Das Designerduo Viktor & Rolf eröffnete vergangenen Monat seinen Flagship Store, und damit die erste Boutique in Frankreich – in Paris. Mit der luxuriösen Adresse 370, rue Saint-Honoré hat man sich bei den Holländern in Sachen Positionierung nicht lumpen lassen und auch die Innenarchitektur überzeugt: komplett in Filz ausgekleidet bewiesen die beiden, zusammen mit den Innenarchitekten Pierre Beucler und Jean-Christophe Poggioli (Architecture & Associés) wieder einmal ihr Querdenkertum und Nähe zur Kunst.

Auf 350qm und zwei Stockwerken bieten die Ausnahmedesigner ihre Herren- und Damenkollektionen sowie Accessoires zum Verkauf an. Hinter dem Einzug in das Prestige-Objekt und der ehrgeizigen Expansion steht Staff International, ein seit Oktober 2000 zu Renzo Rossos Only The Brave Gruppe gehörendes Produktions-, Distributions- und Lizenzunternehmen, welches unter anderem Viktor & Rolf, Maison Martin Margiela und Marc Jacobs Men unter seinem Gürtel vereint.

Fotos: Luc Boegly

Carne Griffiths ist ein englischer Illustrator und Künstler, der in seinen Werken stark auf unerwartete Materialien wie Tee oder Brandy setzt. Mit diesen nämlich produziert er Aquarelle der besonderen Art. 

Fasziniert von Hunden und Raumschiffen begann er mit vier Jahren zu zeichnen. Diese Passion hat ihn seither nicht losgelassen. Er studierte an der UCA Illustration und zog nach seinem Abschluss nach London, wo er eine Ausbildung zum Stickerei-Designer abschloss. Ab 2010 begann er sich wieder intensiver mit Kunst und insbesondere Illustrationen zu beschäftigen.

Stark von seiner Umwelt inspiriert, versucht er alles, was für ein Individuum ausschlaggebend ist, in seiner Arbeit zu verankern. Deswegen lässt er bei seinen Bildern auch immer den Zufall eine große Rolle spielen. Er beginnt mit einer Idee, die sich dann im Laufe der Arbeit verändert, sodass er erst am Ende weiß, was genau er erschaffen hat.
Griffiths benutzt zum malen vorwiegend Tee, Tinte, Graphit und Aquarelle. Diese Techniken erlauben ihnen eine ätherische Atmosphäre in seinen Bildern zu schaffen. Seine „Aquarellen“ ergänzt er dann durch eine enorme Anzahl kleinster Details und verleiht ihnen so eine Tiefe, die die meisten Illustratoren nicht erreichen.

Dies scheint auch der Industrie zu gefallen, so hat er für das Hunger Magazine eine Reihe geschaffen, des Weiteren waren seine Entwürfe und Zeichnungen die Inspiration für die Kostüme im Film Valkyre (Tom Cruise) und Phantom der Oper (Andrew Loyd Webber).

Die Ausstellung zu dem britischen Couture-Haus Belleville Sassoon am Fashion and Textile Museum in London begleitend, hat Kuratorin Sarah Vine eine kleine, aber feine Auswahl an „modischen“ Büchern der vergangenen sechs Jahrzehnte zusammengetragen. Die literarischen Werke, die teils gar nichts mit dem Thema Mode zu tun zu haben scheinen, stammen allesamt aus den Archiven von Penguin Books und haben eine stylische Leserschaft oder ProtagonistIn gemeinsam. Wir haben Sarah Vine zu der ungewöhnlichen Idee befragt.

Modabot: Wie haben Sie die Bücher ausgewählt?
Sarah Vine: Die Auswahl sollte den Geschmack und die Sitten ihrer Zeit widerspiegeln, entweder durch zeitgenössische Fiktion einer Ära oder Klassiker, die in einem bestimmten Zeitraum wieder an Aktualität gewannen – zum Beispiel „Brideshead Revisited“ in den frühen 80ern.

Modabot: Wie kamen Sie auf de Idee, eine „Fiction in Fashion“ Ausstellung zu konzipieren?
Sarah Vine: Die Ausstellung untersucht, wie modische Frauen sich kleiden, von den 1950er bis in die 2010er Jahre. Eine Diskussion über die Leben dieser Frauen – wo sie ausgingen, wie sie sich die Zeit vertrieben – gab Ausschlag dazu, sich in der jeweils beliebten Literatur der Jahrzehnte umzusehen.

Modabot: Welchen Zusammenhang haben Mode und Literatur Ihrer Meinung nach?
Sarah Vine: Literatur ist eines der Werkzeuge, das Modehistorikern zur Verfügung steht, um Mode zu analysieren: die Beschreibungen der Mode einer Ära können Einblick darüber geben, was die Leute trugen. Auch Literatur unterliegt Moden, die sich mit der Zeit ändern.

Modabot: Welche Art der Präsentation haben Sie für die Bücher gewählt und warum?Sarah Vine: Die Bücher sollten im direkten Austausch mit den Kleidern stehen, damit sollte die Verbindung beider Welten reflektiert werden.

Modabot: Was sagen die ausgewählten Bücher und die Kleidung über die Gesellschaft der jeweiligen Dekaden aus?
Sarah Vine: Ich glaube, dass Bücher durch die verschiedenen Jahrzehnte die Veränderung der Gesellschaft widerspiegeln, die Offenheit und Entspannung der Traditionen. Sie können aber auch eine gewisse Nostalgie ausstrahlen – schön zu sehen an der Beliebtheit  Jane Austens oder Evelyn Waughs.

Modabot: Gibt es, ihrer Meinung nach, einen britischen Stil in Kleidung und Literatur? Wenn ja, was ist der gemeinsame Nenner?
Sarah Vine: Britischer Stil, sowohl in Kleidung als auch in Literatur verfügt über eine gewisse „Wryness“ (zu dt. etwa: Schiefheit) sowie Understatement. Beide Disziplinen können geschliffen, souverän, intelligent und herausfordernd sein, aber immer mit einem gewissen Witz und Erdung.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 11. Januar, mehr Infos gibt es hier.

Das Modemuseum Antwerpen und der belgische Möbelhersteller Bulo fanden sich zu einer kreativen Zusammenarbeit der etwas anderen Art zusammen: Mit dem Gedanken, eine Interaktion zwischen Handwerk und Digitalität zu schaffen, brachte man kreative Köpfe, wie die Architekten Jean Nouvel, Vincent Van Duysen, Bataille-Ibens, den Hutdesigner Stephen Jones und die Modedesignerin Ann Demeulemeester an einen Tisch. 

Gemeinsam mit Frederik Heyman, dem 3D-Spezialisten Wout Bosschaert und dem Sounddesigner Golden Hum wurde ein dreiteiliger Fashionfilm anlässlich des 50-jährigen Jubiläums von Bulo kreiert, welcher Handwerkskunst verschiedener Disziplinen vereint. Das so entstandene Video übersetzt die Funktionalität der Produkte in einer innovativen Animation.

Art direction: Frederik Heyman
3D Scans & 3D designs: Wout Bosschaert
Music & sound design: Golden Hum
Curated by: Kaat Debo

Für die sechste Auflage des Fashionfilm Festivals von A Shaded View On Fashion Film brachte Diane Pernet – Gründerin von ASVOFF – erneut illustre Gäste zusammen, die sich vom 11. bis zum 13. Oktober im Centre Pompidou in Paris ganz dem Genre des Fashionfilms hingaben.

Namen wie Larry Clark, Serge Lutens, Christophe Lemaire, Michele Lamy, Mike Figgis, Bettina Rheims, Flügel Shya, David Sims, Christopher Doyle, Ellen von Unwerth, Bruce Weber oder Labels wie Dior Homme, Chanel, Pierre Cardin, Haider Ackermann, Hussein Chalayan und viele mehr standen auf dem Programm von ASVOFF 6.

Im Rahmen eines spektakulären Openings traf sich das Who is Who der Film- und Modebranche, eine Live-Performance der kanadischen Violinistin Sarah Neufeld sorgte für Begeisterung und neben Diane Pernet, sowie der Jurypräsidentin Michèle Lamy (Ehefrau von Rick Owens) versammelten sich die weiteren Jurymitglieder und verkündeten die Gewinner der folgenden Kategorien:

Der ASVOFF Grand Prix ging an den Film „Holi Holy“ von Bharat Sikka für den Designer Manish Arora. Der Gewinn war keine besondere Überraschung, wurde er doch bereits im Vorfeld beim ASVOFF 6 Cocktail Preview während der Paris Fashion Week einem ausgewählten Publikum vorgeführt.

Neben dem Grand Prix  gewann „Holi Holy“ ebenfalls in den Kategorien Best Sound und Best Emerging Talent awarded by Nowness. Beim Nachwuchspreis erhielt Bharat Sikka zudem die Unterstützung von Nowness für sein nächstes Filmprojekt.

Best Art Direction und Best Styling gingen an den Film „BFC London Collection: Men FW13″ von Matt Lambert.

In der Kategorie Best Acting gewann der Fashionfilm „She Said, She Said“ von Stuart Blumberg.

Best Advertising erhielten Lernert & Sander für deren Film „We & Claes Iversen“.

Die Make Up Artistin Vicky Steckel gewann in der Kategorie Beauty Prize awarded by Make Up For Ever für den Film „Sister Act“ von Ellen Von Unwerth.

Best Documentary awarded by Blakiston Gallery ging an den Film „Zillions“ von Malcolm Venville für Nowness.

Neben den Gewinnervideos wurden alle anderen Kurzfilme, die es in den Wettbewerb geschafft hatten, während des Wochenendes im Centre Pompidou im Pariser Stadtzentrum vorgeführt. Doch nicht nur die über 80 Modekurzfilme aus der ganzen Welt gab es zu bestaunen; mit Konferenzen, Dokumentarfilmen, Live Auftritten und vielen Special Guests brachte man junge Talente, etablierte, sowie legendären Persönlichkeiten mit weiteren Filminteressierten zusammen.

Zudem präsentierte man mit dem neuen Festival-Partner Renault darüber hinaus einen Auftragsfilm des Künstlers Marcus Tomlinson für das ZOE Elektro Auto, mit dem Diane Pernet bereits während der vergangenen Paris Fashion Week die Strassen unsicher machen durfte. Eine Fetish Film Auswahl aus der letzten Mode Biënnale Arnhem: M°BA Ausgabe, sowie Fashiomfilme aus China – präsentiert von Modern Weekly – machten das Festival komplett und sorgten für ein unvergessliches Wochenende in Paris mit vielen neuen Eindrücken. Das ganze Programm hier im Rückblick.

Azzedine Alaïa, geboren 1939 oder 1940 in Tunesien, entdeckte bereits im frühen Alter seine Liebe zur Mode. Mit einer Lüge über sein wahres Alter (welches übrigens bis heute nicht bestätigt ist) schaffte er die Aufnahme an der École des Beaux-Arts in Tunis, studierte dort Skulptur und nähte während des Studiums für wohlhabende Kundinnen des Ateliers seiner Zwillingsschwester, die ihm auch das Schneidern von Grund auf beibrachte, Couture-Roben. 1957 kam Azzedine Alaïa dann nach Paris und so nahm die Karriere des „Pharao“ der Mode, wie er sich selbst bezeichnet, ihren Lauf.
In den imposanten Räumen des neueröffneten „Musée de la Mode“ im Palais Galliera in Paris wird heute, 56 Jahre später, das Lebenswerk des Modeschöpfers ausgestellt.

Der Berliner Designer Dawid Tomaszewski stattete der Ausstellung während der vergangenen Paris Fashion Week einen Besuch ab und berichtet für modabot.

Die Exposition gibt dem Besucher einen einmaligen Einblick in das Schaffen von Azzedine Alaïa: In fünf Jahrzehnten seiner Arbeit sind geflochtene oder gestrickte Meisterwerke an Kleidern mit Spitze und Volants – welche die revolutionäre Strickverarbeitung Alaïas verdeutlichen – und andere kunstvoll drapierte Haute Couture Kreationen entstanden.

Der in Paris lebende Modeschöpfer nutzte häufig zukunftsweisende Materialien darunter Raffia, Jersey oder Lycra und ging in seinen Kreationen stets respektvoll mit den Textilien um. Avantgardistisch war auch sein Einsatz von Leder und die dazugehörende Verarbeitungstechnik, wodurch Jacken aus Kroko-Leder und zahlreiche weitere Kleider aus ungewöhnlichen Materialien entstanden.
Kunstvolle Schnitte, Drapierungen von Wollstoffen und skulpturale Silhouetten seiner Entwürfe spiegeln die Bewunderung des gelernten Bildhauers für den Frauenkörper wieder.

Die Ausstellung ermöglicht es dem Besucher sich die Musen des Künstlers, wie Grace Jones oder Naomi Campbell, bildlich vorzustellen und zu spüren, für wen der Designer die Kleider geschaffen hat. Exponate des berühmten Reißverschluß-Kleides oder ein weißes Kleid bestäubt mit schwarzem Puder gewähren einen einzigartigen Einblick in die Schöpfung Alaïas.
Alaïas Werk ist für mich Schneiderkunst im wahrsten Sinne des Wortes – Insgesamt eine der schönsten Ausstellungen, die ich je besucht habe.

Die retroperspektive Ausstellung „Alaïa“ im Palais Galliera in Paris ist vom 28. September 2013 bis zum 26. Januar 2014 geöffnet und zeigt die eindrucksvollsten Kreationen von Azzedine Alaïa seit seiner ersten Kollektion aus dem Jahre 1979, darunter über 70 Ausstellungsstücke unterteilt nach „Leder“, „Samt“, „Wolle“ und „Pelz“ die es im Palais zu bestaunen gibt.

Text by: Dawid Tomaszewski

David Despau begann nach dem Abitur, Architektur zu studieren, merkte aber schnell, dass das Zeichnen seine Leidenschaft war und nicht das Entwerfen, und sattelte daher auf bildende Kunst um. Nachdem er seinen Abschluss in der Tasche hatte, arbeitete er zehn Jahre lang als Kreativdirektor der Werbeagentur Orbital BBDO in Barcelona. Ohne Portfolio oder Erfahrungen als Illustrator übernahm er in der Agentur einen Kunden für dieses Feld – und so begann seine Karriere als Illustrator.

Despau glaubt, dass der wichtigste Aspekt in der Illustration das Kombinieren von Typografie und visuellen Rhythmen ist. Dazu benutzt der Illustrator primär Bleistift und Kugelschreiber. Die „fertigen“ Zeichnungen bearbeitet er im Anschluss mit Photoshop.

Das Resultat dieser Techniken sind extrem grafische Illustrationen, die irgendwo zwischen der Leichtigkeit der Bleistifts- oder Kugelschreiberzeichnungen und der Photoshopbearbeitung liegen, die leicht an Tinte oder Aquarell erinnert. David Despau schafft es so, einen gewissen Rhythmus in das Bild zu bringen und mit den extrem naturgetreuen Zeichnungen ein wahres Portrait einer Person zu erschaffen.

Zu seinen Kunden gehören nicht nur Modehäuser, sondern auch DC Comics, 11 Freunde oder Gala Men. Kein Wunder,  dass seine Wonder Woman-Zeichnungen zu den beliebtesten Illustrationen der Superheldin gehören.

Magdalena Pankiewicz ist eine junge polnische Illustratorin, die sich primär von der Mode inspirieren lässt. Sie studierte Malerei an der europäischen Akademie der Künste zu Warschau und schloss dort ihren Bachelor mit Auszeichnung ab. Schnell etablierte sie sich in Polen als freie Illustratorin und setzte ihr Studium an der Akademie zu Warschau fort. Ihre Zeichnungen beweisen Können und Humor. 

Magdalena Pankiewicz nutzt für ihre Illustrationen zwei Techniken: Sie zeichnet mit Tusche oder Tinte die Outlines und bearbeitet sie anschließend auf Photoshop, um die Flächen zu füllen und die Zeichnung sauberer zu machen. Das Resultat ist ein sehr erfrischender Minimalismus, der stark an amerikanische Comics erinnert.

Die Illustratorin vermischt außerdem gerne verschiedene Medien. So kollaboriert sie oft mit Fotografen, bei denen sie einen Teil des Fotos in ihrer Bildsprache zeichnet und es dann auf das Bild klebt. Das führt zu einem sehr amüsanten Effekt, der langsam zu ihrem Markenzeichen wird. Denn eines kann die junge Polin sehr gut: Sie schafft es in jeder Illustration eine kleine Portion Humor einzubringen ohne aber die Sauberkeit ihrer Arbeit zu vergessen.

Garytu ist eine tawanesische Mode-Illustratorin, die sich auf die Darstellung von Frauen spezialisiert hat. Insbesondere interessiert sich die junge Frau für Augen und den Ausdruck der Frau.

Sie sieht sich selbst mehr als ein „graphic Thinker“ und nicht als Künstlerin. Garytu drückt sich durch die graphische Darstellung ihrer Gedanken aus und formuliert so, nach eigener Aussage, eine Liebeserklärung an die drei Sachen, die sie am meisten beschäftigen: Mode, Kunst und Design.

Ihre Leidenschaft fängt sie mit Aquarellen ein. Die Farben verschwimmen und verlaufen, ergeben starke, graphische Striche die in ihrer Gesamtheit ein Bild entstehen lassen. Es geht der jungen Illustratorin nicht um die Genauigkeit ihrer Darstellung oder der Technik, obwohl sie sich immer wieder in Workshops einschreibt um sich zu verbessern.
Garytu versucht durch ihre Zeichnung ihre Unruhe und ihr Tatendrang in auf Blatt zu bringen und sich so Stabilität und Ordnung zu geben. Diese fast therapeutische Herangehensweise erschafft Frauen, die stets zwischen Überlegenheit und Verletzlichkeit schwanken und somit beweisen, dass hinter dem Glanz der Mode auch immer die Verletzlichkeit des Menschens steckt.

Mit Berlin Dress 0.1 präsentierte sich vom 31. August bis 1. September 2013 ein zweitägiges Fashionfestival in der Platoon Kunsthalle: Über 70 Labels stellten der lokalen Designerszene ihre neuesten Kollektionen vor und boten sie zum Verkauf an, darunter Ame Soeur, Anne Gorke, Butterflysoulfire, Sopopular, Zookie, Tata Christiane und viele mehr.

Die Veranstaltung soll zukünftig zweimal im Jahr stattfinden und im nächsten Jahr mit einem gleichnamigen Onlineshop einen Querschnitt durch die gelebte Mode in Berlin geben – aktuelle Strömungen und Trends der Berliner Design-, Fashion-, Musik-, Event- und Clubkultur aufzeigen. Abgerundet durch Performances, Installationen und DJ-Bookings zeigte sich zum Kick-Off des Events am Vorabend ein Fashionfilm Screening lokaler Designer.

Viele der ausgewählten Fashion Shorts wurden bei Modabot bereits vorgestellt, darunter The Fashionista Spy oder Mia by Einat Dan von Aviv Kosloff, Tata Christiane – Le Troisième Œil und Aniaetleprogrammeur – Low Passion von Valquire Velkovic, Sopopular – The Wild One von Juan Manuel Sanchez, Julian Zigerli – Happy Tears von Martin Monk, sowie Franzius – Holi von Mario Stahn.
Im folgenden eine Auswahl weiterer Fashionfilme des Berlin Dress 0.1. Screenings;

Antoniya Ivanova – „Girls on Bikes“ von Nehemias Colindres

Grosser Heinrich – „Großer Heinrich XIII“ von Simone Fehlinger

Piroshka – „Piroshka’s dream“ von Anna Hegedüs

RakiBCN – „RakiBCN SS12″ von June-Louis

„Alter Ego“ von Rusch Meyer