Die Herbstmonate bescherten uns einige Veränderungen: neue Gesichter, neue Rubriken, neue Gastautoren. In „A life in Pictures“ widmen wir uns seit Oktober verschiedenen spannenden Firmengeschichten, und auch der News Radar, der kurzzeitig vom Radar verschwunden war, tauchte wieder auf. Eine Reise durch die vergangenen Monate. 

Oktober

Jil Sander schockierte mit einem erneuten Aussteig bei Jil Sander, Condé Nast gab das Ende des Praktikantenprogramms bekannt und Christopher Walken setzte sich für Jack & Jones an die Nähmaschine.

Unsere Gastautorin Mara Michel von VDMD fragte sich, warum in Deutschland immer alles schlecht geredet werden müsse, während Dawid Tomaszewski sich mit seinem großen Vorbild Azzedine Alaïa auseinandersetzte.

November

Mit A Life in Pictures schufen wir eine Kategorie, in der die Leben von Modedesignern oder Marken visuell und biografisch dargestellt werden können. Bisher beschäftigten uns Jean Patou, Thierry Mugler, Esprit, Isabella Blow, Franck Sorbier und Ana Alcazar.

Louis Vuitton ernannte Nicolas Ghesquière zum neuen Artistic Director, nachdem Marc Jacobs seinen Ausstieg bei dem Haus verkündet hatte.

Die Diskussion um die umstrittenen Praktiken von Terry Richardson wurde nicht zuletzt durch den „einschlagenden“ Erfolg von Miley Cyrus Video Wrecking Ball wieder aufgenommen. Was darf ein erfolgreicher Fotograf im Namen der Kunst, und wieviel Verantwortung tragen seine Auftraggeber?

Dezember

Im Jetzt angekommen. Dem Monat geschuldet drehte sich im Dezember das meiste schon um Weihnachten. Nach einem turbulenten und anstrengenden Jahr wurde es langsam Zeit für ein wenig Ruhe und Besinnlichkeit. Unser Adventskalender auf Facebook nahm viel Zeit in Anspruch und generierte viel Freude bei den Gewinnern.

Florian, ein neuer Gastautor aus Paris, fragte sich in seinem Feature, ob Ghesquière mit Louis Vuitton der lange erwartete Traumprinz sein könne, der die französische Mode wieder wachküsst.

„Blame it on the Bloggers“ ist eines der Lieblingsspiele des Modebusiness. Diesmal ausgelöst durch die Absicht IMGs, weniger Blogger zur New York Fashion Week zuzulassen, ging wieder einmal eine Welle von „Blogger raus“ und Selbstmitleid seitens der Blogger durch die Medienlandschaft. Wir konzentrierten uns auf den Kern des Problems: Wer ist „legit“, wer nicht, und wer darf darüber entscheiden?

Außerdem unternahmen wir ein paar Reisen in die Vergangenheit: mit den Brüdern Seeberger stellten wir die lange vergessenen, vielleicht ersten französischen Society- und Streetstylefotografen vor, Charles Frederick Worth bekam ein Life in Pictures und im Interview mit Helen Zisul beschäftigten wir uns mit der Vergangenheit von Louis Vuitton, Goyard und Hermès.

Charles Frederick Worth setzte in dreierlei Hinsicht Maßstäbe: er gilt als Begründer der Haute Couture, führte eine frühe Form des Marketings und Brandings ein und führt auch die Riege der englischen Designer an, die ihren großen Durchbruch und Erfolg auf französischem Boden erlebten.

Charles Frederick Worth kam am 13. Oktober 1825 als ältestes von drei Kindern im englischen Bourne, Lincolnshire, zur Welt. Seine Ausbildung absolvierte Worth in exklusiven Londoner Stoffgeschäften wie Swan & Edgar und Lewis & Allenby. Dort erwarb er umfassende Kenntnisse hinsichtlich der Stoffe, ihrer Herstellung und Qualität und kam auch erstmals mit Schnittmustern in Kontakt.
Die englische Mode war zu dieser Zeit sehr ländlich geprägt. Man verbrachte viel Zeit an der frischen Luft, die Kleidung wurde diesen Anforderungen angepasst. Aber Worth hatte mehr im Sinn: Seine Zielgruppe waren die Damen der Gesellschaft und der Aristokratie, die gern in den Luxus exklusiver Kleider investierten.

Mit dieser Vision ging er 1845 nach Paris. Er fand eine Anstellung im führenden Geschäft für hochwertige Stoffe, Gagelin, wo er erstmals auch eigene Kreationen schneiderte. Im Gagelin lernte er seine zukünftige Frau Marie Vernet kennen. Sie führte als Verkäuferin und „Model“ den Kundinnen Kreationen wie Hüte und Schals in Worths selbst entworfenen Kleidern vor und trug später die Entwürfe im Laden, bei Besuchen von Kundschaft und bei offiziellen Anlässen.
Sein kommerzieller Erfolg brachte ihm die Teilhaberschaft an Gagelin, es brauchte jedoch noch einiges an Überzeugungsarbeit, um das Angebot um die Kleiderproduktion zu erweitern. So ist es nicht verwunderlich, dass Worth sich für einen eigenen Salon entschied, in dem er sich auf Abendkleider spezialisierte und den ersten Schritt in die Selbstständigkeit wagte, mit der Hilfe eines gut situierten Herren aus Schweden, Otto Bobergh. Der Name des Modehauses: Worth et Bobergh in der Rue de la Paix.

Umsichtiger Geschäftsmann und gewiefter Stratege der er war, erkannte Worth schon früh die Wirkung von Werbung und begann mit dem, was wir heute als Marketing bezeichnen. Durch Neuerungen im Pressesektor war es möglich, die Kleider international bekannt zu machen und dadurch ein größeres Klientel zu anzuziehen. Besonders in Nordamerika erwachte ein gesteigertes Interesse an Worths Entwürfen.
Worth verzichtete auf die bisherige Praxis, die Kundin daheim aufzusuchen, um die Entwürfe anzupassen, sondern bestellte sie in seinen Salon. Dabei kam es schon vor, dass er Kundinnen abwies, die er als nicht passend für seine Kreationen erachtete. Aber Worths Arbeitsweise unterschied sich noch in mehr von jener anderer Schneider. Er kreierte nicht mit der Kundin zusammen das Kleid, sondern entwarf durch variable Schnittmuster bereits fertige Modelle, bei denen die jeweilige Dame nur Stoff und Verzierungen wählen musste. Jede Saison wurden die Entwürfe an Mannequins präsentiert. Damit wurde der Schneider zum Modemacher und Künstler.
Das Ansehen des Berufes in der Gesellschaft stieg mit Worth´s Arbeit, sein Geschmack setzte Maßstäbe für die gehobenen Schichten. Die Kleider wurden in einem Haus gefertigt, von Schneiderinnen zugeschnitten, genäht und verziert. Erstmalig versah ein Designer seine Entwürfe mit seiner Signatur, die Kleider mit einem Etikett.

Es blieb nicht aus, dass die europäischen Königshäuser auf Worth aufmerksam wurden. Lange Zeit verantwortete er die Kleidung von Fürstin Metternich aus Österreich, Königin Victoria von England und Kaiserin Elisabeth von Österreich sowie seiner Stammkundin, Kaiserin Eugénie von Frankreich.

Die in London erlernte Schnitttechnik half ihm dabei, die Kleider besonders gekonnt und körpernah an den Oberkörper der Kundinnen anpassen.
Die Stoffe, die Worth verwendete, waren von herausragender Qualität. Worth´s Lieblingsstoffe waren Seide, Satin und Tüll. Erstere bezog er von den Seidenfabriken in Lyon, welche außergewöhnliche Stoffe produzierten. Er nutzte erstmals synthetisch hergestellte Farbe für seine Stoffe und kreierte damit intensiv leuchtende Kleider.
Auch stilistisch galt Charles Frederick Worth als tonangebend. Die Silhouette der Kleidung veränderte sich auch auf Grund seines Einflusses von der ausladenden Krinoline (Reifrock) zur ovalen, vorn abgeflachten Krinoline, von der schmalen Prinzess-Linie zur Turnüre, einer Verstärkung oberhalb des Hinterteils, über der das Kleid getragen wurde. Und – shocking – er kürzte die Rocklänge bis auf Knöchelhöhe.

Die Gründung einer Institution, die heute fast noch so in ihren Grundsätzen besteht, die Chambre Syndicale de la Couture Française , ist ein weiterer Verdienst Worths. Im Jahre 1868 organisierte sich die französische Haute Couture zu dieser weltweiten Vertretung der Interessen des Schneiderhandwerks.
Obwohl Worth seine größten Erfolge in Frankreich feierte, steht er nicht ausschließlich für die französische Mode, denn seine gut fundierte Ausbildung und seine Visionen brachte er aus England mit. Paris bot ihm jedoch die Möglichkeit, seine Fähigkeiten unter Beweis zu stellen und die Kreativität auszuleben. Englische Schneiderkunst traf auf französisches Modeverständnis. Ein Erfolgsgeheimnis, welches bis in die heutige Zeit aktuell ist.
So zeigte Vivienne Westwood ihre Kreationen als erstes in Paris; Galliano und der leider zu früh verstorbene McQueen wurden an berühmte Luxushäuser wie Givenchy und Dior geholt; Stella McCartney und Phoebe Philo polierten das Image des französischen Traditionshauses Chloé wieder auf.

Nach dem Tode Worths im Jahre 1895 übernahmen seine beiden Söhne Gaston-Lucien und Jean-Philippe das Modehaus, anschließend übernahm der Enkelsohn Jaques und schließlich Urenkel Jean-Charles. Unter zunehmendem Konkurrenzdruck wurde das Haus 1950 verkauft. Mit der Pensionierung von Urenkel Jean-Charles endete die Familiendynastei, 1956 zeigte das ursprüngliche (nicht das in 1999 wiederbelebte) Haus die letzte Coutureshow.

Text: Claudia Baldauf/ Barbara Russ
Bilder, wenn nicht anders ausgewiesen, via Metropolitan Museum Archive

Alexander McQueen Ausstellung Savage Beauty am Met Museum, Bild via.

Immer wieder bandeln sie miteinander an, werden von diversen Anstandsdamen und -herren rabiat auseinander gerissen und harsch für ihre Entgleisungen beschimpft. Tragisch ist sie fraglos, die Hass-Liebe zwischen Mode und Kunst. In einem Buch des Berg Verlages wird sie nun detailliert unter die Lupe genommen. 

Von Charles Frederick Worth, der als erster wohl sowohl als Modedesigner als auch als Künstler verstanden werden kann, über Schiaparelli, Yves Saint Laurent und Thierry Mugler, bis hin zu Gareth Pugh – die Grenzen zwischen Mode und Kunst verschwimmen leicht und des Öfteren.

Schiaparelli und Salvador Dalí, Tear Dress und Lobster Dress. Via und via.

Die Ausstellung Reflecting Fashion im mumok diesen Jahres zeigte deutlich, dass sich nicht nur Designer an der Kunst bedienen, sondern dass auch die umgekehrte Situation existiert: Beuys, Christo, oder Yayoi Kusama referenzieren auch gerne die Mode in ihrer Kunst.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo und Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers, Foto: André Grossmann, 1967, © Christo via.

Der wohl schlaueste aller Modeverlage, Berg Publishers, unter anderem Verleger des Fashion Theory Journals, legte nun eine Buch zu dem Thema auf. Adam Geczy (Senior Lecturer in Studio Art und Kunsttheorie am Sydney College of the Arts) und Vicki Karaminas (Associate Professor für Fashion Studies und Associate Head of the School of Design an der Technischen Universität Sydney) sind die Herausgeber des 224 Seiten starken Werkes.

Fashion and Art, Adam Geczy und Vicki Karaminas. Berg Publishers.  

Darin beschäftigen sich Größen der Modetheorie und Kunstgeschichte wie Valerie Steele (Direktorin und Chefkuratorin des Modemuseums am FIT), Hazel Clark (Research Chair, Parsons the New School for Design) oder Aileen Ribeiro (Professor Emeritus der Kunstgeschichte an der Univerität London),und viele weitere Experten mit den verschiedenen Aspekten der Beziehung von Mode und Kunst.

John Singer Sargent, Fumee d’Ambre Gris; Franz Xaver Winterhalter, Kaiserin Elisabeth von Österreich in Worth. Via und via. 

Selbstverständlich ist dieses theoretische Werk keine leichte Kost, noch dazu auf englisch, doch der akademische Blickwinkel auf die Schnittmengen beider Disziplinen lohnt sich.

Adam Geczy und Vicki Karaminas
Fashion and Art
Taschenbuch: 223 Seiten
Verlag: Berg Publishers, 2012
Sprache: Englisch
ISBN-10: 184788783X
ISBN-13: 978-1847887832
Preis: 22,95€ via Amazon 

Im Rahmen der Ausstellung Reflecting Fashion im Wiener mumok sprach die Kuratorin und Direktorin des FIT, Valerie Steele, eine gute Dreiviertelstunde lang über den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst. Von Charles Frederick Worth bis Louis Vuitton, über Sylvie Fleury und Vanessa Beecroft gibt Steele eine umfassende Bestandsaufnahme der Synergien zwischen der Mode- und der Kunstwelt.
Sehr sehens- und hörenswert!
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