Die Pariser Haute Couture Woche sollte als ein Spielfeld der kreativen Ideen zu verstehen sein, also eine Verkaufsdruck-freie Zone, in welcher sich kreative Genies ausleben und die Grenzen des Zeitgeistes ausloten können.
Doch längst fungiert sie nicht mehr als die Messlatte für die Crème de la Crème der modischen Visionäre unserer Zeit: seit einigen Saisons scheint es, bis auf wenige Ausnahmen (z.B. hier und hier) nur noch ein exklusives Werbetool für ohnehin zu Konglomeraten gehörende Häuser zu sein, die sich eigentlich gar nicht so weit aus dem Fenster lehnen und lieber von den Massen geretweetet und gere-gramt werden wollen.
Das Ergebnis: die Kollektionen sind mittelmäßig, die Ideen wiedergekaut, der einstige Modeolymp der Haute Couture-Schauen verkommt zu einem Pinterest-Board der Mittelmäßigkeit, dessen Qualität an seiner Viralität gemessen wird.
Chanel
Sailor Moon meets Roller Girl, so etwa mutete die Haute Couture Show bei Chanel an. Sneakers, Hip Bag und Knieschoner wurden gepaart mit kastigen crop Tops und an Nierenschoner erinnernden Korsetts.
Die Silhouette war sicherlich interessant und neu, wurde aber zu stringent durchexerziert und schien die einzige wirkliche Idee zu sein, auf welcher die Kollektion beruhte – ansonsten gab es die Chanel-typischen Insignien: Tweed, Kamelien, schwarz-weiß Kontraste.
Ein Zugeständnis an eine neue Generation? Vielleicht. Aber für eine Haute Couture Kollektion erscheint das zu wenig innovativ.

Dior
Man erkennt, dass es schlecht um die Pariser Mode steht, wenn die Christian Dior Haute Couture Kollektion SS14 an Givenchy Ready-to-Wear AW13 erinnert. Vielleicht lässt sich daran auch ablesen, dass sich der Retro-Trend nun endlich selbst eingeholt hat und daraus folgt, dass in der nächsten Saison etwas ganz Neues passieren wird. Hoffentlich.

Vionnet
Hussein Chalayan für Vionnet war eine mit Spannung erwartete Show, die einen ungewissen Beigeschmack hinterlässt. Ein Bild jedoch spricht mehr als tausend Worte: die beiden verantwortlichen Designer, Chalayan und Goga Ashkenazi, welche das Haus gekauft hatte und dessen Chairwoman und Creative Director ist, stehen auf dem Catwalk und scheinen nicht so recht entschlossen, wo hin mit sich, zwischen ihnen scheint Platz für die dritte im Bunde: Madeleine Vionnet.
So ähnlich reflektiert das auch die Kollektion. Hussein Chalayan, ein begnadeter Konzept-Designer ließ sich von Industrial Design inspirieren, von Wendeltreppen, elektrischen Drähten und von Schnittmustern. Daraus entstanden spannende Entwürfe, die mal an Y3 und mal an Margiela erinnerten.
Auch eine Hommage an die Erfinderin des Bias-Cut ließ sich herauslesen, in den skulpturalen Plissée-Kleidern, die das über den Laufsteg flatterten. An sich alles sehr gelungen, und doch fehlte irgendwie der rote Faden, wirkte die Kollektion wie ein Kompromiss verschiedener Köche, die den Brei nicht ganz zu Ende kochen ließen.

Maison Martin Margiela
Dass es auch noch Häuser gibt, die mutig bei der Avantgarde mitreiten, bewies wieder einmal Maison Martin Margiela. Tätowierungen und kitschige Abziehbildchen wurden zu Tops und Kleidern, Mustermixe und moderne Kunst wurden clever kombiniert und hielten dem Bildersturm der digitalen Ära einen Spiegel vor, in welcher eine derartige Melange der Sinneseindrücke zur Norm geworden ist.
Ein postmodernes Pastiche par excellence, wie immer gepaart mit der Anonymisierung der Models, einem Seitenhieb auf die vermeintliche Individualisierung der Gesellschaft, in der letzten Endes doch alle austauschbar sind.
Besonders faszinierend: die Kleider aus scheinbarem Treibgut, ein Sammelsurium an kleinen Collectibles, die die Fetischisierung des Konsums auf eine sehr ästhetische Weise inszenierten. Wundervoll.

Alle Bilder via Style.com

Seit ich in Paris lebe, trage ich mich mit dem Gedanken, mir ein gestreiftes Langarmshirt zuzulegen und mit einem Baguette unter dem Arm durch die Straßen Montmartres zu ziehen. Meist sind mir dann aber diese Shirts entweder zu langweilig oder zu verspielt. Dieses nun scheint mir genau die richtige Mischung: relativ unaufregend, aber doch mit dem gewissen Twist – Ärmel überlang, Schultern minimal zugespitzt – den eben nur das Haus Martin Margiela mit sich bringt. Für 325€ kein wirkliches Schnäppchen, aber dafür ernähre ich mich eben nur noch von Froschschenkeln. Wer schön sein will muss leiden.

Das Spannungsverhältnis Mann-Frau, das viele Designer als Inspiration benennen, ist so alt wie die Welt selbst, doch Maison Martin Margiela schafft es immer wieder, dieser Grundidee eine spannende neue Interpretation zu geben. Zur SS14 Saison addierte man Elemente aus dem Zirkus in die Kollektion, die sich in Frack, Showgirl-Outfits und abgewandelten Clownkostümen präsentierte. Geschmückt mit vielfältigen Pailletten und tropfenförmigen Perlen zeigten sich die Kleider, freistehende Ärmel oder Taillengürteln, die an Korsagen erinnerten. Nicht zu übersehen war die Maison Martin Margiela-Handschrift, bestehend aus raffinierter Schnittführung und ungewohnte Details, wie die Bindung bei Weste oder Jacken mit Schnürungen am Rücken. Natürlich musste man auch auf die Margiela-typischen maskulinen Stücke nicht verzichten.

Photocredits: Anita Krizanovic

In einem am Montag erschienen Interview mit Fashionista übte Suzy Menkes, ihres Zeichens Modekritikerin ersten Ranges, Kritik am momentanen Zustand der Pariser Haute Couture: „Haute couture in Paris used to be my favourite – in the days of John Galliano at Dior and the great Saint Laurent shows. Now there is not much couture left“, sagte sie auf die Frage hin, welche Modewoche sie am liebsten möge. Und tatsächlich, besonders viel wirklich „Hohes“ lässt sich derzeit nicht finden auf den Laufstegen der Haute Couture.
Dabei ist Haute Couture längst keine Verkaufsveranstaltung mehr, sondern ein kostenintensives Imagetool der großen Modehäuser, in der ein Feeling, ein Konzept verkauft werden soll, für das die Marke steht, aber auch ein Barometer für den Stand der Kultur, die Megatrends der Gesellschaft, die Grenzen der Kunst.
Wieso also toben sich die – oft jungen – Designer in diesem „Labor der Ideen“ nicht aus; zeigen was sie können, welche Fragen sie umtreiben?

Die alteingesessenen Häuser wie Chanel, Armani, Valentino, Dior „unterraschen“ mit Vielgesehenem. Karl Lagerfeld präsentiert Saison für Saison scheinbar denselben Klassiker genannten Mix aus den Chanel-Insignien Goldkette, Bouclékostüm und Kamelie; selbst Raf Simons, vermeintliche Design-Wunderwaffe, bringt weder modernen Glamour noch aufs Wesentliche destillierten Minimalismus ins Couture-Treiben, sondern enttäuscht mit einem faden Kompromiss beider.
Und Maison Martin Margiela, lange Zeit Leitwolf unter den Créateuren, hat sein Aus-Alt-Mach-Neu-Kontingent langsam erschöpft. Valli und Mabille hielten sich an hübsche Kleidchen, zweifelsohne aufwändig verarbeitet, aber eben auch ein wenig einfallslos.

Alexis Mabille Haute Couture A/W13

Ein paar angenehme Ausnahmen, insbesondere unter den jungen Kreativen, gibt es natürlich. Da wäre Yiquing Yin, die Hyères-Finalistin 2010, die mit Materialien experimentiert, oder Viktor & Rolf, die ein Couture-Comeback in Schwarz feierten, im Zen des Hier und Jetzt, oder Ulyana Sergeenko, deren russischer Blickwinkel eine andere Art der Femininität vertritt.
Letzten Endes ist aber niemand der hier Aufgezählten besonders radikal oder herausragend, was das Konzeptuelle angeht, das Boundary-Pushing, das Eröffnen neuer Horizonte. Genau dafür aber eignet sich die Haute Couture doch eigentlich so gut, losgelöst von Verkaufszahlendiktat, Einkaufspreisen und Margen.

Diejenige, die das Motto der Hohen Mode alleinig noch zu verstehen scheint, ist Iris van Herpen, die mit dem Einsatz neuer Technologien überzeugt und verblüfft, mit Silhouetten und Materialien spielt, und an deren Haute Couture sich ablesen lässt, wo die Menschheit ihre „Frontiers“ hat.
Nachdem sie sich in der vergangenen Saison mit der Elektrizität des menschlichen Körpers auseinandersetzte, widmete Herpen sich diesmal den Naturgewalten.
Unter dem Titel „Wilderness Embodied“ kundschaftete sie, zusammen mit führenden Wissenschaftlern und Künstlern, die Wunder der Natur aus.
Dabei entstanden magnetisch gewachsene Kleider (mit Jolan van der Wiel), 3D-Print-Kleider (zusammen mit Isaie Bloch), und surreal anmutende Schuhe (im Kollaboration mit Rem D. Koolhaas von United Nude und Stratasys).
Die Schaffenskraft der Niederländerin scheint keine Grenzen zu kennen – und dass ihnen eine Holländerin in Sachen Couture etwas vormacht, das sollten die Franzosen nicht auf sich sitzen lassen.
Die Bühne wäre frei für mehr von dieser Art.

Mit dem Neuerwerb von Nicola Formichetti als Creative Director bei Diesel hat Renzo Rosso einen weiteren Schritt in Richtung Global Fashion Player getan.
So unglaublich sein bisheriger Lebensweg – vom Bauersjungen über Jeans-Genie zum international bekannten Modeunternehmer – so vielversprechend ist derzeit die Zukunft der Only The Best Group (OTB), die er scheinbar nebenher aufgebaut hat.
Eine Hoffnung für die kränkelnde italienische Modebranche und ein mögliches Gegengewicht zu LVMH und Kering (früher PPR)?

Als Sohn eines Bauern in Norditalien entschied sich Renzo Rosso zum Studium der Textilherstellung am Marconi Technical Institute in Padua, und damit bewusst gegen den Lebensweg seines Vaters, der später lange Zeit kritisch gegenüber der Berufswahl seines Sohnes blieb.
Anschließend studierte Rosso Wirtschaft an der Universität Venedig, brach das Studium jedoch ab, um bei Moltex, einer Tochterfirma der von Adriano Goldschmied geführten Genius Group, als Production Manager zu arbeiten. Goldschmied sollte später Rossos Mentor und Geschäftspartner bei Diesel werden, während Rosso im Gegenzug Aktionär bei der Genius Group wurde.
Man einigte sich für die gemeinsame Jeansmarke auf den Namen Diesel, weil Diesel damals, 1978, als alternativer Treibstoff und als ein Ausweg aus der Ölkrise gesehen wurde. 1985 folgte der Befreiungsschlag, Rosso tauschte seine Genius-Aktien gegen die Anteile Goldschmieds an Diesel.

Durch geschicktes Marketing, provokante Werbung und Kampagnen, sowie werbewirksame Kollaborationen unter anderem mit Adidas, Karl Lagerfeld oder Graffiti-Künstler Stephen Sprouse und einem aggressiven Expansionskurs, stieg Diesel in den 1990ern und frühen 2000ern zu einer führenden internationalen Marke auf.
Bereits währenddessen begann Rosso, finanziell schwache Unternehmen, deren Potenzial er erkannte, zu akquirieren. 2000 erwarb er Staff International, ein italienisches Unternehmen, das unter anderem unter Lizenz Vivenne Westwood, DSquared und Viktor & Rolf produzierte, 2002 folgte die Aktienmehrheit bei Maison Martin Margiela, 2008 Viktor & Rolf. Im selben Jahr gründete er die OTB Holding, zu der seit vergangenem Jahr auch Marni gehört.
Laut Forbes hat Renzo Rosso einen Net Worth von 3 Milliarden Dollar, eine Summe, die ihn zum zehntreichsten Italiener macht.
Eine Bilderbuchkarriere.

Wo geht es nun hin für Herrn Rosso? In Interviews wird er gerne mit Bernard Arnault und François Pinault verglichen, wogegen er sich – wenn auch nicht besonders energisch – wehrt. So sagte er der italienischen Corriere della Sera, er habe „great respect for luxury, a sector that is doing very well, but it is too conservative. My dream, however, is to be a meeting point for the brands of new generations, who will be future leaders.“ Außerdem wolle strebe er nach einem „demokratischeren“ Konglomerat. Diese Art Seitenhiebe verteilt er übrigens gerne in seinen Interviews und zeigt so, dass eine Vereinungung von Modeunternehmen unter einer gemeinsamen Schirmorganisation nicht von feindlichen Übernahmen geprägt sein muss, eine Strategie für die vor allem Arnault bekannt ist, noch den einzelnen Firmen ihre DNA nehmen muss. So erklärte er gegenüber WWD, er gebe den Labels und Designern “total independence is a must to make this work. Margiela has remained in Paris and Viktor & Rolf in Amsterdam.” Man wolle die Marken nicht vermengen, dies seien Fehler, die „andere in der Vergangenheit gemacht“ hätten und die OTB nicht zu wiederholen wünsche.

Bewusste Abgrenzung also gegen die Superkonglomerate der Franzosen. Dennoch macht die Formierung eines Konglomerats Sinn. Die durch den Zusammenschluss entstehenden Synergien bringen Vorteile, welche allein stehende Unternehmen nicht durchsetzen können. Durch die Bündelung von Power wird vor beispielweise Platzierung ein kontrollierbarer Faktor: Werbeplatzierung in Magazinen, aber auch Shopplatzierung in Malls sind solche Vorzüge. Auch mit seinem Engagement für Talent Scouting, zum Beispiel durch seine Plattform International Talent Support (ITS) ist Renzo Rosso Wegbereiter für junge Designtalente, keine Mangelware in Italien, wenn sie denn auf Förderung stoßen, wie er nicht müde wird, zu betonen.

Wird Renzo Rosso nun also der selbst Wein und Oliven produzierende Gutmensch der Modekonglomerate, der freundliche Mentor für kränkelnde Modeunternehmen und junge Designtalente, insbesondere, aber nicht nur, der italienischen Mode? Vielleicht ist es genau das, was die italienische Mode braucht, nachdem die Gucci Group sich 1999 in die strategische Partnerschaft mit PPR retten musste, um nicht von LVMH überrannt zu werden, und Prada ihr eigenes Süppchen zu kochen scheint.
Wie dem auch sei, vielleicht ist das eigene Konglomerat die logische Evolution einer Modenation. Nach dem zu urteilen, was es über Rosso zu lesen gibt – sechsfacher Vater, Familienmensch, Teamplayer – nicht der schlechteste Repräsentant für die Moda Italiana.

Der Bloomsbury Verlag – ehemals Berg Publishers -versorgt den Modetheorieliebhaber regelmäßig mit kompliziertem, aber intellektuell bereicherndem Lesestoff. In der Subcultural Style Serie ist nun eine Abhandlung von Frenchy Lunning zum  Fetish Style erschienen, die von Geschichte bis Zukunft, von Objekt- und Produktfetischismus bis hin zu Erotik alles abdeckt, was die theoretische Seite des Fetisch betrifft. 

Besonders Kapitel 5, „Fetish Style: Fashion as Fetish“ bietet eine spannende Perspektive auf die Rolle des Fetisch in der Mode der Postmoderne. In den Hauptrollen: Leigh Bowery, Boy George, Madonna, sowie Jean Paul Gaultier, Jun Takahashi, Alexander McQueen, Vivien Westwood und Gareth Pugh; die Requisiten: Masken, die Models zur Unkenntlichkeit verändern, Bondage-Elemente, Skinsuits und Korsetts.

Detailliert schildert Lunning, Professorin der Liberal Arts am Minneapolis College of Art and Design den Symbolismus  und die Herkunft der jeweiligen Fetischanspielungen in der Mode, zum Beispiel des Korsetts, der Bondage-Elemente oder der Masken.
Am Ende allerdings stößt Lunning auf das scheinbar permanente Paradox der Postmoderne, ihre Selbstreflexivität – oder einfacher ausgedrückt, die Tatsache, dass diese sich stets selbst in den Schwanz beißt: „Fashion is using the illusion, surface, fatuity, and its nature as a product in the market to attempt to do the same thing that art is supposedly doing; critiquing the culture through a symbolic and sensual means.“
Die Mode kann das System der Symbole, in welchem sie sich bewegt, nicht verlassen, und muss daher mit den Mitteln auskommen, die sie zu thematisieren versucht.
Eine Lektüre ausschließlich für ein bereits auf dem Gebiet belesenes Publikum. Auch das Ausblickskapitel entlässt den Leser aus den vorher genannten Problematiken mit einem schwachen Fazit.
Lunning beruft sich auf Deleuze und Foucault, findet aber keinen wirklich befriedigenden Abschluss des Themas, außer auf dessen Vielseitigkeit, Potential für Toleranz und Akzeptanz, sowie die Einheit von Mode und Fetisch hinzuweisen.

Fetish Style erscheint Mitte April als Paperback für $29,90.

In der vergangenen Woche fand in Paris die Haute Couture Woche statt, in der die großen Modehäuser wie Dior, Chanel und Valentino ihre Frühjahr-Sommer-Kollektionen 2013 präsentieren.
Neben den etablierten Designern hatte die „Chambre Syndicale de la Haute Couture“ als Gäste diesmal die Designer Hervé Leroux, Lefranc Ferrant, Zuhair Murad und Rad Hourani. Die spannendsten und interessantesten Kreationen im Überblick:

Maison Martin Margiela, Paris Haute Couture Spring 2013

Traditionell verhüllte Gesichter und Bonbonpapier gab es bei Maison Martin Margiela zu sehen. Die Show bestach durch lange Kleider mit auffallenden Stoffen und wilden Mustern, alles kombiniert mit weißen Plateaus.
Bunte Stickereien und Federbustier als exotisches Highlight und Kontrast zum silbernen Mantel daneben.

Bei Valentino wurde man in ein Paradies aus bestechend schöner Abendgarderobe entführt. Die Schneiderkunst bei den Kleidern ist beeindruckend, bei einem Exemplar wurden bis zu 1500 Stunden Arbeit investiert.

Valentino, Paris Haute Couture Spring 2013

Schwarz- und helle Weiß- und Beigetöne dominierten bei den Kleidern, eine Kombintation mit Rot oder auch aufwendige Blumenmuster kamen zum Einsatz. Die Kollektion wirkte natürlich und geheimnisvoll schön. Die Valentino-Designer Maria Grazia Chiuri und Pierpaolo Piccioli wollten in einen verwunschenen Garten entführen und erklärten, dass Couture magisch sein muss. Diesen Zauber versprühten sie tatsächlich.

Bei Chanel wählte Karl Lagerfeld diesmal einen dunklen, wuchernden Wald als Kulisse. In Kombination mit dem Grand Palais also ein perfekter und eindrucksvoller Hintergrund für die Schau.

Chanel, Paris Haute Couture Spring 2013

Neben typischen Chanelkostümen gab es bauschige Kleider und Federn. Der Kontrast aus beigem Tweetkostüm und Zombibraut gelingt perfekt. Vor allem die Kreationen, die neben dem Federkleid mit großen Lederstiefelen kombiniert werden, haben einen starken Gothiclook, Lagerfelds Märchen im Wald mit der bösen Hexe gelang ihm.

Raf Simons entwarf für Dior seine zweite Couture-Kollektion und wählte das Thema Garten als Symbol für Natur, Wachstum und Veränderung.

Dior Paris Haute Couture Spring 2013

Die Models präsentierten mit burschikosen Kurzhaarschnitten die Garderobe von Dior, die zwar sehr schwarz begann, die Farbleggins unterbrachen den dunklen Look aber gleich. Sehr viele Rot- und Gelbakzente waren zu sehen, und die Liebe zu Detail wurde sehr gut sichtbar.
Auf Kleider gefallene Blätter, erblühende Knospen auf Handschuhen und wachsende Blumenwiesen auf Oberteilen waren zu sehen. Simons stellte mit seiner Kollektion den sanften Übergang der Jahreszeiten und den Verlauf in der Natur dar, alles aber sehr konzentriert auf den Sommer und starke Farben.

Die Niederländerin Iris van Herpen ist bekannt für ihre avantgardistischen Kreationen, und auch diesmal enttäuschte sie nicht. Mit dem Warnhinweis „Voltage“ begann die Show und der Saal wurde erstmal unter Strom gesetzt.

Von Highheels mit astronomisch hohen Absätzen wurde man dank der 3D-Outfits auch in eine andere Welt versetzt. Wie mit lebendigen schwarzen Kristallen besetzt, wird ein Kleid präsentiert, begleitet mit sphärischer Musik der kanadischen Sängerin Grimes, die eine Muse für van Herpen ist.
Flauschige, korallenartige Lebewesen sind auf anderen Stücken zu sehen, ein Kleid aus futuristischen Metallorigami-Applikationen runden den Trip durch das Weltall ab. Die Kollektion sollte Elektrizität und Science-Fiction verbinden und verwendet sogar neue, flexible Hightechmaterialien, die laut van Herpen noch nicht mal einen Namen besitzen.

Bei dem italienischen Designer Giambattista Valli dreht sich anfangs alles sehr um Schwarz-Weiß-Kontraste, danach geht der Fokus aber schnell über in blumige Eindrücke.

Giambattista Valli, Paris Haute Couture Spring 2013

Die romantischen Roben mit auffälligen Blütenstickereien wirkten sehr verspielt, und es gab viele Muster zu sehen. Neben den blumigen Akzenten sind viele Zebra- und Krokomuster zu sehen, aber auch Luchs- und Leopardenprints. Viel Tüll und Seide lassen die Stücke sehr rokoko-esque wirken und runden die vorhergehenden Schwarz-Weiß-Prints ab.

Endzeit für Peplums und Co. Bild via

21.12.2012 – Endzeit-Chic
Das für heute von den Maya vorausgesagte Ende der Welt, nun jeden Moment zu erwarten, darf natürlich nicht ohne das richtige Outfit begangen werden. Verschiedene Quellen, darunter der Telegraph und Vice und schlagen Ensembles für den wortwörtlichen letzen Schrei vor.
Fashionista ist optimistischer, und prophezeit statt dem Ende der Menschheit nur das Aussterben des Peplum-Trends.

Das Outfit für den Atomkrieg. Bild via

Instagram rudert zurück
Nach einem globalen Aufschrei wegen der Änderungen der Nutzungsbedingungen des sozialen Bildnetzwerkes, aufgrund dessen User fürchteten, der Service könne zukünftig ihre privaten Bilder verkaufen, ist Instagram nun zurückgerudert und hat die ursprüngliche Formulierung in den AGBs wieder eingesetzt.
Instagram, das seit April 2012 zu Facebook gehört, wolle zuerst seine Werbetools ausarbeiten, bevor sie die Community mit unausgereiften Produkten vor den Kopf stießen. [Techcrunch]

Vorläufiger LFW-Plan für Februar steht fest
Die Schedule für die London Fashion Week vom 15. bis 19. Februar steht vorläufig fest, Highlights versprechen Häuser wie Tom Ford, Mary Katrantzou, Vivienne Westwood Red Label, Burberry Prorsum und Mulberry und Newcomer wie die Rezipienten des BFC/Vogue Fashion Funds sowie die des Vauxhall Fashion Scout zu werden zu werden.
Illustrationen von Manolo Blahnik untermalen die Veranstaltung. [LFW]

Tom Ford, Bild via

Tom Ford Teil der LFW-Schedule
Nach mehreren Saisons der künstlichen Verknappung wird Tom Ford im kommenden Februar wohl wie jeder gewöhnliche Modemacher seine Womenswear Show im Rahmen der London Fashion Week zeigen und ankündigen.
Ob diesmal Fotos von der Show gemacht werden dürfen, und wo sie stattfinden, wird bleibt aber weiterhin geheim. Der Designer hatte in den vergangenen Saisons der schnellen medialen Verbreitung seiner Designs vor Verkaufsdatum mit Schauen im engsten Kreis entgegen wirken wollen. [TheCut]

Givenchy F/W 12/13. Bild via

Haute Couture Schauen: Givenchy steigt aus, Margiela und Mabille steigen auf
Givenchy wird im Januar keine Haute Couture Show zeigen, stattdessen setzt das Team um Ricardo Tisci ganz traditionell auf private Termine mit Kundinnen in seinen Ateliers.
Maison Martin Margiela und Alexis Mabille wurden nun vom Chambre Syndicale zu Haute Couture Häusern ernannt. Beide zeigten bereits zuvor Couture als „Correspondent“ und „Guest Members“, waren aber bisher keine vollwertigen Mitglieder des erlesenen Zirkels. [WWD]

Vice übernimmt i-D Magazine
Eine der wohl spannendsten neuen Partnerschaften des ausklingenden Jahres wurde am Dienstag bekannt: Vice übernimmt das seit den 80er Jahren stilprägende i-D Magazine. Terry Jones und seine Frau Tricia, die für i-Ds Erfolg maßgeblich verantwortlich waren, bleiben in kreativen Positionen und als Partner und Teilhaber des Magazines erhalten. Man darf gespannt sein. [Vice]

2010 Pluto and Charon

Künstler und Fotograf Daniel Sannwald, 1979 in Deutschland geboren, wird als einer der besten zeitgenössischen Modefotografen bezeichnet. Aufmerksamkeit erhielt er schnell durch seine unverkennbare Handschrift: er setzt seine Bildideen humorvoll und cinematografisch um, konstruiert und spielt auf fantasievolle Weise, schafft surrealistische, narrative Werke, die Mode und Kunst erfrischend, sowie humorvoll vereinen.

Aufgewachsen in München, studiert an der Academy of Antwerp, lebt der 33-jährige Modefotograf derzeit in London, und ist eigentlich erst über Umwege zu seinem Beruf gekommen.
Bevor er mit 23 Jahren sein Kunststudium in Antwerpen begann, zog es ihn nach dem Abitur in die Welt hinaus. Er lebte eine zeitlang in Bangkok, arbeitete für ein Modelabel und organisierte für die Firma Fotoproduktionen. Hier entschloss er sich, in diesem Bereich mehr Erfahrungen zu sammeln, und seinem Interesse weiter nachzugehen.

Seine Jobs wählt Sannwald nicht nach Prestige aus, auch wenn seine Kunden sich wie das Who-is-Who der Modebranche lesen, vielmehr entscheidet er nach künstlerischem Anspruch und Konzept.
Diese Einstellung scheint Früchte zu tragen – er bekommt Aufträge u.a. von I-D, Dazed & Confused, 032c, PoP Magazine, V Magazine, Louis Vuitton, Adidas, Vogue Hommes Japan, Maison Martin Margiela und Nike.

Neben der Besonderheit, sich stark von Kunst inspirieren zu lassen, ist auch Sannwalds Umgang mit den vielen Medien und Technologien charakteristisch. Er arbeitet nicht nur mit analogen oder digitalen Geräten, sondern variiert gerne; er fotografiert mal mit dem i-Phone, mal mit der Filmkamera, nutzt CGI und verwendet auch Techniken wie Collagen oder Malerei.
Die letztendliche Auswahl muss zur jeweiligen Idee passen.

2010 erschien sein Buch „Pluto and Charon“ mit einem Doppelportait mit Spiegeln auf dem Cover. Erschienen beim belgischen Verlag Ludion umfasst der Band 75 Bilder – eine Auswahl an Arbeiten und Editorials der vergangenen fünf Jahre. Das Buch spielt mit dem Konzept der zwei Planeten, die für Sannwald ein wundervolles Bild für die Liebe darstellen.
Pluto und Charon sind sich immer zugewandt und umkreisen einander in einer fast perfekten kreisförmigen Umlaufbahn. „Es ist eine Liebeserklärung an das, was kommen wird und an das, was war.“ (via)

Mit dem Aufkommen des Internet und dem Wunsch, mit bewegter Darstellung zu arbeiten, ließ sich Daniel Sannwald auch das Abenteuer Film ein, kreierte eine Reihe experimenteller Videos.
In dem Kurzfilm „The Absence of Anything“ schickt er zwei junge Männer auf eine kaleidoskopische Reise um die Suche nach der Unvergänglichkeit. Für das Magazine Arena Homme + entstand neben einer Fotostrecke ein Kurzclip, für das Modehaus Maison Martin Margiela, für welches er anderthalb Jahre lang alle visuellen Arbeiten (Film, Fotografie & Showinszenierung) verantwortet, schuf er berückend schön inszenierte Videos.

Stillstand ist von Daniel Sannwald nicht zu erwarten. Er arbeitet gerne mit neuen Partnern, mit Stylisten wie Katie Shillingford, Tabassom Charaf, Nicola Formichetti, Robbie Spencer, oft mit Hector Castro. Er liebt und braucht die Abwechslung und Bewegung.
Er fühlt sich sicherer, wenn er gut vorbereitet zu Shootings geht, lässt es aber dennoch spontan angehen und mag es, wenn Dinge fließend entstehen.
Für die Zukunft kann der Modefotograf sich einen Umzug nach New York vorstellen, wünscht sich ein Landhaus in Südfrankreich und setzt sich weitere Ziele. Gerne würde er mit Jamie Bell, Miuccia Prada und Mario Hugo arbeiten.

Daniel Sanwald verlor früh seinen Vater, gab sich als Kind selbst das Versprechen, die Welt nach ihm abzusuchen, da er den Tod nicht verstand. Er flüchtete in eine Fantasiewelt mit Raumschiffexpeditionen zu fremden Planeten, fiktiven Tieren und erlebte eine magische Kindheit.
Diese Erinnerungen scheinen sich in seinen Arbeiten wiederzufinden, auch liegt die Vermutung nahe, dass sein Vater, der mit Film und Fotografie zu tun hatte, den sensiblen Künstler unbewusst in diese Richtung lenkte.
Und auch bei Pluto and Charon, die für ihn symbolisch für die wohl stärkste Kraft, für die Liebe stehen, erkennt man das Band zwischen Vater und Sohn.

Photo Credit: Daniel Sannwald

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela S/S 2012 RTW

Es ist soweit, trotz formaler Ankündigung eines Veröffentlichungstermins für das Lookbook der Kooperation H&M und Maison Martin Margiela, ist es, wie es sich für das Internet gehört, schon vor mehreren Tagen auf verschiedenen ausländischen Seiten aufgetaucht.
Auf den ersten Blick fehlt, formal betrachtet, der rote Faden, der eine Kollektion in sich schlüssig macht, doch bei genauerer Betrachtung wird klar, die Zusammenarbeit mit H&M ist sozusagen eine „Best Of“-Kollektion des berühmten belgischen Hauses, mit Stücken, reminiszent, so scheint es, an vergangene, aktuelle, und sogar kommende Kollektionen.
Sich selbst als Referenz zu benutzen: genialer Schachzug oder gefährlich für den Marktwert?

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela F/W 2012/13

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela F/W 2012 RTW

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela F/W 2012 RTW

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela Pre Fall 2012

Margiela X H&M, 2012; Maison Martin Margiela Spring 2013

Hier die gesamte Kollektion im Überblick:

Bilder via und via.