Helmut Newton, Bild via

Dass Mode und Tod in besonderer Beziehung zueinander stehen, beschrieben wir in unserem Artikel Über die Vergänglichkeit – Mode und Tod. Aber dass sich auch tatsächlich seltsame Todesfälle zuzutragen scheinen, soll im folgenden gezeigt werden. Makabres, Tragisches und Dramatisches aus der Modewelt.

Wenige schaffen einen spektakulären Abgang wie Zelda Kaplan. Vergangenen Februar brach sie während einer Show der New York Fashion Week auf ihrem Stuhl ohnmächtig in sich zusammen, und wurde aus der Raum getragen. Anschließend wurde sie ins Krankenhaus gebracht, konnte jedoch nicht reanimiert werden. Die 95-jährige war als Socialite, Modeikone, Menschenrechtlerin, und feste Größe im New Yorker Nachtleben bekannt.

Ebenso Models ziehen offenbar ein tragisches Ableben an, eine Tatsache, die wiederum Künstler und Fotografen zu Bildern inspirieren scheint. Wie Edgar Allan Poe bereits schrieb – der Tod einer schönen Frau sei “zweifelsohne das poetischste aller Themen”. Natürlich häufen sich hier die Drogenüberdosen und die Fälle von Tod durch Magersucht, aber auch Suizid ist eine häufige Todesursache bei Models.

Ruslana Korshunova, Bild via 

Ruslana Korshunova, ein russisches Model, fiel 2008 von ihrem Balkon im neunten Stock in Manhattan. Da es keine Anzeichen einer Auseinandersetzung gab, erklärte die Polizei den Vorfall zum Selbstmord.
Seltsam ist jedoch, dass nach Zeugenaussagen das Haar des „Russischen Rapunzels“ scheinbar in Eile ungleichmäßig abgeschnitten worden war, mit einem Messer. Auch fand man keinen Abschiedsbrief. Spekulationen über Prostitution und Mitgliedschaften in einer Psycho-Sekte setzen dem mysteriösen Ableben des Models die Krone auf.

Katoucha, Bild via. 

Auch Yves Saint Laurents Muse Katoucha kam auf ungeklärte Weise ums Leben. 2008 wurde ihre Leiche aus der Seine geborgen. Auch hier gab es keine Anzeichen eines Gewaltverbrechens, sodass die Polizei annahm, das Model sei berauscht gewesen, und versehentlich von ihrem Hausboot gefallen.

Gia Carangis Schicksal, eines der ersten berühmten weiblichen Opfer von AIDS, wurde 1998 mit Angelina Jolie in der Hauptrolle verfilmt. Der Film mit dem Titel „Gia“ zeigt den Abstieg der Schönheit ins Drogenmilieu und ihren anschließenden, zum Scheitern verurteilten, Kampf gegen die Immunschwäche.

Gianni und Donatella Versace, Bild via

Auch Modeschöpfer sind häufig Opfer mysteriöser Todesumstände. Gianni Versace ist wohl der bekannteste darunter, das Motiv seines Todesschützen, der sich anschließend selbst tötete, ist bis heute nicht vollständig aufgeklärt.

Ossie Clark, Rudolph Moshammer und Maurizio Gucci haben eines gemeinsam: schlechten Geschmack, wenn es um Liebhaber geht. Moshammer wurde 2005 von seinem irakischen Callboy mit einem Telefonkabel stranguliert, wohl weil er ihn nicht wie verabredet bezahlen wollte; Ossie Clark wurde 1996 von seinem ehemaligen Liebhaber erstochen. Maurizio Gucci wurde von einem Auftragskiller erschossen, den, wie sich später herausstellte, seine Ex-Frau angeheuert hatte.

Rudolph Mooshammers Boutique in München, Bild via

Gianpaolo Tarabini Castellani, Mitbegründer von Blumarine, wurde auf einer Safarireise in Zimbabwe von einem, vielleicht auch zwei, vielleicht auch weißen, Elefanten zu Tode getrampelt. Die wenigen Quellen, die es im Internet dazu gibt, variieren in den Details seines Ablebens.

Christian Dior, Bild via

Christian Dior starb offiziell an einem Herzinfarkt. Diese Information ist zwar korrekt, aber nur ein Teil der Geschichte. Strittig ist, wodurch dieser ausgelöst wurde. Zur Auswahl stehen: eine Fisch-gräte, ein Kartenspiel und anstrengender Sex.

Ihren -dramatischen und grausamen- Tod wählte Isabella Blow, Stylistin, Redakteurin, und Muse von Alexander McQueen, selbst: Nach einer Reihe privater und beruflicher Enttäuschungen trank sie das Unkrautvernichtungsmittel Paraquat und verstarb kurz danach.

Zu guter Letzt noch ein Tod durch Mode, genauer gesagt einen Schal. Die Tänzerin
Isadora Duncan, Bild via

Monki kommt nach Berlin
Lange überfällig, soll nun endlich eine Monki-Filiale auch in Berlin eröffnen. Nach Hamburg und Essen wird dies der dritte Standort des schwedischen Filialisten in Deutschland. Im Frühjahr 2013 soll ein 300qm und zwei Etagen messender Store im „Monki 3.0-Design“ am Hackeschen Markt eröffnen Mitarbeiter werden auch noch gesucht.

J.JS Lee, Huishan Zhang, J.W. Anderson. September 2012, Bild via

BFC NewGen Winners
Die Britische Nachwuchförderung durch Topshop geht in die nächste Runde: Die Gewinner für Herbst/Winter 2013 stehen fest:
Catwalk sponsorship: J.W. Anderson and Simone Rocha
Presentation sponsorship: Christopher Raeburn, J.JS Lee, Lucas Nascimento, Marques’Almeida, Nasir Mazhar, Sister by Sibling, Sophia Webster
Exhibition sponsorship: 1205, Huishan Zhang, Liam Fahy, Maarten van der Horst, Palmer//Harding.

Helmut Newton, French Vogue, Monte Carlo 1980, Copyright Helmut Newton Estate

Helmut Newton Ausstellung und Buch
Eine neue Ausstellung zeigt die Helmut Newton Foundation seit Freitag unter dem Titel „A World Without Men„ . Zu sehen sind Modefotografien Newtons, entstanden zwischen Mitte der 60er bis Mitte der 80er Jahre; Beim Taschen Verlag ist zudem ein gleichnamiges Buch erschienen.

No Doubt, Bild via

Fred Perry X No Doubt
Anfang nächsten Jahres soll es eine von No Doubt designte Capsule Collection bei Fred Perry geben. Die Inspiration läge in den Ska-Wurzeln der Band und in Fred Perrys Verwurzelung in subkulturellen Strömungen.
Die Vorfreude bleibt allerdings durch die Beschreibung der Teile noch vage: „a slim-fit shirt … [with] signature tipping detail on the sleeves and collar in a reggae-inspired dark gold, red and green“ sowie ein „punk-inspired tartan-check V-neck sweater.“ Die Kollektionsbilder werden das Dilemma bald auflösen. [TheCut]

Muuse X Vogue Gewinnerin: Ece Gözen
Die Gewinnerin des Muuse X Vogue Talent Awards steht fest: Ece Gözen überzeugte mit ihrer M.C. Escher-inspirierten Kollektion namens ‘Illusional Harmony’. Die Absolventin der Mimar Sinan Fine Arts University Istanbul wird eine Capsule Collection für Muuse designen, außerdem wird sie bei Vogue.it gefeatured. [Muuse]

Bild via

Instagram in Zukunft ohne Twitter
Instagram wurde im April 2012 von Facebook gekauft, der Ausschluss Twitters war also eigentlich nur eine Frage der Zeit. Jetzt dürfen Fashionblogger und alle anderen ihre Posting-Strategien überdenken.
Die Bilder sollen zukünftig nur in Facebook und auf Instagram.com (in neu gelaunchten User Pages) zu sehen sein. Twitter bestätigte auf seinem Blog den Schritt Instagrams: „Instagram has disabled photo integration with Twitter. As a result, photos are no longer appearing in Tweets or user photo galleries.“ [ABCNews]

“The movie could be the beginning of a whole new genre of entertainment; fashion cinema” (Zach Gold, 2011)

Der Amerikaner Zach Gold, 1972 geboren, ist Mode- und Werbefotograf sowie Filmregisseur. Nach seinem mit Auszeichnung abgeschlossenen Studium 1995 an der Parsons School of Design begann auch schon seine erfolgreiche Karriere.
Der New York Art Directors Club ernannte 1997 Zach Gold zu einem der Top 100 Künstler in New York City unter 35 Jahren und dies nicht zuletzt weil er einer der ersten Künstler war, die erfolgreich Kamera und Computer nutzten, um fotorealistische digitale Kunst zu produzieren.

Zach Gold

Artikel über seine bahnbrechende Arbeiten erschienen in der Vogue und wurden in vielen weiteren Fachmedien gefeatured, darunter Harper’s Bazaar Art, French Photo, AdWeek und viele mehr.

Es folgte die Auszeichnung des International Center of Photography als „Young Photographer of the Year“ im Jahr 2000 neben Preisträgern wie Helmut Newton und Robert Frank.
Als Mitbegründer und Co-Kurator des Playground, ein unabhängiges Kollektiv, ergründet er die Beziehung zwischen Mode und Kunst in Form von Ausstellungen, Installationen und Artwork Arbeiten. Präsentationen fanden bereits erfolgreich bei Colette, Selfridge und im MOCA Museum statt, sowie mit einer Daueraustellung im “ Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute.

In seinen verschiedenen Shootings friert er faszinierende, wie verblüffende menschliche Momente ein; im Kampf, fallend oder im Ausweichen vor fliegendem Pulver. In der Zusammenarbeit mit der Gallim Dance Company und dem Choreographen Andrea Miller entfremdete Zach Gold die halbnackten Tänzer in einem Pool voller Milch, mit einem atemberaubendem, visuellem Ergebnis.
Seine Bilder halten eine gewisse Spannung, doch auf Grund der sehr scharfen Details zeigen sich die Szenen ruhig und elegant.

Sein Stil und seine innovativen Ansätze haben einige der größten Namen in der kreativen Branche angezogen. Zach Gold hat als Fotograf bereits zahlreiche Prominente vor der Linse gehabt; David Bowie, Iman, Willem Dafoe, David Beckham, Iggy Pop, 50 Cent und viele mehr.
Kunden wie Nike, Sony, MTV, V Magazine, Samsung, Issey Miyake, Converse, Iris van Herpen und AF Vandevorst reihen sich in seinem Portfolio neben weiteren ein.

Das 1st Annual International Fashion, Style, Beauty Film Festival im Rahmen des ASVOFF 5 präsentierte eine Vielzahl an spannenden Kurzfilmen. Gewinnervideos, alle am Wettbewerb teilnehmenden Clips, Out-Of-Competition Videos, Dokumentationen, sowie eine Auswahl an Modefilmen wurden im Centre Pompidou, im Herzen von Paris gezeigt.

ASVOFF Opening, Veranstalterin Diane Pernet mit Daphne Guiness

Der als Modedesigner bekannte Rad Hourani hat großes Interesse an Fotografie, sowie Film und präsentierte gemeinsam mit der 70er Modelmuse Viviane Fauny einen intimen Einblick in deren aufregendes Leben. Vivane, die mit Legenden wie Irving Penn, Richard Avedon oder Helmut Newton gearbeitet hat, resümiert vergangene Erlebnisse und erinnert sich an ihre Zeit als Model.

William Klein kam persönlich zum Festival und stand nach der Vorführung seines Films Who Are You, Polly Maggoo?, eine Parodie der Modewelt in den 60er Jahren, dem Publikum Rede und Antwort.
Claude Montana, ein weiterer Gast des Festivals erschien, um gemeinsam mit den Anwesenden den Film „Fashion! Golden Eighties“ von Olivier Nicklaus zu sehen, in dem der Stardesigner neben Mugler, Gaultier und Alaïa glänzt.

Für die neue ASVOFF Kategorie „Best Documentary“ präsentierten sich neben dem Siegerfilm „To Be Honest“ von Jason Last die weiteren sechs Mitstreiter, darunter „Gender Studies“ von Bettina Rheims, der ironische und tragikomische Film über Modeljäger „Where the Girls Are“ von Salome Oggenfuss, und „Long Live The Kings“ von Clement Beauvais & Arthur De Kersauson der unbedingt bis zum Ende geschaut werden sollte.

Das dreitägige Festival fand seinen gelungenen Abschluss bei der Closing Party im Pariser Private Member Club Silencio.
Französischer Chanson und die Band Kenji Minogue, die mit dem Film „Danny“ von Goran Grahovic den Preis für „Best Emerging Talent“ mit nach Hause nahmen, sorgten für eine ausgelassene Stimmung.
Neben Diane Pernet und Stargast Daphne Guinness feierten Regisseure, Künstler, Kritiker, Entertainer, Fotografen, Schauspieler, Designer und Prominente bis tief in die Nacht hinein.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Giacomo Leopardi, der große italienische Dichter, schrieb 1824 einen Dialog zwischen der Mode und dem Tod. Darin erkennt der Tod, der Feind der Erinnerung, seine Schwester, die Mode, nicht wieder, als sich ihm diese offenbart.
Dabei, so argumentiert diese, sind sie beide „born of decay“, haben also die selbe Mutter. Doch liegt es auch in der Natur beider, die Welt ständig zu erneuern.

Edgar Allan Poe schrieb, der Tod einer schönen Frau sei „zweifelsohne das poetischste aller Themen“. Ein Gedanke seiner Ära – das viktorianische Zeitalter pflegte eine andere Beziehung zum Tode als man das heute gewohnt ist. Fotografien verstorbener Familienmitglieder, sogenannte post-mortem Fotografie, sollten das Andenken an Geliebte über ihren Tod hinaus stärken.
Damals eine ganz normale Umgangsweise mit dem Verlust, heute ein Anblick, der Tabus verletzt.

Post-Mortem Fotografie. Bild via

In dieser Ära, in der korsettbedingte Blutarmut und vornehm-kränkliche Blässe das Schönheitsideal stellten, wurde der tote Frauenkörper in Literatur und Gemälden bis hin zum Stereotyp reproduziert. Insbesondere Suffragetten, die zu dieser Zeit Frauenrechte einzufordern begannen, aber auch unpolitische, attraktive Frauen wurden als bedrohlich wahrgenommen, weil sie eine unkontrollierbare Macht über Männer besaßen.
Um der Schönheit also ihre erotische Gefahr des Kontrollverlusts zu nehmen, entstand eine Konvention, in der Frauen leblos dargestellt wurden.

John Everett Millais, Ophelia. 1851-52. Bild via

John Everett Millais, Anhänger der ersten Avantgarde-Kunstbewegung, brachte das wohl bekannteste solcher Frauenbilder hervor, die leblos im Wasser treibende, den Tod scheinbar willkommen heißende Ophelia.
Dass dieses Bild eine Kunst-Konvention geworden ist, zeigen popkulturelle Referenzen von Kylie Minogue bis hin zu Lars von Trier, der Kirsten Dunst in Melancholia nach ihrem Vorbild inszeniert.

Kirsten Dunst in „Melancholia“. Bild via

Kylie Minogue „Where the Wild Roses Grow“ Bild via

Guy Bourdin war wohl der Erste, der diese Bildsprache in die Modefotgrafie übertrug. Seine Modestrecken schockierten, sandten eine morbide Faszination aus.
Nick Knight sagte über die Ikonografie Bourdins folgendes: „Fear is something that we, despite ourselves, want to experience. And I think the violence does add glamour in a kind of perverse way.“
Dieses Nicht-Wegsehen-Können, aber auch nicht wirklich hinsehen dürfen, ist eine mächtige Emotion, die die Darstellung von Gewalt in uns auslöst.
Gepaart mit Erotik und Schönheit multipliziert sie sich ins Unendliche. Bourdin nutzte diesen Kampf zwischen Gut und Böse in seinen Fotografien, kämpfte ihn wohl auch mit sich selbst.
Auch Helmut Newton nutzte den Effekt für seine Fotografie, spielt visuell direkt auf Bourdin und Millais an.

Guy Bourdin, Bild via

Guy Bourdin, Bild via

Helmut Newton, Bild via

Wie Ingrid Loschek in Wann ist Mode bereits bemerkt, ist „die Provokation (…) nichts anderes, als die Verführung, sich mit dem Dargestellten zu beschäftigen“. Da die Modefotografie, die meist als Teil einer Strecke in einem Magazin erscheint, und daher kurzlebiger ist, als die Kunstfotografie, schnell überzeugen muss, bedienen sich ihre Künstler dieser Provokation.
Der Tod wird zum Punktum, wie Barthes es benennt, der Tabubruch wird zum Verweilort des Blickes.

Seana Cavanagh, Bild via

Die Schönheit der Mode wird durch ihre prekäre Existenz unterstrichen. Schön bis zum Ende, und dadurch endlos schön werden die Frauen in dieser Konvention des Betrachtetwerdens dargestellt – eine weit zurückreichende visuelle Tradition, die Frauen für ihre Schönheit verehrt, ihnen aber jegliche Agenda, jegliche Teilhabe am Kunstwerk abspricht.
Das Model wir durch ihre Passivität auf das rein Körperliche reduziert, der Mann als Fotograf oder Maler stellt seine Position als der Schaffende, der Akteur wieder her. Vielleicht sind Phänomene wie Rick Genest, bekannt als Zombie Boy, ein Anzeichen für das Auflösen dieser Tradition, der schöne Tod ist nun nicht mehr nur der Frau vorenthalten.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Dem Zahn der Zeit entgehen – der einzige Weg, dem äußerlichen Verfall zu vermeiden und unsterblich zu werden, ist der verfrühte Tod selbst. Hier haben Mode und Tod ihre Schnittmenge – sie leben vom Werden und Vergehen, lediglich der Stillstand ist für sie tödlich.

Comme des Garçons-Ausstellung

Paris, so scheint es, atmet Mode und Kunst wie andere einfach nur Luft. Überall ist etwas los, und neben der heute beendeten „Ready-to-Wear“ Fashion Week fanden unzählige Happenings, Events und Ausstellungen statt.
Mit der Van Cleef & Arpels: „L’art de la haute joaillerie“ Exposition wird man auf eine Reise durch die Geschichte des Hauses, sowie der geheimnisvollen Schmuckstücke entführt.

Über 400 Kreationen vom Beginn im Jahre 1906 bis heute präsentieren sich im Museum Arts décoratifs im Louvre.

Van Cleef & Arpels - „L’art de la haute joaillerie“

Auf zwei weiteren Ausstellungen bekommt man einen besonderen Blick auf die Mode von Comme des Garçons und Balenciaga gewährt. Im Kulturzentrum „Les Docks en Seine„, in dessen Räume auch die Galliano und Alexis Mabille SS 2013 Shows, und die Capsule-Messe stattfanden, werden seltene Modelle der Modemarken gezeigt.
Rei Kawakubo hatte die Idee einer ungewöhnlichen Inszenierung und schuf eine Raum in Raum Situation durch transparente Plastikkugeln, die der ausgestellten Mode dadurch noch mehr Dramatik verlieh.
Direkt nebenan werden anlässlich des 40. Todestages von Christóbal Balenciaga, 40 Mäntel und Kleider des spanischen Couturiers, die er zwischen 1937 und 1968 entwarf, gezeigt.

Balenciaga-Ausstellung

Im Palais de Tokyo, Schauplatz der Shows von Costume National, Gareth Pugh und Anne Valerie Hash, feierte im Rahmen des Festival d’Automne á Paris der Kurzfilm „The Future Will Last a Very Long Time“ von Katerine Jebb Premiere.
Tilda Swinton in der Hauptrolle überrascht wieder einmal als Kunstwerk im Kunstwerk. Die Produktion ist ein Teil einer Serie von Jebb, die die beeindruckende Modekollektion des Musée Galliera dokumentiert. Anlässlich des Film fand unter dem Titel „The Impossible Wardrobe“ eine Performance mit der androgynen Schönheit statt.

Tilda Swinton in „The Impossible Wardrobe“

Ebenfalls im Palais de Tokyo versammelte man dieser Tage zum 60. Geburtstag des Kultlabels Chloé spektakuläre Kleider der Gründerin Gaby Aghion, sowie Karl Lagerfeld, Stella McCartney, Phoebe Philo, bis zur aktuellen Kreativdirektorin Clare Waight Keller.
Unveröffentlichte Illustrationen von Antonio Lopez, Zeichnungen, Skizzen, sowie Mode- und Kampagnenfotografien von Helmut Newton oder David Bailey gaben mit Chloé Attitudes weitere spektakuläre Einblicke in die Geschichte der Luxusfirma.

©Rankin. Bild via.

Unter seinem bürgerlichen Namen John Rankin Waddell kennen ihn die wenigsten, nur Rankin ist dagegen den meisten ein Begriff. Nicht verwunderlich, wenn man sich einmal vor Augen führt, was dieser Mann so alles macht und in der Vergangenheit auf die Beine gestellt hat. Mit viel Energie und treibender Kraft hat er eine Erfolgsgeschichte zu bieten, die es in sich hat.

Rankin via.

Zuerst sah es keineswegs danach aus, dass Rankin einen kreativen Weg einschlagen würde. Geboren 1966 im schottischen Glasgow, entschied er sich nach Schulabschluss für ein Studium im Bereich Rechnungswesen. Mit 21 Jahren kam dann die Schicksalswendung: Mit einer zum Geburtstag geschenkten Kamera hielt der Student alles fotografisch fest, was ihm vor die Linse kam – eine große, wegweisende Leidenschaft war entbrannt. Rankin brach das Studium ab und begann ein Fotografiestudium am London College of Communications. Damit nahm eine einzigartige Karriere ihren Lauf.

Coverfotografie für Dazed und Another Magazine. ©Rankin via und via.

Dazed & Confused, eines der einflussreichsten Modemagazine unserer Zeit, gründete Rankin mit seinem Studienkollegen Jefferson Hack Anfang der 90er Jahre. Die gemeinsame Idee bestand darin, moderne und kreative, aber dennoch stillvolle Modefotografien zu zeigen und weitere Themen wie Musik, Film, Kunst und Literatur zu integrieren. In das Projekt steckten sie ihr ganzes Geld; auf die ersten schwarz-weiß Faltposterausgaben folgten bald richtige Publikationen in Farbe, gefördert zu Beginn durch die Londoner Clubszene.

Das Magazin verschaffte Rankin bald einen Namen als Celebrity-Portraitfotograf, das Vertrauen in sein Talent wuchs und zog noch größere Namen nach sich. Auch der Einfluss von Dazed & Confused wuchs stetig. Das Cover zierten Stars aus Musik- und Filmszene und viele, darunter Kylie Minogue, Bjork oder Eminem, wurden erst durch Dazed richtig bekannt. Doch nur das Schöne alleine war nicht genug. Mit Themenausgaben, wie die „Fashion Able“ oder „South Africa“ -Edition, wollte man auf soziale Missstände und Probleme aufmerksam machen und die eigene Popularität medienwirksam nutzen. Bis heute setzt sich Rankin bewusst für Charityprojekte verschiedenster Art ein.

Rankin und Jefferson Hack, via.

Derart mit dem Magazinwesen vertraut, folgte nach Dazed & Confused sein eigenes Produkt RANK, später die Publikationen Another Magazine und Another Man, sowie bis heute über 30 Fotobücher.

Marilyn Manson ©Rankin via.

Rankin ist rastlos und sucht neben dem Fotografieren und dem Herausgeben von Publikationen auch nach weiteren Herausforderungen. Gesucht, gefunden in der Filmwelt.

1999 gründete er gemeinsam mit Jefferson Hack die Agentur Dazed Film & TV. Arbeiten für den britischen Sender Channel 4, Musikvideos und Werbeclips zogen eine weitere Erfolgsspur nach sich. Rankin gewann den Jurypreis beim Salento International Film Festival für den mit Chris Cottam koproduzierten Film „The Lives of Saints“, drehte den Dokumentarfilm „South Africa in Pictures“ in Zusammenarbeit mit BBC 4 und den Film „Seven Photographs that Changed Fashion“, bei dem er sich selbst neben Cecil Beaton, Erwin Blumenfeld, Richard Avedon, Helmut Newton, Herb Ritts, David Bailey und Guy Bourdin einen Platz in der Fotografiegeschichtsschreibung gab.

Pete Doherty ©Rankin via.

Rankin hatte, so scheint es, jeden vor der Linse: die Queen, Kate Moss, David Bowie, um nur einige zu nennen – die Aufzählung aller Bands, Musiker, Models, Schauspieler, Politiker, Designer und Künstler würde den Rahmen sprengen. Er provoziert mit seinen Bildern, übertreibt und überrascht und ist vor allem eines: Perfektionist.

In seiner Rastlosigkeit verwirklichte er sich seinen Traum von einer eigenen Galerie in L.A., gründete 2011 die Rankin Film Production, gefolgt von einer weiteren Veröffentlichung: 20 Jahre nach Dazed & Confused und 10 Jahre nach AnOther gründete er das Magazin The Hunger und die Internetplattform Hunger TV. „For the culturally and visually hungry“ beschreibt er das Konzept und drückt damit auch sein eigenes Streben nach mehr aus.

Beth Ditto ©Rankin, via.

Mit Heidi Klum verbindet ihn eine langjährige Freundschaft. Er ist ihr Lieblingsfotograf, wie sie oft betont, sie stand schon für seine Dokumentation „Seven Photographs That Changed Fashion“ im Interview Rede und Antwort, lies sich von ihm mit Schokolade beschmieren, tanzte lasziv an der Stange im Video „Turn up the Night„, mit Heidilicious widmete Rankin ihr ein ganzes Bildband und er stand ihr als häufiger Gast bei der Sendung Germanys Next Top Model zu Seite.

Heidi Klum ©Rankin, via und via.

Seit dem 15. September bis zum 13. Januar kann man in der Ausstellung „Rankin – Show Off“ im NRW-Forum Düsseldorf seine einflussreichsten und ikonischen Arbeiten bewundern. Neben den berühmten Celebritybildern sind auch intime Fotos seiner zweiten Ehefrau, dem Model Tuuli Shipster zu sehen –

Diane Arbus, Glamour, May 1948, Copyright Condé Nast

Die gestern eröffnete Ausstellung im C/O Berlin, unter dem Titel „Zeitlos Schön – 100 Jahre Modefotografie von Man Ray bis Mario Testino“, zeigt eine eindrucksvolle Auswahl an Bildern aus den Archiven des Condé Nast Verlags.

Erwin Blumenfeld, American Vogue, March 1945, © Condé Nast;
Norman Parkinson, Glamour, October 1949 © Norman Parkinson Limited

Der amerikanische Verleger bemerkte lange vor seinen Zeitgenossen, welch mächtige Zeitdokumente die Fotografien seiner Publikationen darstellten, und wie ikonisch sie einst werden würden. Epochen, Dekaden, selbst politische Zusammenhänge halten diese fest, bannen Zeitgeist auf Zelluloid. Daher koservierte das Verlagshaus die Ergebnisse aus über hundert Jahren Magazingeschichte in einem Archiv.

An den so gesammelten Fotografien lassen sich die langfristige Zusammenarbeit der Vogue mit ihren Fotografen, sowie deren kreativer Reifeprozess ablesen. Mit Illustrationen beginnend, erfasst Zeitlos Schön von Edward Steichen über George Hoyningen-Huene, Erwin Blumfeld, Helmut Newton, Irving Penn, Cecil Beaton, Man Ray, Diane Arbus, Horst P. Horst, Peter Lindbergh, Mario Testino und Bruce Weber bis hin zu Sølve Sundsbø und Daniel Sannwald, die Geschichte der Modefotografie von ihren Ursprüngen bis hin zur Jetztzeit.

John Rawlings, American Vogue, August 1944 © Condé Nast;
Helmut Newton, Vogue, October 1964, © Helmut Newton Estate, Courtesy Condé Nast Archive

Ein wenig fühlt sich die Ausstellung aber wie olympischer Fußball an: man merkt, dass die B-Mannschaft auf den Platz steht. Die wirklich ikonischen Bilder, die einfach ins Inventar gehören, wenn die Geschichte der Modefotografie erzählt werden soll, glänzen mit Abwesenheit.
Auch das alte Postfuhramt, mit seinem morbiden Charme, dem abblätterndem Wandputz, schummriger Beleuchtung und bloßliegenden Kabelführungen, trägt nicht unbedingt dazu bei, die Ausstellung in dem ihr zustehenden Lichte erstrahlen zu lassen.

Zeitlos Schön läuft noch bis zum 28.Oktober 2012.
täglich 11-20 Uhr.

C/O Berlin
Oranienburger Straße 35/36
10117 Berlin

Larry Dunstan Photography

Ein immer wieder aufgegriffenes Motiv in Mode und Populärkultur ist das der Behinderung. Ob in Modefotografie, Kunst oder Film: Behinderung, ihre Ästhetisierung und ihr Schrecken, ist ein schockierendes und zugleich anziehendes visuelles Element. Um eines vorwegzuschicken: es geht hier nicht um tatsächliche Behinderung, sondern um ihre, zumeist geschönte, Repräsentation in den Medien und der Mode.

Menschen mit Behinderungen werden unwillkürlich beäugt. Gleichzeitig sagt die Kultur, die Erziehung des Schauenden, dass man andere Menschen, besonders wenn sie eine Behinderung haben, nicht anschauen darf. Nun prallen dieses natürliche Interesse am Unbekannten und das kulturelle Tabu in dem Akt des Schauenden aufeinander.
Unangenehm für den Betrachter wie für den Betrachteten. Dieses Dilemma wird durch Fotografie aufgehoben. Fotografien dürfen angestarrt werden, sind dazu geschaffen, den Blick anzuziehen. Diane Arbus fotografierte sogenannte „Freaks“ und wurde damit zu einer der berühmtesten Fotografinnen nicht nur ihrer Zeit. Helmut Newton hat den sogenannten „Disability Chic“ nicht erfunden, doch er hat ihn sicher in seinen Fotografien für Vogue berühmt, „fashionable“ und anstarrbar, gemacht, als er 1995 Nadja Auermann für die Vogue mit Krücken und Gehhilfen fotografierte.

Disability bei Helmut Newton und Diane Arbus

Benetton zeigte in einer ihrer Schockkampagnen 1998 Kinder mit Down Syndrom, und schickte voraus, dass es um „die Gabe der Liebe“ gehe und nicht etwa um Effekthascherei. Die Marke stellte sich dadurch als humanitäre und soziale dar, und hält bis heute dieses Image äußerst erfolgreich. Auch Lady Gaga verwendete das Element in ihren visuell überladenen Videos, beispielsweise in Paparazzi.
In einer Strecke der i-D vor noch nicht so langer Zeit wurden die Models Abbey Lee Kershaw und Susie Bick in ähnlicher Manier abgebildet. Die Ästhetik des vermeintlich Hässlichen fasziniert und stößt gleichzeitig ab.

Abbey Lee Kershaw und Susie Bick in i-D.

Seither werden auch Accessoires immer beliebter, die an Behinderung erinnern oder sogar selbst behindern. Besonders im Bereich Schuhmode ist dieser Trend auffällig und auch weniger verwunderlich, stellen doch Schuhe mit hohem Absatz an sich eine Behinderung für die Trägerinnen dar.
Der weibliche Fuß wurde bereits im alten China zum Lotosfuß verkrüppelt und machte die derart Verstümmelte zu einer begehrenswerten Erscheinung. Da ist es nur konsequent, die Natur dieser Schuhform auf die Spitze zu treiben und ihre Ambivalenz zu verdeutlichen. Orthopädisch inspiriert im Design, doch keinesfalls orthopädisch in ihrer Wirkung.

Orthopädisch inspirierte Schuhe bei Kokon to Zai und Jeffrey Campell

Ähnlich verhält es sich mit Schmuck, bei dem Mehrfingerringe immer beliebter werden, die in ihrer Essenz schon behindernd wirken, und die Bewegungsfähigkeit einschränken. Schönheit und Aktivität gingen in ihrer gemeinsamen Geschichte oft nicht konform, man braucht nur an das Korsett oder aufwendige Frisuren der vergangenen Jahrhunderte zu denken. Das Ideal der schönen Frau war oft das der Passiven.

Mehrfingerringe

In unserer heutigen Gesellschaft scheint alles kontrollierbar. Kommunikation ist über alle Grenzen hinweg zu jeder Tageszeit mit jedem Menschen möglich, vorausgesetzt er, oder sie, hat Internetzugang. Die einzige unkontrollierbare Komponente des digitalen Menschen ist seine Naturhaftigkeit, sein Körper geworden. Krankheit und Behinderung stellen daher eine Bedrohung für den Menschen dar, die außerhalb seiner Kontrollmöglichkeiten liegt.
Tod, Krankheit, Schmerz und Alter werden – ähnlich wie bei Siddharta auf seinem Schloss – ausgeblendet und bilden doch die ultimative Angst des modernen Menschen.
Und während die Mode, mit ihrem stetigen Wandel, die ultimative Ablenkung von der Sterblichkeit des Menschen verspricht, scheint sie derzeit besonders daran zu erinnern zu wollen, dass alles eitel und vergänglich ist.

Styling bei Anndra Neen