Die Pariser Haute Couture Woche sollte als ein Spielfeld der kreativen Ideen zu verstehen sein, also eine Verkaufsdruck-freie Zone, in welcher sich kreative Genies ausleben und die Grenzen des Zeitgeistes ausloten können.
Doch längst fungiert sie nicht mehr als die Messlatte für die Crème de la Crème der modischen Visionäre unserer Zeit: seit einigen Saisons scheint es, bis auf wenige Ausnahmen (z.B. hier und hier) nur noch ein exklusives Werbetool für ohnehin zu Konglomeraten gehörende Häuser zu sein, die sich eigentlich gar nicht so weit aus dem Fenster lehnen und lieber von den Massen geretweetet und gere-gramt werden wollen.
Das Ergebnis: die Kollektionen sind mittelmäßig, die Ideen wiedergekaut, der einstige Modeolymp der Haute Couture-Schauen verkommt zu einem Pinterest-Board der Mittelmäßigkeit, dessen Qualität an seiner Viralität gemessen wird.
Chanel
Sailor Moon meets Roller Girl, so etwa mutete die Haute Couture Show bei Chanel an. Sneakers, Hip Bag und Knieschoner wurden gepaart mit kastigen crop Tops und an Nierenschoner erinnernden Korsetts.
Die Silhouette war sicherlich interessant und neu, wurde aber zu stringent durchexerziert und schien die einzige wirkliche Idee zu sein, auf welcher die Kollektion beruhte – ansonsten gab es die Chanel-typischen Insignien: Tweed, Kamelien, schwarz-weiß Kontraste.
Ein Zugeständnis an eine neue Generation? Vielleicht. Aber für eine Haute Couture Kollektion erscheint das zu wenig innovativ.

Dior
Man erkennt, dass es schlecht um die Pariser Mode steht, wenn die Christian Dior Haute Couture Kollektion SS14 an Givenchy Ready-to-Wear AW13 erinnert. Vielleicht lässt sich daran auch ablesen, dass sich der Retro-Trend nun endlich selbst eingeholt hat und daraus folgt, dass in der nächsten Saison etwas ganz Neues passieren wird. Hoffentlich.

Vionnet
Hussein Chalayan für Vionnet war eine mit Spannung erwartete Show, die einen ungewissen Beigeschmack hinterlässt. Ein Bild jedoch spricht mehr als tausend Worte: die beiden verantwortlichen Designer, Chalayan und Goga Ashkenazi, welche das Haus gekauft hatte und dessen Chairwoman und Creative Director ist, stehen auf dem Catwalk und scheinen nicht so recht entschlossen, wo hin mit sich, zwischen ihnen scheint Platz für die dritte im Bunde: Madeleine Vionnet.
So ähnlich reflektiert das auch die Kollektion. Hussein Chalayan, ein begnadeter Konzept-Designer ließ sich von Industrial Design inspirieren, von Wendeltreppen, elektrischen Drähten und von Schnittmustern. Daraus entstanden spannende Entwürfe, die mal an Y3 und mal an Margiela erinnerten.
Auch eine Hommage an die Erfinderin des Bias-Cut ließ sich herauslesen, in den skulpturalen Plissée-Kleidern, die das über den Laufsteg flatterten. An sich alles sehr gelungen, und doch fehlte irgendwie der rote Faden, wirkte die Kollektion wie ein Kompromiss verschiedener Köche, die den Brei nicht ganz zu Ende kochen ließen.

Maison Martin Margiela
Dass es auch noch Häuser gibt, die mutig bei der Avantgarde mitreiten, bewies wieder einmal Maison Martin Margiela. Tätowierungen und kitschige Abziehbildchen wurden zu Tops und Kleidern, Mustermixe und moderne Kunst wurden clever kombiniert und hielten dem Bildersturm der digitalen Ära einen Spiegel vor, in welcher eine derartige Melange der Sinneseindrücke zur Norm geworden ist.
Ein postmodernes Pastiche par excellence, wie immer gepaart mit der Anonymisierung der Models, einem Seitenhieb auf die vermeintliche Individualisierung der Gesellschaft, in der letzten Endes doch alle austauschbar sind.
Besonders faszinierend: die Kleider aus scheinbarem Treibgut, ein Sammelsurium an kleinen Collectibles, die die Fetischisierung des Konsums auf eine sehr ästhetische Weise inszenierten. Wundervoll.

Alle Bilder via Style.com

Hussein Chalayan neuer Designer bei Vionnet

Hussein Chalayan wurde bei der französischen Modemarke Vionnet als Semi-Couture-Designer angeheuert. Seine Kollektion wird offiziell am 21. Januar während der Haute Couture Schauen in Paris debütieren. Nach Ansichten des Creative Director von Vionnet – Goga Ashkenazi – repräsentiert Hussein Chalayan genau das, was Madeleine Vionnet in ihrer damaligen Ära präsentiert hatte. [Vogue UK]

Sarah Jessica Parker präsentiert neue Schuhkollektion

Die Hauptprotagonistin aus Sex and the City Sarah Jessica Parker kreierte vor kurzem ihre ganz eigene Schuhkollektion, welche äußerst „very Sex and the City“ sind. Die neue Schuhkollektion namens Diana wurde erstmals in der Februar-Ausgabe des Magazins Lucky veröffentlicht. Spezielle Details und italienische Handwerkskunst lassen die Schuhe angefangen von 110 bis 293 Euro kosten. [Fashionista]

Kirsten Dunst für L´Oréal Professionnel

Die Hollywood-Schauspielerin Kirsten Dunst ist nun internationale Markenbotschafterin für das Kosmetikunternehmen L´Oréal Professionnel. Nach eigenen Angaben der 31-jährigen Schauspielerin kann sie sich sehr gut mit dem Kosmetikunternehmen identifizieren: „Ich fühle mich sehr verbunden mit L´Oréal Professionnel,“ so die Schauspielerin, die für ungewöhnliche Rollen bekannt ist. [WWD]

Cara Delevingne für Mulberry

Das britische Label Mulberry hat für seine Frühjahrskampagne ein neues Gesicht: Topmodel Cara Delevingne. Die 21-jährige wurde von Vogue-Fotograf Tim Walker mit animalischen Freunden auf den Kampagnen-Fotos in Szene gesetzt. Die exklusiven Printfotos werden erstmals in den Februarausgaben der britschen Vogue sowie Elle zu sehen [Pressemitteilung]

H&M zeigt erste T-Commerce Kampagne beim Superbowl mit David Beckham

Für schlappe 4 Millionen Dollar hat sich H&M beim Superbowl eingekauft: Ein 30-sekündiger Werbespot in der wohl teuersten Werbepause der Welt soll David Beckham H&M-Unterwäsche einem Millionenpublikum näher bringen. Gekoppelt mit einer t-commerce Kampagne, in welcher Samsung-SmartTV-Besitzer die gezeigten Stücke direkt kaufen können, feiert H&M damit ein Superbowl Comeback der Extraklasse nach einjähriger Abstinenz.  [WWD]

Seit Jahrzehnten haben die Superhelden das Boxoffice der Kinos fest in ihrer Hand. Kein Wunder, dass sie in der Mode auch ihren Fingerabdruck hinterlassen haben. Sei es als Inspirationsquelle für Modemacher oder als Anregung für technologische Innovationen, die Heroen der Postmoderne sind eine Metapher für das menschliche Dasein, die ewige Suche nach Verbesserung. Das Mittel ihrer Wahl dafür: Kleidung.

Einen klaren Beginn der Koexistenz zwischen Mode und Superhelden zu finden ist schwer. Wenn man hingegen historisch an die Entwicklung der Helden heran geht, beginnt man, die Faszination der Modemenschen für die kostümierten Rächer zu verstehen.

Die Geschichte des Comic-Superhelden teilt sich in 4 Epochen ein: die goldene, silberne und bronzene Ära und die Postmoderne.
Die goldene Ära begann 1938 mit Jerry Siegel und Joe Shuster, die Superman erschufen. Dieser gilt bis heute als Prototyp des Superhelden, vereint er doch alle wichtigsten Ingredienzen: geheime Identität, Superkräfte und ein buntes Kostüm.
Nach Superman erschienen dann bei DC-Comics die anderen großen Helden, wie Wonder Woman, Batman oder Martian Manhunter. Wärend und nach dem zweiten Weltkrieg gewannen die Superhelden so viel Zuspruch bei der Bevölkerung, dass in den Fünfzigern der Senat den Comics Code verabschiedete, der Verleger verpflichtete, beispielsweise auf Nacktheit der Figuren oder gewisse Worte zu verzichten, um die Jugend nicht „zu verderben“.

Die silberne Ära des Comics kam mit legendären Autoren wie Stan Lee, Jak Kirby oder Bill Everest. Diese veröffentlichten Buchreihen mit erwachseneren und nuancierteren Helden wie zum Beispiel die Fantastic 4 (1961), Spiderman, Thor oder The X-ten.

In der bronzenen Ära der Comics wurden die Helden auseinandergenommen. Batman war nichts mehr als ein gefolterter Vigilant, Wonder Woman verlor ihre Kräfte und Green Arrow wurde zu einem zynischen Kapitalismuskritiker der hie und da unter den Einfluss von Drogen stand. (oder kurz: Batman wird entmachtet, Wonder Woman zum Opfer und Green Arrow ein Junkie – die Superhelden bekamen einen Reality Check der Civil Rights Bewegung)

Zehn Jahre warteten die Helden auf ihr Comeback. Den Umschwung brachten die Watchmen und die Dark Knight Serie von Batman. Die Comics waren voll Anti-Helden, deren Kostüme dunkler wurden und deren innere Konflikte tiefgreifender. Den Höhepunkt der „grim-and-gritty“-Phase erreichte diese, als der Joker Robin vor Batmans Augen ermordete.

Die Superhelden wurden also über die Jahre mehr als nur eine schöne Zeitbeschäftigung für Jungs, sondern entwickelten sich zum Sprachrohr für soziale und politische Missstände. Ähnliches passierte auch mit der Mode: Die Designer hatten die glänzenden Illusionen der bisherigen Mode satt. Die „Anti-Fashion“-Bewegung, der sich Modemacher wie Hussein Chalayan und Jean-Paul Gaultier verschrieben, war ein direkter Angriff auf das Beschönigenen der Wirklichkeit, eine Gesellschaftskritik.

Aber nicht nur die Entwicklung der beiden Branchen ähnelt sich stark. Die Wahl der Kostüme und die Veränderungen in der Persönlichkeit der Helden durch die Bekleidung ist eigentlich nur eine Überzeichnung dessen, was die Mode tagtäglich für jeden Menschen tut: Sie schützt, versteckt, verändert den Menschen.

Auch bei den Superhelden, genau wie in der Mode, übernimmt die Kleidung die Funktion von Abgrenzung und Zugehörigkeit. Die X-Men signalisieren mit ihren Uniformen Gruppenzugehörigkeit, Einzelkämpfer wie Batman heben sich von anderen ab. Nicht umsonst verkleiden sich kleine Kinder gerne wie sie. Die Uniformen verleihen ihnen ihre Kräfte, bestärken sie, oder signalisieren ganz einfach eine Geisteshaltung. Clark Kent könnte genauso kämpfen wie Superman. Die Kleidung, und damit die Rolle, in der er steckt, lassen aber nur jeweils eine der beiden Persönlichkeiten zu.

Bei anderen Helden ist das Aussehen ihrer Anzüge zweitrangig. Sehr viel wichtiger ist die Funktionalität des Teiles – ja sogar Superhelden müssen mal pragmatisch denken. The Human Touch kann zum Beispiel nur Hitze und Feuer beständige Klamotten tragen, The Flashs Anzug muss extremer Reibung Stand halten und zu Iron Man muss man an der Stelle nichts sagen. Diese ganzen technologischen Innovationen die Stan Lee und Co sich ausgedacht haben, werden immer wieder durch Textilforscher ins reale Leben gerufen, beschäftigen Generationen von Bekleidungstechnikern und Chemikern, die die gewünschten Eigenschaften eines Kleidungsstückes Realität werden lassen. Man denke nur an den Spinnenfaden, den Spiderman so geschickt in sein Kostüm integriert hat, und der längst als der goldene Gral der Textiltechniker geworden ist.

Die Comichelden sind in unserer Kultur so stark integriert, dass sie auch immer wieder als Inspirationsquellen für Designer dienen. Sei es als Muse für eine Kollektion oder durch die Gestaltung der Filmkostüme von gefeierten Designern. Und spätestens nach der Ausstellung 2008 im Metropolitan Museum of Art in New York weiß man, dass beide Disziplinen sich gegenseitig befruchten.

Das Kostüm der Superhelden, es ist die Essenz unserer Alltagskleidung: sie gibt uns Kraft, den Tag zu meistern, sie kann uns Selbstvertrauen und Mut geben, kann aber auch, wenn falsch getragen oder am falschen Ort, wie Kryptonit auf unsere Selbstsicherheit wirken.
Die Kleidung ist der erste Schritt des Transhumanismus, eine bewusste Erweiterung, Verbesserung des Menschen. Wir sind das einzige Lebewesen auf diesem Planeten, das die eigenen biologischen Grenzen nicht akzeptiert, sich selbst psychisch und physisch ständig verbessert. Kleidung ist die zweite Haut des Menschen, ein Mittel zur Selbstverwirklichung, zur Optimierung. Die Superhelden, das sind wir.

Anlässlich der Olympischen Spiele in London in diesem Jahr veranstaltet der British Fashion Council (BFC) eine Eventreihe mit dem Ziel, die britische Mode zu fördern und zu präsentieren. Unter dem Titel Fashion 2012 vereint die Plattform Ausstellungen des Victoria & Albert Museum, Showrooms und, besonders interessant, das Vorzeigeprojekt BFC/Bazaar Fashion Arts Foundation – Britain Creates 2012.
Dieses Projekt bringt Modesigner und Visual Artists in Kollaborationen zusammen, die den Geist der Spiele einfangen und ausdrücken sollen.

Giles Deacon & Jeremy Deller: „Untitled“
Eine „Arts and Crafts Rüstung für einen Athleten“ nennt Deller die Kollaboration mit Deacon, die aus einem bedruckten Lycra Bodysuit, einem mit Lederstreifen bezogenen Stock mit Straußenfedern und einem Hut aus dunkelbrauner Double Duchesse Seide mit geschwärzten Pfauenfedern besteht.
Der Print ist einer Glasmalerei von William Morris nachempfunden, und wird sich in verschiedenen Produkten, die an Teilnehmer und Zuschauer der Spiele ausgeteilt werden, wiederfinden.

Giles Deacon & Jeremy Deller: „Untitled“

Hussein Chalayan & Gavin Turk „Four Minute Mile“
Eine eingerahmte kupferne Schallplatte, auf der das erste Zusammentreffen der beiden Künstler als Audio Track zu hören ist, ist der Beitrag von Hussein Chalayan und Gavin Turk zu Britain Creates 2012.
Darauf interviewt Chalayan Turk zum mythischen Status und der Identität des Künstlers. Die Platte kann auf einem Turntable abgespielt werden, allerdings nur ein einziges Mal – sie wird im Prozess des Abspielens zerstört.
Als Label, welches auf der Platte abgedruckt ist, kreierte Turk ein Design aus Ringen, in welchen er sowohl auf Duchamps rotierende Skulpturen als auch auf die Olympischen Spiele Bezug nimmt.

Hussein Chalayan & Gavin Turk „Four Minute Mile“

Jonathan Saunders & Jess Flood-Paddock: „Life“
„Life“ ist eine Installation aus einzigartigen Siebdrucken auf Polypropylenscheiben, die durch das wahllose Auflegen von Kleidungsstücken Saunders´ auf die Belichtungsplatte entstanden.
Aufgehangen auf einer Plexiglashalterung imitieren sie Kleidungsstücke auf einer Kleiderstange, kritisieren als künstlerische Einzelstücke also Massenware und Fast Fashion.

Jonathan Saunders & Jess Flood-Paddock: „Life

Matthew Williamson & Mat Collishaw: „Lepiszoulo“
Die fotografischen Drucke aus den Händen Williamsons und Collishaws unter dem Titel „Lepiszoulo“ bilden einen Neologismus aus den griechischen Worten „zoulo“, zu deutsch „zerdrücken“, und „lepis“, zu deutsch „Skala“. 220 x 220 cm große sind die zwischen Glasplättchen zerdrückten Insektenbilder, die anschließend von Williamson mit Perlen und Pailletten bestickt wurden, um die changierenden Reflexe einer Insektenhüllen nachzuahmen.

Matthew Williamson & Mat Collishaw: „Lepiszoulo“

Weitere Kollaborationen
Nicolas Kirkwood & Simon Periton: „Dissecting Waltz“
Paul Smith & Charming Baker: „Triump in the Face of Absurdity“
Peter Pilotto & Francis Upritchard: „Arch“
Stephen Jones & Cerith Wyn Evans: „Celestial Bonnet“
Mary Katrantzou & Mark Titchner: „Tint the Pallid Landscape (off to the wars in lace)“

Wer an Innovation in der Mode denkt, kann Hussein Chalayan nicht ignorieren.
Der Designer hat in seinem bisherigen Schaffen gezeigt, wie kunstvoll er Grenzen zwischen Politik, Philosophie und Mode transzendieren kann. Dabei spielt für ihn die Nutzung innovativer Technologien eine zentrale Rolle.

Wie Chalayan seit Jahren die Modewelt regelmäßig überrascht, wird innerhalb der Ausstellung from fashion and back“ im Londoner Design Museum gezeigt.
Bis zum 17.05.2009 wird Besuchern die Möglichkeit gegeben, seine grenzüberschreitenden Arbeiten zwischen Mode und moderner Kunst zu bewundern.

Die Ausstellung umfasst Chalayans Arbeiten aus den letzten fünfzehn Jahren, von denen die aussagekräftigsten Stücke in abgetrennten Bereichen dargeboten werden.
Auf einer kompletten Etage werden seine Kollektionen und Kunstprojekte, vereinzelt als Videoprojektionen, mit deren Inspiration und Bedeutung chronologisch präsentiert. Das Design der Ausstellung bringt dem Besucher die progressive Herangehensweise von Hussein Chalayan nahe und zieht ihn, wenn auch bisweilen durch überflüssige Überspitzung, in seinen Bann.

VIDEO: Hussein Chalayan (li.) über „from fashion and back“

Hussein Chalayan
„from fashion and back “ Exhibition
22.01. – 17.05.2009
Design Museum Shad Thames
London SE1 2YD