Der in Berlin lebende dänische Designer Mads Dinesen kombiniert seit jeher modische mit politischen und sozialen Statements. Seine Kollektion für Herbst/Winter 2014, mit dem Titel „smoke-clad warrior“ kommt ebenso militant und rebellisch rüber wie eh und je. Als Hommage an all jene, die für ihre Rechte aufstehen und auf die Straßen gehen, sei es zum Arab Spring, im passiven Widerstand oder für LGBT Rights, Mads Dinesen würdigt mit dieser Kollektion gesellschaftliche Veränderung durch persönlichen Mut.

Idealismus und der Wille zum Durchhalten, sowie feste innere Überzeugung lässt aus Gedanken Taten werden – das Abstrakte, Immaterielle wird zum Stofflichen, zu einer neuen politischen Realität – ebenso wie aus Inspiration Kleidung werden kann, wie die Kreativität eines Designer einen Raum voller Interessierter füllen kann.
Die Mode als Spiegel gesellschaftlicher Veränderung – Mads Dinesen treibt sie hier auf die Spitze.

Seine Entwürfe sind dementsprechend aussagekräftig, auch sie scheinen sich nicht gerne dem modischen Diktat zu unterwerfen: Asymmetrische Wollmäntel, grobmaschig geknüpfte Sweater, ethnische Einflüsse kombiniert mit Slogans wie „Fight the Fight“ oder „Chose your Battles“, alles in vornehmlich schwarz, weiß und rot: diese Kollektion versteckt sich nicht hinter Platitüden.

Marina Hoermanseder wusste bereits mit ihrer Abschlusskollektion bei der Esmod-Graduateshow vergangenes Jahr zu begeistern. Dass diese kein Glückstreffer, kein einmaliges Leuchtfeuer der Kreativität gewesen war, bewies die Franko-Österreicherin deshalb auf dem Runway der Mercedes-Benz Fashion Week Berlin. Und wie.

Der mit Sicherheit aufregendste Neuzugang der Modewoche und wohl die herausragendste Kollektion der Saison in Berlin war diese: orthopädie-inspirierte Lederkorsetts und Harnische, Hoermanseder spielt mit der Schönheit des Hässlichen, der Faszination der Abweichung von der Norm.
Ihre Ästhetik ist zwar nach wie vor eher auf der konzeptuellen Seite des Design-spektrums, doch zeigte die Jungdesignerin in dieser Kollektion auch ihre Fähigkeit, diese in Tragbares zu verwandeln: ein langer Trenchcoat mit spannenden Details, Hosen und Röcke, die mit minimaler Raffinesse begeistern und direkt auf die nächste Kaufhausstange könnten (und sollten).
Die übrigen Teile – die, die sich auf der Stange schwertun würden – allerdings sind wohl diejenigen welche Hoermanseder den Durchbruch auch international versprechen: Lady Gaga und Peaches haben bereits bei der Jungdesignerin, die alle Teile von Hand in ihrem Apartment in Berlin herstellt, bestellt.
Eine überaus gelungene Einstandspräsentation, der hoffentlich noch viele folgen werden.

Einer, der nie enttäuscht, ist zweifelsohne Vladimir Karaleev. Seine gestrige Show im Zelt der Mercedes-Benz Fashion Week Berlin änderte an dieser Konstante nichts. Mit cleanen, puristischen Designs und seinen Signature-Drapierungen erzielte Karaleev auch für AW14 eine Punktlandung.

Mit dem Titel „Superposition“ schuf er einen spannenden Referenzpunkt für seine Kollektion: „Superposition“ bezeichnet entweder die Überlagerung verschiedener physikalischer Größen, eine Eigenschaft linearer Gleichungen, eine wechselnde Säulenordnung, oder die Codierung von Proteinen durch DNA.
Die Physik, insbesondere die Schwerkraft scheint Karaleevs Freund von jeher zu sein, einige seiner Entwürfe schienen ihr nämlich nicht unterworfen – und wenn doch, dann meist in Teamwork eher als in Kontrahententum.
Auch das Lineare liegt ihm, seine Silhouetten sind meist eher geradlinig, puristisch eben. Säulen als Inspiration für Mode, auch das ist keine Neuheit: ähnlich wie früher bei Vionnet verwandelt der Fall der Klamotten bei Karaleev den Träger oder die Trägerin unmittelbar in eine klassische griechische Schönheit aus Marmor.
Die DNA des Labels schließlich bleibt Karaleevs Geheimnis. Seine stoffliche Codierung jedoch – Transparenz, clever geschichtete Materialmixe gepaart mit architektonischen Formen, hat wieder einmal hervorragend funktioniert.

Vor zehn Jahren schoss Esther Perbandt das Lookbook zu ihrer Abschlusskollektion in der Volksbühne. Am gestrigen Abend kehrte sie dorthin zurück, um eine Berliner Modekarriere zu zelebrieren, wie sie sich wenige auf die Fahne schreiben können.
Mit ihr zusammen feiert auch die Volksbühne, eine weitere Berliner Institution, ihr Jubiläum: 100-jähriges nämlich. Eine Party der Superlative, die allen Kritikern der Berliner Modeindustrie ihre Unkenrufe im Halse stecken lassen sollte.

„Grotesque“ lautete das Motto der Show, die Inspiration lieferte die Tänzerin und Kabrettistin Valeska Gert. Die Inszenierung hielt, was sie versprach: ein absurder Chor, der nicht sang, sondern verschiedene, teils ulkige Laute von sich gab und die elektronische Musik stimmlich unterstützte, alles in Perbandt-Gedenkfrisur und griechisch-mythischen/ japanisch-kabukihaften weiß geschminkten Gesichtern; eine bizarre Tanzeinlage und Schauspieler als Models – Perbandt ließ das Berliner Publikum in Sachen Spektakel nicht im Stich.

Die Kollektion selbst war in monochromatischen schwarz-weiß Tönen gehalten und überzeugte mit einer unaufgeregten, aber gekonnten Abweichung von der Norm. Ein kleines bisschen stofflicher Delinquenz – hier ein bisschen zu viel, da ein bisschen zu wenig – Esther Perbandt kennt die Parameter, die sie ein Stückchen verrücken muss, um ein Kleidungsstück vom Basic in ein tragbares Must-Have zu verwandeln.

Auch machte Perbandt eine Berufsgruppe zum Teil der Show, die sonst im Verborgenen bleibt: die Fotografen, üblicherweise unsichtbar hinter den Linsen ihrer Kameras, und lediglich durch Verschluss-Klickgeräusche oder mahnende „aus dem Bild“-Rufe sichtbar werdend, wurden von ihr auf die Bühne gehoben, mitten ins Geschehen.
Ob dies eine Art des Dankes war, an jene, die hinter den Kulissen den Erfolg eines jungen Labels mitbestimmen, eine Hommage an die Debord’sche Gesellschaft des Spektakels, ein Spiegel der Gesellschaft, oder lediglich eine Notwendigkeit der Location, bleibt ihr kleines Geheimnis.
Fest steht aber, dass diese Veranstaltung in Erinnerung bleiben wird.  Esther Perbandt ist ein weiterer Beweis dafür, dass Berlin nicht nur Jungdesigner-Awards verleihen, sondern auch langfristige Erfolgsgeschichten hervorbringen kann. Auch wenn sie, wie sie selbst sagt, „immer noch nicht fertig“ mit dem Etablieren ist.
Wir wünschen weiterhin viel Erfolg.

Eva Poleschinski überzeugte in der Vergangenheit meist mit der außergewöhnlichen Auswahl ihrer Materialien, einer unkonventionellen Inszenierung und einer leichten Nicht-Tragbarkeit ihres Labels ep_anoui. Letzteres Kriterium scheint nun genau jener eben genannten Vergangenheit anzugehören – denn was da gestern auf dem Stage der Mercedes-Benz Fashion Week Berlin gezeigt wurde, war nicht nur stark in der Umsetzung, sondern auch eine abgerundete Kollektion mit vielen Must-Have Teilen für den ganz großen Auftritt.

Von den Schuhen bis hin zu den grauen Haarspitzen eines ihrer Models hatte Eva Poleschinski an alles gedacht, die Liebe zum Detail zeigte sich dazu auch in den Prints und Mustern ihrer Kollektion.
Inspiriert von den bizarren und zugleich anmutigen Landschaftsformen, welche erstarrte Lava auf Teneriffa schuf, kreierte sie ihre neue AW14 Kollektion mit dem Titel „Auxilium“.  Ein Wiedersehen auf dem roten Teppich scheint sicher.

Julia Heuse, der verbliebene Teil des Duos von Juliaandben blieb sich auch diesmal treu: unkonventionell, raffiniert und abseits vom Mainstream, sowohl die Location als auch die gezeigte Kollektion betreffend.
Die Show fand in der ehemaligen Karl-Marx-Buchhandlung in der Karl-Marx-Allee statt, eine gut gewählte Örtlichkeit, die zwar wenig Platz für Modepublikum bot, aber die rebellische und intellektuellle Attitüde der Designerin zum Ausdruck brachte.

Lederharnische, derbe Wolle und Used-Fabrics trafen auf Seide und soft fallende, leicht glänzende Stoffe, gekonnt in Falten und Drapierungen gelegt. In Kombination mit Mlitary-Boots und dröhnenden Hiphopbeats von Kendrick Lamar kam die Aussage der Kollektion klar und deutlich rüber: „Bitch Don’t Kill my Vibe“.

„Bisschen bunt“ fand es eine gute Bekannte mit leicht ironischem Unterton. Augustin Teboul, die beiden Magierinnen der Berliner Demi-Couture überraschten diesmal mit einem Vorstoß zu neuen Ufern: waren die bisherigen Kollektionen ausschließlich in Schwarz gehalten, so kam diesmal ein pudriger Kontrastton hinzu: Nude.

Die Installation war wieder einmal ungewöhnlich: vor einem quer durch den Raum gespannten, weißen Ballontuch flanierten die Models erst auf ein Podest um dort einen kleinen Modelhaufen zu bilden und posierten anschließend in Reih und Glied vor eben erwähntem weißem Background.
Die Detailarbeit war gewohnt aufwendig, spannende Materialmixe und Stoffbearbeitungen, sowie viele glänzende Highlights in Form von Kristallsteinen zeichneten auch diesmal wieder das Gesamtkunstwerk von Augustin Teboul aus.
Ein weiteres Highlight der Berlin Fashion Week.

Wie Ivanman jeweils auf seine Inspirationen stößt, ist rätselhaft und begeistert immer wieder. Ob er sich philosophisch mit Wittgenstein, Nietzsche oder Kafka auseinandersetzt, oder, wie diesmal mit Alejandro Jodorowskys „Der Heilige Berg“ von 1973 alte Filmschätze ausgräbt – er schafft es immer wieder, Gedanken in konzeptuelles Design zu transformieren und dabei tragbare und spannende Kreationen zu erschaffen.Der heilige Berg, wie unten im Trailer zu sehen, war 1973 und ist immer noch ein echter Schocker – nicht nur visuell und in der Storyline, stellt er auch formal einen Bruch mit cinematografischen Konventionen dar.
Dementsprechend versuchte auch Ivan Mandzukic sich in seiner AW14 Kollektion mit dem Bruch von Kleidungsdichotomien: „Maskulines“ untersuchte er kritisch, kontrastierte klassische HAKA-Formen mit typisch weiblichen Kleidungsattributen wie Transparenz und Rundungen. Seine typische Handschrift, eine gewisse militärische Strenge in der Schnittführung blieb aber auch diesmal in Hemden, Jacketts und Bundfaltenhosen erhalten.
Sehr schön.

Mit einer Hiphop-Beat geladenen Show erweckte der Berliner Designer Hien Le nicht nur sein Publikum, sondern auch die Mercedes-Benz Fashion Week Berlin AW14 aus dem Dornröschenschlaf. Die teils schweren Köpfe, der vergangenen Partynacht geschuldet (Dandy Diary hatten in der Nacht zuvor die BFW eingeläutet), wippten dann aber zu Aaliyahs Kultsong „Try Again“.   

Die gezeigte Kollektion bot eine sehr gelungene Mischung aus sophisticated Looks mit cleanen Silhouetten und hochwertigen Materialien, sowie gewagte Looks in Lack- und Lederoptik. Die Farbtöne Rostrot, Türkis und Nude wurden mit monochromen schwarz-weiß Kontrasten komplementiert. Ein gelungener Auftakt.

Die Stiftung der deutschen Bekleidungsindustrie (SDBI) präsentierte gestern in Berlin einige vielversprechende junge Talente. Unter dem Thema „Rhythm“ versammelte man die Kollektionen der spannendsten Bewerber um den „Fash“ Award, welcher von einer Fachjury um Margareta van den Bosch, Creative Adviser von H&M, verliehen wurde.
Die drei vielverprechendsten Jungsdesigner des gestrigen Abends werden im Folgenden vorgestellt.

Anna Schröder und Kaur R. Hensel von der Hochschule für Kunst und Design Halle Burg Giebichenstein ließen sich von Cortney Love zu einer verträumten Grunge-Kollektion inspirieren.
„Sophisticated Grunge“ zeigt eine nostalgisch verklärte Vision einer Kollektion, die die romantische Seite des bekanntesten Grunge-Paares, Kurt Cobain und Courtney Love aufgreift. Seide, Leinen und Mohair wurden auf Webstühlen selbst verwebt, mit Siebdruck bedruckt oder handbestickt. Die aufwendig gearbeiteten Stücke zeigen einen schier endlosen Willen zum Austesten der materiellen Grenzen des Modedesigns und der Textilbearbeitung, sowie ein erstaunliches handwerkliches Können seitens der beiden Jungdesigner.

Ebenfalls herausragend: die Kollektion „MÖN10″ von Danny Reincke, der den Fash Award in der Kategorie Abschlusskollektionen, dotiert mit 3000€ Preisgeld und einem bezahlten Praktikum bei Closed, für sich entscheiden konnte.
Der Praktikant von Dawid Tomaszewki überzeugte mit Konzept, Farbpalette und einem Auge für Proportionen. Die Kollektion des Fahmoda Hannover-Graduierenden war inspiriert vom aussterbenden Fischereihandwerk seiner Heimat Mönkebude am Stettiner Haff. So ließ er beispielsweise einen Pullover in der traditionellen Art knüpfen, oder integrierte eine alte Rettungsveste, die er auf dem Dachboden seines Großvaters gefunden hatte, in einen Mantel.
Auch Accessoires und Details fanden ihren Ursprung in den maritimen Inspirationen des Ostseestädtchens: Prints von Segelbooten, große Taschen aus Funktionsstoffen, oder grobe Leinenknotungen, die an Bondageelemente erinnern rundeten diese überaus gelungene Kollektion ab.

Simon Rudolf Richter, ein Abgänger der HTW in Berlin zeigte eine erwachsene Kollektion eleganter und ausgereifter Silhouetten, die beinahe wie gegossen wirkten. Seine Inspiration: „Weißes Gold“, seiner Auslegung nach weder Salz noch Koks noch Marmor, sondern feines Porzellan.
Die Poesie eines vollendet geformten Objektes, den Moment der unerklärlichen, aber unbestrittenen Schönheit einer Sache versuchte der Designer einzufangen.
Eine hochprofessionelle Kollektion mit einigen Überraschungsmomenten – so sind zum Beispiel einige der Teile auch zum Wenden und können links herum getragen werden –  die der klassischen, zeitlosen Schönheit gewidmet ist und sich ihrer ehrgeizigen Zielsetzung keineswegs zu schämen braucht.

Simon Rudolf Richter, Weißes Gold

Simon Rudolf Richter, Weißes Gold