Sketche von Kostümdesignerin Edith Head für Audrey Hepburn und Grace Kelly

Im Februar werden sie wieder verliehen, die Ehrungen für die Crème de la Crème des amerikanischen Films, die Oscars. Darunter sind, neben Schauspielern, Regisseuren, Drehbuchautoren und Musikern, auch die Kostümbildner.
Eine spannende Geschichte verbirgt sich hinter diesem Metier: Kostümbildner sind die Kreateure des ersten Eindrucks, sie kennen die Charaktere ihrer Filme und übersetzen diese in ihre Sprache: Textil. 

Der erste Kostümbildner, der in einem Film namentlich aufgeführt wurde, war Louis J. Gasner, ein französischer Filmemacher, der 1916 in den Credits eines Films auftauchte – zuvor hatten die Schauspielerinnen, wenn es sich nicht gerade um einen historischen Film handelte, in ihren eigenen Klamotten performt.
Die Rolle der Kostümbildner ist kaum zu überschätzen, denkt man doch, wenn man an einen Film denkt, zuerst an bestimmte – in den meisten Fällen bekleidete – Charaktere.
Was wäre Breakfast at Tiffany’s ohne das kleine oder große (siehe oben) Schwarze, Judy Garland ohne ihre Ruby Slippers, Cary Grant oder James Bond ohne Anzug?

Edith Head mit Audrey Hepburn und Sean Ferrer

Die beiden bekanntesten Archetypen des Kostümbildners sind sicherlich Adrian und Edith Head, und es ist kein Zufall, dass ihre Schaffensperioden in die goldene Zeit des Hollywoodfilms fallen. Die 1930er, 40er und 50er brachten ikonische, mythische und sagenumwobene Legenden der Leinwand hervor. Edith Head und Adrian bastelten fleißig daran mit, dass Bette Davis, Joan Crawford, Greta Garbo, Katherine Hepburn, Audrey Hepburn und Grace Kelly noch heute „larger than life“, und sicherlich souveräner und eleganter wirken, als alle darauf folgenden Leinwandheldinnen.

 
Adrian und Greta Garbo, Katherine Hepburn in Philadelphia Story. 

Adrian war Sohn jüdischer Einwanderer, geboren 1903, der seine Karriere im New Yorker garment district begann, und sich bei MGM ganz nach oben arbeitete. Wenn man dem Internet glauben will, so ist seiner beruflichen Beziehung mit Joan Crawford die schulterbetonte Silhouette der 1930er Jahre zu verdanken. Anstatt Crawfords breite Schultern als Manko zu sehen und zu verstecken, betonte er sie mit Schulterpolstern.
Bei ihm drehte sich alles um Glamour, seine Kreationen halfen den Frauen mittels Eskapismus und Täumereien durch die harten Jahre der Weltwirtschaftskrise.
Das Kino der 30er Jahre war deshalb so von Luxus geprägt, weil es der einzige Luxus war, den sich die Massen leisten konnten.

Sketche von Edith Head für Audrey Hepburn und Elizabeth Taylor.

Im Gegensatz zu Adrian propagierte Edith Head, die als Kostümbildnerin bei Paramount arbeitete, eine Girl-Next-Door Ästhetik, die erst auf den zweiten Blick ihre Magie entfaltete. All About Eve, A Place in the Sun und Rear Window sind nur einige der Klassiker an welchen Head maßgeblich beteiligt war, insbesondere eine lange professionelle Beziehung mit Alfred Hitchcock hat ihre Spuren in der Populärkultur hinterlassen.

Aktuell nominiert sind Jacqueline Durran für Anna Karenina, Paco Delgado für Les Misérables, Joanna Johnston für Lincoln, Eiko Ishioka für Mirror Mirror und Colleen Atwood für Snow White and the Huntsman.

Die Nominierten, Bild via. 

Jacqueline Durran war bereits für die Filme Abbitte (Atonement) und Stolz & Vorurteil (Pride & Predjudice) für den Oscar nominert, ist also auf historische Filme spezialisiert, und wie es scheint auch auf Keira Knightley.
Die Garderobe von Anna Karenina ist aber nicht historiengetreu, sondern höchst stilisiert und für heutige Augen adaptiert: Knightley trägt den ganzen Film über Chanel-Schmuck, und zwar auf dem Russland des ausgehenden 19. Jahrhunderts angemessen dekadente Art. Die Hüte sind vom Londoner Hutmacher Sean Barrett, die Kleider waren mehr vom New Look Diors und Balenciagas der 1950er inspiriert als von ihren Vorgängern.
Ein wunderbarer Kostümschinken, und aus  modischer Perspektive ist dies der interessanteste Nominierte, aber Durran verliert Punkte für das Verweilen in ihrer Comfort Zone.

Keira Knightley als Anna Karenina, Kostüme von Jacqueline Durran. Bilder via.

Paco Delgado arbeitete in der Vergangenheit meist an spanischen (Co-)Produktionen, wie Die Haut in der ich wohne, Biutiful und La Mala Educacion, mit.
Für Les Misérables kreierte er ca. 2200 Kostüme, allesamt orientiert an der Kleidung des frühen 19. Jahrhunderts. Die moralische und charakterliche Entwicklung des Protagonisten, Jean Valjean, visualisierte Delgado in den Farben und Materialien der Kostüme.
Der anfangs raue, ungehobelte Charakter verwandelt sich im Laufe des Films in einen Beinahe-Heiligen, dementsprechend wird auch sein Kostüm kultivierter, die Farben ruhiger, fast mönchsgleich.

Russell Crowe in Les Misérables. Bild via.
Paco Delgado, Les Miserables, Nominiert für den Oscar in Kostümdesign. Bilder via. 

Joanna Johnston zeichnete für die Kleidung der Schauspieler in dem Historien-Biopic Lincoln verantwortlich. Wenn dieser mal nicht auf Vampirjagd ist, hat er nämlich ein Land zu führen, einen Krieg zu beenden, Sklaven zu befreien und Geschichte zu schreiben.
Die puritanische Vergangenheit der frühen Vereinigten Staaten ist freilich visuell nicht so aufregend wie das Russland einer Anna Karenina, aber First Lady Lincoln hat doch ein paar Trümpfe in Ärmel.

Mary Todd Lincoln, Kostüme für „Lincoln“ von Joanne Johnston. Bilder via. 

Eiko Ishioka, die am 21. Januar in Tokyo ihrem Krebsleiden erlag, geht mit Mirror Mirror ins Rennen. Der Film von Tarsem Singh, mit dem sie eine lange professionelle Beziehung pflegte und unter anderem The Cell ausstattete, zeigt eine komödiantische Version des Streits zwischen der bösen Königin und Schneewittchen um das Label der „Schönsten im ganzen Land“.
Ishioka gewann bereits mit Bram Stoker’s Dracula im Jahre 1992 einen Oscar, sie gilt in Japan als eine der führenden Künstlerinnen auf den Gebieten Grafik Design, Art Direction und eben Kostümbild. Zuletzt bekam Heath Ledger 2008 einen posthumen Oscar verliehen.

Eiko Ishioka, Kostüme für Mirror Mirror. Bild via. 
 Julia Roberts in „Mirror Mirror“, Kostüm von Eiko Ishioka. Bild via.

Julia Roberts in „Mirror Mirror“, Kostüm von Eiko Ishioka. Bild via. 

Colleen Atwood ist die höchstdekorierte unter den nominierten Kostümdesignern – sie ist zum zehnten Mal unter den Kandidaten, gewann bereits dreimal: mit Alice im Wunderland (2010), Memoirs of a Geisha (2005) und mit Chicago (2002).
Diesmal designte sie die Kostüme für Snow White and the Huntsman, die dunklere Version von Schneewittchen mit Kristen Stewart in der Hauptrolle.

Eine junge Brooke Shields liegt auf dem Boden, zieht auf umständliche Art ein Paar Calvin Klein Jeans an, und vergleicht das Kleidungsstück mit dem Leben selbst.
„The secret of life lies hidden in the genetic code“, sowie „Genes are fundamental in determining the characteristics of an individual“ erzählt die Schauspielerin. Ein kluges Wortspiel im englischen um „Gen“ und „Jeans“, konsequent vom Anfang bis zum Ende.
Im Calvin Klein Werbespot von 1980 spricht Brooke weiter von der natürlichen Selektion, das Überleben des Stärkeren, dabei betont der Clip an der Oberfläche den Sex-Appeal. 
Und mit einer Aussage hat die Kampagne bis heute noch recht: „Certain genes may fade away, while other genes persist“.
Jeans sind zu einem unaufhaltsamen und konstanten Phänomen in der schnelllebigen Welt der Mode geworden.

Die Fotografien von Jacqueline Kennedy’s Reise nach Indien im Jahr 1962, insbesondere diejenigen der Feierlichkeiten bei ihrer Ankunft in Rajasthan, dienten als Inspiration der Herbst Winter 2012/13 Kollektion des Labels Saloni.
Auf einer unbeschwerten Reise entführt der Kurzfilm „Jodhpur Jackie“ von Ellen von Unwerth, versucht  skurille Eskapaden zu erfassen, und folgt Jackie auf ihrem magischen Trip durch die Stadt.
Eine kurze, bunte und energetische Bollywood Geschichte, ein Fest des indischen Erbes, berauscht durch die Pracht zeigt sich eine persönliche Verwandlung auf den Spuren der Jackie der 60er.

Seit zwei Jahrzehnten verschmilzt Issey Miyake Pleats Please kunstvoll avantgardistisches japanisches Design mit High-Tech. Mit einer neuen Art Falten zu konzipieren, schafften Plissees ihren Weg in den Alltag.
In den späten 80er Jahren ließ sich Miyake von einem Taschentuch inspirieren, testete seine innovativen Faltentechniken an der Forsythe Ballett Company und wurde Zeuge des Ausdrucks, der freien Bewegungen der Kleidung an den Tänzern.
Die leichten architektonischen Akkordeonfalten formen sich natürlich an den Körper und verlieren nicht ihre Form. 1993 ging er mit der Plisseetechnik offiziell an den Start und erreicht heute sein 20tes Jahr. Der Film von Alex Sainsbury und Robbie Spencer zeigt eine Sammlung des Archives.

Hinter Gadofka steht die deutsche Designerin Achamyelesh Biftu Bojia, die zuvor erfolgreich für Peter Pilotto und Vivienne Westwood gearbeitet hat, bevor sie sich 2008 dazu entschloss, ihr eigenes Label zu gründen. Mit MYTEARSRAINAGOLDENSHOWER bringt sie ihre ganze Erfahrung zum Ausdruck, setzt sich mit ihren äthiopischen Wurzeln auseinander, und verknüpft Fantasie, modernen Tanz, Tradition und Musik in einem experimentellen Film.

Hinter den Kulissen von Dior, im Film von Jean-Jacques Annaud, zeigt sich ein intimer Einblick mit Starbesetzung.
Charlize Theron, Testimonial des J’adore Parfums bereitet sich auf ihren großen Laufstegauftritt im Palast von Versailles vor, und begegnet, dank CGI Technologie, Leinwand-Ikonen wie Grace Kelly, Marilyn Monroe und Marlene Dietrich. Die drei Frauen stehen für drei Visionen: Adel, Sinnlichkeit und Faszination. Und Charlize vereint von jedem ein wenig, zeigt sich glamourös im ästhetischen Modefilm, bei dem es nicht nur um den Dior Duft geht.
Gekonnt präsentiert das französische Label ihre ganze Produktpalette von Kleidung, Taschen bis Schmuck im Film und produziert damit nicht nur einen Spot um Parfum.

Im musikalisch untermalten Stummfilm „Director’s Cut“ von Morgan White für die Frühling/Sommer 2013 Kollektion des Designers Piers Atkinson zeigt sich eine nostalgische Geschichte um eine verlorene Liebe.
Femme Fatale Rebecca Grover-Jones kehrt als Prima Donna zurück und blickt auf den Verlust der Liebe ihres Lebens zurück.
Die Retrospektive zeigt die vergangenen zehn Saisons des Designern durch eine Hollywood 1940er Vaseline Linse, gefilmt mit vier Objektiven der Ära.

Chloé Kampagne Spring 2012. Bild via.

Das französische Modehaus Chloé wird diesen Monat 60 Jahre alt. Aus diesem Anlass zeigt der Pariser Palais de Tokyo eine Ausstellung über die bewegte Erfolgsgeschichte des Hauses mit vielen alten Bekannten unter dessen Hauptakteuren. 

Gaby Aghion wurde 1921 in Alexandria in Ägypten geboren und zog 1945 nach Paris. Dort begann sie, zusammen mit Geschäftspartner Jaques Lenoir, Mode von hoher Qualität, aber zu erschwinglichen Preisen zu produzieren – im Haute-Couture verhafteten Paris machte sie sich damit wenige Freunde, aber viele neue Kunden. Obwohl sie mitnichten die Erfinderin dieses Prinzips war, wird sie doch heute mit der Erfindung der Terminologie in Verbindung gebracht: „Prêt-à-porter“ ist vielleicht Gaby Aghions größter Beitrag zur Geschichte der Mode.

Gaby Aghion, 1954. Bild via

Chloé Kampagne. Bild via

Ihr Label Chloé, dessen Namen sie einer Freundin entlieh – weil ihr eigener, so fand sie, nach Hellseherin, nicht nach Modeschöpferin klang – ist heute eines der bekanntesten französischen Luxuslabels. Die Ästhetik: weiblich, zart, romantisch. Wer an Chloé denkt, denkt an Pastell-, Nude- und Cremetöne, butterweiches Lamm-oder Kalbsleder, duftende Frühlingswiesen oder goldene Weizenfelder und vor allem unkomplizierte Weiblichkeit.

Dazu kommt ein hier und da ein wenig 70s-Glam, mit Nieten, Rüschen und großflächigen, tapetenartigen Mustern, der den Spirit des Jet Sets wieder aufleben oder auch mal ein bisschen Punk-Rock-Attitüde aufkommen lässt.

Chloé Kampagne Spring 2007. Bild via.

Langes, naturbelassenes, blondes oder braunes Haar, kaum Make-up, die Hände lässig in die Taschen gesteckt, so sieht die Chloé-frau aus. Auch in den Kampagnen des Labels finden diese über-coolen, über-französischen Bohemiens, die auf eine besondere, untypische und nicht nachahmbare Art schön sind, wie Clémence Poésy oder Chloe Sevigny. Die unbeschwerte Lässigkeit Chloés, die Sophistication und Nonchalance für die das Label steht, wird auch verkörpert von Kundinnen verschiedener Dekaden des Unternehmens wie Brigitte Bardot, Jackie Kennedy, Grace Kelly, Kirsten Dunst, Natalie Portman oder Lou Doillon.

Kampagne für Parfüm „Chloé“, Sevigny und Poésy. Bilder via. 

Karl Lagerfeld war der erste Kreativdirektor, den Aghion 1966 für Chloé anheuerte. er war es auch, der die bis heute emblematische Silhouette schuf: zarte Seidenblusen und luftige Röcke. Lagerfeld verließ Chloé 1983.1985 wurde Chloé von Dunhill Holdings, heute die Richemont Group, gekauft, und Gaby Aghion setzte sich zur Ruhe. Der Posten des Chefdesigners bei Chloé wurde zum Wanderpokal: Maxime de la Falaise, Martine Sitbon, wieder Karl Lagerfeld, Stella McCartney, Phoebe Philo, Paulo Melim Andersson, Hannah Gibbon und Claire Waight Keller lieferten nacheinander kreativen Input für Chloé.
Antonio Lopez, Karl Lagerfeld für Chloé, Spring 1983. Bild via.

Chloé Kampagne. Bild via.

Mit der Anstellung von McCartney kehrte Chloé wieder zu internationaler Bedeutung zurück, die das Label seit dem Weggang Lagerfelds eingebüßt hatte. Ihre romantische Interpretation der Chloé-linie, und der Name der blutjungen St. Martins-Absolventin selbts, lockten neue Kundschaft an.

Auch ihre Nachfolgerin, Phoebe Philo konnte an die Erfolge McCartneys anknüfen und baute das Label um eine Handtschen-linie aus, die Chloé als eines der wichtigsten Hersteller von Luxusaccessoires etablierte. Daraus hervor gingen einige It-Bags, die Chloé Paddington mit dem Vorhängeschloss stellt wohl die bekannteste darunter dar.

Chloé Paddington. Bild via.

Anlässlich des Firmenjubiläums findet ab dem 29.September nun eine Ausstellung im Pariser Palais de Tokyo über das Traditionshaus statt. Selbst Clair Waight Keller, die aktuelle Kreativdirektorin Chloés, konnte durch die Recherchen im Zusammenhang mit der Ausstellung noch neue Einblicke in die Geschichte des Labels gewinnen:

„The process of researching this anniversary show has been enlightening for me as it contradicted my preconceptions of Chloé’s design history completely. Whereas I’d imagined something very bohemian in spirit, in reality, it’s much, much more than that – clothes at the intersection of couture ‚savoir faire‘ and youth ‚savoir-être'“

Ein Kurztrip nach Paris könnte sich ab Ende September noch ein wenig mehr lohnen als gewöhnlich.

Sandra Suy, Claire Waight Kelles Chloé S/S 2012. Bild via.

Chloé S/S 2012. Bild via.