Alexander McQueen Ausstellung Savage Beauty am Met Museum, Bild via.

Immer wieder bandeln sie miteinander an, werden von diversen Anstandsdamen und -herren rabiat auseinander gerissen und harsch für ihre Entgleisungen beschimpft. Tragisch ist sie fraglos, die Hass-Liebe zwischen Mode und Kunst. In einem Buch des Berg Verlages wird sie nun detailliert unter die Lupe genommen. 

Von Charles Frederick Worth, der als erster wohl sowohl als Modedesigner als auch als Künstler verstanden werden kann, über Schiaparelli, Yves Saint Laurent und Thierry Mugler, bis hin zu Gareth Pugh – die Grenzen zwischen Mode und Kunst verschwimmen leicht und des Öfteren.

Schiaparelli und Salvador Dalí, Tear Dress und Lobster Dress. Via und via.

Die Ausstellung Reflecting Fashion im mumok diesen Jahres zeigte deutlich, dass sich nicht nur Designer an der Kunst bedienen, sondern dass auch die umgekehrte Situation existiert: Beuys, Christo, oder Yayoi Kusama referenzieren auch gerne die Mode in ihrer Kunst.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo und Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers, Foto: André Grossmann, 1967, © Christo via.

Der wohl schlaueste aller Modeverlage, Berg Publishers, unter anderem Verleger des Fashion Theory Journals, legte nun eine Buch zu dem Thema auf. Adam Geczy (Senior Lecturer in Studio Art und Kunsttheorie am Sydney College of the Arts) und Vicki Karaminas (Associate Professor für Fashion Studies und Associate Head of the School of Design an der Technischen Universität Sydney) sind die Herausgeber des 224 Seiten starken Werkes.

Fashion and Art, Adam Geczy und Vicki Karaminas. Berg Publishers.  

Darin beschäftigen sich Größen der Modetheorie und Kunstgeschichte wie Valerie Steele (Direktorin und Chefkuratorin des Modemuseums am FIT), Hazel Clark (Research Chair, Parsons the New School for Design) oder Aileen Ribeiro (Professor Emeritus der Kunstgeschichte an der Univerität London),und viele weitere Experten mit den verschiedenen Aspekten der Beziehung von Mode und Kunst.

John Singer Sargent, Fumee d’Ambre Gris; Franz Xaver Winterhalter, Kaiserin Elisabeth von Österreich in Worth. Via und via. 

Selbstverständlich ist dieses theoretische Werk keine leichte Kost, noch dazu auf englisch, doch der akademische Blickwinkel auf die Schnittmengen beider Disziplinen lohnt sich.

Adam Geczy und Vicki Karaminas
Fashion and Art
Taschenbuch: 223 Seiten
Verlag: Berg Publishers, 2012
Sprache: Englisch
ISBN-10: 184788783X
ISBN-13: 978-1847887832
Preis: 22,95€ via Amazon 

Technosensual im quartier21, Ausstellungsimpression

Während nebenan im mumok die Romanze zwischen Kunst und Mode unter die Lupe genommen wird, widmet sich die Ausstellung Technosensual im quartier21 des Museumsquartiers in Wien den Synergien zwischen Bekleidung und Technik.
Wie bereits Get in the Haze im vergangenen Jahr, begeistert Technosensual mit einer Auswahl unkonventioneller Objekte, die die Grenzen der Kategorie Mode neu ausloten: Sie reagieren auf Funkwellen, Berührung oder Schall, erweitern den menschlichen Körper, imitieren oder verbessern ihn gar.

Die internationale Zusammensetzung dieser „haute-tech“-Couturiers zeigt die globale Bedeutung des zukunftsträchtigen Forschungsgebietes. Viele Funktionen sind, insbesondere in Sport- und Outdoorbekleidung, bereits massenproduzierte Realität, doch die Möglichkeiten gehen, wie hier bewiesen wird, weit über integrierte Mp3-Player hinaus.

Pseudomorphs, Anouk Wipprecht. Intimacy 2.0, Studio Rosegaarde

Anouk Wipprecht, die Kuratorin der Ausstellung und selbst Techdesignerin, kreierte beispielsweise sogenannte „Pseudomorphs“, sich selbst designende Kleider.

Das soziale Designlab Studio Rosegaarde um Designer Daan Rosegaarde hat ein Kleid namens „Intimacy 2.0″ aus intelligenten, transparenten Folien entworfen, die den Herzschlag messen und so beispielsweise bei menschlicher Interaktion zwischen durchsichtig und opak wechseln.

Local Androids, Breathing Artificial Skin Garment. Karina van Heck, The Body Speaker

Karina van Heck´s „The Body Speaker“ erlaubt der Person, von der er getragen wird, die eigenen Körpergeräusche, vom Magenknurren bis hin zum Herzschlag, aufzunehmen, und daraus einen Live-Remix zu erstellen.

Melissa Colemans „Holy Dress“ versetzt seiner Trägerin einen Stromschlag, wenn diese lügt – dadurch wird sie zur Märtyrin, oder zur Heiligen, für die Wahrheit.

Melissa Coleman, Holy Dress

Die technologisch nächste Generation Kleidung kann auf Gefühle reagieren, diese sichtbar machen, selbst als moralische Instanz dienen.
Sie könnte bei Entscheidungen helfen, via Verbindung zum Internet Fragen beantworten, unterhalten, Körperfunktionen steuern, im Bereich der Medizin diese vielleicht sogar ersetzen – die Möglichkeiten, so zeigt Technosensual deutlich, sind unbegrenzt und unsere Kleidung, seit jeher ein Mittel der non-verbalen Kommunikation, lernt gerade erst sprechen.

In den folgenden Teilen der Serie werden diese und weitere Tech-Couture-Kreationen im Detail vorgestellt. Die Ausstellung ist noch bis zum 2. September 2012 im quarter21 des Museumsquartiers in Wien zu sehen, täglich von 10-19 Uhr.

Christo, Wedding Dress, 1967, Christo and Jeanne-Claude, New York, im Besitz des Künstlers. © Christo

Den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst versucht eine außergewöhnliche Ausstellung im Wiener mumok zu beleuchten. Reflecting Fashion. Kunst und Mode seit der Moderne beschäftigt sich mit den Grauzonen zwischen Kunst und Mode, schaut da genau hin, wo übliche Definitionen der beiden versagen, und regt so zum Überdenken eines Kategoriendenkens an, das angesichts der Postmoderne versagt: „Whether fashion is art, or whether even art is art, doesn’t really interest me. Maybe nothing is art. Who cares?“ (Miuccia Prada zitiert hier von Valerie Steele)

Sylvie Fleury, Formula 1 Dress, 1999, Edition von 100, mit Hugo Boss Sammlung Hoffmann, Berlin, @ Sylivie Fleury. Erwin Wurm, Construct (aus der Serie Hermès), 2008, Courtesy of the artist, © VBK Wien, 2012 / mumok.

Wenn sich die Mode in Richtung Kunst lehnt, wenn Alexander McQueen, Miuccia Prada oder Iris van Herpen die Grenzen zwischen den beiden Disziplinen ausloten, dann erfahren diese Kollektionen meist viel Lob und Kritik – die einen sind begeistert ob dieser genialen Grenzüberschreitungen, für andere stellen sie einen Affront dar, kurz, es scheiden sich die Geister.
Viel seltener lehnt sich die Kunst, die es mehr als die Mode geschafft hat – und auch mehr Zeit dafür hatte – sich als intellektuelles Feld zu etablieren, in Richtung Mode.

Marcus Geiger, Ohne Titel, 2003 Schusack, evn collection, Maria Enzersdorf, Foto: Jens Preusse, © Markus Geiger

Wenn sie es doch tut, dann entstehen dabei Stücke, die eine neue Dimension zur Kunst hinzufügen: sie stellen eine direktere, körperliche Beziehung zwischen Betrachter und Werk her.
Noch mehr als Gemälde, selbst als Skulpturen, erwecken diese textilen Grauzonenkunstwerke den Wunsch, sensorisch erfasst, „begriffen“ zu werden. Stoff und Haut haben eine enge Beziehung, die, wenn nicht herzustellen erlaubt ist, eine spürbare Leere hinterlässt.
Wenn, wie in einem Museumskontext, das Anfassen, das Anziehen eines Kleidungsstückes verboten ist, verliert es seine Funktion, doch wird es dadurch bereits zu Kunst?
Auch auf dem Laufsteg ist das Kleidungsstück auf einem Podest, überhöht, ausgestellt und darf nicht berührt werden: Ist es dort Kunst oder Mode? Die Ambivalenz der Mode verschärft sich, wenn der Faktor der Kunst hinzu kommt. Die Aura des Kunstwerks, wie Benjamin sie beschreibt, kann zweifelsohne auch dem Kleidungsstück anhaften, doch erreicht es selten ähnliche Bedeutung wie das Gemälde, der Duck oder die Statue.

Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí, Woman’s Dinner DRess, 1937, Schenkung von Mme Elsa Schiaparelli, 1969, © Philadelphia Museum of Art / VBK Wien, 2012. Joseph Beuys, Filzanzug, 1970. Sammlung Philipp Konzett, Wien ©bpk/ Bayerische Staatsgemäldesammlungen / VBK Wien, 2010

Weder Mode noch Kunst lassen sich wirklich lückenlos definieren, und sind doch als Konzepte, als platonische Ideen, bei jedem Menschen auf die eine oder andere Weise hinterlegt.
Diese vagen Umrisse der beiden erlauben Spielraum, doch sorgen sie auch für Sprengstoff in Diskussionen. Schiapparelli’s Zusammenarbeit mit Dali: Mode oder Kunst? Die historische Bedeutung des sogenannten Lobsterdresses: Kunst- oder Kostümgeschichte? Wie steht es um Joseph Beuys‘ Filzanzug? Sein Diebstahl wurde ohne Zögern als „Kunstdiebstahl“ deklariert, doch kann er auch getragen werden, war, im Gegensatz zum Lobster Dress, nicht einmal ein Einzelstück.

Welche Bedeutung hat in dieser Diskussion die Produktion von Mode versus Kunst? Weshalb ist es so, dass dem Nähen der fade Beigeschmack des Profanen anhaftet, während die handwerklichen Mittel zur Kunst – Malen, Zeichnen, Montieren, Drucken oder Meißeln der Wertigkeit der daraus entstehenden Werke keinen Abbruch tun?

Mai-Thu Perret, Flow My Tears I, 2011, Courtesy Galerie Francesca Pia, Zürich, © Mai-Thu Perret. Cindy Sherman, Untitled # 217, 1984/1990, Courtesy Essl Museum, Klosterneuburg/ Wien, Foto: Photoatelier Laut, Wien, © Cindy Sherman

Diese und zahlreiche weitere Fragen wirft die Ausstellung im mumok auf, Fragen, die wohl – und das ist das beste daran – nicht beantwortet werden können. Reflektion, so sagt ja bereits der Titel der Ausstellung, ist schließlich das Ziel, nicht die Beantwortung aller Fragen.
Der umfangreiche Audioguide bietet viele Hintergründe zu den Ausstellungsstücken, der sehr spannende einleitende Vortrag von FIT-Direktorin Valerie Steele zur Ausstellung ist hier zu sehen.

Im Rahmen der Ausstellung Reflecting Fashion im Wiener mumok sprach die Kuratorin und Direktorin des FIT, Valerie Steele, eine gute Dreiviertelstunde lang über den Zusammenhang zwischen Mode und Kunst. Von Charles Frederick Worth bis Louis Vuitton, über Sylvie Fleury und Vanessa Beecroft gibt Steele eine umfassende Bestandsaufnahme der Synergien zwischen der Mode- und der Kunstwelt.
Sehr sehens- und hörenswert!
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