Die Essenz des Modelabels Pucci ist das Muster in allen Formen und Farben. Visueller Reichtum ist es, worauf das Haus ruht. Der Gründer, Marchese Emilio Pucci di Barsento, war ein charismatischer Aristokrat, dessen Familiengeschichte bis ins 14. Jahrhundert zurückreicht.
Mit der Autorität und Stilsicherheit des alten Adels im Rücken, gewann er schnell die Aufmerksamkeit des damaligen Jet Sets: Marliyn Monroe, Audrey Hepburn, Sophia Loren und Jackie Kennedy gehörten zu den Anhängerinnen Puccis, der bald als Prinz der Prints gefeiert wurde.

Ein im Taschen Verlag erschienener Bildband zeigt den Ideenreichtum des Hauses, von den Anfängen bis hin zum aktuellen Stand der Marke, die nach Puccis Tode 1992 von seiner Tochter Laudomia Pucci weiter designt wurde.
Mit dem Einstieg und Erwerb der Mehrheitsanteile durch LVMH folgten Christian Lacroix, Matthew Williamson und Peter Dundas all Chefdesigner.
Eines der wenigen Labels, bei denen mehr auch besser ist, wo Farben und Formen keine Grenzen zu kennen scheinen.
Eine wunderbare Sammlung grafischer Prints, Mode im Wandel und visuelle Unternehmensgeschichte.

„Pucci“ erschienen im TASCHEN Verlag,
Vanessa Friedman, Alessandra Arezzi Boza, Armando Chitolina
Hardcover, 30 x 30 cm, 420 Seiten, englisch
auch in limitierter Auflage erhältlich
€ 49,99

Wer dieser Tage durch den vierten Stock des Londoner Departmentstores Harrods spaziert, findet sich in einer sagenhaften, märchenartigen Welt wieder – und das liegt nicht nur an der Disney-Kinderabteilung.
Denn wo sich für gewöhnlich das Restaurant des Hauses befindet, widmet sich aktuell eine exklusive Ausstellung dem französischen Couturehaus Christian Dior.

Zelebriert wird nicht nur dessen Gründer und sein Lebenswerk, sondern auch die Rückbesinnung auf zeitlose Eleganz und die Neuerfindung des Labels durch Neo-Chefdesigner Raf Simons. „Ich habe erwartet, dass Raf uns in eine neue Richtung führen wird, und das hat er natürlich auch, aber er hat uns auch eine neue Dynamik gebracht“, so Sidney Toledano, CEO bei Dior, „Raf Simons repräsentiert sowohl das Höchste von Diors Erbe als auch innovativen Luxus.“

Über 18 Monate wurde daran gearbeitet, die Vision einer Hommage an Dior zu verwirklichen.
Als Grundbaustein diente die langjährige und intensive Beziehung, die der Modeschöpfer mit dem Luxuskaufhaus und London führte. Unter diesem Motto konzipierte Simons alle 33 Schaufenster des Stores – inklusive einer Miniaturausgabe der Tower Bridge.

Die Dekorateure bewiesen Liebe zum Detail; neben Rohschnitten von neuen – und Modellen von älteren Kollektionen, getragen von Ikonen wie Prinzessin Diana, Elisabeth Taylor oder Audrey Hepburn, beeindruckt auch das übergroße Puppenhaus, gefüllt mit Dior-Parfumflakons.
Videoprojektionen vermitteln dem Besucher die Konzepte vergangener Diorkampagnen und Handwerkstechniken. Begleitet wird die Ausstellung von dem romantischen Dior Café und einem Pop-Up-Store, der ein paar exklusive Stücke für die Ausstellungszeit lagert.

„Es ist eine Couture-Überlieferung. Kunden möchten heutzutage mehr, sie möchten mehr über ihr Label wissen – sie wollen verstehen. Dior und Harrods teilen die selben Interessen, das gleiche Konzept von Luxus und den gleichen Servicestandart. Wir müssen ihnen verständigen, weshalb wir das tun, was wir tun. Ich möchte den Leuten die Leidenschaft, Innovation und unser Engagement verständlich machen“, so Sidney Toledano, „Ein Designer hat eine spezielle Verbindung, sie haben Antennen – wie auch Mr. Dior selbst sagte. Sie können den Wind in den Blättern hören.“

Noch bis zum 14. April ist das Dior Wunderland in Harrods für jedermann zugänglich.

Fotos: Roswitha Schleicher / modabot.

Sketche von Kostümdesignerin Edith Head für Audrey Hepburn und Grace Kelly

Im Februar werden sie wieder verliehen, die Ehrungen für die Crème de la Crème des amerikanischen Films, die Oscars. Darunter sind, neben Schauspielern, Regisseuren, Drehbuchautoren und Musikern, auch die Kostümbildner.
Eine spannende Geschichte verbirgt sich hinter diesem Metier: Kostümbildner sind die Kreateure des ersten Eindrucks, sie kennen die Charaktere ihrer Filme und übersetzen diese in ihre Sprache: Textil. 

Der erste Kostümbildner, der in einem Film namentlich aufgeführt wurde, war Louis J. Gasner, ein französischer Filmemacher, der 1916 in den Credits eines Films auftauchte – zuvor hatten die Schauspielerinnen, wenn es sich nicht gerade um einen historischen Film handelte, in ihren eigenen Klamotten performt.
Die Rolle der Kostümbildner ist kaum zu überschätzen, denkt man doch, wenn man an einen Film denkt, zuerst an bestimmte – in den meisten Fällen bekleidete – Charaktere.
Was wäre Breakfast at Tiffany’s ohne das kleine oder große (siehe oben) Schwarze, Judy Garland ohne ihre Ruby Slippers, Cary Grant oder James Bond ohne Anzug?

Edith Head mit Audrey Hepburn und Sean Ferrer

Die beiden bekanntesten Archetypen des Kostümbildners sind sicherlich Adrian und Edith Head, und es ist kein Zufall, dass ihre Schaffensperioden in die goldene Zeit des Hollywoodfilms fallen. Die 1930er, 40er und 50er brachten ikonische, mythische und sagenumwobene Legenden der Leinwand hervor. Edith Head und Adrian bastelten fleißig daran mit, dass Bette Davis, Joan Crawford, Greta Garbo, Katherine Hepburn, Audrey Hepburn und Grace Kelly noch heute „larger than life“, und sicherlich souveräner und eleganter wirken, als alle darauf folgenden Leinwandheldinnen.

 
Adrian und Greta Garbo, Katherine Hepburn in Philadelphia Story. 

Adrian war Sohn jüdischer Einwanderer, geboren 1903, der seine Karriere im New Yorker garment district begann, und sich bei MGM ganz nach oben arbeitete. Wenn man dem Internet glauben will, so ist seiner beruflichen Beziehung mit Joan Crawford die schulterbetonte Silhouette der 1930er Jahre zu verdanken. Anstatt Crawfords breite Schultern als Manko zu sehen und zu verstecken, betonte er sie mit Schulterpolstern.
Bei ihm drehte sich alles um Glamour, seine Kreationen halfen den Frauen mittels Eskapismus und Täumereien durch die harten Jahre der Weltwirtschaftskrise.
Das Kino der 30er Jahre war deshalb so von Luxus geprägt, weil es der einzige Luxus war, den sich die Massen leisten konnten.

Sketche von Edith Head für Audrey Hepburn und Elizabeth Taylor.

Im Gegensatz zu Adrian propagierte Edith Head, die als Kostümbildnerin bei Paramount arbeitete, eine Girl-Next-Door Ästhetik, die erst auf den zweiten Blick ihre Magie entfaltete. All About Eve, A Place in the Sun und Rear Window sind nur einige der Klassiker an welchen Head maßgeblich beteiligt war, insbesondere eine lange professionelle Beziehung mit Alfred Hitchcock hat ihre Spuren in der Populärkultur hinterlassen.

Aktuell nominiert sind Jacqueline Durran für Anna Karenina, Paco Delgado für Les Misérables, Joanna Johnston für Lincoln, Eiko Ishioka für Mirror Mirror und Colleen Atwood für Snow White and the Huntsman.

Die Nominierten, Bild via. 

Jacqueline Durran war bereits für die Filme Abbitte (Atonement) und Stolz & Vorurteil (Pride & Predjudice) für den Oscar nominert, ist also auf historische Filme spezialisiert, und wie es scheint auch auf Keira Knightley.
Die Garderobe von Anna Karenina ist aber nicht historiengetreu, sondern höchst stilisiert und für heutige Augen adaptiert: Knightley trägt den ganzen Film über Chanel-Schmuck, und zwar auf dem Russland des ausgehenden 19. Jahrhunderts angemessen dekadente Art. Die Hüte sind vom Londoner Hutmacher Sean Barrett, die Kleider waren mehr vom New Look Diors und Balenciagas der 1950er inspiriert als von ihren Vorgängern.
Ein wunderbarer Kostümschinken, und aus  modischer Perspektive ist dies der interessanteste Nominierte, aber Durran verliert Punkte für das Verweilen in ihrer Comfort Zone.

Keira Knightley als Anna Karenina, Kostüme von Jacqueline Durran. Bilder via.

Paco Delgado arbeitete in der Vergangenheit meist an spanischen (Co-)Produktionen, wie Die Haut in der ich wohne, Biutiful und La Mala Educacion, mit.
Für Les Misérables kreierte er ca. 2200 Kostüme, allesamt orientiert an der Kleidung des frühen 19. Jahrhunderts. Die moralische und charakterliche Entwicklung des Protagonisten, Jean Valjean, visualisierte Delgado in den Farben und Materialien der Kostüme.
Der anfangs raue, ungehobelte Charakter verwandelt sich im Laufe des Films in einen Beinahe-Heiligen, dementsprechend wird auch sein Kostüm kultivierter, die Farben ruhiger, fast mönchsgleich.

Russell Crowe in Les Misérables. Bild via.
Paco Delgado, Les Miserables, Nominiert für den Oscar in Kostümdesign. Bilder via. 

Joanna Johnston zeichnete für die Kleidung der Schauspieler in dem Historien-Biopic Lincoln verantwortlich. Wenn dieser mal nicht auf Vampirjagd ist, hat er nämlich ein Land zu führen, einen Krieg zu beenden, Sklaven zu befreien und Geschichte zu schreiben.
Die puritanische Vergangenheit der frühen Vereinigten Staaten ist freilich visuell nicht so aufregend wie das Russland einer Anna Karenina, aber First Lady Lincoln hat doch ein paar Trümpfe in Ärmel.

Mary Todd Lincoln, Kostüme für „Lincoln“ von Joanne Johnston. Bilder via. 

Eiko Ishioka, die am 21. Januar in Tokyo ihrem Krebsleiden erlag, geht mit Mirror Mirror ins Rennen. Der Film von Tarsem Singh, mit dem sie eine lange professionelle Beziehung pflegte und unter anderem The Cell ausstattete, zeigt eine komödiantische Version des Streits zwischen der bösen Königin und Schneewittchen um das Label der „Schönsten im ganzen Land“.
Ishioka gewann bereits mit Bram Stoker’s Dracula im Jahre 1992 einen Oscar, sie gilt in Japan als eine der führenden Künstlerinnen auf den Gebieten Grafik Design, Art Direction und eben Kostümbild. Zuletzt bekam Heath Ledger 2008 einen posthumen Oscar verliehen.

Eiko Ishioka, Kostüme für Mirror Mirror. Bild via. 
 Julia Roberts in „Mirror Mirror“, Kostüm von Eiko Ishioka. Bild via.

Julia Roberts in „Mirror Mirror“, Kostüm von Eiko Ishioka. Bild via. 

Colleen Atwood ist die höchstdekorierte unter den nominierten Kostümdesignern – sie ist zum zehnten Mal unter den Kandidaten, gewann bereits dreimal: mit Alice im Wunderland (2010), Memoirs of a Geisha (2005) und mit Chicago (2002).
Diesmal designte sie die Kostüme für Snow White and the Huntsman, die dunklere Version von Schneewittchen mit Kristen Stewart in der Hauptrolle.

Ausstellungshalle mit Kostümkreationen Beatons

Das Museum der Stadt New York widmet derzeit einen Teil seiner Ausstellungsräume dem Fotografen und Kostümdesigner Cecil Beaton. Als eine der schillerndsten Persönlichkeiten New Yorks in seinen Schaffensjahren, welche die Roaring Twenties genauso umspannten wie die Swinging Sixties und den Glamour der 70er, hat sich Beaton diese Würdigung mehr als verdient.

Kostüm für Turandot an der Metropolitan Opera; Portrait von Katherine Hepburn

Der Brite, der bei Paul Tanqueray die Kunst des Fotografierens gelernt hatte, begann 1927 regelmäßig für die britische Vogue zu arbeiten. Auch seine enge Freundschaft mit Horst P. Horst und der stete künstlerische Gedankenaustausch mit verschieden beeinflussten ästhetischen Stilrichtungen formten Beaton’s Bildsprache.
Als Hoffotograf der Royals zeichnete er verantwortlich für die Hochzeitsbilder des Duke of Windsor und der Schauspielerin Wallis Simpson (danach Duchess of Windsor) in einem Haute Couture Ensemble von Mainbocher. Auch als Kriegsfotograf machte sich Beaton einen Namen und erregte Aufsehen mit dem Bild eines verwundeten Mädchens im Krankenbett, welches Opfer der deutschen Luftangriffe auf London geworden war.
Die bisher nicht am Krieg beteiligten USA wurden durch Bilder wie die von Beaton aufgerüttelt.

Ausstellungsräume

Zu weltweitem Ruhm gelangte Beaton insbesondere durch seine Broadwaykarriere als Kostümbildner und Setdesigner, sowie seine Kreationen für die Oper. Als My Fair Lady vom Broadway auf die Leinwand gebannt wurde, designte Beaton auch die Kostüme für den Film. Er erhielt, wie bereits zuvor für Gigi auch für My Fair Lady einen Oscar für bestes Kostümdesign.

Die Ausstellung zeigt neben seinen Modefotografien auch einige seiner bekanntesten Portraits von Stars und Berühmtheiten wie Greta Garbo, mit der er kurze Zeit liiert war, Mick Jagger, Katherine Hepburn, Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, und Diana Vreeland. Weiterhin gibt es Seiten aus seinen pikanten Tagebüchern zu sehen, welche Beaton noch zu Lebzeiten veröffentlichte.

Zitat und Fotografien Beatons

Die Ausstellung läuft noch bis zum 20. Februar.
Museum of the City of New York
1120 Fifth Avenue at 103rd Street
New York, New York