Wenn dieser Schmuck Geräusche machen würde, dann wäre es der Widerhall eines metallenen Hammers von einer Fabrikwand. Das rohe Metall, die maskuline Ungeschliffenheit der Geschmeide von Werkstatt:München sind etwas für richtige Kerle.

Klaus Lohmeyer und sein kleines Team fertigen jedes Stück in solider Handarbeit in seiner Werkstatt an, die im Herzen der Bayerischen Landeshauptstadt gelegen ist. Lohmeyer studierte Schmuckdesign und machte anschließend seinen Meistertitel. Auslöser für seine Beschäftigung mit dem Thema Schmuck war der vergebliche Versuch, maskulinen Schmuck seines Geschmacks zu finden.

Rohes Metall von Werkstatt:München

Obwohl sich der Designer beschwert, dass sich in der heutigen westlichen Kultur nur noch “Musiker, Punks oder Rocker” mit Zierrat ausstaffieren, spricht er mit seinen Designs genau jene Zielgruppe an. Die Objektsprache seiner Kreationen trifft eher den Nerv einer jungen, rebellischen Zielgruppe. Der gewöhnliche Vorstandsvorsitzende trägt selten eine Totenkopfkette, auch der treusorgende Familienvater dürfte sich mit der Symbolik schwer tun. Die Motive von Totenköpfen und Tattoos sind spätestens seit Christian Audigier, bekannter unter seinem Label Ed Hardy, im Mainstream versickert und werden gerne mit Spott versehen. Dennoch besitzt die Schwere von Lohmeyers grob behauenen Schmuckstücken, speziell die der einfachen Teile, diejenigen ohne viel Brimborium, eine besondere, unbehandelte Ästhetik, die zu finden selten ist.
Ein Armband halb Leder, halb Metall; Ringe, die an Muttern oder Dichtungsringe erinnern; besonders ein Ring aus einem Stück, in Gold oder Silber, die Front gerade abgeschliffen, in der Oberfläche ist noch die Kraft und das Fingerspitzengefühl der Bearbeitung erkennbar; das ist das Markenzeichen und die große Kunst von Stücken aus der Werkstatt:München.

Ring von Werkstatt: München

Die natürliche Umgebung für die individuellen Teile aus der Wekstatt ist in einer Kombination mit Avantgarde-Mode. Schmuck und Mode gehören für Lohmeyer untrennbar zusammen: “Ich glaube, die Beziehung zwischen Mode und Schmuck beruht auf der individuellen, emotionalen Sehnsucht danach, schöne Dinge zu tragen, die den persönlichen Geschmack, Stil und Charakter ausdrücken.”

Das Genre Modefilm hat in der jüngeren Vergangenheit immer mehr Fahrt aufgenommen, nicht zuletzt wegen der starken Vereinfachung der Produktion und des Konsums im Internet.
Seien es kleinere Labels, Modekonzerne, Filmwettbewerbe wie der German Fashion Film Award, oder Versuchslabore wie Nick Knight´s SHOWstudio, Modefilm erfreut sich zunehmender Beliebtheit, und wird in Zukunft sicherlich eine substantielle Rolle in der Vermittlung von Mode spielen.

Angesichts dieser Entwicklung ist es letztendlich nur eine Frage der Zeit gewesen, bis die enstsprechende “Bloglücke” geschlossen wurde: im August 2010 startete der in Hamburg ansässige Regisseur Cristian Straub das Blog ravished by illusions, das sich hauptsächlich mit diesem Genre beschäftigen wird.

Dabei erkennt Straub, der vor kurzem die AW 2010/11 Kollektion von Anna Fuchs visualisierte, die Schwierigkeit der Genredefinition, und sieht ravished by illusions als ein “Kompendium” sowie als Ort der Diskussion, dessen Format und Wert sich mit der Zeit entwickeln wird.

Ein Blick auf den Veranstaltungskalender der Berlin Fashion Week genügt, um zu sehen, dass es noch nie so viele verschiedene Events gab, die die Berliner Modewoche auf lange Sicht insgesamt interessanter machen werden.
Abgesehen von den grossen Messen, der Mercedes Benz Fashion Week Berlin -nicht gleichbedeutend mit der Berlin Fashion Week- und den vielen Showrooms gibt es zahlreiche Themen, die einen substantiellen Imagezuwachs versprechen:
zu diesen gehören beispielsweise die verstärkten Aktivitäten im Bereich Green Fashion, sowie die Avantgarde-Veranstaltungen.

Eine kleine aber feine Reihe solcher Veranstaltungen boten die projektGALERIE Showrooms an, die sich mit ihrer Version des BLACK BOX THEATER nach langjährigem Engagement in der Modeszene einen Schritt weiter trauten.
Mit dem Chef Sven Krüger, und unterstützt vom Mitgründer Alban Adam boten sie zahlreichen Designern die Möglichkeit, sich mit Performances darzustellen.

Die Low/No Budget Aktivitäten und Produktionen, die es überhaupt erlauben, sich über Wasser zu halten, sind aber gerade wegen des Enthusiasmus der Beteiligten die interessantesten, die die Fashion Week zu bieten hat, und man kann sich vorstellen, welches kreative Potential freigesetzt werden könnte, würde mehr Geld zur Verfügung stehen.
Gerade diese Erkenntnis, dass letztendlich das Besondere Berlin zur wirklichen Modestadt macht, hatten auch vor längerem die Veranstalter der Mercedes Benz Fashion Week Berlin geäussert.

projektGALERIE/BLACK BOX THEATER sind im Lichte dieser Erwägungen der wichtigste Berliner Modeakteur.

Es zeichnet sich schon seit langem ab, dass dem Film in der Mode eine grössere Bedeutung zugeordnet werden wird, aber es bedurfte der “Old-School” Journalistin Claudia Carillon, dieser Kunstform einen wichtigen Schub zu geben:
mit ihrem German Fashion Film Award, der am 05.07.2010 zum ersten Mal in Berliner Bundeswirtschaftsministerium verliehen wurde, hat sie eine Veranstaltung geschaffen, die viele Modemacher zum Anlass nehmen werden, sich dem Medium Film für die Vermittlung ihrer Mode zu nähern.

77 Arbeiten wurden für den ersten Award eingereicht, für die Kategorien Accessoires, Herrenmode und Damenmode wurden je 5 Arbeiten nominiert.
Dabei ist die Menge der erstaunlich hochwertigen Clips beeindruckend.

Die Jury enstschied sich für die folgenden Labels/Arbeiten:
Accessoires: Encore
Herrenmode: geppebba
Damenmode: potipoti

Weitere Platzierte waren:
Accessoires:
2. Platz: Gretchen
3. Platz: Glowybox

Herren:
2. Platz: Ucon Acrobatics
3. Platz: Eva Gronbach

Damen:
2. Platz: Pepp Art
3. Platz: Annette Kölling

Neue Technologien, insbesondere aber ihre steigende Verfügbarkeit verändern in rapidem Tempo die Medienlandschaft, und der GFFA ist -wenn man von der ein wenig altbackenen Präsentation im Wirtschaftsministerium, die den Eindruck erweckte, hier würde Kreativität “von Staats wegen” verordnet- ein wichtiger Beitrag zur Förderung des Modefilms.

Sruli Recht ist ein Freigeist wie er im Buche steht. Seine Kreativität scheint unerschöpflich und seine Produkte sind eine Gratwanderung zwischen Konsumgut und Ausstellungsstück. Zweimal im Jahr gibt es eine Kollektion bestimmter Produkte (beim letzten Mal Schuhe, beim nächsten Taschen) begleitet von einem monatlichen Non-Product.
Dazu zählen Ringe mit austauschbaren Rohdiamanten, eine Luftfiltermaske oder ein Glasschreiber aus Karbon mit Diamantspitze.

Recht graduierte am Royal Melbourne Institute of Technology mit einem Fashion Design Bachelor im Jahre 2002, 2005 bekam er einen Honors Degree.
Er war als Showpiece- und Schnittmacher für Alexander McQueen tätig und seine Arbeiten werden regelmäßig in der ganzen Welt ausgestellt, zuletzt in Uncomfortable Conversations im Rahmen der New York Design Week. Recht beschreibt sich selbst als “broken seabird”, der von Jerusalem nach Südafrika über Australien nach Island migrierte. Dort scheint er nun ein Zuhause gefunden zu haben, wie er selbst sagt.
Vor Kurzem hat er geheiratet.

Was bedeutet Dir Island und was bedeutet es für Dich, ein isländischer Designer zu sein?
Das sind zwei sehr unterschiedliche Fragen in Einer. Ich lebe jetzt seit viereinhalb Jahren hier und bin hier mehr Zuhause als irgendwo sonst. Ich bin kein Isländer, aber dennoch ist diese Peripherie, diese abstrakt-ländliche High-Tech Stadt irgendwie mein Zuhause.
Hier zu sein hatte den größten Einfluss auf mich und was ich gemacht habe, aber noch wichtiger, auf das, was ich mache und vorhabe zu tun.

Das, was mich wirklich dazu gebracht hat hierzubleiben, war die Herausforderung im Design – es gibt sehr wenige natürliche Ressourcen abgesehen von Leder und grober Wolle.
Island stellt eine ziemliche Einschränkung im Design dar, aber dadurch bin ich auf Ideen gekommen, die mir niemals eingefallen wären, wenn ich in New York City leben würde und 24 Stunden am Tag zu Allem Zugang hätte. Es bedingt sowohl die Produktion, die so lokal wie möglich ist oder sogar im eigenen Haus stattfindet, als auch den Fokus auf einheimisches Rohmaterial.
Ich arbeite nicht nur mit isländischer Wolle und Pferdeleder, weil ich es so mag. Es ist hier einfach so, dass wenn du mit etwas anderem arbeiten willst, du es importieren musst. Und das ist fast unmöglich wegen der Importzölle. Aber irgendwie ist das auch ein heimlicher Segen.

Was ist an isländischem Stil Deiner Meinung nach besonders?
Ich bin mir nicht sicher, ob daran etwas anders ist als im Rest der Welt. Style ist heute doch überall homogen.
Visuelle Information ist online auf der ganzen Welt verfügbar, Island ist da nur eine kleinere Kontrollgruppe.

Seit wann existiert Dein Label und wann hast Du entschieden, Designer zu werden?
Man kann sagen, dass meine Firma etwa seit 2007 in der Art existiert, wie sie jetzt ist. Bei der Antwort bin ich mir auch nicht so sicher, weil sich ja alles ständig ändert.
Angefangen, Mode zu designen, habe ich mit 17. Ich bin ein Idealist.
Ich will das, was ich nicht haben kann und wenn ich etwas will das es noch nicht gibt, dann muss ich es eben selbst machen.

Hast Du eine spezielle Philosophie?
Mach nur das, woran Du glaubst. Sonst gibt es keine Regeln. Es ist gefährlich, zu überdefinieren, was Du tust. Ich möchte nicht in eine Schublade gesteckt werden, aber auch nicht Dinge anders machen, nur um anders zu sein.
Ironie, Aggression und soziale Kommentare treffen vielleicht am ehesten meine Philosophie.

Was war die Inspiration für Deine aktuelle Kollektion?
Beim Reykjavik Fashion Festival haben wir den neuen Film Garrote anstatt einer Standard-Modeschau gezeigt. Garrote ist sowohl ein Film, als auch eine Halskette aus isländischer Vulkanlava, geformt in kleine Skarabäen, magnetisiert und an einem Kupfer-Klavierseil aufgezogen.
Der Auslöser für diesen Film, wie mit allem im Studio, kam von etwas, das ich einfach machen musste, weil es das noch nicht gab.

Ich musste es schaffen, die verschiedenen Designaspekte der Kette und ihrer Geschichte rüberzubringen und mir war klar, dass das mit Fotografie nicht zu erreichen war. In den letzten sechs Monaten hatte ich meine Produkte mit Marino Thorlacius geshootet. Seine großformatigen Bilder sind fantastisch und wir diskutierten lange über die perfekte Inszenierung, doch nichts schien zu passen.
Am Neujahrsabend lag ich im Bett wollte ein Nickerchen machen, bevor wir ausgingen… aber alles woran ich denken konnte war: “Wie kann ich diese Halskette inszenieren?” Ich dachte darüber nach, welche Dynamik das Endprodukt haben sollte und weil ich diese Bewegungen und eine Story vor mir sah, wurde mir plötzlich klar, dass es ein Film werden musste. Nur so konnte ich all diese scheinbar unvereinbaren Gedanken zusammenbringen.

Garrote Film Still

In dem Video geht es um einen physischen Dialog zwischen zwei Menschen. Eine Konversation über die Rollen von Macht und Kontrolle beim Sex. Da ist diese Frau, ein Lockvogel, alleine, geschmückt und aufreizend angezogen, verführerisch.
Die Halskette bemerkt man zuerst nicht, aber sie ist der Köder… oder der Stachel einer Biene: um ihr Gegenüber anzulocken muss sie sie benutzen, was aber auch heißt, von ihr kontrolliert zu werden und letzendlich vielleicht von ihr zerstört zu werden.
Hier ist ein Excerpt des Sripts, das ich für den Film geschrieben habe:
“With magnetic attraction stands this woman. A lure. Almost adorned.
Alone, aligned, and still but for her pulse.
Clack goes the rhythm as her necklace swings.
Snap goes the jewellery and around her neck it is laced.
Hard and rapid snaps the wire against her neck and dust explodes from the speed.
It is a struggle. It is arms flailing, breaking through the clouds… and all this time, just two tight white hands. Fast and stuck. Holding that chain.
A grip that doesn’t budge even as her hand pry, slap, slip and scrape.
And comes now the gasps. It has been just long enough that she notices the effect of this choke – she can’t breathe. Throwing her head from side to side, saliva forms a gentle arc through the dust cloud as time stands still for her.
He won’t move.
Her struggle becomes frantic. Her veins, they pop. Her tongue, it writhes.

It is now elbows flying and smacking into his ribs. Near silent claps make their entrance as she pummels his ribs one after another. His flesh ripples like gelatine as her bones hit him.
But tighter he pulls SNAP. Her neck shows wear.
Struggle struggle struggle grapple wrestle scuffle brawl slap slam slam SLAM

He loses grip on a beetle and it makes its way back around her neck, tracing a low arc around her neck. Beetle one meets beetle two and they more or less say hello with their heads. Clack.
Though without much trouble these white hands of this hidden man reclaim them.
And thus, this dance of death ensues.

But it is somewhere around here the atmosphere changes. The intersected rapid chocking and slow languid flailing shifts – her hands grip and slide across his, her struggle away becomes a grind toward… and her choked wet coughs become almost pleasured gasps.
Slow sliding and slipping. Then they move, this slow sensual wave of two together not against. It is here in this transition her role is achieved, finalised and sealed.
And like a bee who has used its own only defence to protect itself only to die, slumps our woman… with that slight grin of menace and triumph on her face as her and her beetles fall. “

Die Halskette herzustellen war ein Prozess, der über ein Jahr gedauert hat:
Páll Einarsson modellierte die Skarabäen, ein alter Pianomacher drehte das Kupferseil in der richtigen Länge und Dicke, wir arbeiteten mit Sigurlina Osuala mehrere Monate, um die richtige Lavaerde zu finden.
Snorri Már Snorrason entwickelte eine Box, aus der beim Aufklappen ein Hals hervortritt, um den die Kette liegt. So viele Menschen für nur eine Halskette, beziehungsweise eine limitierte Auflage von zehn Stück.

Garrote Kette

Aber vor allem war es ein Experiment, um herauszufinden, ob eine visuellle Narrative das geeignete Medium ist, um Design zu präsentieren, und ich denke, das ist es, und die Arbeit hat sich gelohnt.

Text/Interview: Barbara Russ

Garrote kostet 320€ und ist online bestellbar, wie auch die anderen (Kunst-)werke von Sruli Recht

GARROTE – Sruli Recht, is a film performed by HebaEirJónasdóttirKjeld and River Carmalt
Director – HeimirSverrisson www.heimirsverrisson.com
Creative Director – SruliRecht
Editor – Steffi Thors http://is.linkedin.com/in/steffithors
Choreographer – Erna Ómarsdottir www.ernaomarsdottir.com
Sound – Ben Frost www.ethermachines.com
Director Of Photography – TómasTómasson
Assistant Director – Bui Baldvinsson
Special Effects – Aron Bergmann Magnússon
Costume Design – SruliRecht Studio
Storyboard Artist – B. BörkurEiríksson www.borkurart.com
Wardrobe assistant – Andrea Sisson
Dolly – FriðrikGrétarsson
With special thanks to Megan Herbert, Lise Capet, Filmus, AddiKnutsson and HannesBjörgvinsson.
Filmed at Latibær Studio on the Red One camera
Recorded at the Greenhouse

Photo Credits: Marino Thorlacius

Zum Thema
Island Special Teil 5 – Islands außergewöhnlichstes Talent: Sruli Recht im Interview
Island Special Teil 4 – Um Kopf und Kragen
Island Special Teil 3 – Weiblichkeit auf Isländisch
Island Special Teil 2 – Die Avantgarde bricht aus dem ewigen Eis
Island Special Teil 1 – das heimliche Modemekka

modabot, News Service for Avantgarde Fashion is proud to launch modabot SELECTION, a platform for the online presentation of fashion photography with the aim to enable varying and innovative creative collaborations in this field.

The application allows embedding for publication, features a credit bar with direct links to featured labels, and sharing on social platforms Facebook and Twitter.

The first issue, Into The Wild, features a collaboration with creative team René Fietzek (photography), Nele Schrinner (Styling), Christiane Buchholz (Hair & Make Up), and presenting Megg @ Pearl Model Management.

If you are interested in a collaboration regarding the modabot SELECTION contact us at info@modabot.de.

http://selection.modabot.com

Über der Hafenstadt Hyeres, zwischen St. Tropez und Toulon, thront die Villa Noailles, Gastgeber des 25. Festival International de Mode et de Photographie à Hyères. Der Aufstieg in Plateaupumps entlang pittoresker Gässchen mag anstrengend sein, doch er lohnt sich.

Mit einem Ausblick auf die Côte d’Azur ist dies einer der eindrucksvollsten Orte, um Mode zu zelebrieren. Das Festival ist eine außergewöhnliche Melange von Mode, Fotografie, Kunst und Zeitgeist. Stress und Hektik der Modewelt sucht man hier vergebens. Hyères fühlt sich eher an, als wären Kunst und Mode zusammen in den Flitterwochen – alle wirken selten entspannt. Die Besucher sitzen im gemusterten Hemdblusenkleid und mit Strohhut im Garten der Villa Noailles, unterhalten sich, bedienen sich vom Buffet mit Mini-Croissants und Café, später plauschen sie mit den Designern in ihren selbst gestalteten Interieurs über Kunst, Mode und die Leichtigkeit des Seins.

Besucherinnen

Wie Alice, die in den Kaninchenbau kriecht, kommt man in den Räumen der Villa Noailles kaum aus dem Staunen heraus. Im Untergeschoss ist die Fotografie-Ausstellung, ganz oben die künstlerischen Expositionen von Größen wie Dries van Noten, Diane Pernet und Steven Klein eingerichtet.
Bei den ausgewählten Designern handelt es sich um zehn internationale Newcomer aus Österreich, Spanien, den Niederlanden, Belgien, Frankreich, UK, Korea und sogar aus der Mongolei. Die Jungdesigner stellen ihre Mode in ihrem eigenen Terrain zur Schau, in dem sie eine eigene Ästhetik, einen Lebensraum für ihre Kreationen, geschaffen haben.

Ziemlich verschachtelt in der Villa Noailles, treppauf treppab über Balkone und Terrassen entdecken die Besucher diese kleinen Parallelwelten in dem vornehmen Landhaus.
Alexandra Verschueren zum Beispiel, die sich in ihrer Kollektion mit dem Thema Papier beschäftigt hat, hat Alltagsgegenstände wie Schreibtisch, Lampe und Telefon aus Papier gebastelt und so ihre Sphäre kreiert.

Lucile Puton, die sich alpin inspirieren ließ, versenkt kurzum einen Wintersportler in Styroporschnee.

Bei Yiqing Yin, deren Kollektion den psychischen Panzer gegen die Fremde darstellt, haben die Büsten den Kopf -an der Reißleine- in den Wolken versteckt.

So verlässt man am Ende des Tages, wie auch Alice ihr Wunderland, die Villa Noailles ein bisschen euphorisch und kehrt zurück in die Realität – wenn man ein malerisches Küstenstädtchen wie Hyères als Realität bezeichnen möchte – mit anderen Augen.

Barbara Russ

Für seine extravagante Mode ist der in Paris lebende Amerikaner Rick Owens berühmt, dass er seit 2003 auch Möbel gestaltet, ist eine nicht so bekannte Tatsache.
Anlässlich des Gallery Weekend Berlin wird nun die (Korrektur:) Ex-Gattin des TASCHEN-Verlagsgründers und Kunstkennerin Angelika Taschen die Möbel ihres Freundes Owens und seiner Partnerin Michèle Lamy in der Hauptstadt präsentieren.

Rick Owens; courtesy Owenscorp

In der Ausstellung “To Pop A Boner” vom 25.04. – 02.05.2010, am ersten Abend in Anwesenheit von Rick Owens und Michèle Lamy, werden verschiedene Stücke, die im Allgemeinen nicht im Handel, sondern nur über Galerien zu beziehen sind, zu sehen sein.

Coupe, 2008. Bronze, unlimitierte Auflage

Rick Owens
“To Pop A Boner” presented by Angelika Taschen
Eröffnung am 25.04.2010
18 – 20 Uhr
in Anwesenheit Rick Owens und Michèle Lamy

26.04. – 02.05.2010
12 – 20 Uhr
Apartment am Alexanderplatz
Memhardstrasse 8
10178 Berlin

Pressekontakt
ND-PR Berlin
Roel de Cooman
T: +49 30 443519043
roel.decooman@nd-pr.com

Photo Credits:
- Rick Owens; Courtesy Owenscorp
- Stag Bank; Courtesy Jousse Entreprise – Photo Marc Domage

Vom 30.04. – 03.05.2010 geht das Festival International de Mode et de Photographie à Hyères, in seine nächste, die 25., Runde.
Geleitet von Direktor Jean-Pierre Blanc ist die Veranstaltung an der französischen Mittelmeerküste eine der renommiertesten internationalen Plattformen für Mode, sowie Fotografie und Kunst.

Und auch in der Ausgabe 2010 präsentiert Hyères erneut 10 junge Modemacher, die sich während des Events der Öffentlichkeit sowie einer von Dries van Noten geleiteten hochkarätigen Jury stellen, der in diesem Jahr auch der kürzlich verstorbene Malcolm McLaren sollte.

Die in diesem Jahr ausgewählten Modedesigner sind

Nora Berger & Kathrin Lugbauer, Österreich, Damen

Jasper Sinchai Chadprajong, UK, Herren

Yun Jung Kim, Südkorea, Damen

Isabel Mastache Martinez, Spanien, Herren

Tsolmandakh Munkhuu, Mongolei, Damen

Lucile Puton, Frankreich, Herren

Nada van Dalen, Niederlande, Damen/Herren

Alexandra Verschueren, Belgien, Damen

Yiqing Yin, Frankreich, Damen

Ali Zedtwitz & Valerie Lange, Österreich, Damen

weitere Informationen zu den Modedesignern
weitere Informationen zu den vorgestellten Fotografen
Gesamtprogramm des 25. Festival International de Mode et de Photographie à Hyères 2010

Die Meinungen über das musikalische Talent von Lady Gaga scheiden sich – während sie zum einen vom Videoregisseur Jonas Akerlund als neue “Queen of Pop” und Nachfolgerin von Madonna angekündigt wird, klingt ihre Musik für Konkurrentin M.I.A. wie aus einer “20 Jahre alten Ibiza Disko”.
Keiner wird jedoch bestreiten, dass Stefani Joanne Angelina Germanotta in Bezug auf Ihren exzentrischen, avantgardistischen und provokanten Stil Madonna und anderen Fashionikonen in punkto Innovation um nichts nachsteht.
Lady Gaga will nicht empören, denn “nur für Menschen, die ohne Mut und Fantasie durchs Leben gehen, ist mein Stil ein Schock”, wie sie in einem Interview erklärt. Nichtdestotrotz arbeitet sie an einem außergewöhnlichen Gaga-Look, indem sie beispielsweise prominente oder klischeebehaftete Outfits zitiert und parodiert.
Und, wie sie öfters betont: Sie entwirft Ihre Bühnenoutfits selbst.

li: Madonna im legendären Jean Paul Gaultier-Body; re: Lady Gaga in Marc Jacobs

Nun stellt sich die Frage, ob Lady Gaga gänzlich hinter ihrem eigens erschaffenen Gesamtkunstwerk verschwindet, oder ob sie tatsächlich “so” ist. Als sie noch als Stefani Germanotta performte, war sie schon stimmlich außergewöhnlich, hatte aber bei weitem nicht so ein Gespür für Extravagantes (z.B. ihr beeindruckender Auftritt bei der NYU Talent Show 2005). Mit der steigenden Extravaganz der Performance und Kleidung scheint jedoch auch die Songwriter-Qualität ihrer Musik zu schwinden (vgl. die Artikelüberschrift: Zeile aus ihrem Lied “Fashion”). Oder, anders formuliert, der Erfolg kam erst mit der physischen Wandlung, und die Musik veränderte sich dazu analog, so als ob entweder nur das eine oder das andere die Oberhand haben könnte.
Gaga selbst erklärt über ihr “altes” Ich: “She’s not here anymore. She’s covered in sequins.”

Lady Gaga auf einer Pressekonferenz

Laut Gaga verhält es sich bei Ihrem neuen Ich so, dass mit der Idee zu ihrer einfachen Musik (wie sie selbst zugibt) gleichzeitig die Ideen zur Bühnenshow und zum Bühnenkostüm kommen, sozusagen als kreatives Ganzes. Interessant, dass aus solch simplen bis platten Texten so komplexe Kreationen entstehen können.

In Interviews nennt sie ihre zahlreichen Inspirationsquellen wie “brainstorming with my friends, going on youtube, watching old movies and reading fashion magazine imported from Europe”, Pop-Art, New Wave, Kubismus, “moonlight, sex, slasher films and pornography”, der venezianische Maskenball, Flohmärkte, Zeitunglesen sowie “ice princesses and magical angels”.

Lady Gaga – eigene Kreationen

Sie bewundert Musiker wie Madonna, David Bowie, Michael Jackson, Freddie Mercury, Cyndi Lauper oder Roisin Murphy, die Schauspielerinnen Marily Monroe, Grace Jones, Peggy Bundy, die Modeschöpfer Alexander McQueen, Viktor&Rolf, Donatella Versace, Vivienne Westwood, bekannte und historische Persönlichkeiten wie Marie Antoinette oder Beethoven, Künstler wie Andy Warhol, Quentin Tarantino, Montaigne und Rilke.
Dabei übernimmt sie nicht nur kleinere Details sondern ganze Bühneninszenierungen, Kleidungs- und Accessoireskombinationen, sowie Szenen für Videoclips, was ihr ständig den Ruf einer copycat einbringt.
Wenn alles schon mal da war, aus welchem Grund zieht Gaga dann weltweite Aufmerksamkeit auf sich? Wie kommt es zum Gaga-Hype?

Damit kommt man zu ihrem Modekonzept, was grundlegend darin besteht, möglichst viele Zitate möglichst offensichtlich in einem unpassenden Kontext zu präsentieren. Auch haben bereits andere Künstler mit ihrer Körperinszenierung Aufmerksamkeit hervorgerufen – jedoch sind die meisten bestrebt, im Kontext des Geschehens zu bleiben. Dita von Teese zum Beispiel wird auch als Gesamtkunstwerk bewundert – jedoch setzt Sie ihre Kreativität und Nudität nur gezielt ein und zeigt sich bei offiziellen Veranstaltungen auch -verhältnismäßig- konservativ. Lady Gaga jedoch arbeitet mit dem Überraschungseffekt und damit, gegen Gepflogenheiten, Sitten und Moralvorstellungen zu verstoßen.

Gaga bei den Brit Awards 2010

So erschien sie beispielsweise bei den Brit Awards 2010 zu Ehren des Todes von Alexander McQueen in einem weißen Outfit des Designers, verlässt in ihrem Videoclip “Telephone” das Gefängnis in einem Haute-Couture-Kleid, trägt zu einer Pressekonferenz eine Bondagemaske, betritt die St. Basil’s Kathedrale in Moskau nur im knappen Lederkostüm und wird deswegen beinahe verhaftet oder besteigt – so die britische Zeitung The Sun – in London ein Flugzeug ausschließlich mit gelbem und schwarzem Klebeband und blauen High-Heels bekleidet; bei ihrem Videodreh zu “Paparazzi” wurde sie, um ein makabres Beispiel zu nennen, vom Tod der Prinzessin Diana “inspiriert”.

Bilder aus “Telephone”

Ihr Markenzeichen sind besondere Kopfbedeckungen und Frisuren. Neben der nun schon weltweit bekannten und imitierten Haarschleife erschwert sie ihren sowieso schon zierlichen Körper immer wieder mit alltäglichen Gebrauchsgegenständen wie Telefonen und Coladosen, mit riesigen Hüten, Schleiern, Tiernachbildungen, Geweihen, Haartürmen, Masken, Drahtgestellen und Blumenarrangements – beinahe als Fortsetzung der monströsen französischen Haarkreationen aus dem 18. Jahrhundert.

Natürlich will Gaga experimentieren und feststellen, wo Ihre Grenzen und die der Öffentlichkeit sind; nichtdestotrotz wurden in der Vergangenheit künstliche Erhöhungen des Körpers immer dahingehend gedeutet, dass der Träger damit mehr Raum einnehmen und sich somit größer fühlen möchte als er eigentlich ist. Dabei hat Gaga eigentlich gar keinen Grund, sich um Ihre Popularität zu sorgen – viele Prominente, die Ihren Stil nachahmen, die Produktion von Gaga-Dolls, die Ausrichtung von Lady-Gaga Themenparties, die wechselseitige Inspiration mit Alexander McQueen – dies alles deutet darauf hin, dass sie zwar nicht allseits gemocht, jedoch sicherlich allseits rezipiert wird. Im Grunde verfolgt sie ja auch lediglich nur ein kleines Ziel:
“And now, I’m just trying to change the world, one sequin at a time.”

Alicia Kühl

Mehr Eindrücke, wundersame Bilder, Inspirationsquellen und Tips zum Erwerb der verrückten Kleidungsstücke findet man auf www.gagadaily.com/fashion.

Photo Credits:
1, 5, 7 Gagadaily
2 Stylist
3 AmyGrindhouse
4 Music, love and sausages
6 Faded Youth

Der Tod von Alexander McQueen hat weltweit Trauer ausgelöst, denn mit ihm ist nicht nur ein ausgezeichneter Modeschöpfer, sondern auch ein künstlerisches Genie von uns gegangen.
Mode wird schon immer in einem zeitgenössischen sozialen und ästhetischen Kontext präsentiert, seit neuestem aber auch in einem fiktionalen, visionären Zusammenhang, bei Alexander McQueen vor allem vor einem emotionalen, sehr persönlichen Hintergrund gesetzt.
Seine Inszenierungen gingen über ein spektakuläres In-Szene-Setzen von Mode hinaus – was durchaus auch andere Designer und Modenschauproduzenten technisch bis ins kleinste Detail beherrschen – nahmen aber noch darüber hinaus weitere Sphären des Zuschauers jenseits der bloßen Wahrnehmung ein: die der Sinngebung und Interpretation.

Um seine Inszenierungen zu verstehen, ist Vorwissen notwendig, bzw. sogar Recherche im Nachhinein. Solche Recherchen betreffen die Entschlüsselung der Kollektionstitel (z.B. Lösen von Anagrammen), autobiographische Bezüge sowie seine Kunst- und Kulturinteressen, das Aufdecken von Querverbindungen zu anderen Designern, Modeikonen, historischen Persönlichkeiten, Film-, Mythologie- und Literaturinhalten, von Referenzen zu seinen früheren Modenschauen und von der Bedeutung des Modenschauortes oder einzelner Requisiten.

Alexander McQueen wollte nicht nur den Zuschauer schockieren, wie es vielleicht sein Status als enfant terrible suggerierte, sondern seine Modenschauen als Anregung von Denkprozessen einsetzen, die die Mode trotz ihres vergänglichen Charakters im Gedächtnis verankern sollte.
Er hatte höchste Ansprüche an sein Publikum, denn er war nicht nur Designer, sondern auch Künstler, Cineast, Storyteller, Poet, Philosoph, Soziologe und nicht zuletzt ein raffinierter Psychologe.
Erst durch die Auseinandersetzung mit seinem Werk entsteht und entfaltet sich seine komplexe Idee für die Kollektion und die Modenschau.

Zur Veranschaulichung sei ein Beispiel genannt. McQueens A/W Kollektion 2007 wurde mit “In memory of Elizabeth Howe, Salem 1692″ betitelt.
Im Hintergrund des Laufstegs wurde ein Video gezeigt, in dem sich zuerst nackte verführerische Frauen räkelten und später Insekten und blutige Schädel zu sehen waren; im Vordergrund liefen die Models stark geschminkt auf den Linien eines rotgezeichneten Pentagons.
Erst nach einigen Nachforschungen kann der Zuschauer das Konzept der Inszenierung verstehen: McQueen ist mit mehreren Frauen verwandt, die im Hexenprozess von Salem 1692 zu Tode kamen.
In seiner Show thematisierte er offensichtlich Hexenkult und schwarze Magie, jedoch auch die Verwundbarkeit seiner Familie und lässt somit das Publikum an einer sehr privaten Facette seines Lebens teilhaben.

McQueen Show “In memory of Elizabeth Howe, Salem 1692″ AW 2007 Women

Das Resultat seiner Modepräsentationen wird erst in der späteren individuellen Verarbeitung formuliert – und fällt von Person zu Person verschieden aus.
Wenn man bedenkt, dass der Verkauf von der Klarheit der Botschaft der Kollektion abhängt, ist diese Vorgehensweise ein Wagnis. Aber McQueens Strategie ging auf: er unterschätzte uns nicht, gab uns die Möglichkeit, an seinem Schaffensprozess teilzuhaben.
Und das ist ein garantierter Verkaufshit.

Alicia Kühl

the impossible cool ist ein sorgfältig gepflegtes tumblr-Blog, befüllt mit Photographien von Kulturikonen des 20. Jahrhunderts. Dazu gibt es mindestens den Nachnamen als Bildunterschrift und als Alternativeinträge zum üblichen Photopost einige knappe, aber umso treffendere Zitate.
Über den Blogger, Sean Sullivan, weiß man nicht mehr als seinen Namen und daß er in New York lebt. Seit dem 26. Juni 2008 versorgt er Interessierte aus aller Welt auf “the impossible cool” regelmäßig mit neuem Bildmaterial.

Hepburn

Morrison

Es ist sicher auch die warme Ästhetik der ausdrucksstarken Schwarz-Weiß-Photographien, die wieder bewusst werden lassen, dass Kleidung nur die äußere Hülle ist – die Persönlichkeit des Menschen in eben dieser mit ihr aber in direkter Wechselwirkung steht. In diesem Sinne ist “the impossible cool” eine Empfehlung für eine inspirierende Rückkehr zum Wesentlichen – in Bezug auf Mode, wie im Hinblick auf das (eigene) Schaffen.

David Löhr

Den 1. Preis für die beste Interpretation des Mottos Global Ethnik vergab die Jury an Jutta Erb. Die Modedesignerin lehrt an der Hochschule Albstadt und der Modefachschule Sigmaringen und bekommt als Auszeichnung einen Stand auf der nächsten cpd finanziert.

1. Platz: Jutta Erb

Die zweitplatzierte wurde Jana Januschewski, Designerin des Labels JOTJOT, und den 3. Platz erreichte Elke Dürer, Inhaberin eines Düsseldorfer Modeateliers, die bereits zum zweiten Mal gewann.

2. Platz: Jana Januschewski, 3. Platz: Elke Dürer

sg_modabot

Alle Modebegeisterten sind eingeladen, die Mode und Kleidung über den körperlichen Gebrauch hinaus in einen größeren Zusammenhang stellen und dies im Rahmen eines fachlichen Meinungsaustausches erörtern möchten.

Konzept und Programm der Tagung sowie die Online-Anmeldung ab sofort über
www.räume-der-mode.com (Anmeldefrist 1.4.2010).

Die Räume der Mode
Kulturforum Berlin, 5.-7. Mai 2010
Veranstalterin: Prof. Dr. G. Lehnert, Universität Potsdam

In Kooperation mit
Staatliche Museen zu Berlin
Akademie Mode und Design, Hamburg
Netzwerk Mode Textil, Interessenvertretung der kulturwissenschaftlichen Textil-, Kleider und Modeforschung e.V.

Unterstützt von der Initiative “Verantwortung tragen”

Veranstaltungsort:
Vortragssaal im Kulturforum
Staatliche Museen zu Berlin
Matthäikirchplatz
10785 Berlin (Eingang über die Zentrale Eingangshalle)
www.kulturforum-berlin.com

Der Hamburger Concept Store FITTING FORWARD stellt im Rahmen des Launches seines neuen Themenreiches Black Box, das Magazin WANDLER vor.
FITTING FORWARD wird von Bitten Stetter, Dozentin an der Akademie für Modedesign Hamburg, und Jutta Südbeck geführt, im zweimonatigen Rhythmus wechselt das gesamte Kozept des Stores und mit ihm die Gestaltung und Auswahl der Designer.
Für diesen begrenzten Zeitraum gibt es limitierte Editionen zu Themen wie UrbanSinn, TalenTier oder TINGELTANGEL und Kollektionen von ausgewählten Designer wie Starstyling, Esther Perbandt, Butterflysoulfire und Entwürfe der beiden Inhaberinnen.
Am 1. Februar wird das neue Konzept Black Box – für alle “Gesellschaftsspielverderber, Ungehörte, Vergessene und diejenigen, die diesen eine Plattform bieten”, eröffnet. Gleichzeitig wird WANDLER gelauncht, das neue analoge Magazin für “das Überleben in einer digitalen Gesellschaft”.

FITTING FORWARD – Opening der neuen Themenwelt
WANDLER – Magazinveröffentlichung
Stresemannstraße 110
22769 Hamburg
Montag, 1. Februar 2010, ab 19 Uhr

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