Cashmerehersteller Sergio Loro Piana gestorben

Der italienische Vize-Präsident des Kaschmir-Labels, Sergio Loro Piana, ist im Alter von nur 69 Jahren gestorben. Der Italiener litt unter einer schweren Krankheit und starb in seinem Haus in Corona in Italien. Das Unternehmen wurde im Juli diesen Jahres an LVMH verkauft, die Brüder Sergio und Luigi hielten Positionen als Vize-Präsidenten sowie 20% der Fimenanteile. [BoF]

Rihanna für Balmain SS14

Balmain veröffentlichte vergangene Woche die SS14-Kampagne mit Rihanna. Die 25-jährige Popsängerin wurde für die neue Balmain-Kampagne von den populären Fotografen Inez van Lamsweerde und Vinoodh Matadin fotografiert.

Schiaparelli Zodiac Jacke für 110,000 £ verkauft

Das Auktionshaus Kerry Taylor in London verkaufte kürzlich für umgerechnet 131.406 Euro die Zodiac-Jacke aus der Elsa Schiaparelli Kollektion von AW 38/39. Die marineblaue Zodiac-Jacke ist mit Sternschnuppen, diversen Planeten und Sternzeichen bedeckt, welche von Maison Lesage in Paris aufgestickt wurden.

Cara Delevingne für YSL-Beauty

Das internationale Topmodel Cara Delevingne teilte kürzlich ein Foto auf Instagram für ihre 3,5 Millionen Follower. Unter dem Foto gab sie bekannt, dass sie das neue Gesicht der Yves Saint Laurent Beauty Kampagne wird. Mit der Bildunterschrift auf Instagram „New YSL coming soon“ zeigte sie sinnlich roséfarbige Lippen und geschminkte Katzenaugen in Pose gesetzt mit einem schwarzen eleganten Kleid. [ElleUK]

Beyoncé lanciert Parfüm Rise

Neben ihren gleichnamigen neuen Alben lanciert Beyoncé nun auch einen neuen Duft mit dem Namen „Rise“, welcher das starke Selbstbewusstsein und die Ästhetik der Frauenwelt reflektieren soll. Der goldfarbene Flacon wird ab Anfang Februar nächstes Jahres in Parfümerien erhältlich sein. [WWD]

„Über die Frauen fand ich zu meinem Stil. Es sind ihre Körper, die seine Kraft und Vitalität ausmachen“. -Yves Saint Laurent

Mit den Augenbrauen steht und fällt ein ganzer Look – nicht umsonst ist Cara Delevingne für ihre ausdrucksstarken Brauen bekannt. Das essentielle Augen-Make-Up „Dessin Des Sourcils“ von Yves Saint Laurent verfügt über jeweils einen Präzisionsstift, sowie eine Bürstenform. Der Präzisionsstift, welcher in den Farben Dunkelbraun, kühles Braun, Asche und Schwarzbraun erhältlich ist, setzt Schattierungen und definiert die Brauen, um einen natürlichen Look zu erhalten.

Der Augenbrauenstift eignet sich ideal für unterwegs und passt in jedes Make-Up-Case, Kulturbeutel oder Etui. Er besticht außerdem noch mit seinem hochwertigen, goldbeschrifteten Design. Der Yves Saint Laurent Dessin Des Sourcils ist für circa 23,- Euro bei Douglas zu erhalten. Hier geht’s lang zum Shop.

Mit dem umfassenden Bildband Dior Glamour wird man in die bahnbrechende Haute Couture Geschichte von Christian Dior entführt. Die rund 130 teils unveröffentlichten Aufnahmen von der Fotografie-Ikone Mark Shaw aus den Jahren 1952 bis 1962 dokumentieren eindrucksvoll das Modehaus in seiner Hochzeit.

Der US-Amerikanische Fotograf Mark Shaw bekannt für seine intimen Portraits von Elizabeth Taylor, Jackie & John F. Kennedy oder für seine Arbeiten fürs Live Magazine, arbeitete eng mit Dior zusammen und begleitete den Designer über mehrere Jahre hinweg. Shaw nahm alles auf, was er sah, von Präsentationen über Fittings bis hin zu Prominenten die in den dramatischen Kleidern posierten. Das Buch gibt einen umfangreichen Blick auf die Kollektionen einer glamourösen Zeit, zeigt einen nachdenklichen Christian Dior neben schönen Archivaufnahmen die auf den Straßen von Paris getragen wurden.

Viele der Fotos wurden noch zu Lebenszeiten des Couturiers aufgenommen und fingen den magischen Glamour dieser Zeit auf, aber auch einige spätere Sammlungen von Yves Saint Laurent und Marc Bohan sind in Dior Glamour zu bestaunen. Shaw hatte ein besonderes Gespür für den Augenblick, offensichtlich liebte er Mode und feierte dies mit der Fotografie. Einige der ersten farbigen Modeaufnahmen wurden von ihm aufgenommen und diese fanden sich in seinem Nachlass in einem versteckten Tresor wieder und werden in der Publikation erstmals gezeigt.

Christian Dior brachte in den 50er Jahren mit dem New Look den Glamour nach den Kriegsjahren zurück und entwarf weibliche, elegante, sowie glamouröse Kleider mit Fokus auf eine enge Taillen und schmalen Schultern in ausgestellten A-Linien.  Dior wollte an den Glamour der Vorkriegsjahre anknüpfen und schuf unvergessliche Fashion-Momente durch Stilikonen jener Zeit – wie Grace Kelly, die sich in Dior kleidete und somit der Marke ein ikonenhaftes Image gab.

Mark Shaw. Dior Glamour
Verlag: Rizzoli (Oktober 2013)
Hardcover: 216 Seiten
Sprache: Englisch
UVP: € 76,95

„Es muss schrecklich sein, sich vor etwas zu fürchten, wogegen man sich nicht auflehnen kann. In Europa ist es viel leichter, würdevoll zu altern als in den USA.“, sagte Catherine Deneuve einmal. Tatsächlich gibt es wenige Frauen, die mit so viel Würde und Anmut altern wie die französische Schauspielerin und Yves Saint Laurent-Muse.

Nicht nur ihr französischer Chic und ihre perfekten Gesichtszüge, sondern vor allem die riskante Wahl ihrer Filmrolle in „Belle de Jour“ brachten ihr für immer das Image der reizvollen Verführerin ein. Ihre feminine Eleganz und der Einsatz von simplen, aber effektvollen Accessoires macht sie zu einer Stilikone, die bis heute unangetastet bleibt.

Zwei Filme über die Modelegende Yves Saint Laurent sind für 2014 geplant. Bisher tragen beide den Working Title „Yves Saint Laurent“, doch nur einer hat die Unterstützung von Pierre Bergé, Geschäfts- und Lebenspartner des verstorbenen Modegenies. Im Januar soll der Film in die Kinos kommen, in der Hauptrolle ist der französische Schauspieler Pierre Niney zu sehen. Zu diesem Film, von Regisseur Jalil Lespert, ist nun der Trailer erschienen.

Der Konkurrent von Regisseur Bertrand Bonello hat die Unterstützung von François-Henri Pinault, dem Mann hinter der Holdinggesellschft Kering (früher PPR), der heute die Marke Saint Laurent gehört. In diesem Film wird Yves Saint Laurent von Gaspard Ulliel gespielt.

Kürzlich, in einem Gespräch mit  Freunden, in welchem es um Mode ging, kam folgende Frage auf: was hat die Mode heute noch zu sagen? In der Vergangenheit, so einer meiner Gesprächspartner, sei die Mode stets der Gesellschaft vorausgeeilt.
Nun suche sie immer wieder Zuflucht in „Retro“ und „Vintage“, verliere sich in ewigen Neuauflagen der Vergangenheit. Doch dies seien letzten Endes nur Euphemismen für ein und dasselbe Problem: die Mode tue nichts mehr für die Menschen, außer – so wandte ich scherzhaft ein – zu verursachen, dass er sich zu fett fühle. Doch warum ist das so, warum trifft die Mode im 21.Jahrhundert keine Aussagen mehr? Eine Spurensuche. 

Vor etwa hundert Jahren, 1911, entwarf Paul Poiret die Harem Pants, auch „Jupe-culotte“ genannt, eine orientalisch inspirierte Schöpfung irgendwo zwischen Rock und Hose – damals eine wahrhaft schockierende Neuheit, aus mehreren Gründen. Erstens: Frauen trugen damals keine Hosen; Bein zu zeigen, den Körper der Frau derart abzuformen war eine unerhörte Obszenität, man fürchtete die „Vermännlichung der Frau“. Zweitens: die Harem Pant griff die neue Faszination mit dem Orientalischen auf, die das Ballet Russe initiiert hatte, und das Ballet Russe war ein Anschlag auf die politischen und sozialen Normen der Zeit. Drittens: Orientalismus als Chic zu verkaufen, hieß auch, Zweifel an der damals herrschenden Meinung zu äußern, dass der Westen allen anderen Kulturen überlegen sei. Die Haremhose Paul Poirets war also dreifach politisch aufgeladen: geschlechterpolitisch, kulturpolitisch und geopolitisch.

Auch Coco Chanel nutzte die Macht des ethnischen-inspirierten Designs um Dissent auszudrücken; war, wie man in Coco und Ivan sehen konnte, eng mit dem Ballet Russes verbandelt. Doch ihre bahnbrechende Aussage traf sie etwas, wenn auch nicht viel, später mit dem Einsatz vorher als minderwertig betrachteter Materialien. Coco Chanels wahre Errungenschaft war nicht das kleine Schwarze, sondern ihre Herangehensweise an Materialien: unechte Perlen, chemische Inhaltsstoffe in ihrem Parfüm und Jersey waren die wahren Neuheiten eingeführt unter Mademoiselle. Sie nivellierte den qualitativen Unterscheid zwischen teuer und billig – und auch wenn ihre Kreationen nicht für Jedermann leistbar waren, H&M und Zara verdanken es zu einem nicht geringen Teil ihr, dass sie heute bei den Großen mitspielen dürfen, dass günstig auch chic sein kann. Sie sah damit große gesellschaftliche Umwälzungen hervor, die das Wirtschaftswunder in der Nachkriegszeit mit sich bringen würde.

Dann kam Yves Saint Laurent. Er nahm die letzte große Hürde und steckte die Frau in einen Smoking, verwandelte die Kunstwerke Mondrians und van Goghs in Kleidungsstücke, fabrizierte eine Kollektion zu scheinbar jeder Kultur – die Vielfalt, die er schuf übersetzte den Aufruhr des Civil Rights Movements und des Feminismus seiner Lebzeiten in Stoff.
In den 80ern erlebte die Mode ihre nächste große Rebellion, als die Japaner, allen voran Rei Kawakubo, die Schneiderei, und die vermeintlich einzig wahre – ergo westliche- Ästhetik auf den Kopf stellten. Ein letztes Wetterleuchten bescherte uns Alexander McQueen, dessen Kollektionen die Macht besaßen, die Welt auf den Kopf zu stellen, oder zumindest neu zu überdenken.
Doch seitdem? Es scheint, die Mode stecke fest, klopfe vergeblich gegen eine Glasdecke, die bereits abgeschafft scheint.

Vielleicht ist genau das das Problem. Ähnlich wie der Feminismus, so scheint sich auch die Mode in einem angenehmen, aber ungerechtfertigten, Mittagsschläfchen zu befinden. Mit vermeintlich keinen gravierenden Problemen mehr, gegen die es in dieser westlichen Konsumgesellschaft zu kämpfen gibt, kann sie sich bequem dem Kapitalismus hingeben, sich zwitterhaft immer wieder von ihrer eigenen Formensprache befruchten lassen und dem süßen Nichtstun frönen, während das Online-shopping den Rest besorgt.

Vielleicht gibt es nach Punk, nach Strukturalismus, nach der Postmoderne, der ultimativen Dekonstruktion, einfach nichts mehr zu sagen?
Sind wir eine verlorene Generation, oder besser, ist uns die Macht der Formulierung, der Zielsetzung verloren gegangen? Selbst die (Leit-)Medien, wie es Meredith Artley, Managing Editor von CNN neulich so pointiert darlegte, sind mehr interessiert an Klickzahlen und Auflagensteigerung als an investigativem oder mobilisierendem Journalismus.
Ähnlich wie bei dem kläglichen Ende der Occupy Wall Street Bewegung, das nach dem Winter einfach nicht mehr an Fahrt aufnehmen konnte, fehlt es der aktuellen Generation an einer klaren Agenda: nichts scheint mehr sicher, keine Zukunftspläne mehr schmiedbar, die Pluralität der Lebensentwürfe verhindert eine klare Entscheidung. Auch die Mode kann sich nicht auf eine deutliche Aussage einschießen, treibt sich eine Saison in den 40ern, eine andere in den 90ern herum und dreht Däumchen.

Nun fehlt natürlich ein Lösungsvorschlag dieses Dillemmas: Ökorrektes, 3D-Print, Wearables könnten die Entwicklungsfelder der Zukunft zu sein. Doch allen drei mangelt es an Potential, was politische und soziale Kritik angeht – sie sind keine Revolution, sondern lediglich eine Kontinuation des Status Quo.
Sind alle Schlachten der Mode geschlagen? Ist die Zeit der kritischen Mode ein für allemal vorüber?
Natürlich nicht.
Aber es wird höchste Zeit, dass sie ihre Stimme wiederfindet.

Die Grenzen zwischen Kunst, Mode und Kommerz – sie sind längst verwischt. Die Zeiten, in denen Yves Saint Laurent van Goghs Sonnenblumen in Paillettenblazer stickte, mit „Mondriankleidern“ Aufsehen erregte, oder als Diana Vreeland einen lebenden Designer ins Metropolitan Museum brachte und damit für Empörung sorgte, sind längst vorbei.
Alexander McQueens Retrospektive „Savage Beauty“ war die erfolgreichste Ausstellung des Metropolitan Museums, die es je gab, Lady Gaga nennt ihr Album „Artpop“ und vereint damit Popmusik und Kunst, oder wirbt in einem Performancevideo für den Kickstarter des geplanten Marina Abramovic Instituts (MAI) und nun kooperieren auch noch Alexander McQueen und Damien Hirst. 

Hirst gilt auf dem Kunstmarkt teils als die goldene Cashcow und teils als der Antichrist. Alexander McQueen war für viele der Messias der Mode, ist den meisten in Erinnerung geblieben als ein Märtyrer für die Kreativität.
Außerdem haben beide den Totenschädel zum Kult- und Kunstobjekt erhoben.
Zum zehnten Jubiläum der Modebrand soll nun eine gemeinsame Schalkollektion auf den Markt gebracht werden, die eine Hommage an den Totenkopf-Schal McQueens darstellt, und Hirsts‘ „Etymology“-Serien aufgreift. Eine vielversprechende Kollaboration, jedenfalls im monetären Sinne – der modische wie künstlerische Aspekt wird sicherlich für Streitpunkte in beiden Lagern sorgen.

Am Mittwoch befand der oberste Gerichtshof der USA den „Defense of Marriage Act“ für rechtswidrig, und verbietet damit die Diskriminierung von homosexullen Lebenspartnerschaften.
In New York wird eine weitere Errungenschaft in der Geschichte der LGBT-Bewegung gewürdigt: Das Museum des Fashion Institute of Technology widmet ab dem 13. September 2013 dem Einfluss homosexueller Modedesigner auf die Mode eine Ausstellung mit dem Titel ”A Queer History of Fashion”.

Damit will das Museum auf zwei Dinge aufmerksam machen: Erstens, viele der größten Modedesigner des vergangenen Jahrhunderts, seien es Yves Saint Laurent oder Alexander McQueen waren homosexuell, und Zweitens, die breite Masse geht davon aus, dass ein Mann, der in der Mode arbeitet, schwul ist.
Die Ausstellung wirft damit viele interessante Fragen auf. Haben schwule Männer ein Mode-Gen? Oder ist es nur ein Vorurteil, dass man bei einem Mann, der in der Mode arbeitet, davon ausgehen kann, dass er schwul sei?

Es gibt einige Erklärungsansätze für den Schwulen-Überschuss der Modebranche, aber keiner gibt wirklich eine zufriedenstellende Antwort. Viele Meinungen zielen auf die schwule Szene ab: in dieser hat das Äussere einen hohen Stellenwert.
Der Schönheitskanon, speziell homosexueller Männer, verlangt seinen Mitgliedern einen gewissen Standard ab. Der Körper muss schön sein, der Versuch, so lange wie möglich jung zu wirken ist geschuldet, und ein modisches Auftreten ist Pflicht.
Diese Punkte entscheiden über Aufmerksamkeit und Partnerwahl. Natürlich spielt Mode hier eine Hauptrolle, und „Mann“ beschäftigt sich sozusagen gezwungenermaßen damit.

Doch, sich mit Mode zu befassen, mag eine Sensibilität auslösen, aber sicherlich kein Können. Woher kommt also das vermeintlich geballte Talent schwuler Modemacher, Fotografen, Redakteure und generell Akteure im Moderaum?

Glaubt man Floriane de Saint Pierre, Frankreichs bekanntester Headhunterin, waren in den Neunzigern fast alle führenden kreativen Köpfe in der Modebranche Männer.
Sie stellte weiter in einem Interview fest, dass Tara Subkoffs Leitspruch, die Modewelt sei eine „gay man’s profession“, nicht unwahr ist.
Subkoff, die Designerin von Imitation, hatte zuvor Anna Wintour kritisiert und behauptet, dass diese nur schwule Männer unterstütze, ferner, dass man in der Modewelt kaum eine Chance habe, wenn man kein schwuler Mann sei.
Anna Wintour erwiderte nur, dass sie nach Sensibilität und Ästhetik suche – wenn sich diese bei einem schwulen Mann fände, läge es eher an der Person und nicht an deren sexueller Orientierung.

Gender-Theoretikerin Judith Butler fährt in der Hinsicht eine ganz andere Schiene. Sie behauptet, dass die Mode ein Ausdruck der Persönlichkeit sei und sie das Werden und das Sein eines Menschens darstellt. Dass so viele Homosexuelle in der Mode arbeiten, erkläre sich folgerichtig damit, dass diese einem ständig die Möglichkeit gibt, etwas anderes, oder zumindest ein optimierteres Selbst zu werden.
Die „Performativität“ von Gender, laut Butler ein gesellschaftliches Konstrukt, würde sich dann an der Mode besonders manifestieren, potenziell eine Angriffsfläche der gesellschaftlichen Intervention bieten.

Wenn man diesen Gedanken weiter verfolgt, wären homosexuelle Männer auch deshalb in der Mode, weil diese die Möglichkeit bietet, ihre prekäre Situation ideologisch sichtbar zu machen.
Die Mode wäre dann ein Abbild des inneren Spannungsverhältnisses zwischen Konformität und Abgrenzung, ein selbst gewähltes Schlachtfeld gegen gesellschaftliche Normen und heteronormative Machtstrukturen.
Für diese These spricht, dass Schwule und Lesben Mode derart unterschiedlich nutzen. Konventionelle Rollen – Frauen, als das schöne Geschlecht zu fungieren haben, sich herausputzen, und Männer, die sich in Sachen Kleidung gesittet zurückhalten – werden im homosexuellen Bereich oft umgedreht, selbst wenn man Transvestitismus außen vor lässt.

Viele Psychologen gehen bei diesem Thema auch von (Über-)Kompensation aus. Da die Gesellschaft die Homosexualität lange nicht akzeptiert(e), versuchen sich Homosexuelle positiv zu profileren, indem sie Erfolg haben oder etwas Großes schaffen.
Dies, so die Theoretiker, führe auch dazu, dass man in den Branchen, in denen es viele Homosexuelle gäbe, vielmals nach Superlativen strebe.
Und die Mode giert nun mal nach Superlativen.

Welche dieser Theorien nun tatsächlich zutreffend sind, oder überhaupt einen Anhaltspunkt geben, wieso Schwule sich gerne in der Mode tummeln – und Lesben eher seltener – sei dahingestellt.
Eines kann man aber mich Sicherheit sagen: Den Homosexuellen verdankt die Mode ihr Gesicht.

Wir schulden die zeitgenössige Kostüm- und Modegeschichte zum großen Teil einer handvoll schwuler Männer. Man nehme nur Christian Dior, der es schaffte, in den Fünfzigern der Frau eine (überzeichnete) Weiblichkeit wieder zu geben, nachdem sie diese zuvor in den Dienst des Vaterlandes gestellt hatte.
Oder Karl Lagerfeld, der das Traditionshaus Chanel rettete und die Pariser Mode revolutionierte, indem er mehr auf das Branding setzte als auf die tatsächlichen Designs.

Ein berühmtes Beispiel auch der verstorbene Yves Saint Laurent, der Frauen den Anzug schenkte, und mit diesem prometheischen Akt Wegbereiter für die Bürokleidung wurde, die in den Neunzigern ihre Apotheose feierte.

Jean-Paul Gaultier machte die Kostüme für Madonna, führte den Matrosen auf den Laufsteg – eine der Fetischgestalten der Szene – brach weiter mit den Konventionen der Heteronormativität indem er die Schnitte für den Mann femininer machte und vice versa.

Seien es Dries van Noten, Zac Posen, Viktor & Rolf oder das Duo hinter Dolce & Gabbana, die Homosexuellen haben einen immensen Beitrag zur Mode geleistet.
Mit ihr haben sie tatsächlich indirekt die Homophobie bekämpft, worüber sich die Post-Stonewall-Generation oft nicht bewusst ist, sowie Homosexualität in der Gegewartskultur publik, gegenwärtig und akzeptabel gemacht.

Wichtig ist aber auch stets im Hinterkopf zu behalten, dass die sexuelle Orientierung einer Person bei weitem nicht ihr Können oder ihr Wesen zusammenfasst, und dass die eigenen Klischees immer wieder einmal einem Reality-Check unterzogen werden sollten.
Mode ist besonders wegen ihrer Offenheit gegenüber Neuem und ihrer Begeisterung für Außergewöhnliches und Andersartiges eine wichtige Festung in der LGBT-Bewegung geworden.
Die Ausstellung im FIT ist somit ein großer Moment für beide, sowie für Toleranz, Akzeptanz und Menschlichkeit.

HIER kann man die Ausstellung finanziell unterstützen.

Mode im Museum? Bis Diana Vreeland sich 1973 der Angelegenheit annahm, und die Ausstellungen des Costume Institute des Metropolitan Museums in New York zu den größten Kunstevents des Jahres ausbaute, eine Undenkbarkeit. Heute hat jedes moderne Museum, das ein bisschen etwas auf sich hält, zumindest eine Modeausstellung auf dem Kerbholz.
Wenn auch die Mode noch immer um ihre prekäre Positionierung an den Fransen der Kunst zu kämpfen hat, so wird die (Mode-)Kuration an ihrer statt derzeit zur Kunstform erhoben.

Eines von Vreelands Projekten – Vreeland muss in diesem Artikel als Blueprint und Präzedenzfall einer Modekuratorin herhalten – war die Ausstellung über Yves Saint Laurent 1983. Mit ihr brach man ein absolutes Tabu der Kunstwelt: sie brachte einen noch lebenden Modemacher in das museale Umfeld. Eine Verkaufsveranstaltung, unkten die Kritiker, die YSL lieber ein Stück weiter unten in der 5th Avenue gelassen hätten, auf der Ladenfläche des Luxushauses, anstatt ihr schönes, der hohen Kunst gewidmetes Museum mit Mode zu beschmutzen.

Mittlerweile ist die jährliche Met Gala fest im Red-Carpet-Kalender verankert, das Museum ist zu einer interaktiven Erfahrungsfläche geworden, das Disneyland des Camps, Entertainment mit intellektuellem Mehrwert.
Für die Museen ist die Modeausstellung eine willkommene goldene Cash- und PR-Cow, nicht zuletzt, weil sich durch sie auch hochkarätige Sponsoring-Partner, wie etwa Moda Operandi (From Punk to Chaos) Amazon (Schiaparelli and Prada) oder American Express und Condé Nast (Savage Beauty) finden lassen.

Die bisher erfolgreichste dieser Ausstellungen, Alexander McQueen: Savage Beauty, spülte 2011 sage und schreibe innerhalb von drei Monaten 661,509 Menschen in die Eingangshalle, und etwa $14,603,862, Merchandise inklusive, in die Kassen des Metropolitan Museums.

Ob sich dadurch, neben den Verkaufszahlen der Modehäuser, dem Image von Sponsoren und den Budgets der Museen, auch am Status der Mode als Kunstform allgemein etwas ändert, ist diskussionswürdig, aber die Diskussion alleine ist schließlich auch schon was wert.
Fest steht, dass Kuratoren wie Harold Koda, Valerie Steele oder Andrew Bolton die neuen heimlichen Stars der Modeszene geworden sind – ein Job mit dem sich gutes Geld machen lässt. So interessant für junge Menschen offenbar, dass das London College of Fashion nun einen Masterstudiengang Fashion Curation anbietet.

Auch in Deutschen Landen wird versucht, sich ein Stück vom Modeausstellungskuchen abzuschneiden. Derzeit zeigt das Museum Angewandte Kunst (MAK) in Frankfurt die von Mahret Kupka kuratierte Ausstellung „Draußen im Dunkeln. Weitermachen nach der Mode“, das NRW-Forum Düsseldorf zeigt „Alaïa. Azzedine Alaïa im 21. Jahrhundert“, und in München lockt das Stadtmuseum mit „Geschmackssache. Mode der 1970er Jahre“.

Gemeinsam ist all diesen Sammlungen eines: sie sind Indikatoren eines gesellschaftlichen Wandels, den das Wall Street Journal folgendermaßen beschreibt: „It’s a high-profile indicator of an intellectual trend that has been building for decades. Fashion is shedding its cultural stigma. It is increasingly recognized as a significant cultural activity—indeed, one of the defining characteristics of our civilization.“

Mode bekommt also mehr und mehr den Status eines Gesellschaftsbarometers zugeschrieben, den sie sicherlich zum Teil verdient hat – doch ist hier auch Vorsicht geboten. Die Unkenrufe der Kritiker aus den 80ern hallen nach: Ausstellungen sollten nicht aufgrund ihrer Popularität allein veranstaltet werden. Wenn Kunst von nun an mit den Kassenergebnissen dieser „Blockbuster-Mode-Ausstellungen“ messen muss, schadet das sowohl der Kunst, als auch der Mode und der Gesellschaft. 

Was haben Christian Dior, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent und Christobal Balenciaga gemeinsam? Nicht nur waren die vier Ikonen des französischen Couturedesigns des 20. Jahrhundert, sondern auch eng verbunden – beruflich und privat – mit dem schweizerischen Textilhersteller Gustav Zumsteg, Gründer der Firma Abraham, die von 1930 bis 2002 Modelle mit seinen hochqualitativen Stoffen und charakteristischen Prints verzierte.
“Seide ist meine Bestimmung”, ließ der Schweizer einst verlauten – und so machte Zumsteg sein Lebenswerk unsterblich und hinterließ der Modewelt ein umfangreiches Archiv seiner Zusammenarbeit mit den großen Namen der Szene.

Der Nachlass des Textil-Imperiums wurde 2007 an das Schweizer Nationalmuseum weitergereicht und noch bis 2011 ausgestellt. Nun hat das MoMu, Antwerpens Modemuseum, die archivierten Stücke in die Finger bekommen und als Erweiterung der ursprünglichen Ausstellung Soie Pirate: The Abraham Textile Archive Zurich, die Sammlung, welche nicht nur eine signifikante Anzahl an Sample-Büchern, sondern auch zahllose Couture Fotografien und Stoffproben aus den Blütezeiten des Unternehmens enthält.

Die Ausstellung fokussiert sich vor allem auf die Arbeiten der 50er und 60er Jahre und dessen ausgesprochen farbenfrohen Stoffaufdrucken als Spiegel des damaligen Zeitgeistes.
Aber um nicht permanent in der Vergangenheit zu schwelgen, luden die innovativen Antwerper aktuelle Größen des globalen Modeimperiums, wie Dries van Noten und Diane von Fürstenberg ein, die selbst eine gewisse Reputation in der Arbeit mit Mustern genießen, um mit den klassischen Abraham Mustern zu experimentieren und somit die Seele des Stofffabrikanten und Textildesigners im Rahmen der Ausstellung wieder aufleben zu lassen.

Das Geheimnis von Zumstegs Erfolg war neben den engen Freundschaften zu Paris’ größten Designern, die er vor allem während seiner Zeit in der französischen Hauptstadt knüpfte, auch sein Sinn für Charaktermotive, die er in seinen Stoffdrucken verarbeitete.
Neben Tierprints fanden sich dort auch Karos, Punkte und das Paisleymuster, dennoch war eines der Markenzeichen Abrahams florale Prints in jeglicher Form und Farbe, die besonders oft in Rosenmustern resultierten.
Ein informatives und unterhaltsames Must-See für alle Kultur- und Mode-Affinen, die sich noch bis zum 11. August zufällig Antwerpen wieder finden sollten.

Alle Infos gibt’s auf www.momu.be