Die in Italien geborene Vanessa Beecroft weiß mit ihrer Kunst zu polarisieren. An der Grenze dessen, was man weitläufig als guten Geschmack definiert, zwischen Kunst und Mode, weist sie Konventionen und gesellschaftliche Tabus auf, die sonst durch Institutionalisierung unsichtbar geworden sind.
Ihre Installationen und Performancestücke, oft bestehend aus nackten Frauen inszeniert im Raum, stellen die Situation der Frau in Modebusiness, Kunst und Gesellschaft allgemein in Frage. 

Konventionen der Darstellung von Nacktheit, insbesondere des weiblichen Körpers, werden in Beecrofts Projekten bloßgelegt. Traditionell ist der Künstler männlich besetzt, das Modell weiblich, und das Machtgefälle zwischen beiden klar definiert. Er schaffend, sie inspirierend; er aktiv, sie passiv; er mit Agenda, sie ohne. Ähnlich verhält es sich mit den, oft männlichen, Modedesignern und deren Models und Musen in einer ansonsten Branche, in der zwar deutlich mehr Frauen arbeiten.

Diese patriarchalen, oft unterbewusst ablaufenden Prozessen bricht Beecroft auf, wenn sie eine Armee mehr oder weniger bekleideter Modelle im Museum auf eine Treppe stellt, in schmerzhaften High-Heels, den neugierigen Blicken der Besucher preisgegeben, oder sie nackt, weiß angestrichen, wie Marmorfiguren auf Podeste legt.
Die Individualität der einzelnen Person geht dabei unter, der Wert des Geistes weicht der Wertschätzung des Körpers – eine Stellungnahme zum historischen und aktuellen Stand der Frau und ihres Körpers in der Gesellschaft, sowie in Kunst und Mode.

Das Modell, heute oft gefeierte Celebrity, aber auch ein entrechtetes Wesen, das fürs Funktionieren – zugegeben, sehr gut – bezahlt wird, das aber dafür auch Tag und Nacht arbeitet, wartet, trainiert, hungert. Diese unsichtbare Schattenseite des glamourösen Modellebens wird ein wenig transparenter gemacht in Beecrofts Performances.

Dem Publikum wird außerdem durch diese Art der Aktionen der eigene Voyeurismus vor Augen geführt. Die traditionell reglos abgebildete Schönheit, die mit Blicken konsumiert werden kann und soll, ist hier ein Mensch aus Fleisch und Blut, der leidet, sich vielleicht schämt, oder gar erschöpft zusammenbricht.
Dennoch kann und will man die Augen nicht abwenden, schöne Körper sind eben schön anzusehen, ungeachtet der bekannten Problematiken – Eine Mikro-Abbildung der systemischen Problematik warum die Forderung der Abschaffung von Magermodellen nicht durchsetzbar ist.
Sie machen es doch schließlich freiwillig.

Gefühle und Regungen wie Sadismus, Erregung, Intoleranz, aber auch Mitleid und Altruismus werden in dieser Szenerie angesprochen und machen so den Schaulustigen einiges über die „Human Condition“, das menschliche Wesen, klar.
Diesen Effekt, sowie die angesagte Vermengung von Kunst und Mode, machte sich auch der französische Luxuswarenhersteller Louis Vuitton zu Nutze, der Beecroft 2005 für die Eröffnung des Stores an der Champs-Elysees engagierte.

In „Seeing Through Clothes“, einem modetheoretischen Standardwerk, argumentiert Anne Hollander, dass Moden historisch auch den darunter liegenden, nackten Körper verändern und beeinflussen. Wenn Rundungen in Kleidung in waren, so reflektierte sich dies auch in den zeitgenössischen Aktmodellen, wenn eine schmale Silhouette angesagt war, so wichen auch die nackten Kurven. Eine Korrelation, die bis heute ungebrochen scheint.
Die Kleidung, unsere soziale Haut, diktiert auch dem nackten Körper seine Form, ihre Inszenierung in Fashionshoots, wie das Video unten zeigt, prägt Gestik und Mimik, definiert, was als sexy wahrgenommen, was als Norm und als Abweichung davon zu sehen ist.

Die Auseinandersetzung mit Beecrofts Werk ist hier selbstverständlich nicht ausgeschöpft, die verschiedenen Schichten an Bedeutung allerhöchstens oberflächlich angekratzt.
Fest steht jedoch, dass der weibliche Körper, und insbesondere der des Models, ein politischer, theoretischer und realer Battleground ist, auf dem die letzte Schlacht über gesellschaftliche Normen längst noch nicht geschlagen ist.

Es zeichnet sich schon seit langem ab, dass dem Film in der Mode eine grössere Bedeutung zugeordnet werden wird, aber es bedurfte der „Old-School“ Journalistin Claudia Carillon, dieser Kunstform einen wichtigen Schub zu geben:
mit ihrem German Fashion Film Award, der am 05.07.2010 zum ersten Mal in Berliner Bundeswirtschaftsministerium verliehen wurde, hat sie eine Veranstaltung geschaffen, die viele Modemacher zum Anlass nehmen werden, sich dem Medium Film für die Vermittlung ihrer Mode zu nähern.

77 Arbeiten wurden für den ersten Award eingereicht, für die Kategorien Accessoires, Herrenmode und Damenmode wurden je 5 Arbeiten nominiert.
Dabei ist die Menge der erstaunlich hochwertigen Clips beeindruckend.

Die Jury enstschied sich für die folgenden Labels/Arbeiten:
Accessoires: Encore
Herrenmode: geppebba
Damenmode: potipoti

Weitere Platzierte waren:
Accessoires:
2. Platz: Gretchen
3. Platz: Glowybox

Herren:
2. Platz: Ucon Acrobatics
3. Platz: Eva Gronbach

Damen:
2. Platz: Pepp Art
3. Platz: Annette Kölling

Neue Technologien, insbesondere aber ihre steigende Verfügbarkeit verändern in rapidem Tempo die Medienlandschaft, und der GFFA ist -wenn man von der ein wenig altbackenen Präsentation im Wirtschaftsministerium, die den Eindruck erweckte, hier würde Kreativität „von Staats wegen“ verordnet- ein wichtiger Beitrag zur Förderung des Modefilms.

Die Meinungen über das musikalische Talent von Lady Gaga scheiden sich – während sie zum einen vom Videoregisseur Jonas Akerlund als neue „Queen of Pop“ und Nachfolgerin von Madonna angekündigt wird, klingt ihre Musik für Konkurrentin M.I.A. wie aus einer „20 Jahre alten Ibiza Disko“.
Keiner wird jedoch bestreiten, dass Stefani Joanne Angelina Germanotta in Bezug auf Ihren exzentrischen, avantgardistischen und provokanten Stil Madonna und anderen Fashionikonen in punkto Innovation um nichts nachsteht.
Lady Gaga will nicht empören, denn „nur für Menschen, die ohne Mut und Fantasie durchs Leben gehen, ist mein Stil ein Schock“, wie sie in einem Interview erklärt. Nichtdestotrotz arbeitet sie an einem außergewöhnlichen Gaga-Look, indem sie beispielsweise prominente oder klischeebehaftete Outfits zitiert und parodiert.
Und, wie sie öfters betont: Sie entwirft Ihre Bühnenoutfits selbst.

li: Madonna im legendären Jean Paul Gaultier-Body; re: Lady Gaga in Marc Jacobs

Nun stellt sich die Frage, ob Lady Gaga gänzlich hinter ihrem eigens erschaffenen Gesamtkunstwerk verschwindet, oder ob sie tatsächlich „so“ ist. Als sie noch als Stefani Germanotta performte, war sie schon stimmlich außergewöhnlich, hatte aber bei weitem nicht so ein Gespür für Extravagantes (z.B. ihr beeindruckender Auftritt bei der NYU Talent Show 2005). Mit der steigenden Extravaganz der Performance und Kleidung scheint jedoch auch die Songwriter-Qualität ihrer Musik zu schwinden (vgl. die Artikelüberschrift: Zeile aus ihrem Lied „Fashion“). Oder, anders formuliert, der Erfolg kam erst mit der physischen Wandlung, und die Musik veränderte sich dazu analog, so als ob entweder nur das eine oder das andere die Oberhand haben könnte.
Gaga selbst erklärt über ihr „altes“ Ich: „She’s not here anymore. She’s covered in sequins.“

Lady Gaga auf einer Pressekonferenz

Laut Gaga verhält es sich bei Ihrem neuen Ich so, dass mit der Idee zu ihrer einfachen Musik (wie sie selbst zugibt) gleichzeitig die Ideen zur Bühnenshow und zum Bühnenkostüm kommen, sozusagen als kreatives Ganzes. Interessant, dass aus solch simplen bis platten Texten so komplexe Kreationen entstehen können.

In Interviews nennt sie ihre zahlreichen Inspirationsquellen wie „brainstorming with my friends, going on youtube, watching old movies and reading fashion magazine imported from Europe“, Pop-Art, New Wave, Kubismus, „moonlight, sex, slasher films and pornography“, der venezianische Maskenball, Flohmärkte, Zeitunglesen sowie „ice princesses and magical angels“.

Lady Gaga – eigene Kreationen

Sie bewundert Musiker wie Madonna, David Bowie, Michael Jackson, Freddie Mercury, Cyndi Lauper oder Roisin Murphy, die Schauspielerinnen Marily Monroe, Grace Jones, Peggy Bundy, die Modeschöpfer Alexander McQueen, Viktor&Rolf, Donatella Versace, Vivienne Westwood, bekannte und historische Persönlichkeiten wie Marie Antoinette oder Beethoven, Künstler wie Andy Warhol, Quentin Tarantino, Montaigne und Rilke.
Dabei übernimmt sie nicht nur kleinere Details sondern ganze Bühneninszenierungen, Kleidungs- und Accessoireskombinationen, sowie Szenen für Videoclips, was ihr ständig den Ruf einer copycat einbringt.
Wenn alles schon mal da war, aus welchem Grund zieht Gaga dann weltweite Aufmerksamkeit auf sich? Wie kommt es zum Gaga-Hype?

Damit kommt man zu ihrem Modekonzept, was grundlegend darin besteht, möglichst viele Zitate möglichst offensichtlich in einem unpassenden Kontext zu präsentieren. Auch haben bereits andere Künstler mit ihrer Körperinszenierung Aufmerksamkeit hervorgerufen – jedoch sind die meisten bestrebt, im Kontext des Geschehens zu bleiben. Dita von Teese zum Beispiel wird auch als Gesamtkunstwerk bewundert – jedoch setzt Sie ihre Kreativität und Nudität nur gezielt ein und zeigt sich bei offiziellen Veranstaltungen auch -verhältnismäßig- konservativ. Lady Gaga jedoch arbeitet mit dem Überraschungseffekt und damit, gegen Gepflogenheiten, Sitten und Moralvorstellungen zu verstoßen.

Gaga bei den Brit Awards 2010

So erschien sie beispielsweise bei den Brit Awards 2010 zu Ehren des Todes von Alexander McQueen in einem weißen Outfit des Designers, verlässt in ihrem Videoclip „Telephone“ das Gefängnis in einem Haute-Couture-Kleid, trägt zu einer Pressekonferenz eine Bondagemaske, betritt die St. Basil’s Kathedrale in Moskau nur im knappen Lederkostüm und wird deswegen beinahe verhaftet oder besteigt – so die britische Zeitung The Sun – in London ein Flugzeug ausschließlich mit gelbem und schwarzem Klebeband und blauen High-Heels bekleidet; bei ihrem Videodreh zu „Paparazzi“ wurde sie, um ein makabres Beispiel zu nennen, vom Tod der Prinzessin Diana „inspiriert“.

Bilder aus „Telephone“

Ihr Markenzeichen sind besondere Kopfbedeckungen und Frisuren. Neben der nun schon weltweit bekannten und imitierten Haarschleife erschwert sie ihren sowieso schon zierlichen Körper immer wieder mit alltäglichen Gebrauchsgegenständen wie Telefonen und Coladosen, mit riesigen Hüten, Schleiern, Tiernachbildungen, Geweihen, Haartürmen, Masken, Drahtgestellen und Blumenarrangements – beinahe als Fortsetzung der monströsen französischen Haarkreationen aus dem 18. Jahrhundert.

Natürlich will Gaga experimentieren und feststellen, wo Ihre Grenzen und die der Öffentlichkeit sind; nichtdestotrotz wurden in der Vergangenheit künstliche Erhöhungen des Körpers immer dahingehend gedeutet, dass der Träger damit mehr Raum einnehmen und sich somit größer fühlen möchte als er eigentlich ist. Dabei hat Gaga eigentlich gar keinen Grund, sich um Ihre Popularität zu sorgen – viele Prominente, die Ihren Stil nachahmen, die Produktion von Gaga-Dolls, die Ausrichtung von Lady-Gaga Themenparties, die wechselseitige Inspiration mit Alexander McQueen – dies alles deutet darauf hin, dass sie zwar nicht allseits gemocht, jedoch sicherlich allseits rezipiert wird. Im Grunde verfolgt sie ja auch lediglich nur ein kleines Ziel:
„And now, I’m just trying to change the world, one sequin at a time.“

Alicia Kühl

Mehr Eindrücke, wundersame Bilder, Inspirationsquellen und Tips zum Erwerb der verrückten Kleidungsstücke findet man auf www.gagadaily.com/fashion.

Photo Credits:
1, 5, 7 Gagadaily
2 Stylist
3 AmyGrindhouse
4 Music, love and sausages
6 Faded Youth

Das japanische Sportswearlabel Onitsuka Tiger hat seinen diesjährigen 60. Geburtstags zum Anlass genommen, das MADE OF JAPAN Magazine für Japanliebhaber und Sportmodefreunde zu verlegen.
Auf 260 Seiten präsentiert die Zeitschrift die vielseitige Geschichte der Marke, die die internationale Popkultur mitgestaltet hat.
Logischerweise nimmt Made of Japan dieses Jubiläum nur als Startpunkt, um ein umfangreicheres Thema zu behandeln: die gegenseitige kulturelle Befruchtung von Japan und dem Westen; zwei Welten, die sich in den vergangenen Jahrzehnten immer näher kamen, deren kulturelle Unterschiede und Ausgangspunkte jedoch die Spannung erzeugten, die den bekannten Output auf allen Gebieten des Alltagslebens ermöglicht hat.

Das auf japanisch und englisch erschienene Made of Japan stellt über 30 Kultfiguren vor, z. B. Künstler Chiharu Shiota, die Ping-Pong Spielerin Naomi Yotsumoto, Schauspieler Yusuke Iseya, den Modeexperte Hirofumi Kurino, Thomas Demand (deutscher Künstler, bekannt durch seine von japanischer Papierkunst beeinflussten 3D Fotografien), die ehemaligen Weltklasseathleten Dave Cowens and Lasse Vir©n, und viele mehr.

Autoren sind u.a. W. David Marx (ehemaliger Redakteur bei Tokion und Harvard Lampoon und Begründer der Online-Zeitung N©ojaponisme), Jan Joswig (freier Journalist in Berlin, Style & The Family Tunes, Intersection, Zitty, taz, Zeit online), Kaori Shoji (Autorin in Tokyo, die über Mode und Kultur schreibt; Ihre Texte erscheinen regelmäßig in The International Herald Tribune und The Japan Times), Fred Varcoe (freier Journalist in Japan und Sportredakteur für die Tokyoer Zeitschrift Metropolis) und Johanna Lenander (schwedische Designerin und Modeautorin in New York. Sie schreibt für Publikationen wie das US Design Magazin I.D. und Surface).
Fotografen sind u.a. Fumino Osada (JP), Daniel Josefsohn (DE), Frederik Heyman (BE) und Sandor Lubbe (NL).

Die in japanischer Fertigungstechnik und mit verschiedenen Papierarten produzierte Zeitschrift ist in einmaliger und limitierter Auflage von 10.000 Kopien erschienen, und ist erhältlich in ausgewählten Stores in Japan, USA und Europa, darunter Colette Paris, do you read me?!/Berlin, SPRMRKT/Amsterdam, International Magazine Store/Antwerpen, Selfridges/London, Henrik Vibskov Boutique/Kopenhagen, sowie auf internationalen Flughäfen und Bahnhöfen.
Unverbindliche Preisempfehlung: 14,95 Euro.

Pressekontakt:
raffaele castelli creative lab GmbH
Danzigerstr. 118
10405 Berlin
Ansprechpartnerin: Katharina Schnäcker
Email: kas@creativelaboratory.de
Tel: + 49 30 44356390

Zum Thema
Die Katze für Onitsuka Tiger

Nach Gastspielen in Paris und Zürich kehrt die 2006 initiierte Illustrative - International Illustration Forum, 2009 nach Berlin zurück.
Die von Pascal Johanssen und Katja Kleiss begründete Veranstaltung ist der führende Event für zeitgenössische Illustration, und wird vom 16.10. – 01.11.2009 über 600 Arbeiten von mehr als 60 Künstlern der interessierten Öffentlichkeit zeigen.

Präsentierte Künstler

Dabei präsentiert sich die gewachsene Illustrative mit einem umfangreichen Programm, bestehend aus Hauptausstellung, Konferenz, der Portfolio Review für Branchenangehörige, Degree Shows verschiedener Kunsthochschulen, dem MTV Playground, uvm.
Alles in allem bietet sie damit genug Gelegenheit, sich auf die verschiedenste Art, aus künstlerischer, technologischer, ökonomischer, oder geschäftlicher Sicht mit dem Thema auseinanderzusetzen.

Darüber hinaus loben die Veranstalter in Zusammenarbeit mit Swatch den Swatch Young Illustrators Award aus, einem Preis für Kreativität und Innovation im Feld der Illustration und Grafik.
Der Award bietet damit Künstlern die Möglichkeit, sich auf einer grösseren internationalen Plattform zu präsentieren.
Aus mehr als 5.000 Einsendungen wurden die Nominierten Künstler ausgewählt und nach Berlin eingeladen, wo sie
sich der Jury stellen werden.
Die Gewinner erhalten Preise im Wert von insgesamt 6.000 Euro, sowie verschiedene Förderungen, ein Gewinner wird eine Swatch Uhr designen.

Pascal Johanssen im modabot-Interview 2007

PROGRAMM
– 15.10. Opening (nur für registrierte Gäste)
– 16.10. – 01.11. Hauptausstellung
– 16.10. Konferenz
– 17.10. Portfolio Reviews
– 17.10. MTV Playground
– 18.10. Artists Brunch
– 18.10. Award Ceremony Swatch Young Illustrators Award
– 23.10. – 01.11. Degree Shows (@ÏMA Design Village)

Übersicht ausstellender Künstler
– Hauptausstellung
– New Artists
– Nominierte Künstler

Illustrative
INTERNATIONAL ILLUSTRATION FORUM
Villa Elisabeth und St. Elisabethkirche
Invalidenstraße 3
10115 Berlin

Öffnungszeiten
16.10.2009 – 01.11.2009
täglich 11:00 – 20:00 Uhr

Eintritt: 7 € / 5,50 €
Wochenendticket: 9 € / 7,50 €
Tickets sind in der Villa Elisabeth erhältlich

2. Location
ÏMA village (Degree Shows)
Ritterstraße 12-14
10969 Berlin

„How did it all begin?“, „How do you make each issue?“, „What ́s your relationship with advertising?“; all dies sind Fragen, die weltweit nicht nur Magazinmacher beschäftigen.
So ist es nur folgerichtig, dass diese Fragen für das Buch We Make Magazines – Inside the Independents aus dem Gestalten Verlag zahlreichen Zeitschriftenherausgebern gestellt wurden.

Weit über 100 internationale Indie Magazine werden darin mit Hilfe dieser Fragen und beispielhafter Layouts knapp vorgestellt; im Gegensatz zum Vorgängerbuch We Love Magazines, das ebenfalls im Rahmen des Magazinsymposiums Colophon veröffentlicht wurde, ist das vorliegende Buch weniger essayistisch ausgerichtet, vielmehr möchte es einen Überblick über die ästhetische Vielfalt der unabhängigen Zeitschriften geben, die nicht selten von unverbesserlichen Idealisten betrieben werden, deren Hauptanliegen mehr als Profitmaximierung ihre „veröffentlichte Meinung“ ist.

Es mag altmodisch anmuten, sich heute noch wie diese Protagonisten für das Printformat zu begeistern, aber offensichtlich gibt es -ähnlich dem Vinyl- genug Menschen, denen Haptik und Präsentation über die reine Information hinaus etwas bedeutet.
Unter diesen Umständen verwundert es kaum, dass heute noch so viele unabhängige Kultur-/Lifestyle-/Kunst-/Modezeitschriften existieren: mehr als 700 hat We Make Magazines zusätzlich in einem Directory zusammengetragen.

Zehn Magazine, BabyBabyBaby (Mexiko), Good (USA), idN (Hong Kong), Karen (UK), Kasino A4 (Finnland), Las Mas Bella (Spanien), Liebling (Deutschland), Nuke (Frankreich), Sang Bleu (Schweiz) und Volume (Niederlande), sind in dem Buch besonders herausgestellt, und machen es, ähnlich der Buchreihe FASHION NOW, zu einer wertvollen Informations- und Inspirationsquelle für Liebhaber, und -vielleicht sogar zukünftige- Akteure dieses Feldes.

We Make Magazines – Inside the Independents
Editor: Andrew Losowsky
Sprache: English
Erscheinungsdatum: März 2009
Format: 21 x 27 cm
320 Seiten, Softcover
ISBN: 978-3-89955-246-1

siehe auch
We Love Magazines

Unter dem Motto „Gipfeltreffen der Stilelite“ veranstaltet und kuratiert der schwedische Wodkahersteller ABSOLUT in München eine Ausstellung internationaler Style- und Fashionblogs.
Gezeigt werden vom 19.06. – 24.06 2009 die persönlichen Visionen einer „perfekten Welt“ der eingeladenen Blogger.

Die Ausstellung, Teil der globalen Kampagne „IN AN ABSOLUT WORLD“, die andernorts Kontroversen ausgelöst hat, wird Street Fashion Fotografien, Party Snapshots, sowie andere Design- und Kunstexponate zeigen, die von den jeweiligen Bloggern ausgesucht wurden.

Die Teilnehmer dieses Events, der als eine anspruchsvolle Fortführung der 2007 von Natasha Binar veranstalteten Berliner Blogausstellung gesehen werden kann, sind
The Styleclicker Gunnar Hämmerle, Modejournalistin und Bloggerin Mahret Kupka von F&ART, die Schweizerin Playlust, die Berlinerinnen Julia Knolle und Jessica Weiss von Les Mads , einem der erfolgreichsten deutschen Modeblogs, Street Fashion Fotograf The Facehunter, das finnische Street Fashion Projekt HEL LOOKS, The Cobrasnake Mark Hunter, Katja Hentschel von Glamcanyon, Stil in Berlin, Show Me Your Wardrobe, sowie Bryanboy.

Zur Vernissage am 18.06.2009 werden die Blogger alle anwesend sein, am letzten Tag der Ausstellung werden die Arbeiten zu Gunsten des Münchner Kunstclub13 versteigert werden.

VISIONS – IN AN ABSOLUT WORLD
Styleblogger Gipfeltreffen
Vernissage: 18.06.2009, 20:00 Uhr
Ausstellung: 19.06.2009 – 24.06 2009, 18:00 Uhr – 23:00 Uhr
Finnissage: 25.06.2009, 20:00 Uhr
Baaderstraße 7
80469 München

Pressekontakt:
K-MB
HANNA RÜBSAMEN | K-MB SENIOR
LINIENSTRASSE 144 | 10115 BERLIN
T + 49 30 695 97 284 | F + 49 30 695 97 289
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Ein Mensch und die Maschinen – vom Aufstieg der Blogs
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„Wir waren frei und wild wie ein Tiger im Käfig der Diktatur“
- Marco Wilms

Der von Regisseur Marco Wilms gedrehte Dokumentarfilm Comrade Couture – Ein Traum in Erdbeerfolie, der auf der 59. Berlinale gezeigt wurde, und seit dem 23.04.2009 in Kinos zu sehen ist, wirft einen Blick auf die Modeszene der ehemaligen DDR mit einer ganz besonderen Form von Ostalgie.

Modegruppe „Chic, Charmant und Dauerhaft“

Das Publikum lernt die eng verbundene Gruppe von Leuten kennen, die stilprägend für die damalige Undergroundmodeszene, einer Art Reaktionärkunstszene, waren.
Marco Wilms war selbst Teil dieser Szene: nicht nur der Regisseur dieses Films, sondern auch einer der Protagonisten, nämlich damaliges Model beim Modeinstitut der DDR, war Wilms die Antriebskraft hinter dem Filmprojekt.

Model-Ausweis von Marco Wilms

Seine Sehnsucht, das Lebensgefühl, das er als junges Model spürte, noch einmal zu spüren, ist die Motivation, mit der er die alten Mitglieder und Freunde der legendären Ostberliner Avantgarde-Modetheater „Chic, Charmant und Dauerhaft“ und „Allerleirauh“ zusammenbringt; Zu ihnen gehören u.a. die Designerin Sabine von Oettingen, der Fotograf Robert Paris und der Stylist und Friseur Frank Schäfer.

Mit Hilfe von Archivaufnahmen nimmt der Film den Zuschauer auf eine Zeitreise zu den mystischen Performances, die von den Fotografen Sven Marquardt, Jürgen Hohmuth sowie Robert und Helga Paris produziert wurden.
Eingeschobene Aufnahmen des DDR-Alltags, sowie damals aktueller realsozialistischer Mode, lenken die Aufmerksamkeit nicht nur auf die Surrealität, sondern auch die Realität des Kampfes zwischen der Stasi und den Kreativen.

Die „Ost-Block-Party“, die Wilms und seine Freunde organisieren, in der Hoffnung einen Teil ihrer wilden und opulenten Vergangenheit in die Gegenwart und Zukunft zu bringen, führt den Film zum Höhepunkt.
Dafür produziert Sabine von Oettingen ihre berühmteste „CCD“ Kollektion aus Duschvorhängen, Eingeweidetüten und Erbeerfolie noch einmal.
Hier wird den Protagonisten bewusst, dass vieles sich unwiederbringlich verändert hat.

Diese persönliche Geschichte, genauso inspirierend wie wehmütig, schafft einen traumhaften Eindruck von der vergangenen Zeit, in der Kreativität sowohl Lebenselixier, als auch Verbrechen war.
In den Worten von Wilms: „… Das wirkliche Leben fand ich erst im frei schillernden Mode Underground. Und davon erzählt mein Film. Von einer versunkenen Welt, so absurd, dass man sich heute kaum vorstellen kann, dass sie mal existierte.“

Comrade Couture – Ein Traum in Erdbeerfolie
Dokumentarfilm BRD 2009
Buch & Regie: Marco Wilms
84 Minuten
Verleih: Polyband Medien GmbH
ab 23.04.2009 im Kino

Katie Rose

Ab dem 28. Mai bis 10. Juni 2009 wird Wien zum Modemekka, bei dem das Unit F Büro für Mode das „9 festival for fashion and photography“ präsentiert. Im Haus Wittgenstein sowie in Galerien und Geschäften in der ganzen Stadt werden Modeakteure für die interessierte Öffentlichkeit Mode und Fotografie vorstellen, diskutieren und zelebrieren.

Das Programm bietet eine Vielzahl von Events: Ausstellungen, Modenschauen, Symposien, Shopping Touren, Awards, Parties und temporary Shops.
Aus medialer Sicht finden am 05.06 und 06.06 die wohl interessantesten Events des Festival statt: die von Go International unterstützten Symposien, die sich mit dem Internet als Plattform für Mode auseinandersetzen.
Imran Amed, Editor von www.businessoffashion.net, wird am 05.06 den „Fashion 2.0 E-Commerce Day“ moderieren, am 06.06 moderiert Journalist und Schriftsteller Joachim Bessing den „Fashion Blogger Day“ mit dem Thema „Fash Clash: Discussing the Digital Controversy“ mit Gästen wie Diane Pernet, Julia Knolle, und Susie Bubble.

Mit einem zum grossen Teil in Wien ansässigen Creative Team, Shotview Photographers Management, Art Director Albert Handler, Fotograf Jork Weismann, sowie Newcomer und Face der Imagekampagne Patrick Kafka, fokussiert sich das Festival stark auf einheimische Mode und Fotografie, richtet sich aber nichtsdestotrotz an ein globales Publikum, auch mit der Absicht die Vielfalt der österreichischen Modeszene zu beleuchten und sie in einen globalen Zusammenhang zu stellen.

„9 festival for fashion and photography“

Pressekontakt
Christina Werner
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oder press@unit-f.at
Breite Gasse 17/4, A-1070 Vienna
T: +43-1-524 9646
F +43-1-524 9632

Katie Rose

Mit dem Ellesse CREATE TENNIS ART Award lanciert Ellesse anlässlich des 50-jährigen Jubiläums des Unternehmens einen Wettbewerb, beidem Kreative verschiedener Gebiete eingeladensind, vondiesem Themainspirierte Arbeitenzu einzureichen.

Die Aufgabe des Wettbewerbs besteht darin, Mode, Kunstwerke, Street Art, Grafiken u.a. zu produzieren, die „den 50. Geburtstag der Marke vor dem Hintergrund ihrer italienischen Herkunft und Wurzeln im Tennissport feiern“.
Einsendeschluss ist der 10.05.2009.
Die Gewinner erhalten jeweils 4.500, 2.000, 750€ für den 1. – 3. Preis, der Sieger erhält darüberhinaus die Möglichkeit, seine Arbeit persönlich beim 50-Jahre-Jubiläumsevent von Ellesse in Rom zu präsentieren.

Unterstützt wird Ellesse von den Künstlern Gi Scott (Illustration), Kate Gibb (Textildruck) und Babis Alexiadis (Animation), die im Vorhinein auf Einladung in ihren jeweiligen Gebieten Arbeiten geliefert haben.

Weitere Informationen zum Wettbewerb finden sich bei www.ellesse.com/50thAnniversary .