In einem am Montag erschienen Interview mit Fashionista übte Suzy Menkes, ihres Zeichens Modekritikerin ersten Ranges, Kritik am momentanen Zustand der Pariser Haute Couture: „Haute couture in Paris used to be my favourite – in the days of John Galliano at Dior and the great Saint Laurent shows. Now there is not much couture left“, sagte sie auf die Frage hin, welche Modewoche sie am liebsten möge. Und tatsächlich, besonders viel wirklich „Hohes“ lässt sich derzeit nicht finden auf den Laufstegen der Haute Couture.
Dabei ist Haute Couture längst keine Verkaufsveranstaltung mehr, sondern ein kostenintensives Imagetool der großen Modehäuser, in der ein Feeling, ein Konzept verkauft werden soll, für das die Marke steht, aber auch ein Barometer für den Stand der Kultur, die Megatrends der Gesellschaft, die Grenzen der Kunst.
Wieso also toben sich die – oft jungen – Designer in diesem „Labor der Ideen“ nicht aus; zeigen was sie können, welche Fragen sie umtreiben?

Die alteingesessenen Häuser wie Chanel, Armani, Valentino, Dior „unterraschen“ mit Vielgesehenem. Karl Lagerfeld präsentiert Saison für Saison scheinbar denselben Klassiker genannten Mix aus den Chanel-Insignien Goldkette, Bouclékostüm und Kamelie; selbst Raf Simons, vermeintliche Design-Wunderwaffe, bringt weder modernen Glamour noch aufs Wesentliche destillierten Minimalismus ins Couture-Treiben, sondern enttäuscht mit einem faden Kompromiss beider.
Und Maison Martin Margiela, lange Zeit Leitwolf unter den Créateuren, hat sein Aus-Alt-Mach-Neu-Kontingent langsam erschöpft. Valli und Mabille hielten sich an hübsche Kleidchen, zweifelsohne aufwändig verarbeitet, aber eben auch ein wenig einfallslos.

Alexis Mabille Haute Couture A/W13

Ein paar angenehme Ausnahmen, insbesondere unter den jungen Kreativen, gibt es natürlich. Da wäre Yiquing Yin, die Hyères-Finalistin 2010, die mit Materialien experimentiert, oder Viktor & Rolf, die ein Couture-Comeback in Schwarz feierten, im Zen des Hier und Jetzt, oder Ulyana Sergeenko, deren russischer Blickwinkel eine andere Art der Femininität vertritt.
Letzten Endes ist aber niemand der hier Aufgezählten besonders radikal oder herausragend, was das Konzeptuelle angeht, das Boundary-Pushing, das Eröffnen neuer Horizonte. Genau dafür aber eignet sich die Haute Couture doch eigentlich so gut, losgelöst von Verkaufszahlendiktat, Einkaufspreisen und Margen.

Diejenige, die das Motto der Hohen Mode alleinig noch zu verstehen scheint, ist Iris van Herpen, die mit dem Einsatz neuer Technologien überzeugt und verblüfft, mit Silhouetten und Materialien spielt, und an deren Haute Couture sich ablesen lässt, wo die Menschheit ihre „Frontiers“ hat.
Nachdem sie sich in der vergangenen Saison mit der Elektrizität des menschlichen Körpers auseinandersetzte, widmete Herpen sich diesmal den Naturgewalten.
Unter dem Titel „Wilderness Embodied“ kundschaftete sie, zusammen mit führenden Wissenschaftlern und Künstlern, die Wunder der Natur aus.
Dabei entstanden magnetisch gewachsene Kleider (mit Jolan van der Wiel), 3D-Print-Kleider (zusammen mit Isaie Bloch), und surreal anmutende Schuhe (im Kollaboration mit Rem D. Koolhaas von United Nude und Stratasys).
Die Schaffenskraft der Niederländerin scheint keine Grenzen zu kennen – und dass ihnen eine Holländerin in Sachen Couture etwas vormacht, das sollten die Franzosen nicht auf sich sitzen lassen.
Die Bühne wäre frei für mehr von dieser Art.

Wenn sich Pornografie als Style tarnt
Collin McDowell ist dafür bekannt, die Modewelt pointiert zu analysieren und kritisieren. Nun hat der Kolumnist anlässlich des ”Great Gatsby”-Films, den er offenbar graumsam fand, die Modewelt wieder mal unter die Lupe genommen und stellt fest, dass er keine Inhalte sondern nur Vulgarität sieht. [BOF]

Fashion Week wichtiger als Formel 1
Die Stadt Berlin sieht sich oft vor schwierige Grundsatzfragen gestellt. Nun dies: Ferrari wollte die Karl-Marx-Allee für eine Formel1 Party sperren lassen, der Senat aber lehnte ab. Gunnar Schupelius von der BZ nahm dies zum Anlass, eine Event-Prioritäten-Liste aufzustellen und die Fashion Week, für die die Straße des 17.Juli eine Woche gesperrt bleibt, als „nicht wichtig“ zu proklamieren. Vielleicht sollte man ihn daran erinnern, dass an der Fashion Week eine ganze Branche hängt. Allerdings liegt die Vermutung nahe, dass Herr Schupelius auf genau diese Reaktion spekuliert hat und lediglich auf Kommentarfang war.
Außerdem fühlt man sich unweigerlich an die Fußballweltmeisterschaft, bei der die  Modewoche dem Public Viewing weichen musste, erinnert: Demnach ist Mode wichtiger als Formel1, aber König Fußball bleibt an der Spitze der Prioritäten. [BZ]

Keine Mitleidskäufe
Der Telegraph analysiert in diesem Artikel die Rezeption von ethischen und grünen Marken und kommt zu dem Fazit, dass grün oder ethisch korrekt sein nichts bringt, solange man die Eitelkeit des Konsumenten nicht in Betracht zieht. Ein sehr zynischer Standpunkt, der aber sehr schön dargestellt wird.[Telegraph]

Der Jungbrunnen der Vergessenen
Von Schapirelli bis Carven, immer mehr Modehäuser vergangener Glorie werden aufgekauft und bekommen ein Facelifting. Das Resultat ist erstaunlich. Die meisten schaffen es wieder, ganz Vorne mit zu schwimmen. Die FAZ erklärt pointiert wie die Investoren und ihre Designer dies geschafft haben und welchen Wert diese Modedinosaurer bergen. [FAZ]

Armanis Zorn über Mailands verpasste Chancen
Armani regt sich über die Fashion Week in Mailand und die Politik der italienischen Mode auf, die Chancen vergebe, international relevant zu bleiben. Der Designer kritisiert andere italienische Labels, ihre Kollektionen andernorts zu zeigen, und fordert, die Modewoche von 7 auf 10 Tage zu verlängern, damit mehr Shows gezeigt werden können. Er will mit gutem Beispiel vorangehen und jede Saison jungen Designern die Chance geben, ihre Mode in seinem Theater zu zeigen.
Armani ist nicht der erste, der die Missstände in Italien kritisiert, auch Miuccia Prada und Carla Sozzani äußerten sich bereits besorgt um die Zukunft der italienischen Mode. [Fashionista]

Warsaw Fashion Film Festival 2013 Spot von Tymoteusz Pieszka

In Polen feierte man vom 6. bis zum 9. März die zweite Ausgabe des Warschauer Fashion Film Festivals. Im Rahmen dessen gab es Screenings im Multikino Zlote Tarasy mit einer Auswahl an internationalen Produktionen, es wurden Workshops veranstaltet, Vorträge gehalten und den polnischen Filmschaffenden eine Plattform geboten, sich mit ihren Arbeiten zu präsentieren. Um das Modefilmgenre im eigenen Land zu fördern, wurde daher auch ein Preis für den besten Film vergeben. Hier durften sich Natalia Jakubowska und Lukas Gronowski mit ihrem Werk „Bubble Gum“ für die SS12 Kampagne von Justyna Chrabelska über die Auszeichnung freuen.

Iza Woźny, Gründerin und Organisatorin des Festivals, erklärt: „Das Projekt richtet sich an alle Interessierten – leidenschaftliche Kinogänger, Anhänger der Themen aus der Film- und Modebranche, die nach neuer, sowie interessanter Inspiration suchen. Mit unserer langjährigen Erfahrung und der regelmäßigen Zusammenarbeit mit der gesamtem Modebranche, empfangen wir herzlich zum Warschauer Fashion Film Festival und glauben daran, dass es positive und kreative Konsequenzen nach sich ziehen wird. (via)
Im Folgenden eine kleine Auswahl der gezeigten Filme;

„Who are you Polly Maggoo?“ von William Klein stellt eine gekonnte Parodie der Modewelt der 60er Jahre dar. In der Satire spielt die 20-Jährige Polly Maggoo ein erfolgreiches Model, das sich mit der lächerlichen Presse und anderen überzogenen Situationen in der Modebranche auseinandersetzen muss. Ein Klassiker der Modefilme.

„Diana Vreeland – The Eye Has To Travel“ ist ein intimes Portrait und zugleich eine Hommage an eine der einflussreichsten Moderedakteurinnen des 20. Jahrhunderts. Regie führte die Ehefrau von Vreelands Enkelsohn, Lisa Immordino Vreeland, die ihre Schwiegergroßmutter Diana Vreeland nicht mehr kennenlernen konnte, aber Dank der vielen Aufzeichnungen ein großartiges Werk der Erinnerung und Würdigung schuf.

Craig Teper beschreibt im Film „Vidal Sassoon“ die Geschichte eines Mannes, der die Welt mit Kamm und Schere veränderte. Er revolutionierte die Frisurenwelt, kreierte geometrische Formen auf den Köpfen seiner Modelle und erfand den berühmten 5 Point Bob. Eine Dokumentation weit über das Frisörhandwerk hinaus.
„The Film takes us through charming yet dramatic life of Vidal Sassoon, who was brought up in jewish oprhanage and after years achieved the absolute peak of hairdressing craft.“(via)

„Call It Balance in the Unbalance“ von Regine Lettner erzählt die Geschichte des exzentrischen Modedesigners Miguel Adrover – von der rasanten Eroberung der Modewelt bis zur bitteren Niederlage des Vergessens.

„Biba: A Portrait of Barbara Hulanicki“ von Louis Price portraitiert das Leben von Barbara Hulanicki, der Gründerin des legendären Biba Shops, die es mit erschwinglichen, trendigen Kleidern von einer kleinen Boutique zu einem Megastore brachte – und damit für immer in die Annalen der Modegeschichte einging.
„The Film presents the incredible story oft he warsaw-born Barbara Hulanicki, her childhood in Jerusalem, the murder of her father, the fashion revolution in contemporary London and the life of Barbara during cultural revolution in Miami in the 80s.“ (via)

Johan Renck ist einer der begehrtesten Regisseure von Werbespots und Musikvideos, und wurde vom Magazin CB News als „the number one director of commercials and music videos in the world „ bezeichnet. Gemeinsam mit seinem Freund und Kollegen Jonas Åkerlund gründete er die Produktionsfirma R.A.F., kann Musiker wie Madonna, Kylie Minogue, Robbie Williams, Beyoncé, sowie die Firmen Nike, Levis, Mercedes oder H&M zu seinen Kunden zählen. Das Warschauer Film Festival stellte eine Auswahl seiner Arbeiten vor, darunter: The Knife – „Pass this on“, Suede – „She`s in fashion“, Fever Ray – „Seven“, H&M – Versace, H&M – Matthew Williamson, Valentino – „Valentina“ und Armani „The Tip“.

Ausschnitt aus Justin Timberlakes Video „Suit & Tie“

Tom Ford und Justin Timberlake kooperieren für Musikvideo
In seinem Video zur Single Suit & Tie trägt Timberlake von Kopf bis Fuß Tom Ford, das Label, an der Rückseite der Krawatte, bekommt sogar ein paar auffällige Hundertstel Sekunden im Video.
Die Zusammenarbeit soll sich auf dem Album 20/20, das im März erscheint, fortsetzen. Nicht die schlechteste Werbung für Ford. [Fashionista]

Justin Timberlake, „Suit & Tie“ mit Tom Ford und Jay-Z. (In Deutschland nicht verfügbar)

Südkoreanerin gewinnt H&M Award
Die an der Royal Academy of Fine Arts in Antwerpen studierende Südkoreanerin Minju Kim ist die Gewinnerin des H&M Design Awards. Damit erhält sie 50,000€ und wird eine Kollektion für H&M designen.
Die Gewinnerin des Publikumspreises, Alba Prat, UdK-Studentin, gewinnt ein einmonatiges Praktikum bei Jonathan Saunders. The Winner takes it all. [WWD]

Show von Minju Kim, H&M Design Awards.

Betsey Johnson zeigt doch zur New York Fashion Week
Die Grande Dame der amerikanischen Mode hatte dem Wall Street Journal eine Woche zuvor verraten, sie werde in dieser Saison nicht im Lincoln Center zeigen, ließ nun doch verlautbaren, sie könne nicht fernbleiben.
Die exzentrische 70-jährige, die derzeit eine Reality Show dreht, ist eines der Urgesteine der New Yorker Mode, und wäre von vielen treuen Fans wohl schmerzlich vermisst worden. [Fashionologie]

Betsey Johnson, Bild via.

Amani-Diebe festgenommen
Eine zehnköpfige rumänische Diebestruppe wurde nun in Bukarest im Zusammenhang mit dem Diebstahl von mehr als 1300 Artikeln der Armani Frühjahr/Sommer Kollektion 2013 aus einem Lager bei Verona vergangenen Dezember festgenommen. Die Diebesbeute war ca. 2 Millionen Euro wert. [VogueUK]

Nicholas Kirkwood, Bild via

Nicholas Kirkwood gewinnt BFC/Vogue Designer Fashion Fund
Den mit 200,000 Pfund dotierten Preis, sowie das damit verbundene Mentoring durch die wichtigsten Einflussnehmer der Modebranche durfte in diesem Jahr Nicholas Kirkwood entgegen nehmen. Die Jury entschied sich aufgrund des extrem professionellen 3-Jahresplans seines Businesspartners für Kirkwood und gegen seine Konkurrenz Roksanda Ilincic, Mary Katrantzou, Peter Pilotto and Emilia Wickstead. Modabot gratuliert. [BFC]

Inditex trennt sich nach Brand in Bangladesh von Zulieferern
Smart Garments Ltd., die Fabrik in der das Feuer ausgebrochen war, das sieben Arbeiterinnen das Leben kostete, war angeblich nie von Inditex selbst beauftragt worden. Die beiden Zulieferer, das spanische Unternehmen Wonnever SL und der bengalische Subunternehmer Centex Textile, hätten dies laut Inditex getan, jene bestreiten das aber. Im Statement von Inditex hieß es: “Smart Garments hat nie zu den von uns autorisierten Fabriken gezählt. Wir wollen mit dieser Entscheidung ein unmissverständliches Signal an die gesamte Textil-Branche in Bangladesch senden”. Die Frage bleibt, ob man es sich bei Inditex nicht etwas zu einfach macht, indem man die eigenen Hände in Unschuld wäscht und den schwarzen Peter den Zulieferern bzw. der „gesamte[n] Textil-Branche in Bangladesh“ zuschiebt.
Kik, deren Labels auch in der Fabrik gefunden wurden, hat bisher noch gar nicht Stellung genommen. [FashionUnited]

Usain Bolt: Gold wert, auch für Puma.

Noch bevor die Olympiade in London losgegangen ist, stehen einige Gewinner bereits fest. Denn nicht nur ein Kräftemessen der besten Sportler der Welt ist Olympia, auch die finanzstärksten Sportartikelhersteller und -ausstatter, sowie Designer lassen auf olympischem Boden ihre Muskeln spielen.
Während Adidas (Jahresumsatz: 17,2 Mrd. Euro) sich als offizieller Sponsor des Internationalen Olympischen Kommitees (IOC) den Löwenanteil des medialen Interesses gesichtert hat, und neben ca. 5.000 Athleten auch 84.000 freiwillige Helfer ausstatten wird, kämpfen die stärksten Konkurrenten auf dem Sportartikelmarkt, Nike (Jahresumsatz 13,3 Mrd. Euro) und Puma (Jahresumsatz 3 Mrd. Euro) mit den Herzogenaurachern um Werbefläche.

Team Jamaica: Cedella Marley
So könnte man sagen, Puma, der kleinste der drei, habe auf Qualität statt Quantität gesetzt. Mit Usain Bolt hat sich die Marke mit der Wildkatze im Logo den derzeit wohl bekanntesten Athleten der Olympischen Spiele gesichert.
Dies dürfte sich auch in der strapazierten Bilanz des Unternehmens niederschlagen, das am vergangenen Mittwoch den tiefsten Aktienstand seit neun Monaten verzeichnete. Olympia ist nämlich nicht nur zur Imagepflege da, auch spülen gebrandete Fanartikel zu Großevents besonders viel Geld in die Kassen.
Die mutigen, bunten und militärisch angehauchten Outfits für Team Jamaica sind designt von Cedella Marley, Bob Marleys Tochter und somit einer echten nationalen Ikone.

Team Jamaica: Usain Bolt in Cedella McCartney

Team Britain: Stella McCartney
Auch Großbritannien hat mit Stella McCartney die Tochter eines Nationalhelden zur Designerin für Olympia. Ihre Vision der Britischen Sportler ist vergleichsweise zurückhaltend und understated ausgefallen, allerdings nicht so gelungen minimalistisch wie die von Armani für Italien.

Team Britain: Stella McCartney für Adidas

Team USA: Ralph Lauren
Ralph Lauren designte bereits 2008 die Outfits der US-Athleten, in diesem Jahr beinhaltet seine Olympia-Kollektion in den Farben Rot, Blau und Weiß, neben Bekleidung auch Umhängetaschen, Hüte, Handtücher und Sonnenbrillen.
Einen kleinen Skandal verursachte der für Amerikanisches preppy-design stehende Lauren aber durch seine Produktionsstandort: Die Uniformen sind „Made in China“.
Ein Entsetzensschrei ging durch die Staaten, der demokratische Mehrheitsführer im Senat, Harry Reid aus Nevada forderte gar, die Uniformen zu verbrennen. Eines steht fest: Olympia-uniformen sind ein heißes Thema, sowohl finanziell als auch emotional.

Team USA: ganz patriotisch bei Ralph Lauren

Team Deutschland: Bogner
Seit Jahrzehnten zeichnet Bogner für die deutschen Winteruniformen verantwortlich, nun hat Willy Bogner sich auch der Sommerensembles angenommen. Sein Masterplan: pink für Frauen, blau für Männer; weder zeigen die Uniformen die deutschen Nationalfarben, noch wirken sie besonders sommerlich.
Gerd Müller-Thomkins, Geschäftsführer des Deutschen Mode Instituts bescheinigt den Münchnern jedoch Trendsicherheit, außerdem machen die Knallfarben die deutschen Teilnehmer besser sichtbar.
Vielleicht lässt sich Jil Sander ja hierfür in 2016 gewinnen?

Team Deutschland: Bonbonfarben bei Bogner

Team Spanien: Bosco
Einem geschenkten Gaul, …. Daran hielt sich die in finanziell prekärer Lage befindende spanische Regierung und nahm das Angebot des russischen Sportwarenherstellers Bosco an, die Uniformen zu designen und umsonst zur Verfügung zu stellen. Voilá: Kreation Omas alter Teppich.
Scheinbar gibt es einen Grund, warum alle bisher hier aufgeführten jemanden mit ihren Uniformen beauftragt hatten, dem das Wohl des jeweiligen Landes am Herzen liegt.
Was passiert, wenn es anders gehandhabt wird, zeigt sich am Bild unten.
Übrigens: Bosco fabrizierte auch die Uniformen für Russland, nicht American Apparel´s Dov Charney.

Team Spanien: Bosco. Der große Wurf?

Team Aserbaidschan
Die Aserbaidanische Uniform, eine sehr farbenfrohe Angelegenheit, wurde von dem italienischen Designer Ermanno Scervino gestaltet. Die nationalen Symbole, der aufgehende Mond, sowie ein achtzackiger Stern wurden in die Uniformen, die ein wenig nach Stewardess, ein wenig preppy aussehen, integriert.

Team Aserbaidschan: Ermanno Scervino

Team Italien
Vom modischen Standpunkt sind die Italiener bereits die Gewinner der Spiele: Prada designte die Outfits für das Segelteam, Armani kümmerte sich um den Rest.
Er umging das Grün-Weiß-Rot-Problem kurzerhand und benutze seine Signature-Farbe, die ja mittlerweile auch für italienischen Geschmack steht: tiefes Königsblau mit weißen Akzenten.

Team Italien: Models, keine Sportler, in Armani

Team Italien: Pradas Outfits für das Segelteam

Team Frankreich
Hermès und Adidas teilen sich die Gestaltung der französischen Outfits. Hermès, seinen Wurzeln treu bleibend, stattet das Reitteam aus, Adidas hat sich an französische Gebräuche angepasst und sehr sophisticated aussehende Outfits entworfen, die höchstens von Armani übertroffen werden.

Team Frankreich: Hermès, Adidas

Wenn man Nancy Deihl, der Direktorin für Modestudien an der New York University glauben schenken kann, so ging es bei Olympia schon immer um ein modisches Schaulaufen, doch neu sei der Luxusfaktor, der durch die Stardesigner hinzukommt.
Auch ihre Kollegin an der Ohio State University, Modehistorikerin Patricia Cunningham, prophezeit schon, dass die Olympischen Spiele eine ähnliche Modeausrichtung annehmen könnten, wie die Oscars.
Wer den Beweis dafür braucht, dass Olympia und Mode schon lange miteinander anbandeln, der lasse sich von den Fotos unten überzeugen.

US-Uniformen für Olympia: Lake Placid Games 1980, Levi Strauss; Sarajevo 1984, Levi Strauss.

Hanes Volontärs-Uniformen: Atlanta 1996. Ralph Laurens Erste in Beijing 2008.

Mögliche Galliano-Nachfolger. Foto via anneofcarversville.

Der Designertransfermarkt ähnelt derzeit ein wenig dem des Fussballs. Wer wechselt wohin, wie viel wird bezahlt, steigen die Aktien? Der Posten des Dior-Chefdesigners ist nicht fest besetzt, seit dem unglimpflichen Verschwinden Gallianos, doch die Gerüchteküche kocht heiß, zuletzt über Christopher Kanes möglichen Einstieg; Stefano Pilati verlässt YSL, YSL heuert Hedi Slimane an; Jil Sander feiert ihr Comeback, dafür muss Raf Simons gehen.

Der Persönlichkeitskult um den Designer begann um die letzte Jahrhundertwende, gerade als die Monarchien Europas in ihren letzten Atemzügen lagen. Die Demokratisierung der Mode erhob ihre Kreateure zu den neuen Adligen. Die großen Modehäuser, die in dieser Epoche gegründet wurden, von ca.1910 bis ca. 1990, sind auch diejenigen, die heute noch Einfluss haben.

Paul Poiret erfand sich selbst als Künstler, der Mode machte. Der Modedesigner wurde zu einer höchst mystifizierten Persönlichkeit, Herrscher über die Mode, Diktator der Coolness, Ausstatter der High Society. Coco Chanel, Christian Dior, Yves Saint Laurent, Giorgio Armani – allesamt nutzten dieses Image des Designers, das des Künstlers am menschlichen Körper, um die Mode ihrer Zeit zu beherrschen. Sie sind bis heute die einflussreichsten Häuser der Mode.
Doch die Designer, die ihnen ihren Namen gaben sind größtenteils verschwunden.

Stattdessen werden von den heutigen Besitzern der Modehäuser – Businessmänner der Riege Bernard Arnaults – die vielversprechendsten jungen Talente eingekauft, um den Luxusmarkt und den Mythos des Universalgenies Designer weiter am Laufen zu halten.
Denn, wie Dana Thomas in Deluxe. How Fashion Lost Its Luster schreibt: „the luxury industry is the only area in which it is possible to make luxury margins“.

Bernard Arnault. Foto: via fashionweekdaily

Man kann sicherlich argumentieren, dass dieses neue Businessmodell die großen Häuser gerettet habe – möglicherweise hätten viele Labels ohne den Schirm von LVMH, PPR und der Gucci Group, sowie deren Lizenzen, die Umwälzungen der letzten 20 Jahre nicht überlebt. Wenn es aber in der Luxusindustrie weder um Qualität, noch um die Aura ihrer Schöpfer geht, wie viel Agenda kann ein junger Designer dann noch haben?
Wenn Designer nur noch für Profitmaximierung eines nicht ihnen gehörenden Labels zuständig sind, wie kreativ kann dann ihre Mode sein? Ähnlich wie beim Fussball, um an der Analogie festzuhalten, wo zwar die Clubs bestehen bleiben, die Spieler aber wechseln, stagniert die Mode derzeit. Um wirkliche Umsätze zu erzielen, muss ein Label bereits einen etablierten Namen haben, denn Luxus bedeutet heute nicht mehr im selben Maße wie früher hochwertige Verarbeitung und Materialien, sondern das richtige Etikett im Kragen.
Deshalb ist der Designer zum Gebrauchsgut „verkommen“. Labels haben Fans, Designer schießen die Tore oder werden auf die Ersatzbank verbannt.

Loic Prigeant sagte vor Kurzem bei einem Screening seines Dokumentarfilms „Marc Jacobs and Louis Viutton“ am FIT, dass all die Modehäuser in welchen er gefilmt habe (Chanel, Dior, Lanvin u.a.) noch heute vom geist ihrer Gründer erfüllt seien: bei Chanel besipielsweise herrsche eine genauso gemeine Stimmung wie die der Gründerin, die ihre Angestellten des Morgens auf Toilette inspizierte und Streikende feuerte.
Marc Jacobs habe Glück gehabt, so Prigent weiter, denn Louis Vuitton habe keinen Mythos um seinen Gründer, er habe den Raum, sich dort zu entfalten.
Die Geister der Vergangenheit scheinen die Branche, die das Morgen ausstattet, zumindest in Europa, fest im Griff zu haben.

Coco Chanel. Foto via loveisspeed.

Carla Sozzani, Chefredakteurin der Vogue Italia, von Le Monde gefragt, warum Italien seit Dolce & Gabbana keine neuen Modehäuser mehr hervorgebracht habe, erklärte ihre Sicht der Dinge folgendermaßen: „Die jungen Designer heute haben keine Lust zu leiden. Sie wollen lieber von den großen Gruppen für einen glorreichen Posten angeworben werden, anstatt sich selbständig zu machen. Valentino, Armani, Dolce & Gabbana haben es geschafft, weil sie etwas ausdrücken wollten und sie haben für ihr Ziel gearbeitet.
Man kann es eine Art von Egoismus nennen, wenn man nicht für seine Kunst leiden will, oder?“

Eines steht fest: die Modeindustrie hat sich gewandelt, seit sie von Konglomeraten regiert wird, und diese herrschen gerne alleine. Allentscheidend sind Umsatzzahlen und das Image. Die Mode – zwar immer schon eine Industrie der Gebrauchsgüter – scheint ihre Verankerung in der Kunst zu verlieren.
Eine Frage bleibt jedoch: wo wäre die Kunst – beziehungsweise die Mode – heute, ohne das Leid und die Freiheit ihrer Künstler?