Der Bloomsbury Verlag – ehemals Berg Publishers -versorgt den Modetheorieliebhaber regelmäßig mit kompliziertem, aber intellektuell bereicherndem Lesestoff. In der Subcultural Style Serie ist nun eine Abhandlung von Frenchy Lunning zum  Fetish Style erschienen, die von Geschichte bis Zukunft, von Objekt- und Produktfetischismus bis hin zu Erotik alles abdeckt, was die theoretische Seite des Fetisch betrifft. 

Besonders Kapitel 5, „Fetish Style: Fashion as Fetish“ bietet eine spannende Perspektive auf die Rolle des Fetisch in der Mode der Postmoderne. In den Hauptrollen: Leigh Bowery, Boy George, Madonna, sowie Jean Paul Gaultier, Jun Takahashi, Alexander McQueen, Vivien Westwood und Gareth Pugh; die Requisiten: Masken, die Models zur Unkenntlichkeit verändern, Bondage-Elemente, Skinsuits und Korsetts.

Detailliert schildert Lunning, Professorin der Liberal Arts am Minneapolis College of Art and Design den Symbolismus  und die Herkunft der jeweiligen Fetischanspielungen in der Mode, zum Beispiel des Korsetts, der Bondage-Elemente oder der Masken.
Am Ende allerdings stößt Lunning auf das scheinbar permanente Paradox der Postmoderne, ihre Selbstreflexivität – oder einfacher ausgedrückt, die Tatsache, dass diese sich stets selbst in den Schwanz beißt: „Fashion is using the illusion, surface, fatuity, and its nature as a product in the market to attempt to do the same thing that art is supposedly doing; critiquing the culture through a symbolic and sensual means.“
Die Mode kann das System der Symbole, in welchem sie sich bewegt, nicht verlassen, und muss daher mit den Mitteln auskommen, die sie zu thematisieren versucht.
Eine Lektüre ausschließlich für ein bereits auf dem Gebiet belesenes Publikum. Auch das Ausblickskapitel entlässt den Leser aus den vorher genannten Problematiken mit einem schwachen Fazit.
Lunning beruft sich auf Deleuze und Foucault, findet aber keinen wirklich befriedigenden Abschluss des Themas, außer auf dessen Vielseitigkeit, Potential für Toleranz und Akzeptanz, sowie die Einheit von Mode und Fetisch hinzuweisen.

Fetish Style erscheint Mitte April als Paperback für $29,90.

Das Model ist eine unsere Kultur stark prägende Erscheinung, die trotz ihrer permanenten Präsenz meist – außer im Falle sogenannter Supermodels – im Hintergrund bleibt.
Selten wird das Model an sich thematisiert: Seine Rolle, sein Anteil an der Produktion unserer Bildsprache, seine Bedeutung für Frauen- und Geschlechterrollen, für die Definition und Inklusivität von Schönheit, sowie für den Zeitgeist bleibt meist ein vernachlässigter Teil der Diskussion. Das Model ist trotz ständiger Sichtbarkeit unsichtbar. Joanne Entwistle und Elizabeth Wissinger haben sich des Themas angenommen.

In zehn Kapiteln werden verschiedene Aspekte des Modelns untersucht, darunter „Models as Brands: Critical Thinking about Bodies and Images“; „Giving Coloured Sisters a Superficial Equality: Re-Modelling African-American Womanhood in Postwar America“ und „Performing Dreams: A Counter-History of Models as Glamour’s Embodiment“.
Eine interessante und fast ausschließlich textbasierte Lektüre, die spannende neue Seiten eines vernachlässigten Themas beleuchtet.

Fashioning Models: Image, Text and Industry
Joanne Entwistle, Elizabeth Wissinger (Herausgeber)

Taschenbuch: 222 Seiten
Verlag: Berg Publishers (11. Oktober 2012)
Sprache: Englisch
ISBN-10: 1847881548
ISBN-13: 978-1847881540
Größe und/oder Gewicht: 23,2 x 15,4 x 1,4 cm

Buchcover: Poiret, Dior and Schiaparelli by Ilya Parkins. Schiaparelli mit Modell, Bild via.

Die Wandlung des Frauenbildes in der ersten Hälfte des 20.Jahrhunderts – der Moderne – lässt sich durch die Kleidung, welche von den Frauen getragen wurde, sowie anhand der Aufzeichnungen der prägendsten Modeschöpfer dieser Zeit, gut veranschaulichen. In dem beim Berg Verlag erschienenen Buch Poiret, Dior and Schiaparelli macht Ilya Parkins genau das.

Poiret in seinem Atelier, Bild via. 

Paul Poiret, ein Schüler Worths und Doucets, der sich als Künstler, nicht als Modemacher positionierte, um Preise und Ansehen seines Hauses in die Höhe zu treiben, war wohl einer der ersten Modedesigner im heutigen Sinne. Elsa Schiaparelli, war eine italienische Couturiére, die vor allem als Feindin Chanels und für ihre Kollaborationen mit Künstlern wie Dalí bekannt ist. Zu Christian Dior, einem der wichtigsten Designer des 20. Jahrhunderts, muss eigentlich nicht viel gesagt werden – sein Erfolg beruhte darauf,  nach dem Zweiten Weltkrieg den Damen der feinen Gesellschaft Dekadenz und Luxus zurückzugeben und die Frauen, die sich seine Kreationen nicht leisten konnten, zum Träumen zu bringen.

Dior bei der Anprobe mit Modell, Bild via. 

Welche Aussagen können diese drei Repräsentanten der Mode nun über das damalige Frauenbild treffen? In ihren jeweiligen Autobiografien beschrieben alle drei die Frauen ihrer Zeit – teils als emanzipierte, aufgeklärte Vertreterinnen der Moderne, teils als ahnungslose Modeopfer. Diese Ambivalenz hält einiges an Einblicken in eine andere Zeit bereit – ein Wurmloch aus Zeitzeugenberichten, durch das Ilya Parkins, Assitant Professorin für Gender und Women’s Studies an der University of British Columbia in Kanada einen langen, schonungslosen Blick wirft.

Poiret, Dior and Schiaparelli. Fashion, Femininity and Modernity
Ilya Parkins

Gebundene Ausgabe: 208 Seiten
Verlag: Berg Publishers (November 2012)
Sprache: Englisch
ISBN-10: 0857853260

Alexander McQueen Ausstellung Savage Beauty am Met Museum, Bild via.

Immer wieder bandeln sie miteinander an, werden von diversen Anstandsdamen und -herren rabiat auseinander gerissen und harsch für ihre Entgleisungen beschimpft. Tragisch ist sie fraglos, die Hass-Liebe zwischen Mode und Kunst. In einem Buch des Berg Verlages wird sie nun detailliert unter die Lupe genommen. 

Von Charles Frederick Worth, der als erster wohl sowohl als Modedesigner als auch als Künstler verstanden werden kann, über Schiaparelli, Yves Saint Laurent und Thierry Mugler, bis hin zu Gareth Pugh – die Grenzen zwischen Mode und Kunst verschwimmen leicht und des Öfteren.

Schiaparelli und Salvador Dalí, Tear Dress und Lobster Dress. Via und via.

Die Ausstellung Reflecting Fashion im mumok diesen Jahres zeigte deutlich, dass sich nicht nur Designer an der Kunst bedienen, sondern dass auch die umgekehrte Situation existiert: Beuys, Christo, oder Yayoi Kusama referenzieren auch gerne die Mode in ihrer Kunst.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo und Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers, Foto: André Grossmann, 1967, © Christo via.

Der wohl schlaueste aller Modeverlage, Berg Publishers, unter anderem Verleger des Fashion Theory Journals, legte nun eine Buch zu dem Thema auf. Adam Geczy (Senior Lecturer in Studio Art und Kunsttheorie am Sydney College of the Arts) und Vicki Karaminas (Associate Professor für Fashion Studies und Associate Head of the School of Design an der Technischen Universität Sydney) sind die Herausgeber des 224 Seiten starken Werkes.

Fashion and Art, Adam Geczy und Vicki Karaminas. Berg Publishers.  

Darin beschäftigen sich Größen der Modetheorie und Kunstgeschichte wie Valerie Steele (Direktorin und Chefkuratorin des Modemuseums am FIT), Hazel Clark (Research Chair, Parsons the New School for Design) oder Aileen Ribeiro (Professor Emeritus der Kunstgeschichte an der Univerität London),und viele weitere Experten mit den verschiedenen Aspekten der Beziehung von Mode und Kunst.

John Singer Sargent, Fumee d’Ambre Gris; Franz Xaver Winterhalter, Kaiserin Elisabeth von Österreich in Worth. Via und via. 

Selbstverständlich ist dieses theoretische Werk keine leichte Kost, noch dazu auf englisch, doch der akademische Blickwinkel auf die Schnittmengen beider Disziplinen lohnt sich.

Adam Geczy und Vicki Karaminas
Fashion and Art
Taschenbuch: 223 Seiten
Verlag: Berg Publishers, 2012
Sprache: Englisch
ISBN-10: 184788783X
ISBN-13: 978-1847887832
Preis: 22,95€ via Amazon