Models sind die unumstrittenen Königinnen der Mode: sie entscheiden über Verkaufszahlen, über Berichterstattungen der Presse, über Inspiration der Designer. Auf der Anderen Seite sind sie nichts als Marionetten, die machen, wie ihnen befohlen wird, sie lächeln, laufen, posieren. Nicht mehr als zwei Handvoll werden von der breiten Masse namentlich erkannt. Wer aber einmal den Olymp der Models erklommen hat, bleibt für immer in das visuelle Gedächtnis der Welt eingebrannt. Man denke an Dovima, Veruschka, Twiggy, Jean Shrimpton, Lauren Hutton, oder die Supermodels der 90er: Claudia Schiffer, Cindy Crawford, Linda Evangelista, Nadja Auermann, Eva Herzigova und Christy Turlington. Die Models, die das Glück haben, im Digitalen Zeitalter zu arbeiten, haben natürlich einen Online-Schrein, den Altar der Postmoderne: einen Tumblr.  

Kate Moss ist die Queen Bee der modernen Models. Eine Vielzahl an Tumblrn huldigt ihr, doch KateMossisBoss ist unser Favorit.

So schnell wie Cara Delevingne haben wenige den Aufstieg geschafft. nicht nur sie selbst, auch ihre Augenbrauen und ihr Thigh Gap haben Berühmtheit erlangt. Wir sehen sie am liebsten im Ganzen und mit ihren Freunden.

Mit Naomi Campbell, oder Queen Naomi, wie sie hier genannt wird, ist nicht leicht Krischen essen. Essen ist aber ja sowieso nicht als eine Stärke von Models bekannt. Dafür gibt es schöne Bilder aus mehreren Jahrzenhten von dem Model, das nicht zu altern scheint.

A Gisele a day keeps the doctor away. Die tägliche Dosis Gisele Bündchen gibt es auf Giseldaily, diesem Tumblr, der der brasilianischen Schönheit gewidmet ist.

Coco Rocha ist ein echtes Bad Girl, oder auch ein Bad Boy, wenn man Jean Paul Gaultier fragt. Wie ihre Knie nach der You’re the One that I want – Tanzeinlage zur SS14 Show des französischen Designers aussahen, zeigt sie uns hier und auf ihrem Tumblr.

Eine große Rolle in der Ideenfindung eines jeden Designers spielt eine Frau – die Muse. In romantischer Verklärung schaffen sich die Modeschöpfer eine Frau, die für sie die neue Weiblichkeit (oder die Weiblichkeit schlechthin) darstellt; sie ist der Ausgangspunkt vieler Kollektionen. Doch die Muse, ähnlich wie die Mode des 21. Jahrhunderts, scheint in der Dauerschleife festzuhängen. Immer wieder werden die selben Damen für den bekannten Musenkuss bemüht.
Kristian Barella Greve fordert mehr Variation im modischen Ideal-Frauenbild.

In den letzten Hundert Jahren der Mode- und Kostümgeschichte erlebten wir einen interessanten Trend: zwar gibt es Damen, die tatsächlich in Kontakt mit den Designern stehen: Daphne Guinness, Florence Welsh oder Beth Ditto sind in der Hinsicht Paradebeispiele – doch lange hält die Bewunderung nicht an, zu schnell und intensiv wird die Muse durch die (Massen-)Medien gejagt, sodass sie Anziehung und Glanz verliert. Daher müssen historische Figuren herhalten, die, recht eindimensional, die Zeiten überdauert haben, aber auch – weil sie nicht mehr widersprechen können – schier unbegrenzt Fläche zur Interpretation bieten.

Designer bedienen sich immer wieder vergangener Epochen und somit auch antiker Frauenbilder um „Neues“ zu schaffen.
Es wird der Größe und dem Glamour vergangener Tage nachgetrauert, die Mode ist aber nicht mehr ein elitärer Klub der von Aristokratinnen, der Haute Bourgeoisie und Künstlerinnen regiert wird. Die Demokratisierung ihrer Grundstrukturen fordert, dass eine breite Masse die Muse kennt.
So biegen und brechen die Modeschöpfer das Bild dieser Frauen so lange bis dieses ihrem neuen Markt und einer verkaufbaren Ästhetik entspricht.

Ein gutes Beispiel dafür ist Marie-Antoinette.
Die letzte wahre Französische Königin wurde 2006 zum Vogue Cover, verkörpert von Kirsten Dunst, die in dem Kostümfilm Sophia Coppolas die junge Habsburgerin spielte. Marie Antoinette wurde auch von Jean-Paul Gaultier auf Madonna umgemünzt, welche bei den MTV-Music Award als Dauphine auftrat und sinnlich „Vogue“ trällerte. John Galliano, von Haus aus den Hang zum pompösen habend, und somit sozusagen Seelenverwandter der dekandenten Adligen, bemühte den Glamour der Königin wiederholt für seine Kollektionen.
Die französische Königin ist Grundlage tausender Videotutorials, die entweder die gepuderte Blässe oder die voluminösen Perücken mit den Mitteln unserer Zeit zu kopieren versuchen. Und selbst Vivianne Westwood brachte eine Punkversion der Adligen heraus.
Das selbe Lied könnte man über Cleopatra, Madame Butterfly oder Königin Elisabeth die Erste singen.

Es gleicht einem faden Abgesang wenn schon wieder eine Kollektion Audrey Hepburn über den Laufsteg marschieren lässt; wenn, statt eine neue Muse zu finden, wieder mal bei Louis Vuitton eine Jacky Kennedy Onassis die Rolltreppe herunterstolpert. Es kommt das Gefühl auf, dass sich die Kreativen nicht mehr ihrer gesellschaftlichen Rolle bewusst sind und aus Verlegenheit die gleichen Ideale instrumentalisieren, immer wieder die gleichen Rollenbilder bestärken.
Dabei gäbe es so viele starke, smarte, interessante Vorbilder, die man zur Abwechslung zu Rate ziehen könnte.

Zum Beispiel Theda Bara, amerikanische Stummfilmschauspielerin der frühen Zwanziger Jahre, die durch ihre Präsenz und ihre Ausstrahlung das Schönheitsideal der „Flapper-Zeit“ einfach obsolet machte.
Sie war vollschlank, weiblich und mysteriös und verschaffte sich somit als eine der ersten das Image eines wahren Sexsymbols und Vamps.
Da es ihr aber nicht gefiel, ständig in diese Schublade gesteckt zu werden, ließ sie ihren Fünfjahresvertrag mit Fox auslaufen und suchte sich anschließend vielseitigere Rollen aus.

Als Intellektuelle bietet sich Simone de Beauvoir an. Die Frau wusste sich so zu kleiden, dass Männer sie Ernst nahmen und ihre Thesen waren so neu, dass die Selben sie sogar kopierten oder diese, wie so oft in der Geschichte, von ihr stahlen. Des Weiteren hatte sie ihren Stil so konsequent durchgehalten, dass ihre Silhouette, speziell die Frisur, zu ihrem Markenzeichen wurde.

Wenn man schon bei starken und einflussreichen Frauen ist, liegt doch Ethel Smyth, die Mitbestreiterin der Suffragetten-Bewegung und Komponistin nahe.
Sie war eine Freundin von Tschaikowski und prägte die Uniform der Suffragetten, welche wiederum der Urahn des Powersuits der 1980er war.

Wenn es einem aber als Designer wichtig ist, den Glanz der Monarchie oder gar nur der Aristokratie zu beanspruchen, sollte man eher den meterdicken Staub von vergessenen Dynastien wischen, als den Glanz der Bekannten zu überanstrengen.

Dafür kann man weit zurück in die Zeit reisen und die Gattin des oströmischen Kaisers Justinian als Muse nehmen. Kaiserin Theodora war bevor sie Kaiserin des größten Reichs ihrer Zeit wurde, eine Erotiktänzerin und Prostituierte.
Ihre Pretty-Woman-Geschichte endete aber nicht mit der Hochzeit, sondern damit, dass sie ihrem Gatten, als er fast abgesetzt wurde, durch ihre List und Intelligenz den Thron zurückgewann. Sie wird, ähnlich wie Kleopatra, von den Chroniken der Zeit als wunderschöne aber hinterlistige Frau dargestellt, die es liebte, im Luxus und Überfluss zu leben.

Katharina die Große, Königin Anne, Maria Theresa Habsburg von Österreich, Königin Margot von Frankreich – alle diese Frauen hatten ein sehr starkes Bewusstsein für die repräsentative Macht der Mode und tragen auch das Renommee, Altbekanntes zu verwerfen und Neuerungen voran zu treiben.
Sie schufen mit ihrer Einstellung Neues, genauso wie die Dauphine von Frankreich, nur hat sich scheinbar niemand die Mühe gemacht, ihren stilistischen Werdegang zu analysieren oder sich mit diesen Frauen tatsächlich auseinanderzusetzen.

Gerade im aktuellen Zeitalter des Wandels und Umbruchs sollte jungen (Frauen-)Generationen mehr Auswahl an Rollen- und Stilvorbildern geboten werden als eine Handvoll.
Die Geschichte und die Gegenwart haben eine Fülle an Arten des Frauseins zu bieten, warum also immer auf den selben alten Kamellen herum kauen?
Es wird Zeit, neue Referenzen in der Mode zu schaffen, und das ist nun wirklich keine Kunst.
Die Schönheit der Musen ist doch, dass es in der Geschichte und im täglichen Leben viele Frauen gibt, die es verdient haben in den Fokus der Modemacher zu treten.
Dann wird es vielleicht auch wieder etwas mit dem „Neuen“ in der Mode.

Zusammen mit der Esmod Berlin, Galeries Lafayette und der Berlin Film Society wurde gestern ein echtes Highlight des Modefilms und der Fashion Week präsentiert: Diana Vreeland. The Eye has to Travel von Neu-Filmemacherin Lisa Immordino Vreeland, verheiratet mit dem Enkel von Diana Vreeland.

Das exklusive Screening der Dokumentation über eine der schillerndsten und einflussreichsten Modepersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts war eine gelungene Ergänzug der Fashion Week. Der Kinosaal des Berliner Soho House war bis auf den letzten Platz besetzt, und die an verrückt grenzenden Weisheiten von D.V., wie die ehemalige Chefredakteurin der Vogue auch bekannt ist, erzielten lautes Gelächter aus den Reihen.
„The best thing about London is Paris“, ist so eine, „I don’t know if I’ll die at the age of 70, 80, or 90. But I know I will die very young“ oder „You’re not supposed to give people what they want, you’re supposed to give them what they don’t know they want yet!“.
Veruschka, die im Publikum saß und den Film zum ersten Mal sah, gab noch eine eigen Anekdote zum besten: Diana Vreeland habe immer in der Gegenwart gelebt, immer gewollt, dass alle glücklich sind: „Dont be boring!“ habe sie Veruschka, zu deren Ausdruck eine gewisse Melancholie gehöre, angewiesen.

Diana Vreeland ist eine der wichtigsten Redakteurinnen des vergangenen Jahrhunderts, doch sie lief Gefahr, in Vergessenheit zu geraten. Um dem entgegen zu wirken, begann Lisa Immordino Vreeland mit Interviews (Diane von Fürstenberg, Anjelica Houston, David Bailey, Verushka, Anna Sui, Harold Koda und viele mehr) und Recherche über ihre Schwieger-Oma, welche sie nie kennengelernt hatte.
Die Frau, die sie entdeckte, steckt voller Überraschungen, doch vor allen Dingen inspiriert sie. Ihre Art, Geschichten zu erzählen, ohne Punkt und Komma, ihre Angewohnheit, die Welt, das Leben, interessanter zu machen, auch wenn dazu ein wenig geflunkert werden muss, ihre ungebändigte Energie und Neugierde macht sie amüsant und liebenswert. Zum Beispiel erzählt sie von einem Unterwäscheladen, den sie in den 30ern hatte, und in welchem Wallis Simpson sich drei Nachthemden für ein Wochenende mit Prince Edward fertigen ließ – Vreelands Fazit: „The rest is history. My little shop brought down the throne.“

Diese Dokumentation ist ein Must-See für alle, die Modeinteresse haben – denn die Bedeutung Diana Vreelands kann gar nicht hoch genug angesetzt werden. Ikonische Fashionshoots mit Twiggy, Cher, Lauren Bacall und Veruschka in den 60ern, das erste Bild von Mick Jagger, ihre Kolumne Why don’t you in Harper´s Bazaar, Vreeland hat einen bleibenden Fußabdruck in der Geschichte der Popkultur und Mode hinterlassen.
In der nächsten Ausgabe der deutschen Vogue wird die DVD des Films beiliegen, ein guter Grund sehr bald den nächsten Kiosk aufzusuchen.

Twiggy in Betsey Johnson, British Vogue 1966, Foto David Bailey; Lauren Hutton in einem „Glue it Yourself dress“, ebenfalls Betsey Johnson, LIFE, 1966. Fotograf unbekannt.

Die Ausstellung mit dem Titel Youthquake! The 1960s Fashion Revolution, derzeit am FIT zu sehen, beschäftigt sich mit einem wichtigen Wendepunkt der Mode, der Medien und der Kultur: die Jugendrevolution der Sechziger Jahre. Von einer Gesellschaft, in der das Establishment das Sagen hatte, wandelte sich beinahe schlagartig alles hin zu einem Massenmarkt dominiert von Teens und Twens, eine Veränderung, die selbst die Haute Couture transformierte.

Obwohl dem Youthquake schon in den Fünfzigern eine Revolution der Jugend vorangegangen war, thematisiert in Filmen wie Rebel without a Cause oder The Wild One, war London in den 60ern dennoch das Epizentrum der kulturellen Revolution, die das Gesicht der Mode, der Werbung und des Konsums für die nächsten Jahrzente verändern sollte.
Mods, Beatniks, wenig später Hippies, Mary Quant und schockierend kurze Rocksäume waren die Symptome einer Veränderung, die viel tiefer lag. Teenager rebellierten gegen die Traditionen und überkommenen Ansichten ihrer Eltern und der Gesellschaft, in der sie lebten. Sie sahen die gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten, technologisch-wissenschaftliche Veränderungen und einen sinnlosen Krieg, der ihre Freunde das Leben kostete. Im Gegensatz zu den Jahrzehnten zuvor verfügten sie jedoch über die monetären Mittel und die Freiheit, ihr Geld auszugeben, wie sie es für richtig hielten. Eine Uniform der Andersartigkeit war geboren.

Kleid von Harry Gordon 1967, Twiggy inspirierte Strumpfhosen ca. 1967-68

Twiggy, das mädchenhafte Model mit den langen Wimpern und Minikleidern wurde zum Aushängeschild dieser Generation, die ihren Widerspruch gegen die Ungerechtigkeit ihrer Welt unter anderem durch Kleidung ausdrückten. Lange Haare für Männer und Pixie-Haarschnitte für Frauen rüttelten an althergebrachten Konventionen wie ein Mann oder eine Frau auszusehen habe, und Miniröcke fochten einen Kampf um Selbstbestimmung weiblicher Körper auf einem deutlich sichtbaren Level aus.

Die Ausstellung zeigt unter anderem Stücke von Mary Quant in London, Harry Gordon’s A-Linien Kleid mit einem Foto von Bob Dylan, und Betsey Johnson für Paraphernalia in New York. Die körperfernen Schnittmuster dieser Mode begünstigten weiter die massenhafte Produktion der Kleidung und ermöglichten somit eine sehr demokratische Verbreitung der Mode, die sich jeder leisten konnte.

Noch heute sind der Musikmarkt, die Kosmetikbranche und die Modeindustrie von all diesen Veränderungen stark beeinflusst, und speziell das ideale Körperbild der Frau wandelte sich zu dem des beinahe knabenhaften Models, begonnen mit Twiggy und gipfelnd in Kate Moss. Die Nachbeben des Youthquake änderten Schauspieler/innen, die immer jünger zu werden scheinen: Dakota Fanning, Emma Watson, Justin Bieber, Elizabeth Olsen, Tavi Gevinson und zahlreiche weitere junge Nachwuchstalente sind die neuen Gesichter der Entertainmentindustrie, und der Modeanzeigen, lange bevor sie Erwachsenenalter erreichen.
Doch zeichnen sich auch Gegenströmungen ab. Doves Werbekampagnen mit weniger perfekten, reiferen Frauen, Brigittes Ansatz, „echte“ Frauen als Modelle zu benutzen, Schauspielerinnen wie Kate Winslet, die digital nachbearbeitete Bilder von sich nicht veröffentlichen lässt, und Großbritanniens Verbot zu stark gephotoshoppter Models in Werbeplakaten – es scheint sich ein, wenn auch zaghafter, Gegentrend zum bedingungslosen Jugendideal abzuzeichnen.

M.A.C. Kampagne mit Iris Apfel, Debra Rapoport auf Advanced Style

Zuletzt die neue Linie der Kosmetikfirma M.A.C., die mit dem Gesicht der über 90-jährigen Iris Apfel wirbt. Designer machen sich Gedanken über Mode im Alter, Modeblogs, wie beispielweise Advanced Style in den USA oder Anders-Anziehen in Deutschland fordern das gängige Schönheitsideal heraus und zeigen wie modisch und mutig Frauen (und Männer) in fortgeschrittenen Alter sein können.
Meryl Streep, 62-jährig, zierte das Cover der US Vogue im vergangenen Januar, als ältestes Covermodell in der Geschichte des Magazins.
Der Trend, falls es einer ist, wäre sinnvoll: Die Gesellschaft hat sich verändert, speziell in Europa wird die Bevölkerung immer älter, mit zurückgehenden Geburtenraten. Senioren haben Zeit und Geld und stellen eine wachsende Bevölkerungsschicht, zudem sind sie aktiver als je zuvor, geben mehr Geld für ihr Äußeres, Reisen und Gesundheit aus.
So wie die 60er nach einer Jugendrevolution verlangten, so scheint sich für die 2010er eine Kehrtwende, ein Umdenken von einem bedingungslosen Jugendwahn abzuzeichnen.