Das Designerduo Viktor & Rolf eröffnete vergangenen Monat seinen Flagship Store, und damit die erste Boutique in Frankreich – in Paris. Mit der luxuriösen Adresse 370, rue Saint-Honoré hat man sich bei den Holländern in Sachen Positionierung nicht lumpen lassen und auch die Innenarchitektur überzeugt: komplett in Filz ausgekleidet bewiesen die beiden, zusammen mit den Innenarchitekten Pierre Beucler und Jean-Christophe Poggioli (Architecture & Associés) wieder einmal ihr Querdenkertum und Nähe zur Kunst.

Auf 350qm und zwei Stockwerken bieten die Ausnahmedesigner ihre Herren- und Damenkollektionen sowie Accessoires zum Verkauf an. Hinter dem Einzug in das Prestige-Objekt und der ehrgeizigen Expansion steht Staff International, ein seit Oktober 2000 zu Renzo Rossos Only The Brave Gruppe gehörendes Produktions-, Distributions- und Lizenzunternehmen, welches unter anderem Viktor & Rolf, Maison Martin Margiela und Marc Jacobs Men unter seinem Gürtel vereint.

Fotos: Luc Boegly

Wien, genauer gesagt das Studium an der Universität für angewandte Kunst, führte das Designduo Filip Fiska und Agnes Schorrer zusammen. Der in Österreich geborene Filip Fiska lernte sein Handwerk bei Jean-Charles de Castelbajac, Viktor & Rolf und Raf Simons, während die aus Tübingen stammende Kommilitonin bei Helmut Lang, Marc Bohan und ebenfalls Castelbajac in die Lehre ging. Die Kollektionen, die das Gespann unter dem Namen Hartmann Nordenholz seit dem Winter 2000 auf die Beine stellt, lassen daher eine klare Entwicklung zum Minimalistischen erkennen.  

Für Herbst Winter 2013 entschied man sich zu monochromen Tönen in Schwarz, Weiß und Grau, mit kleinen Farbtupfern und geometrischen Linien – der passende Titel zur Winterkollektion: „Somber“.
Im kommenden Frühling steht die Kollektion unter dem Einfluss der „Poveri Flori“, einer Arie aus der Oper Adriana Lecouvreur. Mit dieser Kollektion wird man etwas wagemutiger was die Farben anbelangt, man steigert sich gar bis hin zum floralen Musterprint.
Beide Kollektionen sind überaus ansprechend und beweisen das handwerkliche und konzeptionelle Können der beiden Modemacher, die ihr Label übrigens nach den Mädchennamen ihrer Großmütter benannten und ausschließlich in Europa fertigen lassen.

In einem am Montag erschienen Interview mit Fashionista übte Suzy Menkes, ihres Zeichens Modekritikerin ersten Ranges, Kritik am momentanen Zustand der Pariser Haute Couture: „Haute couture in Paris used to be my favourite – in the days of John Galliano at Dior and the great Saint Laurent shows. Now there is not much couture left“, sagte sie auf die Frage hin, welche Modewoche sie am liebsten möge. Und tatsächlich, besonders viel wirklich „Hohes“ lässt sich derzeit nicht finden auf den Laufstegen der Haute Couture.
Dabei ist Haute Couture längst keine Verkaufsveranstaltung mehr, sondern ein kostenintensives Imagetool der großen Modehäuser, in der ein Feeling, ein Konzept verkauft werden soll, für das die Marke steht, aber auch ein Barometer für den Stand der Kultur, die Megatrends der Gesellschaft, die Grenzen der Kunst.
Wieso also toben sich die – oft jungen – Designer in diesem „Labor der Ideen“ nicht aus; zeigen was sie können, welche Fragen sie umtreiben?

Die alteingesessenen Häuser wie Chanel, Armani, Valentino, Dior „unterraschen“ mit Vielgesehenem. Karl Lagerfeld präsentiert Saison für Saison scheinbar denselben Klassiker genannten Mix aus den Chanel-Insignien Goldkette, Bouclékostüm und Kamelie; selbst Raf Simons, vermeintliche Design-Wunderwaffe, bringt weder modernen Glamour noch aufs Wesentliche destillierten Minimalismus ins Couture-Treiben, sondern enttäuscht mit einem faden Kompromiss beider.
Und Maison Martin Margiela, lange Zeit Leitwolf unter den Créateuren, hat sein Aus-Alt-Mach-Neu-Kontingent langsam erschöpft. Valli und Mabille hielten sich an hübsche Kleidchen, zweifelsohne aufwändig verarbeitet, aber eben auch ein wenig einfallslos.

Alexis Mabille Haute Couture A/W13

Ein paar angenehme Ausnahmen, insbesondere unter den jungen Kreativen, gibt es natürlich. Da wäre Yiquing Yin, die Hyères-Finalistin 2010, die mit Materialien experimentiert, oder Viktor & Rolf, die ein Couture-Comeback in Schwarz feierten, im Zen des Hier und Jetzt, oder Ulyana Sergeenko, deren russischer Blickwinkel eine andere Art der Femininität vertritt.
Letzten Endes ist aber niemand der hier Aufgezählten besonders radikal oder herausragend, was das Konzeptuelle angeht, das Boundary-Pushing, das Eröffnen neuer Horizonte. Genau dafür aber eignet sich die Haute Couture doch eigentlich so gut, losgelöst von Verkaufszahlendiktat, Einkaufspreisen und Margen.

Diejenige, die das Motto der Hohen Mode alleinig noch zu verstehen scheint, ist Iris van Herpen, die mit dem Einsatz neuer Technologien überzeugt und verblüfft, mit Silhouetten und Materialien spielt, und an deren Haute Couture sich ablesen lässt, wo die Menschheit ihre „Frontiers“ hat.
Nachdem sie sich in der vergangenen Saison mit der Elektrizität des menschlichen Körpers auseinandersetzte, widmete Herpen sich diesmal den Naturgewalten.
Unter dem Titel „Wilderness Embodied“ kundschaftete sie, zusammen mit führenden Wissenschaftlern und Künstlern, die Wunder der Natur aus.
Dabei entstanden magnetisch gewachsene Kleider (mit Jolan van der Wiel), 3D-Print-Kleider (zusammen mit Isaie Bloch), und surreal anmutende Schuhe (im Kollaboration mit Rem D. Koolhaas von United Nude und Stratasys).
Die Schaffenskraft der Niederländerin scheint keine Grenzen zu kennen – und dass ihnen eine Holländerin in Sachen Couture etwas vormacht, das sollten die Franzosen nicht auf sich sitzen lassen.
Die Bühne wäre frei für mehr von dieser Art.

Am Mittwoch befand der oberste Gerichtshof der USA den „Defense of Marriage Act“ für rechtswidrig, und verbietet damit die Diskriminierung von homosexullen Lebenspartnerschaften.
In New York wird eine weitere Errungenschaft in der Geschichte der LGBT-Bewegung gewürdigt: Das Museum des Fashion Institute of Technology widmet ab dem 13. September 2013 dem Einfluss homosexueller Modedesigner auf die Mode eine Ausstellung mit dem Titel ”A Queer History of Fashion”.

Damit will das Museum auf zwei Dinge aufmerksam machen: Erstens, viele der größten Modedesigner des vergangenen Jahrhunderts, seien es Yves Saint Laurent oder Alexander McQueen waren homosexuell, und Zweitens, die breite Masse geht davon aus, dass ein Mann, der in der Mode arbeitet, schwul ist.
Die Ausstellung wirft damit viele interessante Fragen auf. Haben schwule Männer ein Mode-Gen? Oder ist es nur ein Vorurteil, dass man bei einem Mann, der in der Mode arbeitet, davon ausgehen kann, dass er schwul sei?

Es gibt einige Erklärungsansätze für den Schwulen-Überschuss der Modebranche, aber keiner gibt wirklich eine zufriedenstellende Antwort. Viele Meinungen zielen auf die schwule Szene ab: in dieser hat das Äussere einen hohen Stellenwert.
Der Schönheitskanon, speziell homosexueller Männer, verlangt seinen Mitgliedern einen gewissen Standard ab. Der Körper muss schön sein, der Versuch, so lange wie möglich jung zu wirken ist geschuldet, und ein modisches Auftreten ist Pflicht.
Diese Punkte entscheiden über Aufmerksamkeit und Partnerwahl. Natürlich spielt Mode hier eine Hauptrolle, und „Mann“ beschäftigt sich sozusagen gezwungenermaßen damit.

Doch, sich mit Mode zu befassen, mag eine Sensibilität auslösen, aber sicherlich kein Können. Woher kommt also das vermeintlich geballte Talent schwuler Modemacher, Fotografen, Redakteure und generell Akteure im Moderaum?

Glaubt man Floriane de Saint Pierre, Frankreichs bekanntester Headhunterin, waren in den Neunzigern fast alle führenden kreativen Köpfe in der Modebranche Männer.
Sie stellte weiter in einem Interview fest, dass Tara Subkoffs Leitspruch, die Modewelt sei eine „gay man’s profession“, nicht unwahr ist.
Subkoff, die Designerin von Imitation, hatte zuvor Anna Wintour kritisiert und behauptet, dass diese nur schwule Männer unterstütze, ferner, dass man in der Modewelt kaum eine Chance habe, wenn man kein schwuler Mann sei.
Anna Wintour erwiderte nur, dass sie nach Sensibilität und Ästhetik suche – wenn sich diese bei einem schwulen Mann fände, läge es eher an der Person und nicht an deren sexueller Orientierung.

Gender-Theoretikerin Judith Butler fährt in der Hinsicht eine ganz andere Schiene. Sie behauptet, dass die Mode ein Ausdruck der Persönlichkeit sei und sie das Werden und das Sein eines Menschens darstellt. Dass so viele Homosexuelle in der Mode arbeiten, erkläre sich folgerichtig damit, dass diese einem ständig die Möglichkeit gibt, etwas anderes, oder zumindest ein optimierteres Selbst zu werden.
Die „Performativität“ von Gender, laut Butler ein gesellschaftliches Konstrukt, würde sich dann an der Mode besonders manifestieren, potenziell eine Angriffsfläche der gesellschaftlichen Intervention bieten.

Wenn man diesen Gedanken weiter verfolgt, wären homosexuelle Männer auch deshalb in der Mode, weil diese die Möglichkeit bietet, ihre prekäre Situation ideologisch sichtbar zu machen.
Die Mode wäre dann ein Abbild des inneren Spannungsverhältnisses zwischen Konformität und Abgrenzung, ein selbst gewähltes Schlachtfeld gegen gesellschaftliche Normen und heteronormative Machtstrukturen.
Für diese These spricht, dass Schwule und Lesben Mode derart unterschiedlich nutzen. Konventionelle Rollen – Frauen, als das schöne Geschlecht zu fungieren haben, sich herausputzen, und Männer, die sich in Sachen Kleidung gesittet zurückhalten – werden im homosexuellen Bereich oft umgedreht, selbst wenn man Transvestitismus außen vor lässt.

Viele Psychologen gehen bei diesem Thema auch von (Über-)Kompensation aus. Da die Gesellschaft die Homosexualität lange nicht akzeptiert(e), versuchen sich Homosexuelle positiv zu profileren, indem sie Erfolg haben oder etwas Großes schaffen.
Dies, so die Theoretiker, führe auch dazu, dass man in den Branchen, in denen es viele Homosexuelle gäbe, vielmals nach Superlativen strebe.
Und die Mode giert nun mal nach Superlativen.

Welche dieser Theorien nun tatsächlich zutreffend sind, oder überhaupt einen Anhaltspunkt geben, wieso Schwule sich gerne in der Mode tummeln – und Lesben eher seltener – sei dahingestellt.
Eines kann man aber mich Sicherheit sagen: Den Homosexuellen verdankt die Mode ihr Gesicht.

Wir schulden die zeitgenössige Kostüm- und Modegeschichte zum großen Teil einer handvoll schwuler Männer. Man nehme nur Christian Dior, der es schaffte, in den Fünfzigern der Frau eine (überzeichnete) Weiblichkeit wieder zu geben, nachdem sie diese zuvor in den Dienst des Vaterlandes gestellt hatte.
Oder Karl Lagerfeld, der das Traditionshaus Chanel rettete und die Pariser Mode revolutionierte, indem er mehr auf das Branding setzte als auf die tatsächlichen Designs.

Ein berühmtes Beispiel auch der verstorbene Yves Saint Laurent, der Frauen den Anzug schenkte, und mit diesem prometheischen Akt Wegbereiter für die Bürokleidung wurde, die in den Neunzigern ihre Apotheose feierte.

Jean-Paul Gaultier machte die Kostüme für Madonna, führte den Matrosen auf den Laufsteg – eine der Fetischgestalten der Szene – brach weiter mit den Konventionen der Heteronormativität indem er die Schnitte für den Mann femininer machte und vice versa.

Seien es Dries van Noten, Zac Posen, Viktor & Rolf oder das Duo hinter Dolce & Gabbana, die Homosexuellen haben einen immensen Beitrag zur Mode geleistet.
Mit ihr haben sie tatsächlich indirekt die Homophobie bekämpft, worüber sich die Post-Stonewall-Generation oft nicht bewusst ist, sowie Homosexualität in der Gegewartskultur publik, gegenwärtig und akzeptabel gemacht.

Wichtig ist aber auch stets im Hinterkopf zu behalten, dass die sexuelle Orientierung einer Person bei weitem nicht ihr Können oder ihr Wesen zusammenfasst, und dass die eigenen Klischees immer wieder einmal einem Reality-Check unterzogen werden sollten.
Mode ist besonders wegen ihrer Offenheit gegenüber Neuem und ihrer Begeisterung für Außergewöhnliches und Andersartiges eine wichtige Festung in der LGBT-Bewegung geworden.
Die Ausstellung im FIT ist somit ein großer Moment für beide, sowie für Toleranz, Akzeptanz und Menschlichkeit.

HIER kann man die Ausstellung finanziell unterstützen.

Mit dem Neuerwerb von Nicola Formichetti als Creative Director bei Diesel hat Renzo Rosso einen weiteren Schritt in Richtung Global Fashion Player getan.
So unglaublich sein bisheriger Lebensweg – vom Bauersjungen über Jeans-Genie zum international bekannten Modeunternehmer – so vielversprechend ist derzeit die Zukunft der Only The Best Group (OTB), die er scheinbar nebenher aufgebaut hat.
Eine Hoffnung für die kränkelnde italienische Modebranche und ein mögliches Gegengewicht zu LVMH und Kering (früher PPR)?

Als Sohn eines Bauern in Norditalien entschied sich Renzo Rosso zum Studium der Textilherstellung am Marconi Technical Institute in Padua, und damit bewusst gegen den Lebensweg seines Vaters, der später lange Zeit kritisch gegenüber der Berufswahl seines Sohnes blieb.
Anschließend studierte Rosso Wirtschaft an der Universität Venedig, brach das Studium jedoch ab, um bei Moltex, einer Tochterfirma der von Adriano Goldschmied geführten Genius Group, als Production Manager zu arbeiten. Goldschmied sollte später Rossos Mentor und Geschäftspartner bei Diesel werden, während Rosso im Gegenzug Aktionär bei der Genius Group wurde.
Man einigte sich für die gemeinsame Jeansmarke auf den Namen Diesel, weil Diesel damals, 1978, als alternativer Treibstoff und als ein Ausweg aus der Ölkrise gesehen wurde. 1985 folgte der Befreiungsschlag, Rosso tauschte seine Genius-Aktien gegen die Anteile Goldschmieds an Diesel.

Durch geschicktes Marketing, provokante Werbung und Kampagnen, sowie werbewirksame Kollaborationen unter anderem mit Adidas, Karl Lagerfeld oder Graffiti-Künstler Stephen Sprouse und einem aggressiven Expansionskurs, stieg Diesel in den 1990ern und frühen 2000ern zu einer führenden internationalen Marke auf.
Bereits währenddessen begann Rosso, finanziell schwache Unternehmen, deren Potenzial er erkannte, zu akquirieren. 2000 erwarb er Staff International, ein italienisches Unternehmen, das unter anderem unter Lizenz Vivenne Westwood, DSquared und Viktor & Rolf produzierte, 2002 folgte die Aktienmehrheit bei Maison Martin Margiela, 2008 Viktor & Rolf. Im selben Jahr gründete er die OTB Holding, zu der seit vergangenem Jahr auch Marni gehört.
Laut Forbes hat Renzo Rosso einen Net Worth von 3 Milliarden Dollar, eine Summe, die ihn zum zehntreichsten Italiener macht.
Eine Bilderbuchkarriere.

Wo geht es nun hin für Herrn Rosso? In Interviews wird er gerne mit Bernard Arnault und François Pinault verglichen, wogegen er sich – wenn auch nicht besonders energisch – wehrt. So sagte er der italienischen Corriere della Sera, er habe „great respect for luxury, a sector that is doing very well, but it is too conservative. My dream, however, is to be a meeting point for the brands of new generations, who will be future leaders.“ Außerdem wolle strebe er nach einem „demokratischeren“ Konglomerat. Diese Art Seitenhiebe verteilt er übrigens gerne in seinen Interviews und zeigt so, dass eine Vereinungung von Modeunternehmen unter einer gemeinsamen Schirmorganisation nicht von feindlichen Übernahmen geprägt sein muss, eine Strategie für die vor allem Arnault bekannt ist, noch den einzelnen Firmen ihre DNA nehmen muss. So erklärte er gegenüber WWD, er gebe den Labels und Designern “total independence is a must to make this work. Margiela has remained in Paris and Viktor & Rolf in Amsterdam.” Man wolle die Marken nicht vermengen, dies seien Fehler, die „andere in der Vergangenheit gemacht“ hätten und die OTB nicht zu wiederholen wünsche.

Bewusste Abgrenzung also gegen die Superkonglomerate der Franzosen. Dennoch macht die Formierung eines Konglomerats Sinn. Die durch den Zusammenschluss entstehenden Synergien bringen Vorteile, welche allein stehende Unternehmen nicht durchsetzen können. Durch die Bündelung von Power wird vor beispielweise Platzierung ein kontrollierbarer Faktor: Werbeplatzierung in Magazinen, aber auch Shopplatzierung in Malls sind solche Vorzüge. Auch mit seinem Engagement für Talent Scouting, zum Beispiel durch seine Plattform International Talent Support (ITS) ist Renzo Rosso Wegbereiter für junge Designtalente, keine Mangelware in Italien, wenn sie denn auf Förderung stoßen, wie er nicht müde wird, zu betonen.

Wird Renzo Rosso nun also der selbst Wein und Oliven produzierende Gutmensch der Modekonglomerate, der freundliche Mentor für kränkelnde Modeunternehmen und junge Designtalente, insbesondere, aber nicht nur, der italienischen Mode? Vielleicht ist es genau das, was die italienische Mode braucht, nachdem die Gucci Group sich 1999 in die strategische Partnerschaft mit PPR retten musste, um nicht von LVMH überrannt zu werden, und Prada ihr eigenes Süppchen zu kochen scheint.
Wie dem auch sei, vielleicht ist das eigene Konglomerat die logische Evolution einer Modenation. Nach dem zu urteilen, was es über Rosso zu lesen gibt – sechsfacher Vater, Familienmensch, Teamplayer – nicht der schlechteste Repräsentant für die Moda Italiana.

Das Duo Viktor Horsting und Rolf Snoeren präsentierte ein dramatisches Schwarz Weiß Set, kreiert vom Produktionshaus Bureau Betak, schickte eine mit Schleifen und Rüschen dekorierte Kollektion auf dem Laufsteg.
Bei den opulenten Übertreibungen hat sich Viktor & Rolf zurückgenommen, und zeigte in den Designs eine skulpturale Zurückhaltung. Mit verspielten Elementen wurden kompakte, sowie saubere Schnitte präsentiert, die teils vorsätzliche Risse, Löcher und weitere schräge Macken zu bieten hatten.

Winde Rienstra bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Winde Rienstra
Winde Rienstra schwebt in konzeptuell- architektonischen Höhen mit ihren Designs. Ihr kreativer Einsatz von Holz, Strick, Leder und modefremden Materialien macht sie zu einem absoluten, wenn auch kantigen, Darling der Amsterdamer Modeszene.

Winde Rienstra bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Claes Iversen
Claes Iversen begann nach fünf Jahren im Finanzsektor 2002 sein Studium an der Royal Academy of Arts The Hague. Seitdem begeistert er mit Kollektionen, die irgendwo zwischen Haute Couture, Konzeptuellem und Kleidung verortbar sind.
Auch zur Amsterdam Fashion Week überzeugte er wieder mit seinem Mini-Max-Prinzip: Minimalistisches Design mit maximalem Effekt.

Claes Iversen bei der Amsterdam Fashion Week, Herbst/Winter 13/14. 

Marga Weimans
Marga Weimans gradierte von der renommierten Antwerp Royal Academy of Fine Arts und startete 2006 ihr eigenes Label. Klare Einflüsse aus der Architektur verleihen ihren Entwürfen eine räumliche Tiefe, die ihr bereits den i-D Award 2005, sowie zwei Spots bei den Haute Couture Schauen in Paris einbrachte.

Marga Weimans bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Studio Jux
Ja, Amsterdam kann auch tragbar. Nach dem Trio der Konzepter oben (Rienstra, Iversen, Weimans), überraschen Studio Jux, die auch auf der Berlin Fashion Week zugegen waren, mit skandinavischer Klarheit und grobem Kuschel-Strick.
Die Kontraste zwischen rau und zart, roh und fein sind gelungen und sorgen für die nötige Spannung.

Studio Jux bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Cold Method
Auch für die Männer ist etwas geboten: das Label Cold Method zeigte einfallsreiche Herrenmode für den urbanen Dandy. Der Designer hinter Cold Method ist Dieter de Cock, geboren 1978 in Belgien.
Bevor er Cold Method gründete, sammelte er Erfahrungen bei Stephan Schneider und Viktor & Rolf, die leichte Ironie scheint er von dort mitgebracht zu haben. Seine Entwürfe manövrieren geschickt an der Grenze von klassischem Anzug und bad taste.

Studio Jux bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Melissa Siegrist
Melissa Siegrist schloss erst 2010 ihre Ausbildung am Arnhem Institute of Fine Arts ab, zuvor hatte sie Architektur begonnen, doch sich umentschieden. Auch sie sammelte Erfahrungen bei Viktor & Rolf, sowie bei Three as Four in New York. Ihre Kollektion für Herbst/Winter 2013/14 benutzt Denim für Herrensweater, zum Teil kombiniert mit Leder und anderen Materielien.
Die Kollektion wirkt noch ein wenig unentschlossen, aber die Designerin ist One to Watch.

Melissa Siegrist bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Marije de Haan
Marije de Haan ist eine alte Bekannte vom Fashionclash Maastricht, sie graduierte ebenfalls 2010, von der Academy of Fine Arts in Den Haag, und gewann anschließend den G-Star Raw Talent Award. Sie lässt sich von den Grauzonen der Gesellschaft, dem Kriminellen und Zwielichtigen inspirieren, sucht sich surrealistische Inspirationen und bringt so auch mal ein Herrencape mit Hasenohren auf den Laufsteg. Ob dies eine Hommage an  Donnie Darko oder an Alice im Wunderland sein soll bleibt offen, faszinierend scheint die von ihr kreierte Welt allemal.

Marije de Haan bei der Amsterdam Fashion Week Herbst/Winter 13/14

Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations. Ausstellungsimpression.

Mit der Ausstellung Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations knüpft das New Yorker Metropolitan Museum an seine vorhergehenden Modeausstellungen der Superlative an. Nachdem im vergangenen Jahr Alexander McQueen mit einer Retrospektive geehrt wurde, sind nun die beiden einflussreichen Italienerinnen verschiedener Ären an der Reihe, der Mode ihren wohlverdienten Platz als Kunstwerk zuzuweisen.

Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations. Ausstellungsimpression.

Verdunkelte Räume kreieren die beinahe mystische Atmosphäre, die auch die beiden Designerinnen zu umgeben scheint, während ihre Schöpfungen auf Podesten, gesäumt von einem gefährlich guten Spiegelkabinett, ins Rampenlicht gerückt werden. In mehreren Videoprojektionen, gefilmt von Baz Luhrman, unterhalten sich die beiden Titaninnen der Mode in fiktiven Konversation über Stil, ihre Arbeit, Kunst und natürlich Mode selbst.
Die Zitate von Schiaparelli, gespielt von Judy Davis, sind ihrer Biografie Shocking entnommen, während Miuccia Prada den Vorteil hat, ihre Kommentare in eigener Person über den gedeckten Dinnertable werfen zu können. Der Schlagabtausch der beiden lässt keinen Zweifel an Charakterstärke und Überzeugungskraft der beiden Persönlichkeiten, und man fragt sich unwillkürlich, ob die beiden wohl Freundinnen oder, wie Chanel und ‚Schiap‘ zu ihrer Zeit, eher verbitterte Feindinnen geworden wären.

Ausstellungsplakat und Rock mit Lippenstiftprint von Prada

Die Pressepreview der Ausstellung versammelte, wie es dem Metropolitan Museum gebührlich ist, die Spitzen der Modejournalisten: Scott Schuman (The Sartorialist) und Freundin Garance Doré begutachteten die beachtliche Kollektion, während Bill Cunningham, im üblichen blauen Anorak, flink und konzentriert zwischen den Gästen umherknipste – und lediglich beim Verlassen einmal kurz stehen blieb, um Suzy Menkes zu begrüßen.
Am Abend stand dann auch die jährliche Costume Gala an, bei der sämtliche Hollywood- und Showbizgrößen in New York’s größtem Museum versammelt waren.

Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations. Ausstellungsimpression.

Schiaparellis Hauptschaffensphase lag zwischen den beiden Weltkriegen, eine Ära der Mode, in welcher viele Grenzen und Tabus in Sachen Kleidung noch unangetastet, und daher für die Italienerin Platz zum Experimentieren ließen. Besonders bekannt sind die Kooperationen mit Surrealisten ihrer Zeit, darunter Cocteau und Dali. Aus dieser Phase stammen beispielsweise der berühmte „Shoehat“, ein Hut in Form eines Schuhs, das Hummerkleid (Lobster Dress), getragen von Wallis Simpson in einer Imagekampagnie vor ihrer Hochzeit mit dem Duke von Windsor, geschossen von Cecil Beaton, oder das Fetzenkleid (Tear Dress), welches herunterhängende Hautfetzen durch den Print des Kleides und Trompe-l’oeil Effekte im dazugehörigen Schleier imitiert.
Neben den Surrealisten war ‚Schiap‘ auch von ihrem Onkel, einem Astrologen fasziniert, und benutzte häufig Sternbilder, die Sonne, und Planetenmotive auf ihren Entwürfen. Allgemein lässt sich sagen, dass sich die Modeschöpferin kaum um Konventionen, insbesondere darum; was als „schön“ und „modisch“ galt, scherte; sie war ein Freigeist, wusste genau über Kunst und Künstler um sie herum Bescheid und versuchte stets, dies in ihre Mode einfließen zu lassen.

Shoe Hat, Schiaparelli. Rock mit Lippenprint, Prada.

Auch Muiccia Prada hält von Regeln wenig. Sie hat einen Doktortitel in Politikwissenschaften und widmete sich eine Zeit lang der Pantomime. Genau wie Schiaparelli ist sie begeisterte Kunstsammlerin und besitzt unter anderem Werke von Damien Hirst.
Besonders mit ihrer Miu Miu Linie bricht und beugt sie die Richtlinien des „guten“ Designs immer wieder, erinnert mit einem Augenzwinkern daran, dass Mode in ihrem Verständnis vor allem eines tun soll: Spaß machen.
Ob sie kleine Puppenpullover auf einen Cardigan aufnäht, bunte Krägen auf todernste Blusen aufsetzt, oder comicinspirierte Tiere auf Taschen und Highheels druckt, Prada versteht es, auf ikonoklastische Weise zu provozieren.

Waist Up, Waist Down. Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations. Ausstellungsimpression.

Die Grenzen des Schönen neu zu definieren, das Hässliche attraktiv zu machen, das ist es, was Prada und „Schiap“ vor allem eint. Eine augenzwinkernde Mentalität im Bezug auf Mode; den schmalen Grat zwischen den Definitionen zu wandern, das bedeutet für beide Designerinnen ihren Lebens- und Schaffensinhalt.

Man könnte guten Gewissens argumentieren, dass vor Schiaparelli Modeschaffen eine ernste Angelegenheit war. Auch wenn vor ihr Poiret oder Chanel schon begonnen hatten, die Grenzen guten Designs auszuloten, keiner trieb die Mode auf eine so ironische Spitze wie sie. Diese tongue-in-cheek Tradition des Designs beruht auf dem out-of-the-box Denken von Elsa Schiaparelli, die in ihrer Biografie zugibt, das Hässliche schön machen gewollt zu haben, um ihre eigene Hässlichkeit zu überspielen.
In ihrem Erbe stehen heute Designer wie Viktor & Rolf, Moschino, Thierry Mugler und eben die neue Königin des Ugly-Chic: Miuccia Prada.

Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations. Ausstellungsimpression.

Die Ausstellung Prada and Schiaparelli: Impossible Conversations läuft noch bis 19. August 2012.