Eine der tragischsten Figuren auf der Bühne des Modetheaters ist wohl ohne Zweifel die verstorbene britische Modeikone Isabella Blow. Als Entdeckerin und Mentorin von Alexander McQueen und Philip Treacy in die Geschichte eingehend, kämpfte sie verzweifelt für mehr Schönheit in der Welt, die ihr offenbar so deprimierend vorkam, dass sie ihrem Leben selbst ein Ende setzen musste. Im Somerset House würdigt man nun ihren, vielleicht zu spät in vollem Maße erkannten, Einsatz für die britische Mode: Isabella Blow: Fashion Galore!

Bereits der Einstieg war schwer für Isabella Blow: sie stammte aus einer einst adligen britischen Familie, die noch nicht damit umzugehen gelernt hatte, Geld selbst zu verdienen, und die letzen Reste des Familienvermögens aufbrauchte, bevor Isabella selbst ins Arbeitsleben einstieg. Trotzdem hatte Isabella Delves Broughton, wie sie damals noch hieß, Geld von einem Treuhandvermögen, welches sie nicht zu langsam aufbrauchte.
Eine zusätzliche Tragödie erschütterte die Familie, als Isabellas Bruder mit zwei Jahren im Swimmingpool ertrank. Die Beziehung zu beiden Eltern war ihr Leben lang kühl, ebenso wie die Beziehung zu ihrer Stiefmutter.

Mit ihrem ersten Mann, welchen sie in Oxford kennen gelernt hatte, zog sie Anfang der 80er nach New York, wo sie 1981durch ihren Freund Bryan Ferry, Anna Wintour, damals Fashion Director der US Vogue, kennen lernte und als ihre Assistentin arbeitete. In New York machte sie auch Bekanntschaft mit Warhol und Basquiat und brachte diese zur Vogue.
1986, nach ihrer Scheidung, kehrte sie nach London zurück und begann beim Tatler zu arbeiten, wo sie sich mit ihrem einzigartigen Gefühl für Stil und Avantgarde zum Fashion Director hocharbeitete. Das Blatt erhielt durch sie einen neueren, jüngeren Touch und begann Fotostrecken von Weltrang zu produzieren, darunter insbesondere der Babes in London Shoot von Steven Meisel mit den britischen Aristokratinnen Honor Fraser, Bella Freud, Plum Sykes und Stella Tennant.

Blow gewann an Einfluss und machte nach Außen hin den Eindruck einer erfolgreichen Frau, doch plagten sie heimlich Geldsorgen (ihr Vater hatte sie enterbt) und ein unbefriedigtes Geltungsbedürfnis, sowie die Angst, übergangen zu werden: „She was upset that Alexander McQueen didn’t take her along when he sold his brand to Gucci. Once the deals started happening, she fell by the wayside. Everybody else got contracts, and she got a free dress“, so Daphne Guinness, eine gute Freundin von Blow. Zudem war sie zutiefst unglücklich über ihre Unfruchtbarkeit und die ihr somit verwehrte Chance auf Kinder.
2007 unternahm sie mehrere Selbstmordversuche, die allesamt scheiterten. Als sie am 6. Mai 2007 das Unkrautvernichtungsmittel Paraquat trank und ins Krankenhaus eingeliefert wurde, glaubten viele ihrer Freunde, dies sei nur ein weiterer ihrer Hilferufe. Sie verabschiedete sich am Krankenbett von ihren Angehörigen und verstarb einen Tag darauf.

Unter der Aufsicht von Daphne Guinness, die eine enge Freudin Blows war und 2012 ihre Garderobe zugunsten der Isabella Blow Foundation bei Sothebys versteigerte, sowie in Zusammenarbeit mit Central Saint Martins und der Isabella Blow Foundation startete gestern im Somerset House die Ausstellung über eine einzigartige Modekoryphäe, die ihrer Zeit weit voraus war.

Täglich 10.00 – 18 Uhr, noch bis 2. März 2014. Mehr Informationen hier.

Die Londoner, und alle, die die Möglichkeit haben einen kurzen Abstecher in die britische Hauptstadt zu unternehmen, sind momentan noch mehr als üblich zu beneiden: eine ganze Riege hochinteressanter Modeausstellungen bahnt sich dort an oder hat bereits begonnen. Doch auch außerhalb der britischen Hauptstadt bewegt sich wieder etwas in Sachen Modeausstellungen.

Hugo Boss –  „Red Never Follows“ in der Saatchi Gallery in London
Hugo Boss feiert sein 20-jähriges Bestehen mit einer Pop-up Ausstellung in London’s Saatchi Gallery. Zu diesem Anlass haben die Metzinger 20 ikonische Stücke und 20 zeitgenössische Kreative ausgesucht, erstere sind im Onlineshop erhältlich, letztere zeigen noch bis 1. September ihre Visionen für Hugo online und in der Saatchi Galllery in London.

„The Future is Here“ im Design Museum London
In Zusammenarbeit mit der UK Innovation Agency und dem Technology Strategy Board präsentiert das Design Museum in London die technischen Neuerungen in der Industrie, die die Welt von morgen prägen werden. Darunter auch das Thema 3D-Printing, welches dort Live zu bestaunen ist, Crowd Funding, Nanotechnologie, Biotech, und CNC Micro-computing. Noch bis  29. Oktober 2013, dann folgt…

…„Hello My Name is Paul Smith“ im Design Museum im London
Vom 15. November bis 9. März 2014 beschäftigt man sich im Londoner Design Museum dann mit dem britischen Herrenschneider Paul Smith, der wenn nicht das, dann zumindest eines der wichtigsten Gesichter der britischen Schneiderkunst, wie man sie nur an der Savile Row lernen kann.

„Club to Catwalk. London Fashion in the 80s“ im Victoria & Albert Museum in London
Im krassen Gegensatz zu Paul Smiths Tailoring steht die Ausstellung „Club to Catwalk, London Fashion in the 80s“ am V&A Museum, die noch bis zum 16. Februar 2014 zu sehen ist. Die Explosion der Kreativität in Londons Clubszene und auf dem Laufsteg gingen in den 80ern Hand in Hand, eine Entwicklung, die sich hier in Bildern, Filmen und anderen Exponaten darstellt.

„Front Row: Chinese American Designers“ im MOAC in New York
Das Museum of Chinese in America (MOAC) zeigt noch bis zum 29. September eine Sammlung von 16 chinesischstämmigen Designern, die amerikanisches Design prägen und vorantreiben, darunter Jason Wu, Vera Wang, Derek Lam, Philip Lim, Peter Som und Anna Sui.

„Edward Steichen – In High Fashion, the Condé Nast Years, 1923–1937″ im FOAM in Amsterdam
Einst der bestbezahlte Fotograf der Welt, und der vielleicht erste moderne Modefotograf, hat man sich mit Edward Steichen im FOAM einem wahren Großmeister der Fotografie angenommen. Seine ikonischen Bilder, die bei den Condé Nast Publikationen Vogue und Vanity Fair veröffentlicht wurden, prägen die Modefotografie bis heute. Die Ausstellung läuft noch bis zum 6. September.

„Virgule, Etc. Dans le Pas de Roger Vivier“ im Palais de Tokyo in Paris
Eine Retrospektive über den französischen Accessoiredesigner Roger Vivier gibt es im Palais Royal vom 2.Oktober bis 18. November 2013 zu sehen. Die Inspirationen des Schuhmachers in aus aller Welt und jeder zeitlichen Epoche werden dort genauso ausgestellt wie seine eigenen Schöpfungen. Bei den Stars und im Hochadel ist Vivier längst eine feste Adresse: so trug auch Königin Elisabeth zu ihrer Krönung 1953 sein Schuhwerk, was direkt zur nächsten Ausstellung überleitet, nämlich…

…„Fashion Rules“ im Kensington Palast in London
Drei royale Stilikonen und ihre Designerkleider sind der Mittelpunkt der Ausstellung „Fashion Rules“ im Kensington Palace in London: Queen Elizabeth II, Prinzessin Margaret und Diana, Princess of Wales. Die ausgestellten königlichen Roben wurden unter anderem gefertigt von Hardy Amies, Norman Hartnell, Zandra Rhodes, Marc Bohan, oder Bruce Oldfield.

„Isabella Blow: Fashion Galore!“ im Somerset House in London
Die Krone, zumindest aus modejournalistischer Sicht, setzt der ganzen Riege schließlich diese Ausstellung auf: die tragische Heldin der britischen Mode und Mentorin von Designergenies Alexander McQueen und Philip Treacy, Isabella Blow, wird ab 20. November bis März 2014 in einer Ausstellung im Somerset House gewürdigt.

Parsons sagt Workshop mit John Galliano ab
Der vor Kurzem angekündigte Workshop am Parsons Institut in New York, gegen den sich Studenten mit einer Petition wehrten, ist nun gecancelt worden. In der E-Mail, die an alle Studierenden versandt wurde, wird nicht klar formuliert, ob dieser Entschluss von der Schule oder dem Designer ausging. [Fashionista]

Met Gala 2013 – „Punk: Chaos to Couture“
Anlässlich der Eröffnung des diesjährigen Ausstellungshighlights am Metropolitan Museum in New York, „Punk: Chaos to Couture„, fand gestern die Stiefmutter aller Red Carpet Events statt – übertrumpft wohl nur von den Oscars. Das Motto „Punk“ ignorierten die Gäste – Anna Wintour beispielsweise erschien in einem geblümten Chanelkleid – andere wiederum, wie Madonna, Miley Cyrus oder Sarah Jessica Parker nutzen Anleihen wie Netz, Iro und Nieten für ihre Outfits. [TheCut]

Baltic Fashion Award Gewinner
Der Baltic Fashion Award, der am Samstagabend auf Usedom zum zwölften Mal verliehen wurde, ging an das deutsch/russische Designerduo Tanja Schmidt und Philip Rudzinski (Hochschule Hannover).
Mit ihrer Geschlechterrollen kritisierenden Jeans-Kollektion „Alles geht in die Hose“, welche Jurypräsidentin Gudrun Allstädt von der Textilwirtschaft als eine „marktreife Kollektion“ würdigte, setzten sie sich gegen die neun anderen Nominierten durch.
Platz Zwei, sowie die Auszeichnung des Publikumslieblings ging an Konstantin Laschkow (Kunsthochschule Berlin Weißensee), der dritte Platz gehört Louise Friedlaender (Esmod Berlin).

Woolmark Prize Nominierungen
Der Woolmark Prize geht in die nächste Runde. Nun wurden die 49 internationalen Nominierten für den Woolmark Prize 2013/14 verkündet: für Europa gehen Dawid Tomaszewski, Gabriele Colangelo, Hana Zarubova, Jan-Jan Van Essche, Mattijs van Bergen, Norwegian Rain, Piece d’Anarchive, Sara Coleman, Sibling und die Tabernacle Twins ins Rennen.
Die Nominierten der anderen Kontinente finden sich hier.

Isabella Blow Ausstellung in London geplant
Ab November 2013 sollen Kleider der Modeikone Isabella Blow im Somerset House zu sehen sein. Unter dem Titel „Isabella Blow: Fashion Galore!“ werden Teile der Garderobe einer außergewöhnlichen Frau ausgestellt werden, die 2007 den Kampf mit ihrer Depression verlor und Selbstmord beging, die Welt aber vorher zu einem schöneren Ort gemacht hatte.
Insbesondere als Entdeckerin und Mentorin von Alexander McQueen und Philip Treacy gebührt Blow ein Platz in den Modeannalen. [WWD]

Paris Fashion Week; Haute Couture Orchid Collection, January 2000

Fotograf Kevin Davies hielt über zwanzig Jahre lang den Schaffensprozess des wohl größten Hutmachers unserer Zeit fest. In dem Buch Philip Treacy by Kevin Davis des Phaidon Verlags sind intime Aufnahmen in seinem Studio, mit Models und prominenten Kunden, von ikonischen Schauen und natürlich noch ikonischeren Hüten gesammelt.

Grace Jones, London, 1998; Naomi Campbell, Royal Ascot, 6 June 2002

Das Buch zeigt Aufnahmen von Naomi Campbell mit einem Naomi-Campbell-Hut, welcher wiederum eine Dose Campbell-Soup auf dem Kopf trägt, Backstage bei der berühmten Andy Warhol Kollektion, oder Grace Jones mit Pfeilen und Kreisen auf dem Haupt, Daphne Guinness bei der Anprobe, sowie Treacy selbst, konzentriert bei der Arbeit oder herumalbernd.
Ein sehr schöner Einblick in die Arbeitswelt des Meistermodisten mit Kommentaren sowohl Treacys als auch Davies‘.

Gebundene Ausgabe
Englisch
270 x 255 mm
192 Seiten
200 Farbabbildungen
ISBN-13: 9780714865270
€ 49,95

Jo Gordon, Kiss of Death (1994)

Wer erinnert sich nicht an Sarah Jessica Parker in ihrem grünen McQueen Kleid und dem passenden Hut, designt von Philip Treacy zur Premiere von Sex and the City – The Movie, wer hat nicht das Bild von Janet Jackson auf ihrem Album Rhythm Nation 1814 im Kopf, auf welchem sie eine Cap mit Metallemblem trägt, was wären Marlene Dietrich ohne Zylinder, John Wayne ohne Cowboyhut, wer würde über Prinzessin Beatrice sprechen, hätte sie nicht den außergewöhnlichsten Hut zur royalen Hochzeit getragen.
Hüte, wenn auch heute selten im Alltag getragen, können ein Sternchen zum Star machen, ein Outfit unsterblich, einem Foto Ikonenstatus verleihen.

Das Bard Graduate Center in New York widmet der geschichtsträchtigen Kopfbedeckung derzeit eine Ausstellung auf drei Etagen. Vom ägyptischen Fez aus dem 12. Jahrhundert, über eine Narrenkappe, bis hin zum Skihelm, sind hier alle noch so ungewöhnlichen Vertreter ihres Genres versammelt.
Kuratiert von Stephen Jones, lässt Hats: An Anthology keine Wünsche offen: Die Ausstellung beschäftigt sich mit dem Lebensweg des Hutes von der Inspiration über die Produktion, Materialien und Fertigung im Atelier bis hin zu den – zuweilen berühmten – Kunden und Kundinnen.
Als Ausstellungsstück erzählt der Hut viele Geschichten, illustriert Historie und wirft einen kritischen Blick auf unsere Beziehung zu dem einst unverzichtbaren Accessoire.

Wird der Hut jemals wieder essentieller Bestandteil eines Outfits werden? Wenn heute jemand einen Hut trägt, so geschieht dies meist mit einer Prise Ironie, siehe Parker. Eine Person mit einem Turm giftgrüner Federn und Schmetterlinge auf dem Kopf kann sich selbst nicht ganz ernst nehmen, kann nicht ganz ernst genommen werden.
Was also will und kann der Hut heute?

Kirsten Woodward, Sex on the Brain (1996); Philip Treacy, Feather Hat (1995)

Hüte schränken ein. Sowohl das Blickfeld, als auch die Bewegungsfähigkeit. Sie benötigen mehr Platz, nehmen mehr Raum ein. Das mag einer der Gründe sein, warum Hüte heute vornehmlich zu Gelegenheiten getragen werden, in welchen keine physische Arbeit oder Reaktionsfähigkeit zu erwarten sind, jedoch besonderes Augenmerk auf die Teilnehmer gerichtet ist: Hochzeiten, Premieren, Staatsempfänge, Wohltätigkeitsgalas oder Pferderennen sind nach wie vor Schauplätze des aussterbenden Accessoires.

Zweifelsohne ist der Hut auch stets ein Fingerzeig in vergangene Zeiten, eine Vergangenheit, in der er besonders eines ausdrückte: Klassenzugehörigkeit. Ganz ähnlich wie der im 19. Jahrhundert von Frauen getragene Sonnenschirm (parasol/ombrelle) schützte der Hut die Trägerin vor fremden Blicken, vor Gesichtsverlust, insbesondere aber vor den gefürchteten Sonnenstrahlen, die die weiße Haut, damals Schönheitsideal, und symbolisch die Reinheit der Dame, gefährdeten.
Sich draußen aufzuhalten war das Schicksal der „niederen Klassen“ und mit dem Aufkommen der „leisure class“ im 19. Jahrhundert war der Hut für diese unverzichtbar.

Caroline Reboux Fellhut getragen von Kaiserin Eugénie ca. 1865 und Haube aus dem 19. Jahrhundert

Wegen der Historie, die dem Hut anhaftet, kann er heute nicht mehr ohne weiteres Bestandteil der Alltagsgarderobe sein. Die einzigen Überlebenden, die tatsächlich noch auf den Köpfen dieser Welt zu finden sind, sind Kappen und Mützen – sozusagen Hüte, ihrer dekorativen Funktionen und Pflichten grösstenteils beraubt.

Ein Neuanfang, oder zumindest ein Versuch dessen, könnte der Turban sein, der in den letzten Saisons wieder Einzug auf den Laufstegen gehalten hat und des öfteren auch auf den Straßen zu sehen ist.
Und wenn man möchte, könnte man es als Zeichen einer demokratisierteren Gesellschaft interpretieren, dass nun diese zaghafte Version versucht, dem Hut wieder Leben einzuhauchen, ohne das Symbol einer bestimmten Klasse zu sein.

Elsa Schiaparelli, Shoe Hat (1938); Balenciaga, Spiral Hat (1962)