In ihrem jährlichen School-Battle trafen sich gestern Abend das Fashion Institute of Technology und das Parsons Institute, die beiden führenden amerikanischen Modeschulen, zu einem erneuten Kräftemessen bei der Fusion Fashion Show. Die Gewinner des Abends: Marian Van Nguyen (Parsons) und K’Luu (FIT). Außerdem konnte das FIT die Gesamtwertung dieses Jahr für sich entscheiden und geht damit nach dem letztjährigen Gleichstand der Schulen in Führung.

Beide Designer konzentrierten sich auf Schnitt und Konstruktion, beziehungsweise Dekonstruktion, und ließen Farben links liegen. Wie auch bei Julien Archer im vergangenen Jahr scheint die Ästhetik japanischen Dekonstruktivismus, wie den von Issey Miyake oder Yohji Yamamoto zu Rate zu ziehen, allerdings wirken beide Kollektionen nicht ganz so sophisticated.

Am Ende eines Jahres wird es besinnlich, es ist Zeit zum Nachdenken, für den kritischen Blick zurück. Was im vergangenen Jahr in der Mode, dem Internet und auf modabot passiert ist, wird nun in mehreren Teilen hier zusammengetragen.

Im Januar stand alles im Zeichen der Berlin Fashion Week. Modabot berichtete von den Schauen JuliaandBens, Reality Studios, Kaviar Gauches und Mongrels in Commons, war im Edged Showroom und bannte die Shows von c.neeon und Odeur auf Video. Außerdem  wurde vom Humanity in Fashion Award von Hessnatur Bericht erstattet, den Sandra Goldmann gewann. Zu guter Letzt gab es Einblicke in die Cecil Beaton Ausstellung im Museum of the City of New York.

Der März bescherte der Fashion/Internetcommunity ein neues It-Girl. P’trique und seine Videoserie Sh*t Fashion Girls say eroberten das Internet und seine Hochburg Youtube im Sturm.

Dazu beschäftigte man sich bei modabot mit philosophischen Fragen: Im Feature Kommerz und Schmerz ging es um den Zusammenhang zwischen Schönheit und Leiden. Vom chinesischen Fußbinden über Haarentfernung und Diäten, so das Fazit, bleibt Schmerz eine Konstante der Schönheit, auch bei sich ändernden Schönheitsidealen.

Des Weiteren fragte sich die Redaktion, ob die Mode durch Konglomerate und Holdinggesellschaften ihre Freiheit und Identität verliere. Designer als Gebrauchsgut hinterfragte die Kräfte, die das Modekarussell in Bewegung halten, aber die wahre Kreativität unabhängiger Modemacher womöglich unterdrücken.

In Vom Youthquake und seinen Nachbeben wurde die Frage aufgeworfen ob nun, 50 Jahre nach dem Youthquake der 60er, nun die Zeit gekommen sei, in der Alter kein Stigma mehr darstellt. Stilikonen jenseits der 50 machen den Anfang, Iris Apfel und der Blog Advanced Style erleben einen ungewohnten Hype. Die Babyboomer sind alt geworden, geht der Trend mit ihnen?

In New York fand das jährliche Duell, die Fusion Fashion Show, zwischen den renommierten Modechulen Parsons und FIT statt, aus dem 2013 Julien Archer als Gewinner hervorging und das 13. Kräftemessen wieder für Parsons entschied.

Mode traf Mathe in der Vorstellung des Blogs Fashematics. Die witzigen Kombinationen von Jonathan Zawada treffen den Nagel auf den Kopf.
 

H&M Brand für Spring 2013 geplant
& Other Stories soll der Name der Brand sein, die im Frühjahr gelauncht wird, mit eigenen Stores und einer E-Commerce Seite. Offenbar handelt es sich um reine Womenswear, inklusive Accessoires und Schuhe, kreiert in Ateliers in Paris und Stockholm. [VogueUK]

Manolo Blahnik, Bild via

British Fashion Awards: Manolo Blahnik gewinnt Outstanding Achievement Award
Am 27. November wird der Designer die Auszeichnung entgegennehmen, mit welcher ihn der British Fashion Council für seine fast 40-jährige Karriere ehrt. [TheStyleExaminer]

Liu Xianping, Bild via

Grandpa goes viral: Internetsensation aus Shanghai
Ein 72-jähriger Großvater wird derzeit zum Internetstar der Modewelt. Er half seiner Enkelin, die eine Onlineboutique besitzt, beim Auspacken der Klamotten und begann ihr Kombinationsvorschläge zu geben. Aus Spaß begannen die beiden ein Shooting. Liu Xianping hat kein Problem mit den Fotos: „Why unacceptable (for someone like me to wear women’s clothes)? Modelling for the store is helping my granddaughter and I have nothing to lose. We were very happy on the day of the shooting. I’m very old and all that I care about is to be happy.“ [Fashionista]

Julia Winkler, Maia Bergman, Bilder via

Berlinerin unter den Finalisten des Muuse X Vogue Talent Wettbewerbs
Die zehn Finalisten stehen seit heute fest: Wali Mohammed Barrech (Academy of Fine Arts Antwerp); Maia Bergman (Central Saint Martins); Magnea Einarsdottir (Central Saint Martins); Jolka Wiens (Gerrit Rietveld Academy); Helen Castillo (FIT), George Keburia (Tbilisi State Academy of Fine Arts); Daniel Pollitt (Royal College of Fashion); Chai Hui-Kuo (Parsons); Anita Hirlekar (Central Saint Martins) und Julia Winkler (Esmod Berlin).

KORREKTUR (23.11.2012): Die richtigen Finalisten sind: Apu Jan (RCA), Peggy Pei-Chuan Tsai (Istituto Marangoni), Ece Gozen (Mimar Sinan Fine Arts University), Anya Zuyeva ( Academy of Art University), Vahan Khachatryan (Accademia Italiana), Nicole Mahrenholz (HTW), Xiaotong Li (Istituto Marangoni), Daizy Shely (Istituto Marangoni), Mia Pava (Shenkar), Claudia Danna (Accademia Altieri).

Katar will in italienische Mode investieren
Die Investmentgesellschaft Qatar Holding und der italienische strategische Staatsfonds haben dazu das Geschmeinschaftsunternehmen “IQ Made in Italy”-Projekt gegründet. Das arabische Emirat will in Nahrungsmittel, Mode und Luxusgüter investieren. [Fashionunited]

Eindrücke aus einer chinesichen Textilfabrik, via

Greenpeace findet giftige Stoffe in Textilien.
141 Artikel von 20 großen Labels wie Zara, Levi’s, Mango, Calvin Klein und H&M, wurden auf Phthalate, Nonylphenolethoxylate (NPEs) und Azofarbstoffe getestet.
Das Ergebnis: Vier Artikel enthielten hohe Konzentrationen giftiger Phtalate, 89 enthielten NPEs und zwei, beide von Zara, enthielten krebserregende Amine aus Azofarbstoffen. Seit 2011 versucht Greenpeace Konzerne dazu zu bewegen, ihrer Detox Campaign beizutreten und giftige Chemikalien aus dem Herstellungprozess zu verbannen. Den ganzen Bericht gibt es hier.

„… eine Schicksalswendung, den Hoffnungsstrahl… die Hand gedreht, unmerklich nur, wendet des Lebens Bahn, des Lebens Ziel… dreht sich das Kaleidoskop des Lebens, so bedarf es nicht viel…“ (Danielle Steel, 1987)

Bibhu Mohapatra half der Marke J.Mendel zur Wiederbelebung, indem er sie einem jüngeren Publikum öffnete. Auch das ikonische amerikanisch Modelabel Halston zählt zu seinen Stationen. Inspirationen seiner eleganten Designs bezieht er aus den farbenprächtigen Stoffen seiner Heimat Indien. 2009 rief er sein eigenes Label ins Leben.

Bibhu stand im Finale des „Women´s Apparel 2010 Rising Star Award“ der Fashion Group International, erhielt im selbigen Jahr den „Young Innovator Award“ vom National Arts Club und wurde Mitglied des Coucil of Fashion Designer of America.
Um die Erfolgsgeschichte zu ergänzen, folgte der „Ecco Domani Fashion Foundation Award“ 2011.

Die Regie zum Video seiner H/W 2012 Kollektion übernahm Katie Fischer. Ein Film, eine Sammlung, eine Hommage an die chinesische Oper des frühen 20. Jahrhunderts „The White Haired Girl“. Ebenso wie die Kollektion dreht sich hier alles um die Kraft, den Mut und die Leidenschaft zur Liebe im kaiserlichen China. Auch wenn das Video einige Elemente aufweist, die schon oft in Fashionclips gesehen, überzeugt es durch Neuerungen, es richtet seinen Fokus auf die weintraubenfarbenen Lippen und die weiß gepuderten Augen des Models.
Dieses, in seiner Schönheit liegt, läuft, steht, wiegt sich im Takt und präsentiert sich als starke Frau. Mit kaleidoskopischen Effekten, langsamen und verzerrten Bewegungen, entführt uns Badha in seine sinnliche Herbstvision.

Für Portable.tv kreierte der bulgarische Fotograf Oggy Yordanov den Fashionclip „Dark Daze“. What!? Magazine, Egoiste, Dazed Digital und viele weitere zählen zu seinen Auftraggebern und auch ein Buch „New Club Kids: London Party Fashion Of The Noughties“ hat der in London lebende Künstler bereits veröffentlicht.
Seinen Fokus richtet Oggy mittlerweile mehr auf das bewegte Bild, so geschehen bei Dark Daze.
Das Model Amber Pyper ist in diesem verstörenden Clip zu beobachten, die scharfen Schnitte brechen in abstrakte Muster, drehen sich, Lichtstrahlen verstärken den Effekt.
In rapidem Tempo wird die Aufmerksamkeit des Publikums gehalten, und eine starke Komposition präsentiert, bei der die Mode nicht zu kurz kommt.

Oggy Yordanov scheint ein Faible für kaleidoskopische Effekte zu haben und darin eine große Aussagekraft zu finden. Für die Designern Laura Theiss und ihre H/W Kollektion 2012 zeichnete er sich für den dazugehörigen Imageclip mit eben solchen Effekten verantwortlich. Die Strickbegeisterte Central Saint Martins-Absolventin fand ihre aktuelle Inspiration in alten Science-Fiction Filmen und transportierte diesen Einfluss in kosmischen Farben und Formen auf ihre Kreationen.
Der dazugehörige Kopfschmuck und die Masken sollen das Geheimnis um das Gesicht des Trägers hervorheben und an unbekannte, fremde Wesen erinnern. Das Video zu „intercapedonemvs“ zeigt sich mit über 2 Minuten überdurchschnittlich lang, und präsentiert neben dem alienhaften, unkenntlichen Wesen eine Mondfrau in abstrakten Bewegungen.

Auch Prabal Gurungs kaleidoskopische Videopräsentation braucht sich nicht zu verstecken. Den in Singapore geborenen Designer verschlug es früh nach New York, wo er nach seinem Abschluss am Parsons Institut den Titel „Best Designer“ des Parsons/FIT Wettbewerbs, Fusion, gewann.
Es folgten weitere Nominierungen und Awards anderer Wettbewerbe. Nach seinem Praktikum bei Donna Karan und fünfjähriger Beschäftigung als Design Direktor bei Bill Blass, entschloss sich Prabal 2010 zur Gründung seines eigenen Labels. Die Nominierung und Aufmerksamkeit durch den CFDA/Vogue Fashion Fund trug nicht unwesentlich zu seinem Erfolg bei.

Die Sommerkollektion 2012 von Prabal Gurung besticht durch Blumenmotive, Fetischdetails und dem psychedelischen Spiel mit Farben.
Im Video übersetzte der Regisseur Daniel Jackson gekonnt die Merkmale des Designs und entführt den Zuschauer auf eine Reise, die von einem rasanten Tempo geprägt ist.
Die schnellen Aufnahmen des Models Candice Swanepoel und der lila farbenen Orchideen in kaleidoskopischem Effektspiel rauben dem Betrachter fast den Atem. Der Herzschlagrhythmus intensiviert das atemlose Gefühl des nur 38 Sekunden dauernden Videos.
Der Clip visualisiert die Inspiration des Designers und so reicht es, das nur ein einziges Kleid aus der Kollektion präsentiert wird.

Auch in Prabal Gurungs vorhergegangenen Fashionclip zu seiner Pre-Fall 2012 Kollektion zeigen sich kaleidoskopische Effekte. Regie zum Video führte der renommierte Fotograf Dan Martenson. Mit der Resortkollektion wollte der Designer kurz innehalten, und auf seine Zeit in Indien zurückschauen.
Einige Jahre lebte er in Neu-Delhi und studierte am National Insitute of Fashion Technology bevor es ihn nach Amerika zog. Die Erinnerungen daran und die damit verbundene nostalgische Stimmung transferierte der Designer kurzum in die Kollektion.

Mit ihrer ruhigen Eleganz und puristischen Silhouette entwirft Pola Thomson subtil komplexe Stücke, die die weibliche Form betonen.
Die gebürtige Chilenin lebt in New York und fand in Cesare Serra den perfekten Regisseur, um ihre Herbst Winter 2012 Kampagne zu visualisieren.
Die künstlerische Zusammenarbeit bringt eine kaleidoskopische Vision hervor, in der sich das Model Daniela rehäugig durch den Raum bewegt.

Twiggy in Betsey Johnson, British Vogue 1966, Foto David Bailey; Lauren Hutton in einem „Glue it Yourself dress“, ebenfalls Betsey Johnson, LIFE, 1966. Fotograf unbekannt.

Die Ausstellung mit dem Titel Youthquake! The 1960s Fashion Revolution, derzeit am FIT zu sehen, beschäftigt sich mit einem wichtigen Wendepunkt der Mode, der Medien und der Kultur: die Jugendrevolution der Sechziger Jahre. Von einer Gesellschaft, in der das Establishment das Sagen hatte, wandelte sich beinahe schlagartig alles hin zu einem Massenmarkt dominiert von Teens und Twens, eine Veränderung, die selbst die Haute Couture transformierte.

Obwohl dem Youthquake schon in den Fünfzigern eine Revolution der Jugend vorangegangen war, thematisiert in Filmen wie Rebel without a Cause oder The Wild One, war London in den 60ern dennoch das Epizentrum der kulturellen Revolution, die das Gesicht der Mode, der Werbung und des Konsums für die nächsten Jahrzente verändern sollte.
Mods, Beatniks, wenig später Hippies, Mary Quant und schockierend kurze Rocksäume waren die Symptome einer Veränderung, die viel tiefer lag. Teenager rebellierten gegen die Traditionen und überkommenen Ansichten ihrer Eltern und der Gesellschaft, in der sie lebten. Sie sahen die gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten, technologisch-wissenschaftliche Veränderungen und einen sinnlosen Krieg, der ihre Freunde das Leben kostete. Im Gegensatz zu den Jahrzehnten zuvor verfügten sie jedoch über die monetären Mittel und die Freiheit, ihr Geld auszugeben, wie sie es für richtig hielten. Eine Uniform der Andersartigkeit war geboren.

Kleid von Harry Gordon 1967, Twiggy inspirierte Strumpfhosen ca. 1967-68

Twiggy, das mädchenhafte Model mit den langen Wimpern und Minikleidern wurde zum Aushängeschild dieser Generation, die ihren Widerspruch gegen die Ungerechtigkeit ihrer Welt unter anderem durch Kleidung ausdrückten. Lange Haare für Männer und Pixie-Haarschnitte für Frauen rüttelten an althergebrachten Konventionen wie ein Mann oder eine Frau auszusehen habe, und Miniröcke fochten einen Kampf um Selbstbestimmung weiblicher Körper auf einem deutlich sichtbaren Level aus.

Die Ausstellung zeigt unter anderem Stücke von Mary Quant in London, Harry Gordon’s A-Linien Kleid mit einem Foto von Bob Dylan, und Betsey Johnson für Paraphernalia in New York. Die körperfernen Schnittmuster dieser Mode begünstigten weiter die massenhafte Produktion der Kleidung und ermöglichten somit eine sehr demokratische Verbreitung der Mode, die sich jeder leisten konnte.

Noch heute sind der Musikmarkt, die Kosmetikbranche und die Modeindustrie von all diesen Veränderungen stark beeinflusst, und speziell das ideale Körperbild der Frau wandelte sich zu dem des beinahe knabenhaften Models, begonnen mit Twiggy und gipfelnd in Kate Moss. Die Nachbeben des Youthquake änderten Schauspieler/innen, die immer jünger zu werden scheinen: Dakota Fanning, Emma Watson, Justin Bieber, Elizabeth Olsen, Tavi Gevinson und zahlreiche weitere junge Nachwuchstalente sind die neuen Gesichter der Entertainmentindustrie, und der Modeanzeigen, lange bevor sie Erwachsenenalter erreichen.
Doch zeichnen sich auch Gegenströmungen ab. Doves Werbekampagnen mit weniger perfekten, reiferen Frauen, Brigittes Ansatz, „echte“ Frauen als Modelle zu benutzen, Schauspielerinnen wie Kate Winslet, die digital nachbearbeitete Bilder von sich nicht veröffentlichen lässt, und Großbritanniens Verbot zu stark gephotoshoppter Models in Werbeplakaten – es scheint sich ein, wenn auch zaghafter, Gegentrend zum bedingungslosen Jugendideal abzuzeichnen.

M.A.C. Kampagne mit Iris Apfel, Debra Rapoport auf Advanced Style

Zuletzt die neue Linie der Kosmetikfirma M.A.C., die mit dem Gesicht der über 90-jährigen Iris Apfel wirbt. Designer machen sich Gedanken über Mode im Alter, Modeblogs, wie beispielweise Advanced Style in den USA oder Anders-Anziehen in Deutschland fordern das gängige Schönheitsideal heraus und zeigen wie modisch und mutig Frauen (und Männer) in fortgeschrittenen Alter sein können.
Meryl Streep, 62-jährig, zierte das Cover der US Vogue im vergangenen Januar, als ältestes Covermodell in der Geschichte des Magazins.
Der Trend, falls es einer ist, wäre sinnvoll: Die Gesellschaft hat sich verändert, speziell in Europa wird die Bevölkerung immer älter, mit zurückgehenden Geburtenraten. Senioren haben Zeit und Geld und stellen eine wachsende Bevölkerungsschicht, zudem sind sie aktiver als je zuvor, geben mehr Geld für ihr Äußeres, Reisen und Gesundheit aus.
So wie die 60er nach einer Jugendrevolution verlangten, so scheint sich für die 2010er eine Kehrtwende, ein Umdenken von einem bedingungslosen Jugendwahn abzuzeichnen.

Dr. Caroline Weber, Fashion Icons from Marie Antoinette to Daphne Guinness

Das Museum des Fashion Institute of Technology (FIT) in New York organisiert neben Ausstellungen zum Thema Mode auch Vorträge und Symposien. Ein solches Symposium fand unter dem Namen Fashion Icons and Insiders statt und beinhaltete Vorträge zu bekannten und weniger bekannten Modeikonen. Die derzeit zu sehende Daphne Guinness Ausstellung wurde hier an anderer Stelle bereits besprochen, und lieferte den Aufhänger für besagtes Symposium.
Die blonde Modemäzenin machte daher auch den Anfang der Lesungsreihe im Gespräch mit Kuratorin Valerie Steele.

Dr. Caroline Weber schloss an das Gespräch ihrer Vorgängerinnen an und versuchte sich am Beispiel Marie Antoinettes dem Phänomen Modeikone zu nähern. In Ihrem Buch Queen of Fashion: What Marie Antoinette Wore to the Revolution, beschreibt sie, wie in Sophia Coppolas filmischer Aufarbeitung der jungen Marie Antoinette zu sehen, Maries Flucht vor höfischem Druck in die Mode.
Ihre Bilder waren die ersten aus einem Königshaus, die für Modemagazine benutzt werden durften. Besonders die von ihr getragene Hutmode fand am Hofe Versailles viele Nachahmer. Der Pouf a la Circonstance, ein Hut der je nach Anlass gestaltet wurde: Zur Feier des französischen Sieges in einer Seeschlacht trug sie ein Schiff im Haar. Als ungewollte Österreicherin benutzte sie Straußenfedern (Autriche/Autruche) als visuell-ironisches Wortspiel und Kommentar in ihrer Kleidung. Der Pouf à la Jardinière brachte frisches Gemüse auf die Häupter des französischen Adels.

Marie Antoinette mit einem Pouf de la Circonstance; Eric Gaskins und Eric Wilson Birkin is the new Black.
How Items have replaced Icons

Thelma Golden, Chefkuratorin des Studio Museum in Harlem lieferte einen inspirierenden und eindrucksvollen Beitrag zu „Black Fashion Icons“, in welchem sie auf die Rolle afroamerikanischer Modevorbilder einging. Sie begann ihre Schilderung mit ihrem zehnjährigen Selbst, das sich mit Diana Ross in ihrer Rolle als Tracy Chambers im Film Mahogany aus dem Jahre 1975 identifizierte.
Diana Ross spielt dort eine ehrgeizige Modedesignerin, die als Model zu internationalem Ruhm kommt. Auch wenn aus heutiger Sicht die Rolle doch einige Einschränkungen für farbige Frauen in den 70ern aufweist, diente sie doch als Vorbild für eine Generation junger Schwarzer.
Golden sprach weiterhin die Rolle von James Van der Zee an, der die Harlem Renaissance der 1920er bis 30er dokumentierte, eine Zeit in der sich Harlem kulturell und modisch um Aufschwung befand.
Weitere, die Mode beeinflussende Afroamerikaner seien Josephine Baker, Naomi Sims, Grace Jones und Cicely Tyson gewesen. Sie kritisierte die noch immer währende Ungleichheit in der Mode, die schwarze Models benachteilige.
Mode sei, so Golden, ein Mittel zur Selbstdefinition und Selbstfindung, sowohl des Individuums als auch einer Kultur.

Thelma Golden, Black Fashion Icons; Cherie Burns, How Millicent Rogers Made Her Mark

Cherie Burns ist die Autorin des Buches „Searching for Beauty“, einer Biografie über das Leben von Millicent Rogers, einer, wie Diane von Furstenberg sagt, Amerikanischen Legende. Wenn man auch hierzulande nicht viel von der Ölerbin gehört haben mag, als amerikanische „Socialite“ ist sie in den USA ein Begriff. Ihr bewegtes Leben, von der umworbenen Debütantin über Romanzen mit Clark Gable, Edward VIII und Roald Dahl, bis hin zu ihrem Engagement für die Rechte der Amerikanischen Ureinwohner, zusammen mit ihrem glamourösen Stil, inspiriert Designer bis heute.

Thierry-Maxime Loriot, The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From the Sidewalk to the Catwalk

Weitere Vorträge wurden gehalten von Thierry-Maxime Loriot über Jean Paul Gaultier, dessen Ausstellung From Sidewalk to Catwalk diese Woche im Dallas Museum of Art eröffnet wurde: Eric Wilson und Eric Gaskins, Birkin is the New Black. How Items have Replaced icons; Caroline Rennolds Milbank, Unsung Icons; Nathalie Khan, Celebrity Fashion Icons; Dr. Vicki Karaminas, Vampire Dandies: Fashionable Masculine Identities and Style; Simona Segre Reinach, Italian Fashion Icons and Insiders; Glenda Bailey and Laura Brown, Harper’s Bazaar: Greatest Hits; Dr. Peter McNeil, Gay Fashion Icons.

Vortragsreihen, die sich Europa nur wünschen kann.

Eine Vorliebe für Rüstung. Schuhe: Alexander McQueen

Daphne Guinness – Modeikone, Couture-Sammlerin, Brauerei-Erbin, Niarchos-Ex-Ehefrau, Mutter von drei Kindern und Model. Kurzum, eine facettenreiche Persönlichkeit.
Das Fashion Institute of Technology (FIT) stellt die key-looks und Meisterwerke heutiger Haute Couture aus dem Besitz der platinblonden Mode-Naturgewalt mit den schwarzen Strähnen im Haar, nun in seinem Museum aus.

Daphne Guinness Ausstellungsposter, Outfit von Gareth Pugh „Armour“

Zwei Räume sind es, die einen Bruchteil von Daphne Guinness‘ Kleiderschrank beinhalten, doch diese zwei Räume lassen eine Welt entstehen, in der kein Outfit zu gewagt, keine Kombination unmöglich, keine physikalischen Naturgesetze unbezwingbar scheinen. Schwerkraft beispielsweise scheint der Modeikone nichts anhaben zu können: auf den absatzlosen roten Wildleder-Plateau-Schuhen von Nina Ricci zu stehen beispielsweise bereitet der zierlichen Modeikone keinerlei Probleme.

Stücke aus der Abteilung „Chic“, Federumhang von Alexander McQueen

Auch ein Federumhang von Alexander McQueen, gleich einer sagenumwobenen mythischen Figur, einem Opernkostüm, sicherlich sehr schwer, wiegt nicht zuviel für den großen Auftritt. Für Guinness ist die Welt eine Bühne.

Sechs verschiedene Bereiche gibt es in der Ausstellung, die sehr dunkel und in blau gehalten ist, der New Yorker Wohnung der Brauerei-Erbin nachempfunden, was immer das heißen mag.
Die erste trägt den Namen „Dandyism“ und zeigt vor allem Anzüge, enganliegend, mit schwarz-weiß gestreiften Hosen.
Die nächste, „Armor“, beinhaltet den Körper schützende, verstärkende Outfits, wie zum Beispiel einen Anzug, aus dem Nägel hervorstehen. Wieder eine andere mit dem Titel „Exoticism“, zeigt ein asiatisch inspiriertes Kleid von Alexander McQueen mit weiten und überlangen Schmetterlingsärmeln und einem schwarzen Drachenprint auf orange-violettem Hintergrund. „Chic“, „Evening Chic“ und „Sparkle“ zeigen Abendkleider, Kostüme und allerlei ausgefallene Ensembles von Alaïa über Valentino, Lacroix, und Chanel – perfekt inszeniert bis hin zu den passenden Philip Treacy Hüten.

Schuhe: Nina Ricci, silbernes Kleid: McQueen