Auf der 3D-Printshow Messe in Paris gab es einiges zu sehen, darunter auch den Schmuck der deutschen Designerin Silvia Weidenbach. modabot interviewte die in London lebende, arbeitende gelernte Silberschmiedin zum Einsatz neuester Technologie im Bereich Schmuck.

Die außergewöhnlichen Kreationen von Silvia Weidenbach zeigen deutlich die Möglichkeiten, die 3D-Druck bietet. Kleinste Details, die vorher unmöglich waren, rücken in den Bereich des Möglichen.
Am Royal College of Art bot sich ihr die Gelegenheit, mit einem sogenannten Haptischen Arm zu arbeiten, eine „Revolution“ in der Herstellung von Objekten, weil sich hier die manuelle Kontrolle und die digitale Präzision des Arbeitens, vereinen lassen. Das Spiel mit dem Zufall in Kombination mit Handarbeit in einem digitalen Umfeld war das, was sie besonders reizte.

Zusammen mit Tobias Klein, einem Architekten, gründete sie vergangenes Jahr auch das Projekt Weidenbach/Klein, in welchem sich die beiden mit den Grenzen ihrer jeweiligen Disziplinen und ihren Zusammenführung mittels 3D-Print beschäftigten.

Ein Mode-Projekt der besonderen Art haben Farah Malik und Dana Arbib von dem Label A Peace Treaty ins Leben gerufen. Malik, eine pakistanische Muslimin, aus dem Marketingbereich und Arbib, eine libysche Jüdin, mit einem Hintergrund in Grafik-, Textil- und Produktdesign, reisen jede Saison in eine andere, oft politisch und sozial gebeutelte Region, um dort ansässige Kunsthandwerker zu unterstützen, und deren vom ins Vergessen zu geraten drohende Handwerkstechniken zu fördern.
Bisher arbeiteten die beiden, die sich in Rom kennenlernten, auf diese Weise mit Handwerkskünstlern im Textil- und Goldschmiedebereich in Pakistan, Indien, der Türkei, Nepal, Bolivien, Peru, Equador, Afghanistan und den USA.  

Die „Villa Bambola“ Kollektion ist vom Libyen der 1960er Jahre inspiriert, sie reflektiert die dort zusammenfließenden Einflüsse Italiens mit arabischen und jüdischen Ausdrucksformen in Kunst und Architektur, indem sie Minarette und und bemalte Fliesen mit Fresken, Bögen und Mosaiken kombiniert.
Dana Arbib lässt damit fast verblasste Erinnerungen ihrer Familienherkunft wiederaufleben, sammelte Berichte der letzten Juden in Libyen, die sich an die wenigen Momente der Ruhe und Schönheit in Tripolis erinnern – eine historische Dokumentation und ein Aufruf zu Frieden in der Zukunft.

Die Schals und Tücher greifen die karge aber facettenreiche Schönheit der libyschen Natur und Architektur auf, sie wurden in Indien und den USA per Hand bemalt und mit alten Siebdruck-, sowie Holzsatztechniken bedruckt. Die Schmuckstücke repräsentieren traditionelle libysche Glasmalereikunst und wurden von in der Wüste lebenden Kunsthandwerkern mit jahrhundertealten Gold- und Silberschmiedetechniken gefertigt.

Caroline Broadhead – Veil, 1983. Photography David Ward

Wie die süße Glasur auf den Weihnachtsplätzchen, so dekoriert Schmuck als Accessoire das tägliche oder nächtliche Outfit des Modeliebhabers. Es gibt ihn in sämtlichen Variationen, Formen und Materialen als temporäre und eher kurzlebige Variante – genannt Modeschmuck – oder auch in permanenter und kostspieliger Form von Edelmaterialien.
Die Ausstellung Unexpected Pleasures: The Art and Design of Contemporary Jewellery im Londoner Design Museum feiert nun die Freuden des Schmuckes und beleuchtet auf interessante Weise seine Bedeutung für den Menschen.

Seit Jahrhunderten, ja Jahrtausenden, ist Schmuck ein stetiger Begleiter des Menschen in allen Kulturen und Völkern; ein Stück Schmuck nimmt emotionalen Wert an, der den materiellen weit übersteigt, wird weitervererbt oder findet sich gar als Bestandteil bestimmter Riten wieder.
Orden, Broschen Ringe, bis heute in Ritualen verwendet, man denke an den Verlobungs- oder Ehering, waren in der Vergangenheit meist kein Modeaccessoire, sondern reflektierten vor allem den sozialen Status.
So “schmückte” der Träger sich mit seinem Rang, seinem Reichtum und seiner geistlichen oder weltlichen Macht.
Erst mit dem Beginn der Modeschmuck-Ära in den Siebzigern verändert sich das Bewusstsein und die Art und Weise, wie Schmuck gekauft, getragen, und wahrgenommen wird.
Die Aufmerksamkeit gilt zwar immer noch mehr dem allgemeinen Look, eher der Kleidung als dem Accessoire, trotzdem ist dessen Bedeutung nicht von der Hand zu weisen, und Alexander McQueen meinte vielleicht ganz besonders Accessoires, als er sagte:
„Always wear one item of importance“.

Gijs Bakker – Dew Drop, 1982

Esther Knobel – Warrior Brooches, 1983-5. Photo: David Ward

Camilla Prasch – Mega, 2009. Photo: Dorte Krogh

Felieke van der Leest -Yellow Kelly, 2008. Photo: Eddo Hartmann

Karl Fritsch – Steinhaufen, 2004

Karl Fritsch – Screw Ring, 2010

Tiffany Parbs – Blister-Ring, 2005. Photo: Terence Bogue

Die britische Schmuckdesignerin Dr. Susan Cohn hat es sich zur Aufgabe gemacht, zeitgenössisches Schmuckdesign ins Scheinwerferlicht zu rücken, und hat in Zusammenarbeit mit dem Londoner Design Museum die Ausstellung ins Leben gerufen, um dieser sekundären Kategorie einmal eine Hauptrolle zu geben.
Unexpected Pleasures präsentiert die “unverhofften Freunden” dieser Gestaltungskunst in ihrer ganzen Vielfalt: wie auch in der Bekleidungsbranche präsentieren die ausgestellten Designer vor allem eines, ihre Sehnsucht nach Unkonventionalität und Individualismus.
169 Schmuckstücke wurden von Cohn und ihrem Team in insgesamt drei verschiedene Kategorien eingeteilt: “Worn Out” zelebriert die pure Freude am Tragen von Schmuck mit prunkvollen Stücken, die nicht immer so tragbar sind. “Linking Links” beschäftigt sich mit der individuellen Bedeutung und Erzählungen von Designs, wobei “A Fine Line” eine Einsicht in die Ursprünge von zeitgemäßem Schmuck heute gibt.

Wie die Ausstellung unterstreicht, bleibt nicht zu übersehen, dass die Schnelllebigkeit der Designbranche auch keinen Halt vor der Schmuckindustrie gemacht hat. Eine unendliche Material- und Gestaltungsvielfalt und günstige Produktionskosten im Ausland setzen den kreativen Phantasien der Designer kaum noch Grenzen.
Die ursprüngliche, rituelle Rolle von Schmuckstücken ist damit zwar nicht komplett erloschen, im Gesamtverhältnis aber in den Hintergrund gerückt. Zwar liegt es nahe zu denken, dass die Massenfertigung von Schmuck diesen entwertet, doch das ist seine Magie: selbst das billigste -oder scheinbar einfachste- Teil kann ein eindrucksvolles Statement setzen.

Unexpected Pleasures: Ausstellungsimpressionen

Unexpected Pleasures: The Art and Design of Contemporary Jewellery
noch bis zum 03.03.2013
im London Design Museum

Fast jeden verzaubert ein Ausflug ins sonnige Wien. Seine Gassen & Märkte, die schicken Menschen im 1. Bezirk und seine Architektur lassen einen bei fast nostalgischen Klängen der Kaffeemühlen und dem Traben der Hufe unzähliger Fiaker in Gedanken an längst Vergangenes schwelgen. Stark geprägt ist das Stadtbild und Wiens Atmosphäre von einer Epoche um die Jahrhundertwende.
Als auch die Monarchie in Österreich langsam ihr Ende fand, war Art Nouveau ein Trend der Zeit und der Jugendstil war im Vormarsch. So bezeichnet werden nicht mehr als etwa 25 Jahre um 1900.

Im Leopoldmuseum gibt es dazu derzeit eine Ausstellung des Schmucks dieser künstlerischen Strömung. Vom 25.02. bis 20.06.2011 läuft Glanz einer Epoche – Jugendstil-Schmuck aus Europa und beschreibt mit wunderschönen Exponaten die Stimmung und das ästhetische Empfinden während dieser Zeit.

Ihre Vorbilder fanden auch die Juweliere dieser Zeit in Frankreich. Von Nation zu Nation wurden die Einflüsse jedoch neu interpretiert, und unterscheiden sich dadurch in ihrer Umsetzung und Ausführung. Verbindende Elemente sind jedoch die ornamenthafte und florale Ästhetik, grazile Ranken und das Thema der Symmetrie. Gängige Techniken waren Cloisonn© (japanische Tradition), plique à jour oder Fensteremail. Bei leztgenannter wird hauchdünnes, durchscheinendes Email durch Edelmetallstege verbunden.
Die Schmuckstücke sind beispielsweise gefertigt aus Gold, Edelsteinen, Diamanten, Rubinen, Opak oder Silber. Einzig der Pionier unter den Goldschmieden Ren© Jules Lalique verarbeitete auch unedle“ Materialien wie etwa Horn, und beschreibt damit seinen Anspruch auf außergewöhnliches und neuartiges Design (weitere wichtige Schmuckkünstler waren: die Franzosen Lucien Gaillard und Georges Fouquet, oder die Österreicher Kolo Moser, Josef Hoffmann, Gustav Fischmeister und Josef Maria Auchentaller).

Häufig wurden in den Entwürfen Schmetterlinge, Käfer, Insekten oder (vor allem in Belgien) Frauengesichter dargestellt. Alle ausgestellten Stücke wirken unglaublich kostbar und zerbrechlich (bis auf die britischen Exponate, die eher an Metall-Schmiedekunst und zerbeulte Rückspiegel erinnern), und ließen die Damen von Welt bestimmt strahlen.

Josef Hoffmann 1905

Kirchgaessner & Kraft, 1903-05

Hans Christiansen, 1901

Ren© Lalique, 1904

Gustav Fischmeister, 1910

Von Steckkämmen über Broschen, Ketten und Diademe, bis hin zu Ringen und Gürtelschnallen, hat das Leopoldmuseum gemeinsam mit dem Hessischen Landesmuseum Darmstadt zusammengetragen, um mit Hilfe von vielen Privatbesitzen die Belle Epoche in ihrem Glanz und Glamour zu zeigen.

Glanz einer Epoche – Jugendstil-Schmuck aus Europa
Leopoldmuseum Wien
25.02. – 20.06.2011

Philippa Holland, Fannie Schiavoni

Rund 200 Aussteller kamen bei der Exhibition der London Fashion Week Ende September 2010 im Somerset House zusammen, um ihre neuen Kollektionen zu präsentieren.
Bemerkenswert war in dieser Saison eine Welle von hervorragenden Schmuckdesignern; getreu dem Londoner Stil waren deren Kollektionen in unterschiedlichem Ausmass vom Geist des Punk durchdrungen.

Philippa Holland

Die schon etablierte Designerin Philippa Holland, wird von der Natur inspiriert, und nutzt Techniken des Renaissancekeramikers Bernard Palissy; in allen Einzelheiten fertigt Philippa Holland ihren feinen aufwendigen Schmuck.
Diese Saison zeigt einen Schwarm Bienen, Spinnen, Käfer und Stabschrecken: gotisch doch hübsch.

Katie Rowland

Katie Rowland, die exklusiv Liberty vertrieben wird, ist für ihre „St. Tropez“-Schlagringe bekannt, die dynamisch, hart und doch irgendwie weiblich sind.
Für SS 2011 präsentiert sie eine Kollaboration mit Hasan Hejazi, wobei sie Elemente Hejazis Kollektion für sich aufgriff.
Eine dunkle Farbpalette und Metallschnallen tragen zu einer starken Ästhetik bei.
Steine wie Labradorit und Blausandstein beschwören gleichzeitig Moderne und Mystik herauf.

Phoebe Coleman

Die in Londons angesagtem Primrose Hill ansässige Juwelierin Phoebe Coleman entwirft zarten Goldschmuck, der sehr tragbar ist. In dieser Saison wird ihre „Love me Tender“ Kollektion, die zierliche Herzen auf feinen 18-karätigen Ketten einarbeitet, von einer auf dem Andersen-Märchen „Der standhafte Zinnsoldat“ basierenden Animation namens „Die Papierballerina“ inspiriert, die Phoebe mit Kunstfilmmacherin Camilla Robinson produzierte.

Cabinet

Gemma Critchley und Zara Braganca sind Cabinet. Sie sind relativ unbekannt, doch ihre sehr abwechslungsreichen und eigenen Designs werden ihnen sicherlich die ihnen gebührende Aufmerksamkeit verschaffen.
Die SS 2011 Kollektion ist mädchenhaft und theatralisch. Mit Blick auf Brigitte Bardot circa 1956 fängt die Kollektion pariserischen Glanz und einen altertümlichen Stil ein, der durch moderne Augen neu interpretiert wird.
Enge Halsreifen mit übergroßen Edelsteinen in Nude- und Neonfarben sind die perfekte Darstellung des Sommers.

Fannie Schiavoni

Fannie Schiavoni, die sich einen Namen mit einer Art Rüstung macht, fertigt Schmuck, der eher als Kleidungsstück anmutet. Die rauen industriellen Kettenhandschuhe und Kettenhemden sind androgyn, der Träger muss sich entscheiden, wie er diese Stücke tragen möchte, und kann sie so stylen, wie er möchte.

Dominic Jones

Der letzte Schrei des London Cool: Dominic Jones, der sein Label im Frühling 2009 mit Unterstützung von Model Alice Dellal launchte, hat jeden, von seinen Freunden bis zu den Redakteuren mit seinen Designs begeistert.
Für SS 2011 nutzt er das Schema Gold und Beschlagnägel, das ihn so beliebt gemacht hat. Die Halskette mit Stacheln in kostspieligem Ros©gold verdeutlicht das Paradox dieser Brand: die harten Designs vermitteln eine aggressive Eleganz und sind doch klassisch.

Katie Rose

Wenn dieser Schmuck Geräusche machen würde, dann wäre es der Widerhall eines metallenen Hammers von einer Fabrikwand. Das rohe Metall, die maskuline Ungeschliffenheit der Geschmeide von Werkstatt:München sind etwas für richtige Kerle.

Klaus Lohmeyer und sein kleines Team fertigen jedes Stück in solider Handarbeit in seiner Werkstatt an, die im Herzen der Bayerischen Landeshauptstadt gelegen ist. Lohmeyer studierte Schmuckdesign und machte anschließend seinen Meistertitel. Auslöser für seine Beschäftigung mit dem Thema Schmuck war der vergebliche Versuch, maskulinen Schmuck seines Geschmacks zu finden.

Rohes Metall von Werkstatt:München

Obwohl sich der Designer beschwert, dass sich in der heutigen westlichen Kultur nur noch „Musiker, Punks oder Rocker“ mit Zierrat ausstaffieren, spricht er mit seinen Designs genau jene Zielgruppe an. Die Objektsprache seiner Kreationen trifft eher den Nerv einer jungen, rebellischen Zielgruppe. Der gewöhnliche Vorstandsvorsitzende trägt selten eine Totenkopfkette, auch der treusorgende Familienvater dürfte sich mit der Symbolik schwer tun. Die Motive von Totenköpfen und Tattoos sind spätestens seit Christian Audigier, bekannter unter seinem Label Ed Hardy, im Mainstream versickert und werden gerne mit Spott versehen. Dennoch besitzt die Schwere von Lohmeyers grob behauenen Schmuckstücken, speziell die der einfachen Teile, diejenigen ohne viel Brimborium, eine besondere, unbehandelte Ästhetik, die zu finden selten ist.
Ein Armband halb Leder, halb Metall; Ringe, die an Muttern oder Dichtungsringe erinnern; besonders ein Ring aus einem Stück, in Gold oder Silber, die Front gerade abgeschliffen, in der Oberfläche ist noch die Kraft und das Fingerspitzengefühl der Bearbeitung erkennbar; das ist das Markenzeichen und die große Kunst von Stücken aus der Werkstatt:München.

Ring von Werkstatt: München

Die natürliche Umgebung für die individuellen Teile aus der Wekstatt ist in einer Kombination mit Avantgarde-Mode. Schmuck und Mode gehören für Lohmeyer untrennbar zusammen: „Ich glaube, die Beziehung zwischen Mode und Schmuck beruht auf der individuellen, emotionalen Sehnsucht danach, schöne Dinge zu tragen, die den persönlichen Geschmack, Stil und Charakter ausdrücken.“