Der belgische Designer Glenn Martens, bekannt für seine außergewöhnlichen und konzeptionellen Designs ist als neuer Creative Director vom französischen Menswear Label Y/Project bekannt gegeben worden. Nach seinem Abschluss an der Royal Academy in Antwerpen wurde er bereits vom Fleck weg von Jean-Paul Gaultier übernommen, kreierte bei ihm die G2 Kollektion, danach folgten u.a. Kollaborationen mit Bruno Pieters für Weekday und Honest By.

Die erste Kollektion von Glenn Martens für Y/Project wird während der Pariser Fashion Week Menswear im Januar 2014 ihr Debüt feiern. Das Teaser-Video von Arnaud Lajeunie zeigt bereits erste Inspirations-Auszüge auf elegante, sowie kraftvolle Art und weist auf die Ankunft der Kollektion hin, die während der Menswear-Show in Paris gezeigt werden soll.

Seit Jahrzehnten haben die Superhelden das Boxoffice der Kinos fest in ihrer Hand. Kein Wunder, dass sie in der Mode auch ihren Fingerabdruck hinterlassen haben. Sei es als Inspirationsquelle für Modemacher oder als Anregung für technologische Innovationen, die Heroen der Postmoderne sind eine Metapher für das menschliche Dasein, die ewige Suche nach Verbesserung. Das Mittel ihrer Wahl dafür: Kleidung.

Einen klaren Beginn der Koexistenz zwischen Mode und Superhelden zu finden ist schwer. Wenn man hingegen historisch an die Entwicklung der Helden heran geht, beginnt man, die Faszination der Modemenschen für die kostümierten Rächer zu verstehen.

Die Geschichte des Comic-Superhelden teilt sich in 4 Epochen ein: die goldene, silberne und bronzene Ära und die Postmoderne.
Die goldene Ära begann 1938 mit Jerry Siegel und Joe Shuster, die Superman erschufen. Dieser gilt bis heute als Prototyp des Superhelden, vereint er doch alle wichtigsten Ingredienzen: geheime Identität, Superkräfte und ein buntes Kostüm.
Nach Superman erschienen dann bei DC-Comics die anderen großen Helden, wie Wonder Woman, Batman oder Martian Manhunter. Wärend und nach dem zweiten Weltkrieg gewannen die Superhelden so viel Zuspruch bei der Bevölkerung, dass in den Fünfzigern der Senat den Comics Code verabschiedete, der Verleger verpflichtete, beispielsweise auf Nacktheit der Figuren oder gewisse Worte zu verzichten, um die Jugend nicht „zu verderben“.

Die silberne Ära des Comics kam mit legendären Autoren wie Stan Lee, Jak Kirby oder Bill Everest. Diese veröffentlichten Buchreihen mit erwachseneren und nuancierteren Helden wie zum Beispiel die Fantastic 4 (1961), Spiderman, Thor oder The X-ten.

In der bronzenen Ära der Comics wurden die Helden auseinandergenommen. Batman war nichts mehr als ein gefolterter Vigilant, Wonder Woman verlor ihre Kräfte und Green Arrow wurde zu einem zynischen Kapitalismuskritiker der hie und da unter den Einfluss von Drogen stand. (oder kurz: Batman wird entmachtet, Wonder Woman zum Opfer und Green Arrow ein Junkie – die Superhelden bekamen einen Reality Check der Civil Rights Bewegung)

Zehn Jahre warteten die Helden auf ihr Comeback. Den Umschwung brachten die Watchmen und die Dark Knight Serie von Batman. Die Comics waren voll Anti-Helden, deren Kostüme dunkler wurden und deren innere Konflikte tiefgreifender. Den Höhepunkt der „grim-and-gritty“-Phase erreichte diese, als der Joker Robin vor Batmans Augen ermordete.

Die Superhelden wurden also über die Jahre mehr als nur eine schöne Zeitbeschäftigung für Jungs, sondern entwickelten sich zum Sprachrohr für soziale und politische Missstände. Ähnliches passierte auch mit der Mode: Die Designer hatten die glänzenden Illusionen der bisherigen Mode satt. Die „Anti-Fashion“-Bewegung, der sich Modemacher wie Hussein Chalayan und Jean-Paul Gaultier verschrieben, war ein direkter Angriff auf das Beschönigenen der Wirklichkeit, eine Gesellschaftskritik.

Aber nicht nur die Entwicklung der beiden Branchen ähnelt sich stark. Die Wahl der Kostüme und die Veränderungen in der Persönlichkeit der Helden durch die Bekleidung ist eigentlich nur eine Überzeichnung dessen, was die Mode tagtäglich für jeden Menschen tut: Sie schützt, versteckt, verändert den Menschen.

Auch bei den Superhelden, genau wie in der Mode, übernimmt die Kleidung die Funktion von Abgrenzung und Zugehörigkeit. Die X-Men signalisieren mit ihren Uniformen Gruppenzugehörigkeit, Einzelkämpfer wie Batman heben sich von anderen ab. Nicht umsonst verkleiden sich kleine Kinder gerne wie sie. Die Uniformen verleihen ihnen ihre Kräfte, bestärken sie, oder signalisieren ganz einfach eine Geisteshaltung. Clark Kent könnte genauso kämpfen wie Superman. Die Kleidung, und damit die Rolle, in der er steckt, lassen aber nur jeweils eine der beiden Persönlichkeiten zu.

Bei anderen Helden ist das Aussehen ihrer Anzüge zweitrangig. Sehr viel wichtiger ist die Funktionalität des Teiles – ja sogar Superhelden müssen mal pragmatisch denken. The Human Touch kann zum Beispiel nur Hitze und Feuer beständige Klamotten tragen, The Flashs Anzug muss extremer Reibung Stand halten und zu Iron Man muss man an der Stelle nichts sagen. Diese ganzen technologischen Innovationen die Stan Lee und Co sich ausgedacht haben, werden immer wieder durch Textilforscher ins reale Leben gerufen, beschäftigen Generationen von Bekleidungstechnikern und Chemikern, die die gewünschten Eigenschaften eines Kleidungsstückes Realität werden lassen. Man denke nur an den Spinnenfaden, den Spiderman so geschickt in sein Kostüm integriert hat, und der längst als der goldene Gral der Textiltechniker geworden ist.

Die Comichelden sind in unserer Kultur so stark integriert, dass sie auch immer wieder als Inspirationsquellen für Designer dienen. Sei es als Muse für eine Kollektion oder durch die Gestaltung der Filmkostüme von gefeierten Designern. Und spätestens nach der Ausstellung 2008 im Metropolitan Museum of Art in New York weiß man, dass beide Disziplinen sich gegenseitig befruchten.

Das Kostüm der Superhelden, es ist die Essenz unserer Alltagskleidung: sie gibt uns Kraft, den Tag zu meistern, sie kann uns Selbstvertrauen und Mut geben, kann aber auch, wenn falsch getragen oder am falschen Ort, wie Kryptonit auf unsere Selbstsicherheit wirken.
Die Kleidung ist der erste Schritt des Transhumanismus, eine bewusste Erweiterung, Verbesserung des Menschen. Wir sind das einzige Lebewesen auf diesem Planeten, das die eigenen biologischen Grenzen nicht akzeptiert, sich selbst psychisch und physisch ständig verbessert. Kleidung ist die zweite Haut des Menschen, ein Mittel zur Selbstverwirklichung, zur Optimierung. Die Superhelden, das sind wir.

Eine große Rolle in der Ideenfindung eines jeden Designers spielt eine Frau – die Muse. In romantischer Verklärung schaffen sich die Modeschöpfer eine Frau, die für sie die neue Weiblichkeit (oder die Weiblichkeit schlechthin) darstellt; sie ist der Ausgangspunkt vieler Kollektionen. Doch die Muse, ähnlich wie die Mode des 21. Jahrhunderts, scheint in der Dauerschleife festzuhängen. Immer wieder werden die selben Damen für den bekannten Musenkuss bemüht.
Kristian Barella Greve fordert mehr Variation im modischen Ideal-Frauenbild.

In den letzten Hundert Jahren der Mode- und Kostümgeschichte erlebten wir einen interessanten Trend: zwar gibt es Damen, die tatsächlich in Kontakt mit den Designern stehen: Daphne Guinness, Florence Welsh oder Beth Ditto sind in der Hinsicht Paradebeispiele – doch lange hält die Bewunderung nicht an, zu schnell und intensiv wird die Muse durch die (Massen-)Medien gejagt, sodass sie Anziehung und Glanz verliert. Daher müssen historische Figuren herhalten, die, recht eindimensional, die Zeiten überdauert haben, aber auch – weil sie nicht mehr widersprechen können – schier unbegrenzt Fläche zur Interpretation bieten.

Designer bedienen sich immer wieder vergangener Epochen und somit auch antiker Frauenbilder um „Neues“ zu schaffen.
Es wird der Größe und dem Glamour vergangener Tage nachgetrauert, die Mode ist aber nicht mehr ein elitärer Klub der von Aristokratinnen, der Haute Bourgeoisie und Künstlerinnen regiert wird. Die Demokratisierung ihrer Grundstrukturen fordert, dass eine breite Masse die Muse kennt.
So biegen und brechen die Modeschöpfer das Bild dieser Frauen so lange bis dieses ihrem neuen Markt und einer verkaufbaren Ästhetik entspricht.

Ein gutes Beispiel dafür ist Marie-Antoinette.
Die letzte wahre Französische Königin wurde 2006 zum Vogue Cover, verkörpert von Kirsten Dunst, die in dem Kostümfilm Sophia Coppolas die junge Habsburgerin spielte. Marie Antoinette wurde auch von Jean-Paul Gaultier auf Madonna umgemünzt, welche bei den MTV-Music Award als Dauphine auftrat und sinnlich „Vogue“ trällerte. John Galliano, von Haus aus den Hang zum pompösen habend, und somit sozusagen Seelenverwandter der dekandenten Adligen, bemühte den Glamour der Königin wiederholt für seine Kollektionen.
Die französische Königin ist Grundlage tausender Videotutorials, die entweder die gepuderte Blässe oder die voluminösen Perücken mit den Mitteln unserer Zeit zu kopieren versuchen. Und selbst Vivianne Westwood brachte eine Punkversion der Adligen heraus.
Das selbe Lied könnte man über Cleopatra, Madame Butterfly oder Königin Elisabeth die Erste singen.

Es gleicht einem faden Abgesang wenn schon wieder eine Kollektion Audrey Hepburn über den Laufsteg marschieren lässt; wenn, statt eine neue Muse zu finden, wieder mal bei Louis Vuitton eine Jacky Kennedy Onassis die Rolltreppe herunterstolpert. Es kommt das Gefühl auf, dass sich die Kreativen nicht mehr ihrer gesellschaftlichen Rolle bewusst sind und aus Verlegenheit die gleichen Ideale instrumentalisieren, immer wieder die gleichen Rollenbilder bestärken.
Dabei gäbe es so viele starke, smarte, interessante Vorbilder, die man zur Abwechslung zu Rate ziehen könnte.

Zum Beispiel Theda Bara, amerikanische Stummfilmschauspielerin der frühen Zwanziger Jahre, die durch ihre Präsenz und ihre Ausstrahlung das Schönheitsideal der „Flapper-Zeit“ einfach obsolet machte.
Sie war vollschlank, weiblich und mysteriös und verschaffte sich somit als eine der ersten das Image eines wahren Sexsymbols und Vamps.
Da es ihr aber nicht gefiel, ständig in diese Schublade gesteckt zu werden, ließ sie ihren Fünfjahresvertrag mit Fox auslaufen und suchte sich anschließend vielseitigere Rollen aus.

Als Intellektuelle bietet sich Simone de Beauvoir an. Die Frau wusste sich so zu kleiden, dass Männer sie Ernst nahmen und ihre Thesen waren so neu, dass die Selben sie sogar kopierten oder diese, wie so oft in der Geschichte, von ihr stahlen. Des Weiteren hatte sie ihren Stil so konsequent durchgehalten, dass ihre Silhouette, speziell die Frisur, zu ihrem Markenzeichen wurde.

Wenn man schon bei starken und einflussreichen Frauen ist, liegt doch Ethel Smyth, die Mitbestreiterin der Suffragetten-Bewegung und Komponistin nahe.
Sie war eine Freundin von Tschaikowski und prägte die Uniform der Suffragetten, welche wiederum der Urahn des Powersuits der 1980er war.

Wenn es einem aber als Designer wichtig ist, den Glanz der Monarchie oder gar nur der Aristokratie zu beanspruchen, sollte man eher den meterdicken Staub von vergessenen Dynastien wischen, als den Glanz der Bekannten zu überanstrengen.

Dafür kann man weit zurück in die Zeit reisen und die Gattin des oströmischen Kaisers Justinian als Muse nehmen. Kaiserin Theodora war bevor sie Kaiserin des größten Reichs ihrer Zeit wurde, eine Erotiktänzerin und Prostituierte.
Ihre Pretty-Woman-Geschichte endete aber nicht mit der Hochzeit, sondern damit, dass sie ihrem Gatten, als er fast abgesetzt wurde, durch ihre List und Intelligenz den Thron zurückgewann. Sie wird, ähnlich wie Kleopatra, von den Chroniken der Zeit als wunderschöne aber hinterlistige Frau dargestellt, die es liebte, im Luxus und Überfluss zu leben.

Katharina die Große, Königin Anne, Maria Theresa Habsburg von Österreich, Königin Margot von Frankreich – alle diese Frauen hatten ein sehr starkes Bewusstsein für die repräsentative Macht der Mode und tragen auch das Renommee, Altbekanntes zu verwerfen und Neuerungen voran zu treiben.
Sie schufen mit ihrer Einstellung Neues, genauso wie die Dauphine von Frankreich, nur hat sich scheinbar niemand die Mühe gemacht, ihren stilistischen Werdegang zu analysieren oder sich mit diesen Frauen tatsächlich auseinanderzusetzen.

Gerade im aktuellen Zeitalter des Wandels und Umbruchs sollte jungen (Frauen-)Generationen mehr Auswahl an Rollen- und Stilvorbildern geboten werden als eine Handvoll.
Die Geschichte und die Gegenwart haben eine Fülle an Arten des Frauseins zu bieten, warum also immer auf den selben alten Kamellen herum kauen?
Es wird Zeit, neue Referenzen in der Mode zu schaffen, und das ist nun wirklich keine Kunst.
Die Schönheit der Musen ist doch, dass es in der Geschichte und im täglichen Leben viele Frauen gibt, die es verdient haben in den Fokus der Modemacher zu treten.
Dann wird es vielleicht auch wieder etwas mit dem „Neuen“ in der Mode.

Anna Piaggis Hüte im Museum
Fast ein Jahr nach dem Tod der Modelegende Anna Piaggi wird ihr nun im Palazzo Morando zu Mailand eine Ausstellung gewidmet. Das Modemuseum stellt dafür die Hutsammlung der Stilikone und Modekritikerin aus.
Die Eröffnung wird am 22. September 2013 passend zur Mailänder Fashion Week sein. [Vogue.de]

Olivier Polge wird neuer Chefparfumeur bei Chanel
Nach dem Tod von Jacques Polge war es lange unsicher wer nun die neue Nase der Parfumkollektion bei Chanel würde. Nun steht fest, dass der Sohn des verstorbenen Parfumeurs in die Fußstapfen treten wird.
Olivier Polge arbeitet schon seit 1998 mit seinem Vater und Christopher Sheldrake in Chanels olfaktorischen Labors. [hauteliving]

H&M Chef Persson fordert ein weltweites Fairtrade-Siegel
Ganz im Sinne der Image-Pflege von H&M fordert der Chef des schwedischen Modegiganten im Spiegel ein internationales Fairtrade-Siegel „wie beim Kaffee“.
Somit solle gewährleistet werden, dass faire Löhne, Umweltschutz und andere soziale Aspekte von dem Produzenten eingehalten würden. H&M versucht bis 2015 ganz CO2-frei zu produzieren und nur faire Kleider zu verkaufen, so Persson [fashionunited]

Jean-Paul Gaultier kontert Tim Blank auf schlechte Kritik
Jean-Paul Gaultier ist in Rage. In einem offenen Brief reagiert der französische Modeschöpfer auf die schlechte Rezension von Tim Blank. Darin bittet er den Editor-at-Large von Style.com seine Kenntnisse in Mode- und Kostümgeschichte aufzufrischen.
Der selbsternannte Erbe des französischen Modethrons reagierte damit auf die härteste, aber nicht einzige Kritik seiner Show bei der Pariser Couture Fashion Week. Den offenen Brief kann man bei Fashionista lesen. [fashionista]

Kayne West wieder Designer
Der amerikanische Rapper feiert sein Comback als Designer mit einer Capsule Collection für APC. Die Kollektion beinhaltet ein Sammelsurium an T-Shirts, Jeans und Hoodies, die ab dem 14. Juli im Online Store des französischen Labels zu kaufen sind.
West hatte im Vorfeld in einem Interview mit dem W Magazine erzählt, dass er eine Kollaboration mit einem „hippen französischen Label“ mache, aber nicht verraten wollen um wen es sich handelte. [Telegraph]

Am Mittwoch befand der oberste Gerichtshof der USA den „Defense of Marriage Act“ für rechtswidrig, und verbietet damit die Diskriminierung von homosexullen Lebenspartnerschaften.
In New York wird eine weitere Errungenschaft in der Geschichte der LGBT-Bewegung gewürdigt: Das Museum des Fashion Institute of Technology widmet ab dem 13. September 2013 dem Einfluss homosexueller Modedesigner auf die Mode eine Ausstellung mit dem Titel ”A Queer History of Fashion”.

Damit will das Museum auf zwei Dinge aufmerksam machen: Erstens, viele der größten Modedesigner des vergangenen Jahrhunderts, seien es Yves Saint Laurent oder Alexander McQueen waren homosexuell, und Zweitens, die breite Masse geht davon aus, dass ein Mann, der in der Mode arbeitet, schwul ist.
Die Ausstellung wirft damit viele interessante Fragen auf. Haben schwule Männer ein Mode-Gen? Oder ist es nur ein Vorurteil, dass man bei einem Mann, der in der Mode arbeitet, davon ausgehen kann, dass er schwul sei?

Es gibt einige Erklärungsansätze für den Schwulen-Überschuss der Modebranche, aber keiner gibt wirklich eine zufriedenstellende Antwort. Viele Meinungen zielen auf die schwule Szene ab: in dieser hat das Äussere einen hohen Stellenwert.
Der Schönheitskanon, speziell homosexueller Männer, verlangt seinen Mitgliedern einen gewissen Standard ab. Der Körper muss schön sein, der Versuch, so lange wie möglich jung zu wirken ist geschuldet, und ein modisches Auftreten ist Pflicht.
Diese Punkte entscheiden über Aufmerksamkeit und Partnerwahl. Natürlich spielt Mode hier eine Hauptrolle, und „Mann“ beschäftigt sich sozusagen gezwungenermaßen damit.

Doch, sich mit Mode zu befassen, mag eine Sensibilität auslösen, aber sicherlich kein Können. Woher kommt also das vermeintlich geballte Talent schwuler Modemacher, Fotografen, Redakteure und generell Akteure im Moderaum?

Glaubt man Floriane de Saint Pierre, Frankreichs bekanntester Headhunterin, waren in den Neunzigern fast alle führenden kreativen Köpfe in der Modebranche Männer.
Sie stellte weiter in einem Interview fest, dass Tara Subkoffs Leitspruch, die Modewelt sei eine „gay man’s profession“, nicht unwahr ist.
Subkoff, die Designerin von Imitation, hatte zuvor Anna Wintour kritisiert und behauptet, dass diese nur schwule Männer unterstütze, ferner, dass man in der Modewelt kaum eine Chance habe, wenn man kein schwuler Mann sei.
Anna Wintour erwiderte nur, dass sie nach Sensibilität und Ästhetik suche – wenn sich diese bei einem schwulen Mann fände, läge es eher an der Person und nicht an deren sexueller Orientierung.

Gender-Theoretikerin Judith Butler fährt in der Hinsicht eine ganz andere Schiene. Sie behauptet, dass die Mode ein Ausdruck der Persönlichkeit sei und sie das Werden und das Sein eines Menschens darstellt. Dass so viele Homosexuelle in der Mode arbeiten, erkläre sich folgerichtig damit, dass diese einem ständig die Möglichkeit gibt, etwas anderes, oder zumindest ein optimierteres Selbst zu werden.
Die „Performativität“ von Gender, laut Butler ein gesellschaftliches Konstrukt, würde sich dann an der Mode besonders manifestieren, potenziell eine Angriffsfläche der gesellschaftlichen Intervention bieten.

Wenn man diesen Gedanken weiter verfolgt, wären homosexuelle Männer auch deshalb in der Mode, weil diese die Möglichkeit bietet, ihre prekäre Situation ideologisch sichtbar zu machen.
Die Mode wäre dann ein Abbild des inneren Spannungsverhältnisses zwischen Konformität und Abgrenzung, ein selbst gewähltes Schlachtfeld gegen gesellschaftliche Normen und heteronormative Machtstrukturen.
Für diese These spricht, dass Schwule und Lesben Mode derart unterschiedlich nutzen. Konventionelle Rollen – Frauen, als das schöne Geschlecht zu fungieren haben, sich herausputzen, und Männer, die sich in Sachen Kleidung gesittet zurückhalten – werden im homosexuellen Bereich oft umgedreht, selbst wenn man Transvestitismus außen vor lässt.

Viele Psychologen gehen bei diesem Thema auch von (Über-)Kompensation aus. Da die Gesellschaft die Homosexualität lange nicht akzeptiert(e), versuchen sich Homosexuelle positiv zu profileren, indem sie Erfolg haben oder etwas Großes schaffen.
Dies, so die Theoretiker, führe auch dazu, dass man in den Branchen, in denen es viele Homosexuelle gäbe, vielmals nach Superlativen strebe.
Und die Mode giert nun mal nach Superlativen.

Welche dieser Theorien nun tatsächlich zutreffend sind, oder überhaupt einen Anhaltspunkt geben, wieso Schwule sich gerne in der Mode tummeln – und Lesben eher seltener – sei dahingestellt.
Eines kann man aber mich Sicherheit sagen: Den Homosexuellen verdankt die Mode ihr Gesicht.

Wir schulden die zeitgenössige Kostüm- und Modegeschichte zum großen Teil einer handvoll schwuler Männer. Man nehme nur Christian Dior, der es schaffte, in den Fünfzigern der Frau eine (überzeichnete) Weiblichkeit wieder zu geben, nachdem sie diese zuvor in den Dienst des Vaterlandes gestellt hatte.
Oder Karl Lagerfeld, der das Traditionshaus Chanel rettete und die Pariser Mode revolutionierte, indem er mehr auf das Branding setzte als auf die tatsächlichen Designs.

Ein berühmtes Beispiel auch der verstorbene Yves Saint Laurent, der Frauen den Anzug schenkte, und mit diesem prometheischen Akt Wegbereiter für die Bürokleidung wurde, die in den Neunzigern ihre Apotheose feierte.

Jean-Paul Gaultier machte die Kostüme für Madonna, führte den Matrosen auf den Laufsteg – eine der Fetischgestalten der Szene – brach weiter mit den Konventionen der Heteronormativität indem er die Schnitte für den Mann femininer machte und vice versa.

Seien es Dries van Noten, Zac Posen, Viktor & Rolf oder das Duo hinter Dolce & Gabbana, die Homosexuellen haben einen immensen Beitrag zur Mode geleistet.
Mit ihr haben sie tatsächlich indirekt die Homophobie bekämpft, worüber sich die Post-Stonewall-Generation oft nicht bewusst ist, sowie Homosexualität in der Gegewartskultur publik, gegenwärtig und akzeptabel gemacht.

Wichtig ist aber auch stets im Hinterkopf zu behalten, dass die sexuelle Orientierung einer Person bei weitem nicht ihr Können oder ihr Wesen zusammenfasst, und dass die eigenen Klischees immer wieder einmal einem Reality-Check unterzogen werden sollten.
Mode ist besonders wegen ihrer Offenheit gegenüber Neuem und ihrer Begeisterung für Außergewöhnliches und Andersartiges eine wichtige Festung in der LGBT-Bewegung geworden.
Die Ausstellung im FIT ist somit ein großer Moment für beide, sowie für Toleranz, Akzeptanz und Menschlichkeit.

HIER kann man die Ausstellung finanziell unterstützen.

Nach einer gefühlten Ewigkeit unter der Herrschaft der Designermodelle ist die Sonnenbrille aktuell in einem Stadium des Aufbruchs. Logos und Namen sind out. Plastik ist passé. Bambus, Holz, Stein und Stahl sind die Materialien für Sonnenbrillen der neuesten Generation. In Sachen Form ist von eckig über katzenhaft bis hin zum runden Gestell alles dabei, dekoriert werden darf ganz großzügig, und selbst die Gläser reichen von standard-verdunkelt über farbenfroh eingefärbt bis bunt verspiegelt. Anything goes – nur langweilig nicht.

Handgearbeitet in einem der nicht mehr ganz so heimlichen Hipsterhotspots der USA, Portland, Oregon, zeigt Shwood, dass Sonnenbrillen nachhaltig und stylish zugleich sein können. Aus Holz und neuerdings auch Stein werden dort Sonnenbrillen in klassischen Designs gestaltet und mit Carl Zeiss Linsen aus Italien besetzt.
Zu haben gibt es die guten Teile ab 145 Dollar.

Beim Kauf einer Panda Sonnenbrille gibt es gleich doppelt gutes Gewissen dazu. Nicht nur, dass die Rahmen aus 100% nachhaltigem Bambus gemacht sind, auch ermöglicht jeder Einkauf, in Zusammenarbeit mit der TOMA Foundation, eine Augenuntersuchung für Menschen, die sich dies anders nicht leisten könnten.
Gegründet von drei Studenten und dreihundert Crowdfundern, ist Panda ein Musterbeispiel eines modernen Unternehmens mit Mission und Stil.

Byronesque sammelt die besten Styles aus der Vergangenheit, die ihrer Zeit voraus waren. So auch Claude Montanas Lucite oder Jean Paul Gaultiers Eiffelturm Sonnenbrillen. Keine Schnäppchen, aber als Meilensteine des Modedesigns die stolzen Preise von 1595,- respektive 1465,- Dollar mehr als wert.

Mykita, der Berliner Platzhirsch unter den Sonnenbrillenherstellern stellt zwei neue, ausergewöhnlich runde Modelle vor, Emil und Egon.

Adidas Originals Eyewear lässt die Kundschaft selbst zum Designer werden und die eigene Sonnenbrille customizen. Im Online-Konfigurator kann jedes Teil der  Brille selbst ausgesucht und verschieden eingefärbt werden.

Avantgardistisch geht es Anna Karin Karlsson, bei Miu Miu und bei Linda Farrow zu. Karlsson überzeugt mit auffälligen Rahmendesigns, während Miu Miu einfach einen Teil des Gestells absägt. Linda Farrow kooperiert mit Prabal Gurung für überdrehte und überzeichnete Kunstwerke, die den Rahmen der Kunst zu sprengen scheinen.

Die Masterarbeit der London College of Fashion Absolventin Marla Marchant begeisterte bereits zur London Fashion Week, nun kann man das Gesamtprojekt online einsehen. Die architektonisch gestalteten Absatzschuhe sind kleine Meisterwerke, die schriftliche und visuelle Herleitung ihrer Designs nicht minder faszinierend. 

In der Arbeit setzte sich Marchant mit traditionellem Handwerk wie Knüpftechniken und Korbmacherei auseinander, ließ sich von Alexander McQueen und Jean Paul Gaultier, sowie Möbeln, Skulpturen und Gaudis Architektur inspirieren, um schließlich bei ihren Sci-Fi-anmutenden Designs zu landen. Eine bemerkenswerte Arbeit, die hier ganz zu sehen ist.

Der Bloomsbury Verlag – ehemals Berg Publishers -versorgt den Modetheorieliebhaber regelmäßig mit kompliziertem, aber intellektuell bereicherndem Lesestoff. In der Subcultural Style Serie ist nun eine Abhandlung von Frenchy Lunning zum  Fetish Style erschienen, die von Geschichte bis Zukunft, von Objekt- und Produktfetischismus bis hin zu Erotik alles abdeckt, was die theoretische Seite des Fetisch betrifft. 

Besonders Kapitel 5, „Fetish Style: Fashion as Fetish“ bietet eine spannende Perspektive auf die Rolle des Fetisch in der Mode der Postmoderne. In den Hauptrollen: Leigh Bowery, Boy George, Madonna, sowie Jean Paul Gaultier, Jun Takahashi, Alexander McQueen, Vivien Westwood und Gareth Pugh; die Requisiten: Masken, die Models zur Unkenntlichkeit verändern, Bondage-Elemente, Skinsuits und Korsetts.

Detailliert schildert Lunning, Professorin der Liberal Arts am Minneapolis College of Art and Design den Symbolismus  und die Herkunft der jeweiligen Fetischanspielungen in der Mode, zum Beispiel des Korsetts, der Bondage-Elemente oder der Masken.
Am Ende allerdings stößt Lunning auf das scheinbar permanente Paradox der Postmoderne, ihre Selbstreflexivität – oder einfacher ausgedrückt, die Tatsache, dass diese sich stets selbst in den Schwanz beißt: „Fashion is using the illusion, surface, fatuity, and its nature as a product in the market to attempt to do the same thing that art is supposedly doing; critiquing the culture through a symbolic and sensual means.“
Die Mode kann das System der Symbole, in welchem sie sich bewegt, nicht verlassen, und muss daher mit den Mitteln auskommen, die sie zu thematisieren versucht.
Eine Lektüre ausschließlich für ein bereits auf dem Gebiet belesenes Publikum. Auch das Ausblickskapitel entlässt den Leser aus den vorher genannten Problematiken mit einem schwachen Fazit.
Lunning beruft sich auf Deleuze und Foucault, findet aber keinen wirklich befriedigenden Abschluss des Themas, außer auf dessen Vielseitigkeit, Potential für Toleranz und Akzeptanz, sowie die Einheit von Mode und Fetisch hinzuweisen.

Fetish Style erscheint Mitte April als Paperback für $29,90.

Byronesque ist wahrlich kein Shop wie jeder andere. In ihrem Manifesto stellen sich die Betreiber der Seite gegen hirnlosen Konsumerismus und herz- und kopflose Verkaufsstrategien. Sie sind, nach eigenen Angaben, das „Gegenmittel zu Fast Fashion“.

Gründerin der Online-Plattform mit Goth-Ästhetik ist Gill Linton, eine britische Entrepreneurin, Journalistin und ehemalige Kreativstrategin bei Saatchi.
Ihr Team besteht aus einer erlesenen Auswahl von Influencern der Modebranche: Renee Bejil, ehemals Inhaberin des New Yorker Vintage-Stores The New World Order, hat die Tore ihres Shops in SoHo dicht gemacht, und ist nun Head of Merchandising, Creative Director ist Justin Westover, Managing Editor ist CJ Swanton von Omen PR.

Byronesque Manifest

In einem beeindruckenden Editorial-Teil der Seite bespricht Byronesque, in Video und Text, Themen wie Rad Houranis Beitrag zur Haute Couture, Diane Pernets Pionierrolle für den Modejournalismus, oder die die Androgynie von Boy George.

Vintage-Stücke: Montana Sonnenbrille, YSL Hut. Bilder via und via

Ganz besonders exklusive, ausgewählte Vintageteile finden sich dann im Shop der Plattform: Claude Montana, Thierry Mugler, Norma Kamali, Galliano, Yamamoto, Miyake, Matsuda, Alaïa und viele weitere Schätze aus der Vergangenheit.
Versandt wird aus NYC, London und Paris, genauer gesagt aus den Läden Quidam de Revel (Paris), One of a Kind (London) und What Goes Around Comes Around (NYC) – ein ähnliches Prinzip wie bei Farfetch.
Die Vorteile liegen auf der Hand: Gebündelte Vintage-Expertise, keine Lagerkosten.

Jean Paul Gaultier, Issey Miyake. Bilder via und via

Ab Anfang 2013 soll ein zusätzlicher Dienst helfen, Gewinne zu erzielen. The Back Room wird ein kostenpflichtiger Service für Insider der Modeindustrie, mit exklusiven Angeboten, redaktionellen Inhalten und einer Datenbank an Vintagebildern, der als Inspirationsquelle eine Alternative zu Diensten wie WGSN und Stylesight bieten soll.

Ein eindrucksvolles Sortiment, mit Liebe und Expertise zusammengestellt; Einzelstücke, die es vermutlich so nirgends sonst auf der Welt zu kaufen gibt – das ist das einmalige Konzept Byronesques. Wie ein Online-Modemuseum mit Kaufoption, auch preislich. Es bliebt daher zu hoffen, dass auch das Geschäft läuft.

Das 1st Annual International Fashion, Style, Beauty Film Festival im Rahmen des ASVOFF 5 präsentierte eine Vielzahl an spannenden Kurzfilmen. Gewinnervideos, alle am Wettbewerb teilnehmenden Clips, Out-Of-Competition Videos, Dokumentationen, sowie eine Auswahl an Modefilmen wurden im Centre Pompidou, im Herzen von Paris gezeigt.

ASVOFF Opening, Veranstalterin Diane Pernet mit Daphne Guiness

Der als Modedesigner bekannte Rad Hourani hat großes Interesse an Fotografie, sowie Film und präsentierte gemeinsam mit der 70er Modelmuse Viviane Fauny einen intimen Einblick in deren aufregendes Leben. Vivane, die mit Legenden wie Irving Penn, Richard Avedon oder Helmut Newton gearbeitet hat, resümiert vergangene Erlebnisse und erinnert sich an ihre Zeit als Model.

William Klein kam persönlich zum Festival und stand nach der Vorführung seines Films Who Are You, Polly Maggoo?, eine Parodie der Modewelt in den 60er Jahren, dem Publikum Rede und Antwort.
Claude Montana, ein weiterer Gast des Festivals erschien, um gemeinsam mit den Anwesenden den Film „Fashion! Golden Eighties“ von Olivier Nicklaus zu sehen, in dem der Stardesigner neben Mugler, Gaultier und Alaïa glänzt.

Für die neue ASVOFF Kategorie „Best Documentary“ präsentierten sich neben dem Siegerfilm „To Be Honest“ von Jason Last die weiteren sechs Mitstreiter, darunter „Gender Studies“ von Bettina Rheims, der ironische und tragikomische Film über Modeljäger „Where the Girls Are“ von Salome Oggenfuss, und „Long Live The Kings“ von Clement Beauvais & Arthur De Kersauson der unbedingt bis zum Ende geschaut werden sollte.

Das dreitägige Festival fand seinen gelungenen Abschluss bei der Closing Party im Pariser Private Member Club Silencio.
Französischer Chanson und die Band Kenji Minogue, die mit dem Film „Danny“ von Goran Grahovic den Preis für „Best Emerging Talent“ mit nach Hause nahmen, sorgten für eine ausgelassene Stimmung.
Neben Diane Pernet und Stargast Daphne Guinness feierten Regisseure, Künstler, Kritiker, Entertainer, Fotografen, Schauspieler, Designer und Prominente bis tief in die Nacht hinein.