Mode im Museum? Bis Diana Vreeland sich 1973 der Angelegenheit annahm, und die Ausstellungen des Costume Institute des Metropolitan Museums in New York zu den größten Kunstevents des Jahres ausbaute, eine Undenkbarkeit. Heute hat jedes moderne Museum, das ein bisschen etwas auf sich hält, zumindest eine Modeausstellung auf dem Kerbholz.
Wenn auch die Mode noch immer um ihre prekäre Positionierung an den Fransen der Kunst zu kämpfen hat, so wird die (Mode-)Kuration an ihrer statt derzeit zur Kunstform erhoben.

Eines von Vreelands Projekten – Vreeland muss in diesem Artikel als Blueprint und Präzedenzfall einer Modekuratorin herhalten – war die Ausstellung über Yves Saint Laurent 1983. Mit ihr brach man ein absolutes Tabu der Kunstwelt: sie brachte einen noch lebenden Modemacher in das museale Umfeld. Eine Verkaufsveranstaltung, unkten die Kritiker, die YSL lieber ein Stück weiter unten in der 5th Avenue gelassen hätten, auf der Ladenfläche des Luxushauses, anstatt ihr schönes, der hohen Kunst gewidmetes Museum mit Mode zu beschmutzen.

Mittlerweile ist die jährliche Met Gala fest im Red-Carpet-Kalender verankert, das Museum ist zu einer interaktiven Erfahrungsfläche geworden, das Disneyland des Camps, Entertainment mit intellektuellem Mehrwert.
Für die Museen ist die Modeausstellung eine willkommene goldene Cash- und PR-Cow, nicht zuletzt, weil sich durch sie auch hochkarätige Sponsoring-Partner, wie etwa Moda Operandi (From Punk to Chaos) Amazon (Schiaparelli and Prada) oder American Express und Condé Nast (Savage Beauty) finden lassen.

Die bisher erfolgreichste dieser Ausstellungen, Alexander McQueen: Savage Beauty, spülte 2011 sage und schreibe innerhalb von drei Monaten 661,509 Menschen in die Eingangshalle, und etwa $14,603,862, Merchandise inklusive, in die Kassen des Metropolitan Museums.

Ob sich dadurch, neben den Verkaufszahlen der Modehäuser, dem Image von Sponsoren und den Budgets der Museen, auch am Status der Mode als Kunstform allgemein etwas ändert, ist diskussionswürdig, aber die Diskussion alleine ist schließlich auch schon was wert.
Fest steht, dass Kuratoren wie Harold Koda, Valerie Steele oder Andrew Bolton die neuen heimlichen Stars der Modeszene geworden sind – ein Job mit dem sich gutes Geld machen lässt. So interessant für junge Menschen offenbar, dass das London College of Fashion nun einen Masterstudiengang Fashion Curation anbietet.

Auch in Deutschen Landen wird versucht, sich ein Stück vom Modeausstellungskuchen abzuschneiden. Derzeit zeigt das Museum Angewandte Kunst (MAK) in Frankfurt die von Mahret Kupka kuratierte Ausstellung „Draußen im Dunkeln. Weitermachen nach der Mode“, das NRW-Forum Düsseldorf zeigt „Alaïa. Azzedine Alaïa im 21. Jahrhundert“, und in München lockt das Stadtmuseum mit „Geschmackssache. Mode der 1970er Jahre“.

Gemeinsam ist all diesen Sammlungen eines: sie sind Indikatoren eines gesellschaftlichen Wandels, den das Wall Street Journal folgendermaßen beschreibt: „It’s a high-profile indicator of an intellectual trend that has been building for decades. Fashion is shedding its cultural stigma. It is increasingly recognized as a significant cultural activity—indeed, one of the defining characteristics of our civilization.“

Mode bekommt also mehr und mehr den Status eines Gesellschaftsbarometers zugeschrieben, den sie sicherlich zum Teil verdient hat – doch ist hier auch Vorsicht geboten. Die Unkenrufe der Kritiker aus den 80ern hallen nach: Ausstellungen sollten nicht aufgrund ihrer Popularität allein veranstaltet werden. Wenn Kunst von nun an mit den Kassenergebnissen dieser „Blockbuster-Mode-Ausstellungen“ messen muss, schadet das sowohl der Kunst, als auch der Mode und der Gesellschaft. 

Alexander McQueen Ausstellung Savage Beauty am Met Museum, Bild via.

Immer wieder bandeln sie miteinander an, werden von diversen Anstandsdamen und -herren rabiat auseinander gerissen und harsch für ihre Entgleisungen beschimpft. Tragisch ist sie fraglos, die Hass-Liebe zwischen Mode und Kunst. In einem Buch des Berg Verlages wird sie nun detailliert unter die Lupe genommen. 

Von Charles Frederick Worth, der als erster wohl sowohl als Modedesigner als auch als Künstler verstanden werden kann, über Schiaparelli, Yves Saint Laurent und Thierry Mugler, bis hin zu Gareth Pugh – die Grenzen zwischen Mode und Kunst verschwimmen leicht und des Öfteren.

Schiaparelli und Salvador Dalí, Tear Dress und Lobster Dress. Via und via.

Die Ausstellung Reflecting Fashion im mumok diesen Jahres zeigte deutlich, dass sich nicht nur Designer an der Kunst bedienen, sondern dass auch die umgekehrte Situation existiert: Beuys, Christo, oder Yayoi Kusama referenzieren auch gerne die Mode in ihrer Kunst.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo und Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers, Foto: André Grossmann, 1967, © Christo via.

Der wohl schlaueste aller Modeverlage, Berg Publishers, unter anderem Verleger des Fashion Theory Journals, legte nun eine Buch zu dem Thema auf. Adam Geczy (Senior Lecturer in Studio Art und Kunsttheorie am Sydney College of the Arts) und Vicki Karaminas (Associate Professor für Fashion Studies und Associate Head of the School of Design an der Technischen Universität Sydney) sind die Herausgeber des 224 Seiten starken Werkes.

Fashion and Art, Adam Geczy und Vicki Karaminas. Berg Publishers.  

Darin beschäftigen sich Größen der Modetheorie und Kunstgeschichte wie Valerie Steele (Direktorin und Chefkuratorin des Modemuseums am FIT), Hazel Clark (Research Chair, Parsons the New School for Design) oder Aileen Ribeiro (Professor Emeritus der Kunstgeschichte an der Univerität London),und viele weitere Experten mit den verschiedenen Aspekten der Beziehung von Mode und Kunst.

John Singer Sargent, Fumee d’Ambre Gris; Franz Xaver Winterhalter, Kaiserin Elisabeth von Österreich in Worth. Via und via. 

Selbstverständlich ist dieses theoretische Werk keine leichte Kost, noch dazu auf englisch, doch der akademische Blickwinkel auf die Schnittmengen beider Disziplinen lohnt sich.

Adam Geczy und Vicki Karaminas
Fashion and Art
Taschenbuch: 223 Seiten
Verlag: Berg Publishers, 2012
Sprache: Englisch
ISBN-10: 184788783X
ISBN-13: 978-1847887832
Preis: 22,95€ via Amazon 

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo and Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers. © Christo

Den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst versucht eine außergewöhnliche Ausstellung im Wiener mumok zu beleuchten. Reflecting Fashion. Kunst und Mode seit der Moderne beschäftigt sich mit den Grauzonen zwischen Kunst und Mode, schaut da genau hin, wo übliche Definitionen der beiden versagen, und regt so zum Überdenken eines Kategoriendenkens an, das angesichts der Postmoderne versagt: „Whether fashion is art, or whether even art is art, doesn’t really interest me. Maybe nothing is art. Who cares?“ (Miuccia Prada zitiert hier von Valerie Steele)

Sylvie Fleury, Formula 1 Dress, 1999, Edition von 100, mit Hugo Boss Sammlung Hoffmann, Berlin, @ Sylivie Fleury. Erwin Wurm, Construct (aus der Serie Hermès), 2008, Courtesy of the artist, © VBK Wien, 2012 / mumok.

Wenn sich die Mode in Richtung Kunst lehnt, wenn Alexander McQueen, Miuccia Prada oder Iris van Herpen die Grenzen zwischen den beiden Disziplinen ausloten, dann erfahren diese Kollektionen meist viel Lob und Kritik – die einen sind begeistert ob dieser genialen Grenzüberschreitungen, für andere stellen sie einen Affront dar, kurz, es scheiden sich die Geister.
Viel seltener lehnt sich die Kunst, die es mehr als die Mode geschafft hat – und auch mehr Zeit dafür hatte – sich als intellektuelles Feld zu etablieren, in Richtung Mode.

Marcus Geiger, Ohne Titel, 2003 Schusack, evn collection, Maria Enzersdorf, Foto: Jens Preusse, © Markus Geiger

Wenn sie es doch tut, dann entstehen dabei Stücke, die eine neue Dimension zur Kunst hinzufügen: sie stellen eine direktere, körperliche Beziehung zwischen Betrachter und Werk her.
Noch mehr als Gemälde, selbst als Skulpturen, erwecken diese textilen Grauzonenkunstwerke den Wunsch, sensorisch erfasst, „begriffen“ zu werden. Stoff und Haut haben eine enge Beziehung, die, wenn nicht herzustellen erlaubt ist, eine spürbare Leere hinterlässt.
Wenn, wie in einem Museumskontext, das Anfassen, das Anziehen eines Kleidungsstückes verboten ist, verliert es seine Funktion, doch wird es dadurch bereits zu Kunst?
Auch auf dem Laufsteg ist das Kleidungsstück auf einem Podest, überhöht, ausgestellt und darf nicht berührt werden: Ist es dort Kunst oder Mode? Die Ambivalenz der Mode verschärft sich, wenn der Faktor der Kunst hinzu kommt. Die Aura des Kunstwerks, wie Benjamin sie beschreibt, kann zweifelsohne auch dem Kleidungsstück anhaften, doch erreicht es selten ähnliche Bedeutung wie das Gemälde, der Duck oder die Statue.

Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí, Woman’s Dinner DRess, 1937, Schenkung von Mme Elsa Schiaparelli, 1969, © Philadelphia Museum of Art / VBK Wien, 2012. Joseph Beuys, Filzanzug, 1970. Sammlung Philipp Konzett, Wien ©bpk/ Bayerische Staatsgemäldesammlungen / VBK Wien, 2010

Weder Mode noch Kunst lassen sich wirklich lückenlos definieren, und sind doch als Konzepte, als platonische Ideen, bei jedem Menschen auf die eine oder andere Weise hinterlegt.
Diese vagen Umrisse der beiden erlauben Spielraum, doch sorgen sie auch für Sprengstoff in Diskussionen. Schiapparelli’s Zusammenarbeit mit Dali: Mode oder Kunst? Die historische Bedeutung des sogenannten Lobsterdresses: Kunst- oder Kostümgeschichte? Wie steht es um Joseph Beuys‘ Filzanzug? Sein Diebstahl wurde ohne Zögern als „Kunstdiebstahl“ deklariert, doch kann er auch getragen werden, war, im Gegensatz zum Lobster Dress, nicht einmal ein Einzelstück.

Welche Bedeutung hat in dieser Diskussion die Produktion von Mode versus Kunst? Weshalb ist es so, dass dem Nähen der fade Beigeschmack des Profanen anhaftet, während die handwerklichen Mittel zur Kunst – Malen, Zeichnen, Montieren, Drucken oder Meißeln der Wertigkeit der daraus entstehenden Werke keinen Abbruch tun?

Mai-Thu Perret, Flow My Tears I, 2011, Courtesy Galerie Francesca Pia, Zürich, © Mai-Thu Perret. Cindy Sherman, Untitled # 217, 1984/1990, Courtesy Essl Museum, Klosterneuburg/ Wien, Foto: Photoatelier Laut, Wien, © Cindy Sherman

Diese und zahlreiche weitere Fragen wirft die Ausstellung im mumok auf, Fragen, die wohl – und das ist das beste daran – nicht beantwortet werden können. Reflektion, so sagt ja bereits der Titel der Ausstellung, ist schließlich das Ziel, nicht die Beantwortung aller Fragen.
Der umfangreiche Audioguide bietet viele Hintergründe zu den Ausstellungsstücken, der sehr spannende einleitende Vortrag von FIT-Direktorin Valerie Steele zur Ausstellung ist hier zu sehen.

Im Rahmen der Ausstellung Reflecting Fashion im Wiener mumok sprach die Kuratorin und Direktorin des FIT, Valerie Steele, eine gute Dreiviertelstunde lang über den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst. Von Charles Frederick Worth bis Louis Vuitton, über Sylvie Fleury und Vanessa Beecroft gibt Steele eine umfassende Bestandsaufnahme der Synergien zwischen der Mode- und der Kunstwelt.
Sehr sehens- und hörenswert!
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