Rick Genest für Mugler. Bild via

Giacomo Leopardi, der große italienische Dichter, schrieb 1824 einen Dialog zwischen der Mode und dem Tod. Darin erkennt der Tod, der Feind der Erinnerung, seine Schwester, die Mode, nicht wieder, als sich ihm diese offenbart.
Dabei, so argumentiert diese, sind sie beide „born of decay“, haben also die selbe Mutter. Doch liegt es auch in der Natur beider, die Welt ständig zu erneuern.

Edgar Allan Poe schrieb, der Tod einer schönen Frau sei „zweifelsohne das poetischste aller Themen“. Ein Gedanke seiner Ära – das viktorianische Zeitalter pflegte eine andere Beziehung zum Tode als man das heute gewohnt ist. Fotografien verstorbener Familienmitglieder, sogenannte post-mortem Fotografie, sollten das Andenken an Geliebte über ihren Tod hinaus stärken.
Damals eine ganz normale Umgangsweise mit dem Verlust, heute ein Anblick, der Tabus verletzt.

Post-Mortem Fotografie. Bild via

In dieser Ära, in der korsettbedingte Blutarmut und vornehm-kränkliche Blässe das Schönheitsideal stellten, wurde der tote Frauenkörper in Literatur und Gemälden bis hin zum Stereotyp reproduziert. Insbesondere Suffragetten, die zu dieser Zeit Frauenrechte einzufordern begannen, aber auch unpolitische, attraktive Frauen wurden als bedrohlich wahrgenommen, weil sie eine unkontrollierbare Macht über Männer besaßen.
Um der Schönheit also ihre erotische Gefahr des Kontrollverlusts zu nehmen, entstand eine Konvention, in der Frauen leblos dargestellt wurden.

John Everett Millais, Ophelia. 1851-52. Bild via

John Everett Millais, Anhänger der ersten Avantgarde-Kunstbewegung, brachte das wohl bekannteste solcher Frauenbilder hervor, die leblos im Wasser treibende, den Tod scheinbar willkommen heißende Ophelia.
Dass dieses Bild eine Kunst-Konvention geworden ist, zeigen popkulturelle Referenzen von Kylie Minogue bis hin zu Lars von Trier, der Kirsten Dunst in Melancholia nach ihrem Vorbild inszeniert.

Kirsten Dunst in „Melancholia“. Bild via

Kylie Minogue „Where the Wild Roses Grow“ Bild via

Guy Bourdin war wohl der Erste, der diese Bildsprache in die Modefotgrafie übertrug. Seine Modestrecken schockierten, sandten eine morbide Faszination aus.
Nick Knight sagte über die Ikonografie Bourdins folgendes: „Fear is something that we, despite ourselves, want to experience. And I think the violence does add glamour in a kind of perverse way.“
Dieses Nicht-Wegsehen-Können, aber auch nicht wirklich hinsehen dürfen, ist eine mächtige Emotion, die die Darstellung von Gewalt in uns auslöst.
Gepaart mit Erotik und Schönheit multipliziert sie sich ins Unendliche. Bourdin nutzte diesen Kampf zwischen Gut und Böse in seinen Fotografien, kämpfte ihn wohl auch mit sich selbst.
Auch Helmut Newton nutzte den Effekt für seine Fotografie, spielt visuell direkt auf Bourdin und Millais an.

Guy Bourdin, Bild via

Guy Bourdin, Bild via

Helmut Newton, Bild via

Wie Ingrid Loschek in Wann ist Mode bereits bemerkt, ist „die Provokation (…) nichts anderes, als die Verführung, sich mit dem Dargestellten zu beschäftigen“. Da die Modefotografie, die meist als Teil einer Strecke in einem Magazin erscheint, und daher kurzlebiger ist, als die Kunstfotografie, schnell überzeugen muss, bedienen sich ihre Künstler dieser Provokation.
Der Tod wird zum Punktum, wie Barthes es benennt, der Tabubruch wird zum Verweilort des Blickes.

Seana Cavanagh, Bild via

Die Schönheit der Mode wird durch ihre prekäre Existenz unterstrichen. Schön bis zum Ende, und dadurch endlos schön werden die Frauen in dieser Konvention des Betrachtetwerdens dargestellt – eine weit zurückreichende visuelle Tradition, die Frauen für ihre Schönheit verehrt, ihnen aber jegliche Agenda, jegliche Teilhabe am Kunstwerk abspricht.
Das Model wir durch ihre Passivität auf das rein Körperliche reduziert, der Mann als Fotograf oder Maler stellt seine Position als der Schaffende, der Akteur wieder her. Vielleicht sind Phänomene wie Rick Genest, bekannt als Zombie Boy, ein Anzeichen für das Auflösen dieser Tradition, der schöne Tod ist nun nicht mehr nur der Frau vorenthalten.

Rick Genest für Mugler. Bild via

Dem Zahn der Zeit entgehen – der einzige Weg, dem äußerlichen Verfall zu vermeiden und unsterblich zu werden, ist der verfrühte Tod selbst. Hier haben Mode und Tod ihre Schnittmenge – sie leben vom Werden und Vergehen, lediglich der Stillstand ist für sie tödlich.

Christopher Owens für Saint Laurent. Bild via.

New York ist momentan wieder einmal, noch mehr als sonst, der Mittelpunkt der (Mode-)Welt. Carine Roitfeld launcht ihr Magazin CR, die New York Times kürt die wichtigsten Modemenschen, Diane von Fürstenberg integriert Google Glasses in ihre Präsentation, das Purple Magazin vird 20.
Auch in Paris passiert einiges: Saint Laurent zeigt sich unter Slimanes Führung mit neuer Kampagne und Formichetti plant eine Handtaschenlinie für Mugler.

Finalement! CR hat gelauncht.
Endlich ist es soweit. Nach gefühlten 20 Jahren des Wartens und zahllosen mehr oder weniger großartigen Vorabteasern hat die Meisterin des französischen Modejournalismus ihr Magazin gelauncht. Die Party dazu fand in der New Yorker Frick Collection statt, die Gästeliste scheint deckungsgleich mit der Liste der New York Times, die im nächsten Punkt des heutigen Radars besprochen wird: La Roitfeld selbst, Kate Upton, Anna dello Russo, Alexander Wang, Andre Leon Talley, Joseph Altuzarra, Margherita Missoni, Glenda Bailey und viele weitere feierten das epochale Ereignis. [GuestofaGuest]

Carine Roitfeld mit Peter Brant Jr. und Alessandra Ambrosio. Bilder via

Die neuen Mächtigen der Mode
Die New York Times kürt die bisher wichtigsten Vertreter der Mode des 21. Jahrhunderts. Wirklich Neues erzählen Cathy Horyn und Eric Wilson darin zwar nicht, aber eine Bestandsaufnahme hat noch nie jemandem geschadet. [NYTimes]

Chanel Iman, Olivier Rousteing, Kate Upton, Joseph Altuzarra, Anthony Vaccarello, Candice Swanepoel. Bild via

Google Glasses bei Diane van Fürstenberg
Ein ungewöhnliches Accessoire brachte die Grande Dame der amerikanischen Mode zu ihrer Show bei der New York Fashion Week auf die Bühne: Google Glasses. Die Brillen, die quasi alle Eigenschaften eines Smartphones besitzen, aber eben auf der Nase getragen werden, sollten die Show für eine Dokumentation filmen.
Designerbrillen mal anders – cool sehen sie noch nicht wirklich aus, aber das Problem dürfte schnell gelöst sein.
Google-Gründer Sergey Brin wohnte der Show übrigens, neben Sarah Jessica Parker sitzend, bei. [TheCut]

Model, Diane von Fürstenberg mit Google-Brille. Bilder via.

Purple Magazine feiert 20 Jahre
Im Standard Hotel in New York feierte das von Olivier Zahm mitgegründete Purple Magazin mit Gästen wie Adrien Brody, Russell Simmons, den Hilton Schwestern und Ally Hilfiger sein 20-jähriges Bestehen.
Als anspruchsvolle, kompromisslose „Anti-Fashion“ Zeitschrift gegründet, kam zu einem Zeitpunkt die Erkenntnis „man kann in Schönheit sterben, oder Werbepartner finden“. Purple ist immer noch Rebell, jetzt mit High-Society Connections. [WWD]

Olivier Zahm und Kim Gordon bei der Geburtstagsparty von Purple. Bild via.

Erste Saint Laurent Kampagne unter Hedi Slimane überrascht
Nachdem er das „Yves“ bereits vor einiger Zeit losgeworden ist, reduzierte Hedi Slimane nun auch die Kampagnenästhetik des Labels. Musiker Christopher Owens ist in der neuen Anzeige zu sehen, oder eben nicht, genausowenig wie Kleidung.
Was aber unübersehbar ist, ist eine komplette Neuausrichtung des Labels; am 1. Oktober zeigt Slimane seine neue Kollektion für Saint Lauren auf der Paris Fashion Week. [VogueUK]

Christopher Owens für Saint Laurent. Bild via.

Nicola Formichetti plant Handtaschenlinie für Mugler
In seiner vierten Saison für das futuristische, extravagante Modehaus wird Nicola Formichetti, bekannt für extreme Designs, am 26. September zur Fashion Week in Paris wohl erstmals Handtaschen zeigen. Die Spannung ist groß, der Designer hat durchaus das Potential, die nächste It-Bag auf den Markt zu bringen. [Styleite]

Mugler Kampagne 2011. Rick Genest für Mugler unter Kreativleitung von Nicola Formichetti. Bild via.