Der Prestel Verlag liefert mit der Ausgabe New Fashion Photography einen Mode-Wälzer im wahrsten Sinne des Wortes, welcher es auf über 175 Bilder bringt. Bearbeitet von Paul Sloman und Tim Blanks finden sich auf den Seiten des Bildbandes Aufnahmen von etablierten Größen wie Nick Knight, Rankin, Miles Aldridge, Ruven Afanador, Pierre Debusschere oder Eugenio Recuenco aber auch neuere Künstler, darunter Kourtney Roy, Daniele & Iango und Aram Bedrossian werden in Augenschein genommen.

New Fashion Photography präsentiert eine Auswahl von 28 Künstlern, stellt diese und ihre Arbeiten darin vor. “The book is an exciting combination of big-name heavy-hitters that many people will recognize and a younger wave of experimental photographers who have been either inspired or nurtured by them.“ (Paul Sloman)

„High-end fashion photography in the 21st century is creating amazing escapist worlds, but at the same time these images go very much to the heart of the way we think about ourselves.” (Paul Sloman)

Bei den faszinierenden Abbildungen begegnet man berühmten Gesichtern wie Daphne Guinness, Lady Gaga, Lana del Ray aber auch eine Reihe bekannter Models sind hier anzutreffen. Insgesamt widmet sich die Publikation dem 21. Jahrhundert mit seinen dramatischen Veränderungen in der Fotografie, Technik, Mode und Kunst. Technische und mediale Innovationen bieten neue Möglichkeiten der Bildbearbeitung, der Manipulation.
Neue Strömungen und Entwicklungen spiegeln sich in den Bildern, sowie auch in der Mode wieder.

New Fashion Photography
Gebundene Ausgabe: 224 Seiten
Verlag: Prestel
Sprache: Englisch
UVP: € 34,95

Unter dem Titel „Reboot Diesel“ lief die erste Kampagne von Nicola Formichetti für Diesel, bei der er zusammen mit dem Fotografen-Duo Inez und Vinoodh keine Models, sondern insgesamt achtzehn Kreative portraitieren ließ. Mit der Diesel Tribute Capsule Collection präsentiert sich nun der zweite Streich des ehemaligen Lady Gaga-Stylisten für das italienische Kultlabel.

Nicola Formichetti ließ sich für seine erste Capsule Collection für Diesel auf eine Zeitreise in das Kollektions-Archiv und in die DNA des Labels ein. Nun stellt er das  Ergebnis in einer limitierten Kollektion aus insgesamt 45 Teilen vor: Der allgegenwärtige 90er-Jahre-Trend wurde hier auch bei Diesel aufgegriffen, in eine denimlastige Kollektion übersetzt und um ikonischen Patches und Prints des Labels ergänzt.

Nicola Formichetti möchte mit der Kollektion einen Tribut leisten und Diesel mit seiner Vision in die Zukunft bringen. Zusammen mit dem renommierten britischen Fotografen Nick Knight wurde mit dem iPhone eine Kampagne aufgenommen, diese durch verschiedene Filtern gezogen, und so ein neues visuelles Konzept präsentiert.
Die Ähnlichkeit zu den übertriebenen Photoshop-Techniken der 90er Jahre scheinen hierbei kein Zufall zu sein. Keine Frage, Diesel möchte zu dem Kultstatus zurück, den das Brand in den 90er Jahren genoss und versucht dies nun im alten neuen Look.
Ob das reicht, um zum Glanz früherer Hochzeiten des Labels zurückzufinden, wird sich zeigen.

SHOWstudio: Punk: DIY: Jenny Joleka

Die Met Ausstellung Punk: Chaos to Couture bei der Nick Knight als Berater mit von der Partie war, gab Grund zum Anlass auch bei Showstudio mit einer neuen Serie an Fashionfilmen an den Start zu gehen. So wurden verschiedene Kreative beauftragt ihre persönliche Idee vom Punk zum Ausdruck zu geben oder DIY Clips zu kreieren.

Um den nachhaltigen Einfluss des Punks in der Mode zu feiern, fragte Showstudio im Weiteren Redakteure und Stylistin über ihre Top-Punk-Momente auf dem Laufsteg und präsentiert mit der Punk: On The Catwalk Clip-Reihe eine spannende Sammlung von persönlichen Anekdoten, Erinnerungen, sowie Analysen die hier eingesehen werden können.

SHOWstudio: Punk: Untrue – Nathaniel Brown
„Punk isn`t just studs and guitars. It can find itseld in various forms of rebellion and this version involves love.“ (Nathaniel Brown)

SHOWstudio: Punk: After Anarchy – Tom Guinness
„It was great to spend some time thinking about punk and ist role in my life and work – it is such a massive part of our visual landscape.“ (Tom Guinness)

SHOWstudio: Punk – Erica Schreiner
„This piece shares the destruction in pleasure that I love about punk.“ (Erica Schreiner)

Iris van Herpen, Nick Knight und Daphne Guiness haben sich im April für „Splash“ bei Showstudio zusammen gefunden; bei dieser Kollaboration stellte der Photograph einen Kreis aus Highspeed Kameras auf und bewarf die irische Biererbin mit schwarzen und klarem Wasser. Iris van Herpen nahm darauf hin die Bilder und entwarf ein Kleid.

Dazu hatten noch die Künstler Geoffrey Lillemon und Salvador Breed ein Video mit dem Titel „Sonomorphic Mirror“ gefilmt, der sowohl akustisch und visuell den Arbeitsprozess darstellen soll.
Dieser Arbeitsprozess wurde am 3. und 9. April live auf SHOWstudio übertragen und wurde nun mit einem Shooting des Kleides, das nach der Zusammenarbeit im 3D-Laserdruck  entstanden ist, vervollständigt.
Das Kleid, sowie das Video, gehörten zu einer PR-Aktion der Juni Ausstellung im SHOWcabinet und der darauffolgenden Ausstellung im Centre Pompidou Paris.

Das Buch Pattern. 100 Designers, 10 Curators., im Phaidon Verlag erschienen, präsentiert eine Auswahl an 100 jungen innovativen Designern und deren jeweiliges handwerkliches Genie.
Als Kuratoren dienten die zehn Branchenkoryphäen Imran Amed, Tavi Gevinson, Nick Knight, die Gründer von Fantastic Man (Jop van Bennekom und Gert Jonkers), Preen (Justin Thornton und Thea Bregazzi),  A.F. Vandevorst (An Vandevorst und Filip Arickx), Keegan Singh, Heather Sproat,  Tim Lim und Yasmin Sewell.

Herausgekommen ist ein seltener Blickwinkel auf die Mode des neuen Jahrtausends, eine umfassende Sammlung kreativer Jungtalente. Die Stärke des Bildbandes ist seine ungewöhnliche Jury, die einen Perspektivenwechsel zum üblichen Kanon zulässt. Seine Schwäche, wenn man es so nennen will, ist sein Titel.
Wer hier nämlich Schnittdetails, Muster oder eine Erklärung schnittechnischer Einzelheiten erwartet, ist falsch gewickelt. Letzendlich ist Pattern ein schöner Sammelband über junge Designer, die jeweils auf zwei Doppelseiten dargestellt werden, der aber nicht so in die Tiefe geht, wie das Cover vermuten lässt.

Pattern. 100 Fashion Designers, 10 Curators
Gebundene Ausgabe: 432 Seiten
Verlag: Phaidon, Berlin; Auflage: 1., Auflage (1. Februar 2013)
Sprache: Englisch
Preis: €69.95

Der Wahl-Pariser Oliver Fritze, der vor kurzem den Pariser Modefotografie Nachwuchswettbewerb Prix Picto de la Jeune Photographie de Mode 2012 gewann, überzeugte mit seiner 4-teiligen Fotoserie „Lea, Clémence, Knut, Petra und Hartmut“, „Kino“, „Jahrmarkt“ und „rêverie automatique“.

„Jahrmarkt“

Für Fritze ist Licht die größte Inspiration, er sieht darin einen wesentlichen Bestandteil der Fotografie. Seine erste Spiegelreflexkamera bekam er mit 16 Jahren, in seiner niedersächsischen Heimatstadt Meppen ging er in Ausbildung, mit 21 Jahren zog es ihn nach Berlin.
Es folgte eine Station im italienischen Vicenza, bevor es ihn nach Frankreich verschlug.
Er verbrachte einige Monate als Fotoassistent im renommierten Rouchon Studio, arbeitete mit Größen wie Ruven Afanador, Dimitri Daniloff und Nick Knight zusammen.

Aus über 40 Einreichungen für den Prix Picto schafften es neun Fotografen ins Finale, in die engere Wahl kamen Oliver Fritze und Alexandra Taupiac, die mit ihren Stilen unterschiedlicher nicht sein konnten.
Fritze überzeugte die Jury mit seiner einfachen und frischen Art, die Fotostrecken zeigen Emotion, entführen in eine intime, verführerische Welt und berühren auf bescheidene Weise.

„Lea, Clémence, Knut, Petra und Hartmut“

„Kino“

Oliver Fritze auf Twitter ( via)

„rêverie automatique“

Credits: Oliver Fritze

Die erste Ausgabe des Sao Paulo Fashion Film Festival, initiiert von dem renommierten Modefotografen Jacques Dequeker und dem Filmemacher Marcos Mello, versammelte Branchenprofis und –partner am 11. und 12. Dezember in der Cinemateca Brasileira.
Aus dem Wunsch heraus, südamerikanische Talente zu entdecken und zu fördern und Anerkennung sowie Aufmerksamkeit zu generieren, standen die zwei Nächte in der brasilianischen Metropole ganz im Zeichen des Modefilms.

Durch die Abende führten die ebenfalls brasilianischen Topmodels Fernanda Lima, Carol Ribeiro und Isabelli Fontana; Cavallaria Films eröffnete das Festival mit einer spektakulären Tanzperformance und Musiker Nick Graham-Smith gab am zweiten Tag des Events sein Bestes.
Ausgewählte Filmpräsentationen, Vorträge von Fernando Torquatto, Giovanni Frasson (Vogue Brasil), Elio França (C&A) und Komponist Alexandre Guerra, sowie Diskussionen über den Einfluss von High Definition Technologie, die Bedeutung von Musik für den Film und weitere Reflexionen ergänzten das Festivalprogramm.

Ein besonderes Highlight war die Sonderpräsentation von SHOWstudioproduktionen, darunter die von Ruth Hogben für Gareth Pugh SS11, „Dynamic Blooms“ von Nick Knight selbst, dessen Zusammenarbeit mit LucyandBart „Extraordinary Gentlemen“, sowie seine neueste Arbeit „Hatstand“. Knight, geehrt über die Einladung, konnte leider nicht persönlich anwesend sein,  sprach aber per Videobotschaft zum Publikum. Der britische Fotograf, Filmemacher und Produzent erzählte von der Entwicklung des Modefilms, sowie über dessen Grundlagen und Potential.

Wolf Magazine stellte, in Zusammenarbeit mit Cavallaria, seinen neuesten Film „Iron Maiden“ vor.  Neben den Wettbewerbsvideos durften dann auch die üblichen Verdächtigen der Modefilmbranche mit ihren Out-Of Competition-Filmen nicht fehlen: Mert Alas & Marcus Piggott, David Sims, Terry Richardson, Mario Sorrenti, Vicent Peters, Mario Testino, Ridley Scott, Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, uvm.

Amber Gray gewann die Auszeichnung „Best Fashion Film“ für ihren Beitrag „Anemone“ und durfte sich über den Preis, eine Red Epic Monochrome Kamera, freuen. Der klaustrophobisch anmutende Film entstand in Zusammenarbeit mit Imagine Fashion; er zeigt eine schöne Gefangene, die in einem Elfenbeinturm gefangen scheint. Mit offenbar giftigen Blütenessenzen ruhig gestellt,  thront sie als Königin und Sklavin zugleich über einem zartweißen und pastellfarebenen Alptraumreich. Ob sie aus dem goldenen Käfig entfliehen kann, bleibt am Ende offen.

„Joie de Vivre“ by Ruth Hogben für Gareth Pugh 2010

Die Ästhetik der Filmemacherin und Regisseurin Ruth Hogben zeichnet sich durch provokative, intensive und surreale Bildsprache aus. Ihre Philosophie ist es, Frauen zu feiern, ihre Wünsche, Fantasien und Leidenschaften in wunderschönen Filmen zu erfassen.
Geboren in Brixton, aufgewachsen in Cambridge, studierte sie Fotografie an der University of Cheltenham und begann ihre Karriere bei keinem Geringeren als Nick Knight, dem sie von 2005 bis 2009 assistierte.

Nach ihrem Studium schrieb sie Nick Knight über sechs Monate lang monatlich einen Brief mit der Anfrage, für ihn arbeiten zu dürfen. Erst über die zufällige Information, dass er an der selben Schule wie sie gewesen war, bekam sie einen Fuss in die Tür.

Der Weg von der Fotografie zum Film begann mehr oder weniger aus Langeweile: Nick Knight hatte schon lange die Angewohnheit, alle Shootings filmisch zu begleiten.
Ruth übernahm irgendwann die Filmkamera, nahm Bilder auf, schnitt und bearbeitete diese, und übte bis zur Erschöpfung, motiviert von der Herausforderung, Mode filmisch auszudrücken, und eigene ästhetische Welte entstehen zu lassen.

Durch zahlreiche Projekte für Showstudio und viele gemeinsame Arbeiten mit Nick Knight, machte sie sich schnell einen Namen in der Branche und bekam die Aufmerksamkeit bekannter Größen der Kreatibranche, die mit ihr kooperieren wollten, darunter Designer wie Gareth Pugh und Rick Owens, Stylistin Katie Grand, Lady Gaga, Kanye West, oder Labels, wie Louis Vuitton, Barneys, Topshop, Mac Cosmetics und Selfridges.
Ihre Arbeiten wurden 2009 auf der ICA gezeigt, 2012 beim Fash/On Film Festival in London; bei der ASVOFF Ausgabe in 2009 erhielt sie den Preis als „Best Communication“ für den Gareth Pugh AW09 Modefilm.

Ruth Hogben by Nick Knight (via)

Bei ihren Filmen ist die Kommunikation im Vorfeld das Wichtigste – sie möchte die Vision der Kleidung verstehen und fühlen: “My main starting point is the clothes. Every single movement conveys a message, a feeling of who the woman is. Every movement has to have an understanding of who is in it and that piece of clothing.
The reason I like fashion film is that fashion is immediate: I fall in love with fashion really quickly and I fall out of love really quickly.“ (via)

Dabei geht es Ruth bei ihren Arbeiten um die Erschaffung einer völlig neuen Welt, um ein echtes Erlebnis. Sie vertraut auf ihren Instinkt und ihrem Gespür für Asthetik.
Der technische Aspekt und das Rendern bringt sie dabei fast immer an den Rand der Verzweiflung und um den Schlaf. Doch Aufwand lohnt sich ohne Zweifel, wenn man ihre eindrucksvollen Ergebnisse betrachtet.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Giacomo Leopardi, der große italienische Dichter, schrieb 1824 einen Dialog zwischen der Mode und dem Tod. Darin erkennt der Tod, der Feind der Erinnerung, seine Schwester, die Mode, nicht wieder, als sich ihm diese offenbart.
Dabei, so argumentiert diese, sind sie beide „born of decay“, haben also die selbe Mutter. Doch liegt es auch in der Natur beider, die Welt ständig zu erneuern.

Edgar Allan Poe schrieb, der Tod einer schönen Frau sei „zweifelsohne das poetischste aller Themen“. Ein Gedanke seiner Ära – das viktorianische Zeitalter pflegte eine andere Beziehung zum Tode als man das heute gewohnt ist. Fotografien verstorbener Familienmitglieder, sogenannte post-mortem Fotografie, sollten das Andenken an Geliebte über ihren Tod hinaus stärken.
Damals eine ganz normale Umgangsweise mit dem Verlust, heute ein Anblick, der Tabus verletzt.

Post-Mortem Fotografie. Bild via

In dieser Ära, in der korsettbedingte Blutarmut und vornehm-kränkliche Blässe das Schönheitsideal stellten, wurde der tote Frauenkörper in Literatur und Gemälden bis hin zum Stereotyp reproduziert. Insbesondere Suffragetten, die zu dieser Zeit Frauenrechte einzufordern begannen, aber auch unpolitische, attraktive Frauen wurden als bedrohlich wahrgenommen, weil sie eine unkontrollierbare Macht über Männer besaßen.
Um der Schönheit also ihre erotische Gefahr des Kontrollverlusts zu nehmen, entstand eine Konvention, in der Frauen leblos dargestellt wurden.

John Everett Millais, Ophelia. 1851-52. Bild via

John Everett Millais, Anhänger der ersten Avantgarde-Kunstbewegung, brachte das wohl bekannteste solcher Frauenbilder hervor, die leblos im Wasser treibende, den Tod scheinbar willkommen heißende Ophelia.
Dass dieses Bild eine Kunst-Konvention geworden ist, zeigen popkulturelle Referenzen von Kylie Minogue bis hin zu Lars von Trier, der Kirsten Dunst in Melancholia nach ihrem Vorbild inszeniert.

Kirsten Dunst in „Melancholia“. Bild via

Kylie Minogue „Where the Wild Roses Grow“ Bild via

Guy Bourdin war wohl der Erste, der diese Bildsprache in die Modefotgrafie übertrug. Seine Modestrecken schockierten, sandten eine morbide Faszination aus.
Nick Knight sagte über die Ikonografie Bourdins folgendes: „Fear is something that we, despite ourselves, want to experience. And I think the violence does add glamour in a kind of perverse way.“
Dieses Nicht-Wegsehen-Können, aber auch nicht wirklich hinsehen dürfen, ist eine mächtige Emotion, die die Darstellung von Gewalt in uns auslöst.
Gepaart mit Erotik und Schönheit multipliziert sie sich ins Unendliche. Bourdin nutzte diesen Kampf zwischen Gut und Böse in seinen Fotografien, kämpfte ihn wohl auch mit sich selbst.
Auch Helmut Newton nutzte den Effekt für seine Fotografie, spielt visuell direkt auf Bourdin und Millais an.

Guy Bourdin, Bild via

Guy Bourdin, Bild via

Helmut Newton, Bild via

Wie Ingrid Loschek in Wann ist Mode bereits bemerkt, ist „die Provokation (…) nichts anderes, als die Verführung, sich mit dem Dargestellten zu beschäftigen“. Da die Modefotografie, die meist als Teil einer Strecke in einem Magazin erscheint, und daher kurzlebiger ist, als die Kunstfotografie, schnell überzeugen muss, bedienen sich ihre Künstler dieser Provokation.
Der Tod wird zum Punktum, wie Barthes es benennt, der Tabubruch wird zum Verweilort des Blickes.

Seana Cavanagh, Bild via

Die Schönheit der Mode wird durch ihre prekäre Existenz unterstrichen. Schön bis zum Ende, und dadurch endlos schön werden die Frauen in dieser Konvention des Betrachtetwerdens dargestellt – eine weit zurückreichende visuelle Tradition, die Frauen für ihre Schönheit verehrt, ihnen aber jegliche Agenda, jegliche Teilhabe am Kunstwerk abspricht.
Das Model wir durch ihre Passivität auf das rein Körperliche reduziert, der Mann als Fotograf oder Maler stellt seine Position als der Schaffende, der Akteur wieder her. Vielleicht sind Phänomene wie Rick Genest, bekannt als Zombie Boy, ein Anzeichen für das Auflösen dieser Tradition, der schöne Tod ist nun nicht mehr nur der Frau vorenthalten.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Dem Zahn der Zeit entgehen – der einzige Weg, dem äußerlichen Verfall zu vermeiden und unsterblich zu werden, ist der verfrühte Tod selbst. Hier haben Mode und Tod ihre Schnittmenge – sie leben vom Werden und Vergehen, lediglich der Stillstand ist für sie tödlich.

Der Starfotograf Nick Knight brachte im November 2000 seine Plattform SHOWstudio.com an den Start und leistete damit ein Stück Pionierarbeit. Interviews mit Designern und Künstlern, interaktive Projekte, sowie Live-Übertragungen von Shows eröffneten die Welt der Mode erstmals einem breiten Publikum.
Die Förderung des Modefilms und des bewegten Bildes im digitalen Zeitalter war seinerzeit einzigartig. Hunderte von Projekten in Zusammenarbeit mit einflussreichen und berühmten Persönlichkeiten, von Designern über Models bis zu Celebrities sind auf das Konto von SHOWstudio zu verbuchen. Bei den spannenden Kooperationen liegt der Fokus nicht nur auf Mode, auch Musik, Architektur und Gastronomie werden aufgegriffen.

SHOWstudio startete mit „Fashion Fetish“ eine Reihe von Modefilmen, die ausschließlich von Frauen kreiert wurden. Daphne Guiness, Liberty Ross oder Dasha Zhukova zeigten ihre Interpretation dessen, was Fashion Fetisch für sie bedeutet, und schufen Performances von Provokanz.
Der erste Teil dieser Reihe präsentiert das Video „Fuck Me“ von Ruth Hugben. Karlie Kloss in der Hauptrolle zeigt sich mit Peitsche und verführt zum Hinschauen. „This film is so important to me – to be able to explore a woman´s different desires about herself, myself. Karlie is amazing to watch.“ (Ruth Hugben)
Eine weitere Episode aus der Serie zeigt das Supermodel Lily Donaldson in zwielichtigen Amateur Erotikaufnahmen: „I wanted the video to feel a bit unpalatable and seedy – like a crappy old VCR that´s been found and put on YouTube. Very Dodgy and amateur.“ (Lily Donaldson)

Victoria Beckham hatte Einfluss auf die Mitgestaltung des exklusiven Sondermodells des Range Rover Evoque. Sie sollte den Look ein wenig exzentrischer machen, als er ohnehin schon ist. „it´s the small details that makes all the difference. I want everyone who gets into this car to feel special and empowered by its quality.“ (Victoria Beckham) Ob nun wirklich außergewöhnliches Autodesign oder reine Marketing-Strategie dahintersteckten ist Auslegungssache. Für den dazugehörigen Imageclip entschied sich Miss Beckham für die Zusammenarbeit mit Nick Knight, der die begleitende Foto- und Bildkampagne verantworten sollte. Das Ergebnis: ein beeindruckender Clip, technisch, kühl, scharf und durchaus sexy.

„The Lady Gaga sitting for Vanity Fair“

Nick Knight und Lady Gaga haben eine lange Liste an gemeinsamen Projekten: der Clip zu „Born This Way„, das Introvideo der „Monster Ball“ Tour, Editorialshootings fürs I-D Magazine, Vanity Fair und vieles mehr.

Intro film Monster Ball Tour

„Lady Gaga Monster Ball – Manifesto of Little Monsters.“