Vergangene Woche fand zum zweiten Mal das Budapester Fashion Video Festival unter der Leitung von Journalistin Sophie Baksa und Designerin Dora Abodi statt. Diesjähriges Motto war: “Power Power Power!”.
Neben der Vorführung von kunstvollen Modefilmen wurden ebenso Konferenzen und Seminare zum Medium und der Zukunft dieser Präsentationsmöglichkeit abgehalten.
Modeinstallationen und Vorführungen internationaler Filme rundeten das Programm ab, ein Tag wurde ausschließlich Japan und seinen Künstlern gewidmet.

Aus 50 Kreativ-Beiträgen wurden die ersten drei Plätze gewählt.

1. Platz: Tombor Zoltán – Vigh Dávid – Boose – Collins: Poor Celine (siehe oben)

2.Platz: Szabó Áron – Zsuzsanna Alexandrovna Marinka – Király Tamàs: Eme Molas

3. Platz: Krasznai Zoltàn: Six deadly sins of Mrs Herskin

Blogger Award: Vince Barati mit “Take me into your skin”

Soeben veröffentlicht wurde der erste Teil eines gemeinsamen Modefilm-Projekts von Nicole Roscher und Claire Kurylowski. Von Bardonitz, das Label von Roscher, steht für von der eigenen Familiengeschichte inspriertes Design und von Konventionen befreite Ästhetik. Claire Kuylowski konnte als Filmemacherin bereits 2009 die ASVOFF (A Shaded View on Fashion Film)-Jury von sich und ihrer künstlerischen Arbeit überzeugen. Für die erste Zusammenarbeit “One” liefert Maya Postepski den Soundtrack.
Starke Kontraste durch Licht und eindrucksvolle Einstellungen lassen die ersten Aufnahmen des Schwarz-Weiß Teasers schon mal vermuten.
Die Realisierung der Filmreihe kann ab sofort auf Indie Gogo finanziell unterstützt werden. Ähnlich wie bei wefund sind die Beträge gestaffelt: Für jede Hilfe werden im Gegenzug kleine Goodies angeboten.

Der Rahmen einer Catwalk Präsentation wird sorgfältig geplant und ausgewählt. Nicht nur was, sondern auch wie die saisonale Ware gezeigt wird, trägt seinen Teil zum Erfolg der Kollektion bei. Die modische Vision wird künstlerisch aufgeladen, mit Hilfe der Schau um eine Wahrnehmungsebene erweitert. Wichtig ist es natürlich auch, sich von anderen Designern abzuheben: Musik/Sound ist dabei fixer Bestandteil fast aller Shows; Stage Design, Lichtspiele, Bühnenkonstruktionen und aufwendige Produktionen erfreuen sich seit langem zunehmender Beliebtheit und scheinen sich immer mehr zu einem Muss zu entwickeln.
Ein Berliner Beispiel dazu ist etwa Michalsky, der auf seiner “Stylenite” seine Entwürfe in einem recht spektakulären Umfeld zeigt und aus der Show ein abendfüllendes Event macht.
Bei Augustin Teboul verzichtete man auf einen klassischen Catwalk und begnügt sich mit einer narrativen Präsentation (ab ca. 1.30 min), dem großzügigen Einsatz von dramatischen Lichteffekten und passender Musik.
Die Debut-Show von Nicola Formichetti für Thierry Mugler sorgte in der letzten Saison für viel Gesprächsstoff. Das war in erster Linie dem Auftritt von Lady Gaga zu verdanken, das Catwalk-Konzept war allerdings ebenfalls aufwendig und eindrucksvoll.

Effektvolle Bühnendesigns während der Fashion Week in Paris waren etwa bei Rick Owens, Viktor & Rolf, Manish Arora oder Chanel zu sehen. Owens setzte dabei auf die eher auf Technik und beeindruckte mit einer optischen Lichtillusion, die die Models in weißen Entwürfen mehr oder weniger auf und vom Laufsteg beamt.
Viktor & Rolf bekam Unterstützung vom Musikduo Brigitte. Die beiden Frauen thronten auf meterhoch installierten Röcken unter denen die Models, wie unter einer Brücke, den Catwalk betraten. Bei Manish Arora mussten die Models fast schauspielerisches Talent beweisen und verliessen einzeln die auf der Bühne errichteten Kaffeetischchen.
Karl Lagerfeld beeindruckte ein weiteres Mal mit einem imposantem Aufbau bei Chanel. Nach dem Heuschuppen oder einer Eiswelt waren in dieser Saison riff- und korallenartige Gebilde in Weiß, dem Thema der Kollektion entsprechend, Ausdruck des Konzepts.
Mit Applaus wurde das Ringelspiel bei Louis Vuitton begrüßt. Das weiße Karussell war verspieltes und passendes Arrangement zur Präsentation der zarten, pastellfarbenen Kreationen.

Viktor & Rolf

Manish Arora

Chanel

Louis Vuitton

Mit dem am 05.05. gelaunchten Cinema Spot Discover Your Light nimmt uns Swarovski mit auf eine magische Reise voll mythischer Kraft. In dieser 3-minütigen Traumsequenz erfühlt eine Frau ihre Vergangenheit, sie begibt sich in die Unterwelt steampunk-artiger Romantik, um sich sehnsuchtsvoll im Hier und Jetzt wiederzufinden.

Der in der Türkei gedrehte Spot verweist gleichzeitig auf die lange Familientradition des Unternehmens, das die Modewelt so lange begleitet hat. Das Thema Kristall wird aufgegriffen und organisch umgesetzt, so wie der historische Bezug auf die kreative Geschichte von Swarovski.

The Making of “Discover Your Light”

Gewinnen Sie einen von 10 klassischen Nirvana Ringen im Swarovski Wettbewerb Berlin. Besuchen Sie eine unserer Boutiquen, und finden Sie das Geheimnis, das sich in den 93 Facetten des Ringes befindet.
Der Wettbewerb geht bis zum 04.06.2011.

Wenn es einen Fashion Item gibt, dem Männer seit Jahren online ihren Respekt zollen, dann ist es, wie die Menge der entsprechenden Blogs zeigt, der Sneaker. Jetzt hat sich der Sportkette Foot Locker des Themas angenommen, und will das weltweit grösste Archiv für Sneakers entwickeln.
Als Sneakerpedia geht die Plattform am 17.05. in New York City offiziell an den Start.

Sneakerpedia ist ganz im Sinne des Crowdsourcing als Community-/Fanprojekt konzipiert, d.h. dass Sneaker-Aficionados ihre Schuhe selbst uploaden können, und ihre persönliche Geschichte dazu schreiben können.
Sicherlich ein anspruchsvolles Projekt, die Zeit wird zeigen, ob die konzerngesponsorte Plattform von genug Nutzern angenommen wird, und wie sich die Charakteristika von user generated content darauf auswirken werden: Nutzer könnten gleiche Modelle unter -etwas- anderem Namen einspeisen, und es stellt sich die Frage, ob mehr oder weniger angestrebte Vollständigkeit allein durch User erreicht werden kann, oder nicht doch mit Sneakerproduzenten kooperiert werden sollte.
“Das größte virtuelle Sneaker-Archiv aller Zeiten” könnte Sneakerpedia aber werden.

Sneakerpedia Home
www.facebook.com/Sneakerpedia

Emilie Meldem ist Schweizerin und beschäftigte sich in ihrer Kollektion mit den Gegensätzen ihres Heimatlandes. Als ein Staat zwischen Moderne und Tradition, zwischen Tracht und Avantgarde, zwischen Skisport und Alpenromantik, bietet die Schweiz jede Menge kreative Anknüpfungspunkte.
So entstanden Kreationen aus Holz, Leder und funktionellen Stoffen.

Die Kreationen von L©a Peckre, Gewinnerin des Jurypreises des Festivals von Hyères 2011, verbinden Gegensätze wie Licht und Schatten, Trauer und Hoffnung, man könnte sogar sagen, Leben und Tod. Denn wie die ihr zugrunde liegende Inspiration Friedhöfe, ist die Kollektion Cemeteries are fields of flowers“ von einer gewissen ernsten Romantik geprägt.

Die Models, gestylt wie Nonnen, trugen klare, strikte Silhouetten, die dann mit verspielten Details, großzügigen Paillettenmustern und ausgefallenen Volumina aufgebrochen wurden, wie die Natur, die Beton aufbricht – oder eben Blumen, die auf Friedhöfen wachsen.

Wenn Kleider Backstage von den Models und Anziehhilfen achtlos auf den Boden geworfen werden, so ist das für die meisten Designer ein Ärgernis. Nicht so für C©line M©teil. Die Gewinnerin des Publikumspreises und des Prix Première Vision ließ sich von ihren Backstage Erfahrungen bei Galliano und Balenciaga dazu inspirieren, Kleider zu entwickeln, die sich beinahe von selbst zusammenfalten.

Die dänische Designerin Stine Goya präsentiert ihre nunmehr zweite Kollaboration mit Weekday, die Frauenkollektion ist ab dem 21.04.2011 in allen deutschen Weekday Stores zu kaufen.

Frans Prins konnte mit Summer Rayne Oakes eine hochkarätige Repräsentantin der grünen Szene für die Eco-Messe thekey.to (19. – 21. Januar 2011) auf der Berlin Fashion Week gewinnen. Die 26-jährige Amerikanerin arbeitet unter anderem als (erstes) “Eco-Model”, als Beraterin grüner Unternehmen und Projekte, als Autorin, Referentin oder Botschafterin der Nachhaltigkeit und Ökologie. Während thekey.to leitete sie einen Workshop.
Im Interview spricht sie über ihre Ambitionen, der Leidenschaft zur Natur, ihre Wertvorstellungen und die Gründe für ihr Modeengagement.

Am gestrigen Abend eröffnete in erwartet pompösen Stile die Ausstellung RECOLLECTION QUARTETT in der Malwerkstatt des ehemaligen Bühnenservice der Deutschen Oper.
Parallel zum Fashion Week Spektakel am Bebelplatz zeigt der Hauptsponsor Mercedes-Benz dort in Kooperation mit dem ModeMuseum Antwerpen eine mögliche Symbiose von Mode und Automobil, um genauer zu sein: Es wurden vier, junge, international erfolgreiche Designer geladen, sich mit den Klassikern des Hauses zu befassen.

Kuratorisch unterstützt wurden sie dabei vom belgischen Künstler, Art Director und Modefotografen Frederik Heyman. Sein Ausstellungskonzept sah vor, die Geschichte und das Image eines jeden Modells künstlerisch mit dem jeweiligen Designkonzept zu verweben. Ergebnis sind vier höchst unterschiedliche Installationen mit deutlicher Handschrift:

Der Bernhard Willhelm-Inszenierung dient ein SL-Roadster als Grundlage für eine gewohnt poppige Darbietung. Zwei sonnenbebrillte, durchtrainierte Surfer-Boys in knappem avantgardistischen Lycra-Strandoutfit hängen an der Wasserskileine einer den Wellen entsteigenden Venus. Eine Hommage an den klassischen Playboy der 70er Jahre, der mit aufgeknöpftem Hemd seine behaarte Brust und sein Goldkettchen am sonnigen Strand Kaliforniens zur Schau trug und das am liebsten am Steuer eines SL-Roadster, so jedenfalls erlangte dieser seine Popularität als Fuhrwerk des American Way of Life.

Bernhard Willhelm

Ein wenig gesetzter geht es in der Installation von Henrik Vibskov zu. Ende der 70er Jahre präsentierte Mercedes Benz das erste T-Modell, den S 123. Das “T” stand dabei für Touristik und Transport, das Nutzerprofil schien damit festgelegt. Den Liebling der Familien und Handwerksmeister bettet Heyman in eine idyllische Picknick-Szenerie mit Vater und Sohn am Lagerfeuer, die um den Stereotyp des robusten Waldarbeiters in neu interpretierter Holzfällerkluft ergänzt wird.

Henrik Vibskov

Die graue Eminenz unter den Youngtimern, dem C 126, der von 1985 – 1991 gebaut wurde, dient Peter Pilotto als Kulisse. Den diskreten Luxus des Mercedes Modells, für den es besonders von Diplomaten und internationalen Wirtschaftsführern geschätzt wurde, konfrontiert der Kurator mit seinen Schattenseiten. Drei Frauen in Kleidern mit 80s Touch agieren im globalen Schachspiel. Ihre Schatten machen deutlich, dass sie gleichzeitig Marionetten des Spiels sind.

Mikio Sakabe

Zuletzt die Installation um Mikio Sakabe: Als Inbegriff des deutschen Dienstwagens gilt bis heute aufgrund ihrer Zuverlässigkeit die so genannte “Strich Acht”-Limousine. Heymann präsentiert den Wagen in einer surrealistischen Kulisse, inspiriert von den Treppen in M.C. Eschers Lithographie “Ascending and Descending”, in der er sich von ihren grauen Uniformen befreiende Sekretärinnen inszeniert.

Peter Pilotto

Mit der Ausstellung möchte sich der Stuttgarter Automobilhersteller einmal mehr als Vermittler zwischen Tradition und Zeitgeist positionieren. Drei Jahrzehnte Designgeschichte treffen auf Avantgardemode.
Kaat Debo, Kuratorin des ModeMuseums Antwerpen dazu: “Die Ausstellung zeigt, dass so manches rückwärtsgewandte Klischee in einem nur geringfügig erneuerten Zusammenhang eine erstaunliche Schärfe und Aktualität zurückgewinnt – und das verbindet sie mit der Mode.

Henrik Vibskov, Mikio Sakabe, Frederik Heyman, Bernhard Willhelm (v.l.)

Denn auch sie aktualisiert sich immer wieder durch die stände Neuinterpretation vergangener Trends und Stilrichtungen.”
Selbst überprüfen kann man das noch bis kommenden Sonntag.

Mahret Kupka

RECOLLECTION QUARTETT bis Sonntag 23.01.2011
Täglich von 12 – 20 Uhr (außer Freitag bis 17 Uhr)
Der Eintritt ist frei
Weitere Informationen: www.recollection-quartett.com

Weitere Events der Fashion Week finden sich im modabot Fashion Week Calendar und mobil unter m.modabot.com.

Dezember ist der Monat der Parties, des Glitzerschmucks und des Glanzes, so kam das 3. Londoner Fashion in Film Festival gerade recht.
Doch ist nicht alles Gold, was glänzt, sondern bisweilen auch schwarzweiß: Frühe Filme aus internationalen kinematographischen Archiven werden noch bis zum 12.12.2010 mit Schwerpunkt auf dem Kostüm als eine Form des filmischen Spektakels gezeigt.

Mit dem Festivaltitel “Birds of Paradise” (”Paradiesvögel”) steht die dramatische Verzierung von Frauen im Vordergrund: sie werden in den Filmen mit Dingen wie Pailletten und Frisierumhängen geschmückt, als ob sie Vögel oder Schmetterlinge wären. Neben dieser Darstellung der mitreißenden, dekadenten Verkleidungen, verspricht das Festival aber auch die Möglichkeit, sich mit dem historischen Wandel der Mode auf spannende Art auseinanderzusetzen.

Es erwarten und erwarteten einen Werke von Regisseuren wie dem Amerikaner Kenneth Anger, Jack Smith, dem ersten “Kinomagier” Georges M©liès, Künstler und Regisseur James Bidgood sowie Michael Curtiz.

Neben exklusiven Filmvorführungen zeigt Fashion in Film Sonderfilme und Installationen von zeitgenössischen Künstlern, Designern, Fotografen, Filmproduzenten, Schauspielern und Musikern. Eine Installation namens “Der Saum: die bewegende Filmleinwand” wurde für das Somerset House (Sitz der London Fashion Week) vom preisgekrönten Jason Bruges Studio organisiert. Das Kunstwerk ehrt belle epoque Tänzerin Loïe Fuller, deren hoch einflussreiche Aufführungen den Geist des Festes verkörpern.

Zusätzlich wird an 12 Londoner Orten das sogenannte “Kinoscope Parlour”, eine von Thomas A. Edisons und W.K.L Dicksons Kinetoskop inspirierte und nutzbare Installation ausgestellt, die von Mark Garside konzipiert wurde.
Der Filmapparat, der in der Vergangenheit oft in Salons zur Anwendung kam, und dem Publikum die ersten Kinoerlebnisse verschaffte, zeigt – genauso wie damals – kurze Filme von u.a. den Lumière Brüdern, Thomas Edison, Gaston Velle, Segundo de Chomón, J.H. Paul, Ferdinand Zecca und Alice Guy-Blach©.

Mitbegründerin, Direktorin und Kuratorin des Festivals ist Marketa Uhlirova, eine Forschungsstipendiatin in Geschichte und Theorie der Mode im Central Saint Martins College, wo sie auch Dozentin ist.
Sie ist auch Herausgeberin vieler Bücher, z.B. If Looks Could Kill: Cinema’s Images of Fashion, Crime and Violence.
Uhlirova veröffentlicht demnächst ein weiteres Buch: Birds of Paradise: Costume as a Cinematic Spectacle. Das im Frühjahr 2011 erscheinende illustrierte Buch wird von Wallflower Press herausgegeben und wird Beiträge von u.a. Catherine Hindson, Jody Sperling, Giovanni Lista, Jos© Teunissen, Sumiko Higashi, Lucy Fischer und Ryan Powell enthalten.
Essays aus schon erhältlichen Büchern, die jedes Jahr herausgegeben werden, untersuchen kritisch unsere Beziehung zur Mode und können online gelesen werden.

Das Festival hat eine breite Anziehungskraft: es wird Film- Vintage-, und Geschichtsfans ansprechen, die Mode der Filme bietet Inspiration für Fashionistas. Stylings der Filme erinnern bisweilen an die Ästhetik, die man in der Street Fashion Photography sieht: ein eklektisches “Kuddelmuddel” moderner und altmodischer Gewänder. Des Weiteren ist es erhellend und informativ, die Einstellungen in Bezug auf Mode zu beobachten.

modabot stellte der Fashion in Film Gründerin Marketa Uhlirova einige Fragen zum Festival:

Warum haben Sie “Fashion in Film” begonnen?
Zu Beginn war es nicht in dieser Form geplant, es war bescheidener. Dann entschieden wir, dass wir es ein Festival nennen sollten und es musste seinem Namen gerecht werden!
Wir wollten einfach einige Fragen darüber stellen, wie Mode und Film koexistieren und welche Spannungen es gibt.

Ist es Ihnen leicht gefallen, Unterstützung von kulturellen Institutionen wie dem BFI (British Film Institute), Barbican und Somerset House zu bekommen?
Nein, abgesehen von The Horse Hospital, wo das FiF sozusagen begann. Im ersten Jahr war es das ICA und das Kino Lumiere des französischen Instituts, die wirklich bereitwillig am Festival teilnahmen.
Das BFI ist ziemlich vorsichtig mit der Partnerschaft gewesen und ist es noch. Aber man erhält erstaunliche Unterstützung, wenn es sich einmal entschieden hat.

Wie sehen Sie die weitere Entwicklung des FiF?
Ich bin nicht sicher. Es ist seltsam zu sehen, wie aus Nichts Etwas entsteht. Es ist auch seltsam zu sehen, wie das eigene Werk gewissermaßen institutionalisiert wird! Ich habe immer gedacht, ich würde gerne 10 Jahre das Festival ausrichten und dann aufhören. Aber jetzt bin ich mir nicht sicher, dass wir so weit kommen werden. Es ist momentan eine unglaublich schwierige Zeit, was Kunstfinanzierung angeht. Wie die Mehrheit der Kunstorganisationen in Großbritannien kann ich sagen, dass ich darüber besorgt bin.
Was mir am meisten Sorge macht, ist, dass die Trägerschaften (und es gibt nicht viele) der Branche nicht zuzutrauen scheinen, mit etwas Wichtigem oder Wertvollem aufzuwarten. Sie glauben, sie haben nichts von unserer Branche zu lernen.

Wieso haben Sie dieses Jahr das Fest “Die Paradiesvögel” genannt?
Ich wollte es “Der Pfau-Effekt” nennen, aber ein Freund redete es mir aus, weil, wie er zu Recht hervorhob, dieser Titel Herrenbekleidung nahelegt. Ich befasste mich aber hauptsächlich mit Frauenbekleidung. Der Pfau hat eine zutiefst zwiespältige Ikonografie und die Öffnung des Schweifes signalisiert gleichzeitig einen Akt der Anziehung und einen Akt der Abschreckung. Der Schweif ist sozusagen eine Leinwand und zugleich eine Waffe.
Ich denke, dass die weibliche Geckenhaftigkeit noch interessanter ist, wenn sie durch die Linse der männlichen Geckenhaftigkeit gesehen wird.
Trotzdem, viele der Filme zeigen Männer, die in aufwendiger Verkleidung paradieren, was sich auf weiblichen Glamour (Hollywood oder Theater) bezieht;
Das könnte auch irgendwie als umgekehrtes Drag, als Maskerade angesehen werden: Frauen verkleiden sich als FRAUEN.

Wenn Sie nur einen Film empfehlen könnten, welcher wäre es und wieso?
Ich denke, es wäre ein enges Rennen zwischen Kenneth Anger und Jack Smith. Beide sind atemberaubend. Beide sind besessen von Kostümen. Sie sind aber grundlegend verschiedene Regisseure und Menschen. “Flaming Creatures” und Inauguration of the Pleasure Dome haben mich immer beschäftigt. Aber Moment… die größte Überraschung im ganzen Rechercheprozess war das Kennenlernen des Films von Steven Arnold. Stuart Comer von Tate machte mich darauf aufmerksam. Stuart ist einer der Mitkuratoren von Tate. Wir sind auf der selben Wellenlänge, es war wunderschön diesen Dialog zu haben.

Vielen Dank

www.fashioninfilm.com

Katie Rose

Als wäre es nicht genug, dass Nick Knight einer der bedeutendsten Modefotografen ist, ist er ausserdem der Gründer von SHOWstudio.com, das als Kreativplattform die Möglichkeiten der digitalen Vermittlung von Mode auslotet.
Zum nun 10-jährigen Jubiläum von SHOWstudio hat sich der Blogger Imran Amed mit Knight über dessen künstlerische Entwicklung und seine Rolle als Modemedienpionier unterhalten.

Interessanterweise war es nicht einmal für den renommierten und etablierten Knight einfach, dieses Projekt zum Erfolg zu führen: gegenüber der offenen Plattform, die auch Backstage-Einblicke des kreativen Prozesses erlaubte, waren viele Kooperationspartner aus der Modeszene skeptisch eingestellt, letztendlich waren die permanenten kleinen Siege des Internet über “Exklusivität” und “Elitarismus” zu zahlreich, als dass man sich für immer einer neuen und offeneren Selbstpräsentation hätte verschliessen können.
Dafür gebührt Nick Knight als Künstler und Medienvisionär Respekt.

via The Business of Fashion

siehe auch
Imran Amed im Gespräch mit modabot

Das Genre Modefilm hat in der jüngeren Vergangenheit immer mehr Fahrt aufgenommen, nicht zuletzt wegen der starken Vereinfachung der Produktion und des Konsums im Internet.
Seien es kleinere Labels, Modekonzerne, Filmwettbewerbe wie der German Fashion Film Award, oder Versuchslabore wie Nick Knight ́s SHOWstudio, Modefilm erfreut sich zunehmender Beliebtheit, und wird in Zukunft sicherlich eine substantielle Rolle in der Vermittlung von Mode spielen.

Angesichts dieser Entwicklung ist es letztendlich nur eine Frage der Zeit gewesen, bis die enstsprechende “Bloglücke” geschlossen wurde: im August 2010 startete der in Hamburg ansässige Regisseur Cristian Straub das Blog ravished by illusions, das sich hauptsächlich mit diesem Genre beschäftigen wird.

Dabei erkennt Straub, der vor kurzem die AW 2010/11 Kollektion von Anna Fuchs visualisierte, die Schwierigkeit der Genredefinition, und sieht ravished by illusions als ein “Kompendium” sowie als Ort der Diskussion, dessen Format und Wert sich mit der Zeit entwickeln wird.