Louis Vuitton an seiner Seite ist er dazu machtvoll genug.

Text: Florian Lemaire, Übersetzung: Barbara Russ

Die mögliche Wiederbelebung des berühmtes Pariser Modehauses Patou hat vergangene Woche für Aufsehen in der Modewelt gesorgt. Eine gute Gelegenheit, in die Geschichte der Marke und des Mannes, der sie erschaffen hat, einzutauchen: Was zeichnet Patou aus?

Der Weg zum Erfolg – Mode für die „neue“ Frau

Jean Patou, der Sohn eines Gerbers, durchlief eine Ausbildung zum Kürschner, bevor er 1912 sein erstes kleines Atelier „Maison Parry“ in Paris eröffnete. Die Kollektionen entsprachen dem damaligen, vom amerikanischen und europäischen Stil geprägten Zeitgeist: dezent, elegant und luxuriös.
Als der I. Weltkrieg ausbrach, wurde auch Jean Patou an die Front geschickt. Erst nach Ende des Krieges kehrte er nach Paris zurück und eröffnete dort unter seinem eigenen Namen eine neue Boutique. Der Krieg hatte seinem guten Ruf keinen Abbruch getan und so kehrten sie wieder zu ihm zurück, die Schauspielerinnen, Sängerinnen und Damen der Gesellschaft.
In den Zwanziger und Dreißiger Jahren prägte er die Modelandschaft bis zu seinem frühen Tod maßgeblich mit. Patou war stets innovativ und modern, er spürte, was Frauen wollten und gab ihnen die Möglichkeit, sich gleichzeitig schick und entspannt zu kleiden. Es ist nicht übertrieben, wenn man behauptet, dass Ralph Lauren seine Idee der eleganten Sportswear bei Patou aufgegriffen hat.

Modische Innovationen der 1920er

Weitere Beispiele für die Neuerungen seiner Zeit waren gewebte Schwimmbekleidung, Designerkrawatten und ärmellose, knielange, gerade geschnittene Kleider aus wertvollen Stoffen, die mit künstlerischen Stickereien verziert waren – eine perfekte Symbiose aus der Geradlinigkeit des Art déco und den graphischen Elementen des Kubismus.
Patou griff damit den Geschmack der Flapper der Zwanziger Jahre auf, jene Frauen, die sich, inspiriert durch Margueritte´s skandalöses Buch La Garçonne die Haare abschnitten, dunkelroten, fast schwarzen Lippenstift trugen, rauchten, Jazz hörten und ein neues Erscheinungsbild der Frau prägten. Sie waren berufstätig, besser gebildet als je zuvor, fuhren Auto, spielten Tennis. Jean Patou kreierte für diese Frau eine Garderobe, die für alle Gelegenheiten das Passende bot.

Sein sogenanntes „Weekend-Case“ beinhaltete u.a. Badeanzüge, Pyjamas, ein Kleid für den Abend, eines für das Golfspiel, eine Strickjacke für abends sowie Tenniskleidung. Die kleine Auswahl ermöglichte unzählige Kombinationen.
Die damals weltbeste Tennisspielerin Suzanne Lenglen spielte 1921 in Wimbledon in einem waschbaren Faltenkleid aus Seide und einer maskulin geschnittenen Strickjacke von Patou. Wen wundert es bei soviel Pioniergeist noch, dass Patou auch als erster Designer seine Initialen J.P. auf Jacken und Polo-Shirts stickte?

Der Duftkrieg: Chanel No.5 gegen Joy

Jean Patou war ein Zeitgenosse Coco Chanels. Beide sollen einander nicht sehr zugetan gewesen sein, im Gegenteil. Es herrschte Konkurrenz, ob bei der Mode oder dem zweiten Erfolgsgeheimnis beider Designer: Parfums. Nach Chanel No. 5 ist Patou´s Joy das erfolgreichste Parfum aller Zeiten. Bis heute hat sich die Marke durch das Renommee seiner Düfte seinen guten Ruf erhalten können.
Die Amerikaner nannten ihn den „most elegant man in Europe“. Er war schlank, hatte ebenmäßige Gesichtszüge und eine tiefe, wohlklingende Stimme. Jean Patou konnte man durchaus als „Ladies´Man“ bezeichnen, obwohl er Zeit seines Lebens Single blieb. Aber er liebte die Frauen. Er liebte es, sie einzukleiden und ihre feminine Ausstrahlung zu unterstreichen. Seine Patou – Frau ist attraktiv, strahlend, gesund. Sie bewegt sich gern in der Natur, hat ein entspanntes Verhältnis zu ihrem Körper und trägt Kleidung, die zwar betont, aber nicht einengt. Sogar ein sanft gebräunter Teint kam durch ihn in Mode.

Die modische Nachfolge Jean Patous

Über Jean Patou ist bekannt, dass er eine Vorliebe für schnelle Autos und Boote hatte, seltene Bücher ebenso sammelte wie wertvolle Bilder. Er verstarb im Jahr 1936 viel zu früh an Herzversagen. Nach seinem Tod führten seine Schwester und ihr Mann die Marke weiter, die jedoch hauptsächlich von den Düften getragen wurde.
Später engagierten sich zahlreichen namenhafte Designer für Patou. Marc Bohan, Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier und Christian Lacroix versuchten, der Marke wieder Leben einzuhauchen.
Nach Lacroix´ Weggang 1987 gab es jedoch keine Haute Couture mehr. Mittlerweile gehört Patou einem Vertrieb namens Designer Perfumes Ltd.

Das Comeback des Labels: welche Rolle spielt die Mode dabei?

Umso überraschender ist die Neuigkeit, dass Patou schon nächstes Jahr im Frühling in Paris eine neue Ready-to-wear Kollektion zeigen will. Laut Vizepräsident Bruno Cottard gibt es Pläne und Ideen, wie die Kollektion aussehen soll und welche Designer in Frage kommen. Ebenso soll ein neues Parfum in Planung sein und ein Re-Launch dreier weiterer Düfte anstehen, nachdem bereits drei bekannte Parfums von Patou überarbeitet wurden.
Es bleibt zu erwarten, ob die Neuauflage dem Erwartungsdruck standhalten kann. Manchmal ist es auch gut, Großes in Würde ruhen zu lassen und in Erinnerungen zu schwelgen – wenn man damit lediglich die Parfümverkäufe durch mehr Medien- und Moderummel anregen möchte. Wenn man tatsächlich ein Couture-label mit einer derart spannenden DNA wiederbeleben will, sollte man vorher gründlich überlegen, wie.

Text: Claudia Baldauf

Am vergangenen Freitag und Samstag fand in Paris die 3D Printshow statt, eine Messe rund um das Thema 3D-Druck. Der Claim der Messe: „The Internet changed the world in the 1990s. The world is about to change again„.
Die Technologie erinnert an Science-Fiction: Ein Drucker, der nicht Worte auf Papier, sondern dreidimensionale Objekte druckt: Schuhe, Musikinstrumente, Einrichtungsgegenstände, Autoteile, selbst Organe. Die Anwendungsmöglichkeiten scheinen endlos. Doch wird der 3D-Print unsere Welt wirklich revolutionieren, oder bleibt es bei Spielereien und Nippes?

Auf der Messe stellten die Hersteller von 3D-Druckern ihre neuesten Modelle aus, Besucher konnten zusehen, wie Lage für Lage dreidimensionale Objekte entstehen. Eine eigene Halle war dabei den dekorativen Anwendungen gewidmet, darunter auch Mode und Accessoires, außerdem gab es eine Modenschau mit den Kreationen aus dem Drucker. Die gezeigten Teile waren allerdings weit von einer reellen Tragbarkeit weit entfernt: Accessoires aus Plastik sind und bleiben eben, egal wie detailreich und innovativ, Accessoires aus Plastik.

Ein bisschen fühlte es sich an, als wäre man auf der ComicCon oder einer ähnlichen Sci-Fi-Convention. Lebensgroße Figuren von Ironman, der Tranformers, Neytiri aus dem Film Avatar, sowie Dinosaurier bevölkerten die Hallen der Ausstellung. Zahlreiche Hersteller präsentierten ihre spaßbringenden aber letzten Endes (noch) unausgereiften Anwendungen wie den 3D-Doodler, mit dem man theoretisch 3D-Zeichnungen entwerfen kann – in der Realität bekamen die Besucher aber keine Eiffeltürme hin, wie das Beispielvideo zeigt, sondern eher traurige kleine Spiralhäufchen. Auch konnte man sich einscannen und in Miniaturform ausdrucken lassen, eine witzige Idee, die sicherlich ein Renner im Weihnachtsgeschäft werden dürfte. Doch was bringt das alles?

Natürlich darf man die 3D-Technologie nicht allein nach ihrem momentanen Output bewerten, sie steckt in ihren Kinderschuhen. Die Möglichkeiten der Zukunft scheinen endlos. Momentan ist die Technologie noch kostspielig, die Materialien begrenzt.
Doch die Aussteller dieser Messe, die Hersteller der Drucker und die Designer, die die Technologie anwenden sind die Innovatoren unserer Zeit. Viele neue Technologien wurden Anfangs belächelt, man denke nur an den berühmten Ausspruch von Ken Olson 1977: “Es gibt genau keinen Grund, warum jemand einen Computer zu Hause haben wollen sollte”, Bill Gates Einschätzung, dass 640kB genug für jeden sein würden, oder “E-Mail ist zwar nett, aber erstens ein absolut unverkäufliches Produkt und zweitens ohne jede Auswirkung auf die Zusammenarbeit zwischen Unternehmen und erst Recht im Privatbereich.” CEO Consulting-Unternehmen, CDN, 1979.

Man muss die aktuelle Entwicklungsstadium ein bisschen wie eine Haute Couture Show betrachten: Es geht nicht darum, ein gut verkäufliches Kleidungsstück zu entwerfen, sondern darum, die Grenzen des Möglichen auszutesten. Materialien, Formen, Farben – wie klein und wie groß ist die Skala auf der gearbeitet wird, welche Stoffe kann man imitieren, welche Rohmaterialien nutzen?
Die Zeit wird zeigen, was 3D-Print ist: Eintagsfliege oder Alleskönner, oder möglicherweise etwas dazwischen? Fest steht: das Feld ist faszinierend und steht am Anfang – in Zukunft kann man vielleicht seine Modeillustrationen mit dem 3D-Doodler kreieren, das Abendoutfit am Compterdesignen und herunterladen, ein Kleidungsstück ohne Nähte aus Spinnenseide ausdrucken, damit CO2-Ausstöße reduzieren und die Welt retten, wer weiß?
Auch muss an dieser Stelle gesagt sein, dass andere Bereiche, wie Medizin- und Zahntechnik, Ingenieurswesen und Baustoffe vermutlich mehr und schneller von der Technik profitieren werden, als die Mode, die nicht immer der Nabel der Welt ist.
Es bleibt spannend.

Azzedine Alaïa, geboren 1939 oder 1940 in Tunesien, entdeckte bereits im frühen Alter seine Liebe zur Mode. Mit einer Lüge über sein wahres Alter (welches übrigens bis heute nicht bestätigt ist) schaffte er die Aufnahme an der École des Beaux-Arts in Tunis, studierte dort Skulptur und nähte während des Studiums für wohlhabende Kundinnen des Ateliers seiner Zwillingsschwester, die ihm auch das Schneidern von Grund auf beibrachte, Couture-Roben. 1957 kam Azzedine Alaïa dann nach Paris und so nahm die Karriere des „Pharao“ der Mode, wie er sich selbst bezeichnet, ihren Lauf.
In den imposanten Räumen des neueröffneten „Musée de la Mode“ im Palais Galliera in Paris wird heute, 56 Jahre später, das Lebenswerk des Modeschöpfers ausgestellt.

Der Berliner Designer Dawid Tomaszewski stattete der Ausstellung während der vergangenen Paris Fashion Week einen Besuch ab und berichtet für modabot.

Die Exposition gibt dem Besucher einen einmaligen Einblick in das Schaffen von Azzedine Alaïa: In fünf Jahrzehnten seiner Arbeit sind geflochtene oder gestrickte Meisterwerke an Kleidern mit Spitze und Volants – welche die revolutionäre Strickverarbeitung Alaïas verdeutlichen – und andere kunstvoll drapierte Haute Couture Kreationen entstanden.

Der in Paris lebende Modeschöpfer nutzte häufig zukunftsweisende Materialien darunter Raffia, Jersey oder Lycra und ging in seinen Kreationen stets respektvoll mit den Textilien um. Avantgardistisch war auch sein Einsatz von Leder und die dazugehörende Verarbeitungstechnik, wodurch Jacken aus Kroko-Leder und zahlreiche weitere Kleider aus ungewöhnlichen Materialien entstanden.
Kunstvolle Schnitte, Drapierungen von Wollstoffen und skulpturale Silhouetten seiner Entwürfe spiegeln die Bewunderung des gelernten Bildhauers für den Frauenkörper wieder.

Die Ausstellung ermöglicht es dem Besucher sich die Musen des Künstlers, wie Grace Jones oder Naomi Campbell, bildlich vorzustellen und zu spüren, für wen der Designer die Kleider geschaffen hat. Exponate des berühmten Reißverschluß-Kleides oder ein weißes Kleid bestäubt mit schwarzem Puder gewähren einen einzigartigen Einblick in die Schöpfung Alaïas.
Alaïas Werk ist für mich Schneiderkunst im wahrsten Sinne des Wortes – Insgesamt eine der schönsten Ausstellungen, die ich je besucht habe.

Die retroperspektive Ausstellung „Alaïa“ im Palais Galliera in Paris ist vom 28. September 2013 bis zum 26. Januar 2014 geöffnet und zeigt die eindrucksvollsten Kreationen von Azzedine Alaïa seit seiner ersten Kollektion aus dem Jahre 1979, darunter über 70 Ausstellungsstücke unterteilt nach „Leder“, „Samt“, „Wolle“ und „Pelz“ die es im Palais zu bestaunen gibt.

Text by: Dawid Tomaszewski

Die Londoner, und alle, die die Möglichkeit haben einen kurzen Abstecher in die britische Hauptstadt zu unternehmen, sind momentan noch mehr als üblich zu beneiden: eine ganze Riege hochinteressanter Modeausstellungen bahnt sich dort an oder hat bereits begonnen. Doch auch außerhalb der britischen Hauptstadt bewegt sich wieder etwas in Sachen Modeausstellungen.

Hugo Boss –  „Red Never Follows“ in der Saatchi Gallery in London
Hugo Boss feiert sein 20-jähriges Bestehen mit einer Pop-up Ausstellung in London’s Saatchi Gallery. Zu diesem Anlass haben die Metzinger 20 ikonische Stücke und 20 zeitgenössische Kreative ausgesucht, erstere sind im Onlineshop erhältlich, letztere zeigen noch bis 1. September ihre Visionen für Hugo online und in der Saatchi Galllery in London.

„The Future is Here“ im Design Museum London
In Zusammenarbeit mit der UK Innovation Agency und dem Technology Strategy Board präsentiert das Design Museum in London die technischen Neuerungen in der Industrie, die die Welt von morgen prägen werden. Darunter auch das Thema 3D-Printing, welches dort Live zu bestaunen ist, Crowd Funding, Nanotechnologie, Biotech, und CNC Micro-computing. Noch bis  29. Oktober 2013, dann folgt…

…„Hello My Name is Paul Smith“ im Design Museum im London
Vom 15. November bis 9. März 2014 beschäftigt man sich im Londoner Design Museum dann mit dem britischen Herrenschneider Paul Smith, der wenn nicht das, dann zumindest eines der wichtigsten Gesichter der britischen Schneiderkunst, wie man sie nur an der Savile Row lernen kann.

„Club to Catwalk. London Fashion in the 80s“ im Victoria & Albert Museum in London
Im krassen Gegensatz zu Paul Smiths Tailoring steht die Ausstellung „Club to Catwalk, London Fashion in the 80s“ am V&A Museum, die noch bis zum 16. Februar 2014 zu sehen ist. Die Explosion der Kreativität in Londons Clubszene und auf dem Laufsteg gingen in den 80ern Hand in Hand, eine Entwicklung, die sich hier in Bildern, Filmen und anderen Exponaten darstellt.

„Front Row: Chinese American Designers“ im MOAC in New York
Das Museum of Chinese in America (MOAC) zeigt noch bis zum 29. September eine Sammlung von 16 chinesischstämmigen Designern, die amerikanisches Design prägen und vorantreiben, darunter Jason Wu, Vera Wang, Derek Lam, Philip Lim, Peter Som und Anna Sui.

„Edward Steichen – In High Fashion, the Condé Nast Years, 1923–1937″ im FOAM in Amsterdam
Einst der bestbezahlte Fotograf der Welt, und der vielleicht erste moderne Modefotograf, hat man sich mit Edward Steichen im FOAM einem wahren Großmeister der Fotografie angenommen. Seine ikonischen Bilder, die bei den Condé Nast Publikationen Vogue und Vanity Fair veröffentlicht wurden, prägen die Modefotografie bis heute. Die Ausstellung läuft noch bis zum 6. September.

„Virgule, Etc. Dans le Pas de Roger Vivier“ im Palais de Tokyo in Paris
Eine Retrospektive über den französischen Accessoiredesigner Roger Vivier gibt es im Palais Royal vom 2.Oktober bis 18. November 2013 zu sehen. Die Inspirationen des Schuhmachers in aus aller Welt und jeder zeitlichen Epoche werden dort genauso ausgestellt wie seine eigenen Schöpfungen. Bei den Stars und im Hochadel ist Vivier längst eine feste Adresse: so trug auch Königin Elisabeth zu ihrer Krönung 1953 sein Schuhwerk, was direkt zur nächsten Ausstellung überleitet, nämlich…

…„Fashion Rules“ im Kensington Palast in London
Drei royale Stilikonen und ihre Designerkleider sind der Mittelpunkt der Ausstellung „Fashion Rules“ im Kensington Palace in London: Queen Elizabeth II, Prinzessin Margaret und Diana, Princess of Wales. Die ausgestellten königlichen Roben wurden unter anderem gefertigt von Hardy Amies, Norman Hartnell, Zandra Rhodes, Marc Bohan, oder Bruce Oldfield.

„Isabella Blow: Fashion Galore!“ im Somerset House in London
Die Krone, zumindest aus modejournalistischer Sicht, setzt der ganzen Riege schließlich diese Ausstellung auf: die tragische Heldin der britischen Mode und Mentorin von Designergenies Alexander McQueen und Philip Treacy, Isabella Blow, wird ab 20. November bis März 2014 in einer Ausstellung im Somerset House gewürdigt.

In einem am Montag erschienen Interview mit Fashionista übte Suzy Menkes, ihres Zeichens Modekritikerin ersten Ranges, Kritik am momentanen Zustand der Pariser Haute Couture: „Haute couture in Paris used to be my favourite – in the days of John Galliano at Dior and the great Saint Laurent shows. Now there is not much couture left“, sagte sie auf die Frage hin, welche Modewoche sie am liebsten möge. Und tatsächlich, besonders viel wirklich „Hohes“ lässt sich derzeit nicht finden auf den Laufstegen der Haute Couture.
Dabei ist Haute Couture längst keine Verkaufsveranstaltung mehr, sondern ein kostenintensives Imagetool der großen Modehäuser, in der ein Feeling, ein Konzept verkauft werden soll, für das die Marke steht, aber auch ein Barometer für den Stand der Kultur, die Megatrends der Gesellschaft, die Grenzen der Kunst.
Wieso also toben sich die – oft jungen – Designer in diesem „Labor der Ideen“ nicht aus; zeigen was sie können, welche Fragen sie umtreiben?

Die alteingesessenen Häuser wie Chanel, Armani, Valentino, Dior „unterraschen“ mit Vielgesehenem. Karl Lagerfeld präsentiert Saison für Saison scheinbar denselben Klassiker genannten Mix aus den Chanel-Insignien Goldkette, Bouclékostüm und Kamelie; selbst Raf Simons, vermeintliche Design-Wunderwaffe, bringt weder modernen Glamour noch aufs Wesentliche destillierten Minimalismus ins Couture-Treiben, sondern enttäuscht mit einem faden Kompromiss beider.
Und Maison Martin Margiela, lange Zeit Leitwolf unter den Créateuren, hat sein Aus-Alt-Mach-Neu-Kontingent langsam erschöpft. Valli und Mabille hielten sich an hübsche Kleidchen, zweifelsohne aufwändig verarbeitet, aber eben auch ein wenig einfallslos.

Alexis Mabille Haute Couture A/W13

Ein paar angenehme Ausnahmen, insbesondere unter den jungen Kreativen, gibt es natürlich. Da wäre Yiquing Yin, die Hyères-Finalistin 2010, die mit Materialien experimentiert, oder Viktor & Rolf, die ein Couture-Comeback in Schwarz feierten, im Zen des Hier und Jetzt, oder Ulyana Sergeenko, deren russischer Blickwinkel eine andere Art der Femininität vertritt.
Letzten Endes ist aber niemand der hier Aufgezählten besonders radikal oder herausragend, was das Konzeptuelle angeht, das Boundary-Pushing, das Eröffnen neuer Horizonte. Genau dafür aber eignet sich die Haute Couture doch eigentlich so gut, losgelöst von Verkaufszahlendiktat, Einkaufspreisen und Margen.

Diejenige, die das Motto der Hohen Mode alleinig noch zu verstehen scheint, ist Iris van Herpen, die mit dem Einsatz neuer Technologien überzeugt und verblüfft, mit Silhouetten und Materialien spielt, und an deren Haute Couture sich ablesen lässt, wo die Menschheit ihre „Frontiers“ hat.
Nachdem sie sich in der vergangenen Saison mit der Elektrizität des menschlichen Körpers auseinandersetzte, widmete Herpen sich diesmal den Naturgewalten.
Unter dem Titel „Wilderness Embodied“ kundschaftete sie, zusammen mit führenden Wissenschaftlern und Künstlern, die Wunder der Natur aus.
Dabei entstanden magnetisch gewachsene Kleider (mit Jolan van der Wiel), 3D-Print-Kleider (zusammen mit Isaie Bloch), und surreal anmutende Schuhe (im Kollaboration mit Rem D. Koolhaas von United Nude und Stratasys).
Die Schaffenskraft der Niederländerin scheint keine Grenzen zu kennen – und dass ihnen eine Holländerin in Sachen Couture etwas vormacht, das sollten die Franzosen nicht auf sich sitzen lassen.
Die Bühne wäre frei für mehr von dieser Art.