Ulyana Sergeenko hält für die Pariser den Pariser Chic hoch. In einer Zeit, in der Dior Netzstoffe und Crop Tops und Chanel einen mangahaften Skaterlook propagieren, muss es offenbar die schöne Russin und Millirdärsgattin Ulyana Sergeenko auf sich nehmen, den Franzosen eine Lektion in Sachen Eleganz zu erteilen. Sie nahm gestern ihr Publikum – darunter Suzy Menkes, Carine Roitfeld und Tim Blanks- mit auf eine Weltreise, die auch eine Reise in eine vergangene Zeit zu sein schien.

Wie ein Zugabteil war der Laufsteg aufgebaut, das Publikum wurde zu Mitreisenden, auf einer Fahrt im Orient Express, möglicherweise auch der Transsibirischen Eisenbahn. Die Inspirationen der Designerin waren vielfältig: China, Russland, Mittlerer Osten – von allem war etwas dabei, jedoch auf eine moderne Silhouette gebracht, mit einer üppigen Portion Femme Fatale obendrauf.
Jeder Look schien wie ein dramatischer Moment aus einem Film Noir oder einem klassischen James Bond Streifen. Bravo.

Charles Frederick Worth setzte in dreierlei Hinsicht Maßstäbe: er gilt als Begründer der Haute Couture, führte eine frühe Form des Marketings und Brandings ein und führt auch die Riege der englischen Designer an, die ihren großen Durchbruch und Erfolg auf französischem Boden erlebten.

Charles Frederick Worth kam am 13. Oktober 1825 als ältestes von drei Kindern im englischen Bourne, Lincolnshire, zur Welt. Seine Ausbildung absolvierte Worth in exklusiven Londoner Stoffgeschäften wie Swan & Edgar und Lewis & Allenby. Dort erwarb er umfassende Kenntnisse hinsichtlich der Stoffe, ihrer Herstellung und Qualität und kam auch erstmals mit Schnittmustern in Kontakt.
Die englische Mode war zu dieser Zeit sehr ländlich geprägt. Man verbrachte viel Zeit an der frischen Luft, die Kleidung wurde diesen Anforderungen angepasst. Aber Worth hatte mehr im Sinn: Seine Zielgruppe waren die Damen der Gesellschaft und der Aristokratie, die gern in den Luxus exklusiver Kleider investierten.

Mit dieser Vision ging er 1845 nach Paris. Er fand eine Anstellung im führenden Geschäft für hochwertige Stoffe, Gagelin, wo er erstmals auch eigene Kreationen schneiderte. Im Gagelin lernte er seine zukünftige Frau Marie Vernet kennen. Sie führte als Verkäuferin und „Model“ den Kundinnen Kreationen wie Hüte und Schals in Worths selbst entworfenen Kleidern vor und trug später die Entwürfe im Laden, bei Besuchen von Kundschaft und bei offiziellen Anlässen.
Sein kommerzieller Erfolg brachte ihm die Teilhaberschaft an Gagelin, es brauchte jedoch noch einiges an Überzeugungsarbeit, um das Angebot um die Kleiderproduktion zu erweitern. So ist es nicht verwunderlich, dass Worth sich für einen eigenen Salon entschied, in dem er sich auf Abendkleider spezialisierte und den ersten Schritt in die Selbstständigkeit wagte, mit der Hilfe eines gut situierten Herren aus Schweden, Otto Bobergh. Der Name des Modehauses: Worth et Bobergh in der Rue de la Paix.

Umsichtiger Geschäftsmann und gewiefter Stratege der er war, erkannte Worth schon früh die Wirkung von Werbung und begann mit dem, was wir heute als Marketing bezeichnen. Durch Neuerungen im Pressesektor war es möglich, die Kleider international bekannt zu machen und dadurch ein größeres Klientel zu anzuziehen. Besonders in Nordamerika erwachte ein gesteigertes Interesse an Worths Entwürfen.
Worth verzichtete auf die bisherige Praxis, die Kundin daheim aufzusuchen, um die Entwürfe anzupassen, sondern bestellte sie in seinen Salon. Dabei kam es schon vor, dass er Kundinnen abwies, die er als nicht passend für seine Kreationen erachtete. Aber Worths Arbeitsweise unterschied sich noch in mehr von jener anderer Schneider. Er kreierte nicht mit der Kundin zusammen das Kleid, sondern entwarf durch variable Schnittmuster bereits fertige Modelle, bei denen die jeweilige Dame nur Stoff und Verzierungen wählen musste. Jede Saison wurden die Entwürfe an Mannequins präsentiert. Damit wurde der Schneider zum Modemacher und Künstler.
Das Ansehen des Berufes in der Gesellschaft stieg mit Worth´s Arbeit, sein Geschmack setzte Maßstäbe für die gehobenen Schichten. Die Kleider wurden in einem Haus gefertigt, von Schneiderinnen zugeschnitten, genäht und verziert. Erstmalig versah ein Designer seine Entwürfe mit seiner Signatur, die Kleider mit einem Etikett.

Es blieb nicht aus, dass die europäischen Königshäuser auf Worth aufmerksam wurden. Lange Zeit verantwortete er die Kleidung von Fürstin Metternich aus Österreich, Königin Victoria von England und Kaiserin Elisabeth von Österreich sowie seiner Stammkundin, Kaiserin Eugénie von Frankreich.

Die in London erlernte Schnitttechnik half ihm dabei, die Kleider besonders gekonnt und körpernah an den Oberkörper der Kundinnen anpassen.
Die Stoffe, die Worth verwendete, waren von herausragender Qualität. Worth´s Lieblingsstoffe waren Seide, Satin und Tüll. Erstere bezog er von den Seidenfabriken in Lyon, welche außergewöhnliche Stoffe produzierten. Er nutzte erstmals synthetisch hergestellte Farbe für seine Stoffe und kreierte damit intensiv leuchtende Kleider.
Auch stilistisch galt Charles Frederick Worth als tonangebend. Die Silhouette der Kleidung veränderte sich auch auf Grund seines Einflusses von der ausladenden Krinoline (Reifrock) zur ovalen, vorn abgeflachten Krinoline, von der schmalen Prinzess-Linie zur Turnüre, einer Verstärkung oberhalb des Hinterteils, über der das Kleid getragen wurde. Und – shocking – er kürzte die Rocklänge bis auf Knöchelhöhe.

Die Gründung einer Institution, die heute fast noch so in ihren Grundsätzen besteht, die Chambre Syndicale de la Couture Française , ist ein weiterer Verdienst Worths. Im Jahre 1868 organisierte sich die französische Haute Couture zu dieser weltweiten Vertretung der Interessen des Schneiderhandwerks.
Obwohl Worth seine größten Erfolge in Frankreich feierte, steht er nicht ausschließlich für die französische Mode, denn seine gut fundierte Ausbildung und seine Visionen brachte er aus England mit. Paris bot ihm jedoch die Möglichkeit, seine Fähigkeiten unter Beweis zu stellen und die Kreativität auszuleben. Englische Schneiderkunst traf auf französisches Modeverständnis. Ein Erfolgsgeheimnis, welches bis in die heutige Zeit aktuell ist.
So zeigte Vivienne Westwood ihre Kreationen als erstes in Paris; Galliano und der leider zu früh verstorbene McQueen wurden an berühmte Luxushäuser wie Givenchy und Dior geholt; Stella McCartney und Phoebe Philo polierten das Image des französischen Traditionshauses Chloé wieder auf.

Nach dem Tode Worths im Jahre 1895 übernahmen seine beiden Söhne Gaston-Lucien und Jean-Philippe das Modehaus, anschließend übernahm der Enkelsohn Jaques und schließlich Urenkel Jean-Charles. Unter zunehmendem Konkurrenzdruck wurde das Haus 1950 verkauft. Mit der Pensionierung von Urenkel Jean-Charles endete die Familiendynastei, 1956 zeigte das ursprüngliche (nicht das in 1999 wiederbelebte) Haus die letzte Coutureshow.

Text: Claudia Baldauf/ Barbara Russ
Bilder, wenn nicht anders ausgewiesen, via Metropolitan Museum Archive

“Making a pretty dress is not what interests me. It has to have everything around it. A context that tells a story.” – Franck Sorbier
Seit 2005 hat das französische Haus Franck Sorbier vollen Haute Couture Status, seit 1991 ist der Kreateur auf der Paris Fashion Week aktiv, doch wenige kennen das Label, beziehungsweise das kreative Genie hinter diesem. Dabei ist Sorbier wohl einer der letzen großen Künstler der Haute Couture, ein Meister seines Handwerks.

Frank Sorbier, der Meister der Jacken

Sorbier wurde 1961 geboren und arbeitete nach seinem Studium an der Esmod Paris als Illustrator verschiedene Trendbüros wie Li Edelkoort und Nelly Rodi. Außerdem kaufte er Jacken auf dem Flohmarkt von Montreuil, welche er umänderte und an das Kaufhaus Le Printemps verkaufte. Seine Kreativität brachte ihm den Titel „Roi de la veste“ (König der Jacken) ein.

 Der Weg zum Grand Couturier

1991 zeigte er seine erste kommerzielle Kollektion, 1995 lernte er Jacques Mouclier kennen, den Präsidentend er Fédération Française de la Couture, du prêt-à-porter de couturiers et des créateurs de mode und wurde im Jahr darauf Mitglied, und 1999 zeigte er seine erste Kollektion im Palais Galliera als Gast. 2005 schließlich wurde er zum Grand Couturier ernannt.

 Alle Bilder via und via. 

Was haben Christian Dior, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent und Christobal Balenciaga gemeinsam? Nicht nur waren die vier Ikonen des französischen Couturedesigns des 20. Jahrhundert, sondern auch eng verbunden – beruflich und privat – mit dem schweizerischen Textilhersteller Gustav Zumsteg, Gründer der Firma Abraham, die von 1930 bis 2002 Modelle mit seinen hochqualitativen Stoffen und charakteristischen Prints verzierte.
“Seide ist meine Bestimmung”, ließ der Schweizer einst verlauten – und so machte Zumsteg sein Lebenswerk unsterblich und hinterließ der Modewelt ein umfangreiches Archiv seiner Zusammenarbeit mit den großen Namen der Szene.

Der Nachlass des Textil-Imperiums wurde 2007 an das Schweizer Nationalmuseum weitergereicht und noch bis 2011 ausgestellt. Nun hat das MoMu, Antwerpens Modemuseum, die archivierten Stücke in die Finger bekommen und als Erweiterung der ursprünglichen Ausstellung Soie Pirate: The Abraham Textile Archive Zurich, die Sammlung, welche nicht nur eine signifikante Anzahl an Sample-Büchern, sondern auch zahllose Couture Fotografien und Stoffproben aus den Blütezeiten des Unternehmens enthält.

Die Ausstellung fokussiert sich vor allem auf die Arbeiten der 50er und 60er Jahre und dessen ausgesprochen farbenfrohen Stoffaufdrucken als Spiegel des damaligen Zeitgeistes.
Aber um nicht permanent in der Vergangenheit zu schwelgen, luden die innovativen Antwerper aktuelle Größen des globalen Modeimperiums, wie Dries van Noten und Diane von Fürstenberg ein, die selbst eine gewisse Reputation in der Arbeit mit Mustern genießen, um mit den klassischen Abraham Mustern zu experimentieren und somit die Seele des Stofffabrikanten und Textildesigners im Rahmen der Ausstellung wieder aufleben zu lassen.

Das Geheimnis von Zumstegs Erfolg war neben den engen Freundschaften zu Paris’ größten Designern, die er vor allem während seiner Zeit in der französischen Hauptstadt knüpfte, auch sein Sinn für Charaktermotive, die er in seinen Stoffdrucken verarbeitete.
Neben Tierprints fanden sich dort auch Karos, Punkte und das Paisleymuster, dennoch war eines der Markenzeichen Abrahams florale Prints in jeglicher Form und Farbe, die besonders oft in Rosenmustern resultierten.
Ein informatives und unterhaltsames Must-See für alle Kultur- und Mode-Affinen, die sich noch bis zum 11. August zufällig Antwerpen wieder finden sollten.

Alle Infos gibt’s auf www.momu.be

Der Bloomsbury Verlag – ehemals Berg Publishers -versorgt den Modetheorieliebhaber regelmäßig mit kompliziertem, aber intellektuell bereicherndem Lesestoff. In der Subcultural Style Serie ist nun eine Abhandlung von Frenchy Lunning zum  Fetish Style erschienen, die von Geschichte bis Zukunft, von Objekt- und Produktfetischismus bis hin zu Erotik alles abdeckt, was die theoretische Seite des Fetisch betrifft. 

Besonders Kapitel 5, „Fetish Style: Fashion as Fetish“ bietet eine spannende Perspektive auf die Rolle des Fetisch in der Mode der Postmoderne. In den Hauptrollen: Leigh Bowery, Boy George, Madonna, sowie Jean Paul Gaultier, Jun Takahashi, Alexander McQueen, Vivien Westwood und Gareth Pugh; die Requisiten: Masken, die Models zur Unkenntlichkeit verändern, Bondage-Elemente, Skinsuits und Korsetts.

Detailliert schildert Lunning, Professorin der Liberal Arts am Minneapolis College of Art and Design den Symbolismus  und die Herkunft der jeweiligen Fetischanspielungen in der Mode, zum Beispiel des Korsetts, der Bondage-Elemente oder der Masken.
Am Ende allerdings stößt Lunning auf das scheinbar permanente Paradox der Postmoderne, ihre Selbstreflexivität – oder einfacher ausgedrückt, die Tatsache, dass diese sich stets selbst in den Schwanz beißt: „Fashion is using the illusion, surface, fatuity, and its nature as a product in the market to attempt to do the same thing that art is supposedly doing; critiquing the culture through a symbolic and sensual means.“
Die Mode kann das System der Symbole, in welchem sie sich bewegt, nicht verlassen, und muss daher mit den Mitteln auskommen, die sie zu thematisieren versucht.
Eine Lektüre ausschließlich für ein bereits auf dem Gebiet belesenes Publikum. Auch das Ausblickskapitel entlässt den Leser aus den vorher genannten Problematiken mit einem schwachen Fazit.
Lunning beruft sich auf Deleuze und Foucault, findet aber keinen wirklich befriedigenden Abschluss des Themas, außer auf dessen Vielseitigkeit, Potential für Toleranz und Akzeptanz, sowie die Einheit von Mode und Fetisch hinzuweisen.

Fetish Style erscheint Mitte April als Paperback für $29,90.

In der vergangenen Woche fand in Paris die Haute Couture Woche statt, in der die großen Modehäuser wie Dior, Chanel und Valentino ihre Frühjahr-Sommer-Kollektionen 2013 präsentieren.
Neben den etablierten Designern hatte die „Chambre Syndicale de la Haute Couture“ als Gäste diesmal die Designer Hervé Leroux, Lefranc Ferrant, Zuhair Murad und Rad Hourani. Die spannendsten und interessantesten Kreationen im Überblick:

Maison Martin Margiela, Paris Haute Couture Spring 2013

Traditionell verhüllte Gesichter und Bonbonpapier gab es bei Maison Martin Margiela zu sehen. Die Show bestach durch lange Kleider mit auffallenden Stoffen und wilden Mustern, alles kombiniert mit weißen Plateaus.
Bunte Stickereien und Federbustier als exotisches Highlight und Kontrast zum silbernen Mantel daneben.

Bei Valentino wurde man in ein Paradies aus bestechend schöner Abendgarderobe entführt. Die Schneiderkunst bei den Kleidern ist beeindruckend, bei einem Exemplar wurden bis zu 1500 Stunden Arbeit investiert.

Valentino, Paris Haute Couture Spring 2013

Schwarz- und helle Weiß- und Beigetöne dominierten bei den Kleidern, eine Kombintation mit Rot oder auch aufwendige Blumenmuster kamen zum Einsatz. Die Kollektion wirkte natürlich und geheimnisvoll schön. Die Valentino-Designer Maria Grazia Chiuri und Pierpaolo Piccioli wollten in einen verwunschenen Garten entführen und erklärten, dass Couture magisch sein muss. Diesen Zauber versprühten sie tatsächlich.

Bei Chanel wählte Karl Lagerfeld diesmal einen dunklen, wuchernden Wald als Kulisse. In Kombination mit dem Grand Palais also ein perfekter und eindrucksvoller Hintergrund für die Schau.

Chanel, Paris Haute Couture Spring 2013

Neben typischen Chanelkostümen gab es bauschige Kleider und Federn. Der Kontrast aus beigem Tweetkostüm und Zombibraut gelingt perfekt. Vor allem die Kreationen, die neben dem Federkleid mit großen Lederstiefelen kombiniert werden, haben einen starken Gothiclook, Lagerfelds Märchen im Wald mit der bösen Hexe gelang ihm.

Raf Simons entwarf für Dior seine zweite Couture-Kollektion und wählte das Thema Garten als Symbol für Natur, Wachstum und Veränderung.

Dior Paris Haute Couture Spring 2013

Die Models präsentierten mit burschikosen Kurzhaarschnitten die Garderobe von Dior, die zwar sehr schwarz begann, die Farbleggins unterbrachen den dunklen Look aber gleich. Sehr viele Rot- und Gelbakzente waren zu sehen, und die Liebe zu Detail wurde sehr gut sichtbar.
Auf Kleider gefallene Blätter, erblühende Knospen auf Handschuhen und wachsende Blumenwiesen auf Oberteilen waren zu sehen. Simons stellte mit seiner Kollektion den sanften Übergang der Jahreszeiten und den Verlauf in der Natur dar, alles aber sehr konzentriert auf den Sommer und starke Farben.

Die Niederländerin Iris van Herpen ist bekannt für ihre avantgardistischen Kreationen, und auch diesmal enttäuschte sie nicht. Mit dem Warnhinweis „Voltage“ begann die Show und der Saal wurde erstmal unter Strom gesetzt.

Von Highheels mit astronomisch hohen Absätzen wurde man dank der 3D-Outfits auch in eine andere Welt versetzt. Wie mit lebendigen schwarzen Kristallen besetzt, wird ein Kleid präsentiert, begleitet mit sphärischer Musik der kanadischen Sängerin Grimes, die eine Muse für van Herpen ist.
Flauschige, korallenartige Lebewesen sind auf anderen Stücken zu sehen, ein Kleid aus futuristischen Metallorigami-Applikationen runden den Trip durch das Weltall ab. Die Kollektion sollte Elektrizität und Science-Fiction verbinden und verwendet sogar neue, flexible Hightechmaterialien, die laut van Herpen noch nicht mal einen Namen besitzen.

Bei dem italienischen Designer Giambattista Valli dreht sich anfangs alles sehr um Schwarz-Weiß-Kontraste, danach geht der Fokus aber schnell über in blumige Eindrücke.

Giambattista Valli, Paris Haute Couture Spring 2013

Die romantischen Roben mit auffälligen Blütenstickereien wirkten sehr verspielt, und es gab viele Muster zu sehen. Neben den blumigen Akzenten sind viele Zebra- und Krokomuster zu sehen, aber auch Luchs- und Leopardenprints. Viel Tüll und Seide lassen die Stücke sehr rokoko-esque wirken und runden die vorhergehenden Schwarz-Weiß-Prints ab.

Modeillustration der 20er Jahre

Während in Paris die Haute Couture beheimatet ist, und jedem sofort Designernamen wie Chanel, Dior und Yves Saint Laurent einfallen, bleibt Berlin immer die Stiefschwester der Modestädte. Berliner Designer werden meist als jung und rebellisch wahrgenommen und erreichen selten den Berühmtheitsstatus der Pariser oder Londoner Modeschöpfer. Dabei hat Berlin eine lange Geschichte der Mode und Konfektion zu bieten, mit einer Glanzzeit in den Zwanziger Jahren.

In den goldenen Zwanzigern hatte sich in Berlin eine gut ausgebildete, handwerkliche Konfektionsbranche entwickelt, die in die ganze Welt exportierte. Zwar war Berlin in Sachen Innovation bei weitem nicht mit Paris zu vergleichen, doch auch hier, in der Modellkonfektion wurde hochelegante, sehr teure Kleidung in kleinen Stückzahlen angefertigt, die sich nur ein kleiner sehr begüterter Kreis von Kunden leisten konnte. Die Modelle waren nach Pariser Vorbild gestaltet und verarbeitet und bestanden aus luxuriösen Materialien wie Seide und Pelz. Modellkonfektion wurde in repräsentativ ausgestatteten Salons vorgeführt und verkauft, die den Pariser Couture-Salons in nichts nachstanden.“*

Berliner Vorführsalon Gerson um 1890

Darüber hinaus wurde in Berlin Kleidung in größeren Massen hergestellt und an die weniger Betuchten verkauft, es begann bereits hier die Demokratisierung des Modemarktes, die sich heute in Ketten wie H&M oder Zara fortsetzt und Trends vom Laufsteg in preiswerte Mode überträgt: Das modische Bewusstsein innerhalb Deutschlands war anders als jenes in Paris. Von der handwerklichen Qualität her konnten die Modelle der gehobenen Berliner Konfektion durchaus mit der Pariser Mode konkurrieren. Die Berliner hatten jedoch offenbar – speziell im Stapel- und Mittelgenre – ein etwas pragmatischeres Verhältnis zur Mode und übersetzten“ die Ideen der französischen Couture in eine alltagstauglichere Sprache.“* Auch den Vorläufer der Sweat-Shops, das sogenannte Schwitzsystem“ gab es bereits – wo günstige Mode, da Ausbeutung der Arbeitskräfte.

Die renommierten Berliner Modehäuser wie Nathan Israel (Spandauer Straße), Valentin Manheimer, Rudolph Hertzog und Herrmann Gerson (Werderscher Markt) verkauften die konfektionierten Kleider an Berlinerinnen und trugen so zum damals weltweit bekannten und oft kopierten, Berliner Chic bei. Rund um den Hausvogteiplatz saß damals das modische Herz der Stadt.

Volkswarenhaus Tietz am Alexanderplatz

Persönlichkeiten wie Ernst Dryden, dessen Modelle von Grace Moore, Jane Wyatt und Marlene Dietrich getragen wurden, dessen Marke als Vorbild für Gucci oder Ralph Lauren diente, der für die Zeitschrift Die Dame“ tätig war und sogar eine Kollektion für Chanel entwarf – oder der Modeschöpfer Otto Haas-Heye, Marie Latz und Johanna König sind leider in Vergessenheit geraten.

Anprobe bei Marie Latz

Ab 1918 fanden zweimal jährlich Berliner Modewochen statt, mit Modenschauen und Modetees; die Berliner Durchreise, eine Modemesse, die auch heute noch existiert, hat ihre Vorläufer in den Reisen der Textilhändler, die seit etwa 1850 in Berlin Halt machten, um dort ihre Stoffe zu verkaufen. Sie ist die älteste Modemesse der Welt.

Auch ein aufkommendes neues Frauenbild, das der Garçonne, entwickelte sich in der Zwanzigern und wurde von den Berlinerinnen übernommen. Der androgyne Garçonne-Stil übernahm männliche Kleidungselemente wie den Smoking und die Hose und hatte eine betont schlichte Gesamtwirkung. Weitere Attribute waren das Monokel, die Zigarettenspitze und der radikal kurze Eton-Haarschnitt.“*

Der Stil der Zwanziger Jahre – aus der Zeitschrift Die Dame

Vieles, was Berlin sich an Mode mühsam erarbeitet hatte, fiel der Weltwirtschaftskrise und der Arisierung unter den Nationalsozialisten zum Opfer. Die oft jüdisch geführten Konfektionsbetriebe und Kaufhäuser wurden zwangsverkauft und enteignet, wenn sie nicht schon an der schlechten Wirtschaftslage zugrunde gegangen waren. Die Berliner Modebranche konnte sich nicht, wie Paris, vom Zweiten Weltkrieg erholen, da zur gleichen Zeit, als Dior seinen New Look auf den Markt brachte und Mode wieder begehrlich machte, Berlin in zwei Teile gerissen wurde und als Modestandort nicht mehr erreichbar war.

Erst seit 20 Jahren kämpft Berlin wieder um eine Position ganz vorne unter den Modestädten – und für diese kurze Zeit ist schon viel geschehen. Ob die Stadt zu ihrem alten Glanz zurück finden wird, oder ihr altes Selbst gar schon überholt hat – Modewochen, Messen und Designer, selbst der Berliner Chic, sind zurückgekehrt – und ob sie Paris und London einholen kann, wird sich zeigen.

* Dank an Nora Fiege für die Bereitstellung ihrer Diplomarbeit „Berliner Mode und Konfektion in den 1920er Jahren – Neue Kleider für Neue Frauen?“

Zum Thema
Berlin – Eine Modestadt will nach oben (2007)