Sportlich und klassisch britisch: Die Männer-Modewoche „London Collections: Men“ startete am 14. Juni und bewies, dass Men´s Wear made in Britain einiges zu bieten hat. Auch durfte es nicht an royaler Unterstützung fehlen: Prince Charles eröffnete die Veranstaltung, die nicht nur aus Shows bestand.
Tom Ford lud zu einem Dinner und Burberry-Designer Christopher Bailey zu einer Store-Party.

Hackett

Auf dem Laufsteg sah man in den vier Tagen die ganze Bandbreite, von klassischen -wie vom Savile-Row-Veteran Hackett- bis zu modern interpretierten S/S 2013 Kollektionen von Jonathan Saunders, TOP Man, J.W. Anderson und Christopher Shannon.
Knallige Farben und Muster halfen bei der Neu-Interpretation der Klassiker (evergreen: Trenchcoat), und man entdeckte eine ganz neue, selbstbewusste Männermode für Männer mit Geschmack und ein bisschen Mut.

Christopher Shannon

Jonathan Saunders

J.W. Anderson

Christopher Raeburn zum Beispiel zeigte sichere Streetstyle-Schnitte, aber verwendete Fallschirmseide, recht innovativ. Christopher Shannon setzte auf Ethno-Look, TOPMan bot Trenchcoats an, sowie Jonathan Saunders (in psychedelischen Farben), der klassische Schnitte in Knallfarben präsentierte und dadurch eine 60er Wirkung erreichte.

Christopher Raeburn

Auch die Designerinnen Nicole Fahri und Margaret Howell fühlen sich in der bunten Männerwelt wohl. Metrosexueller ging es bei Sibling zu: Gesichtsmasken für einen selbstbewussten Hedonisten.
Auf der Insel bleibt es bunt und innovativ, auch und vor allem für Männer.

Margaret Howell

Nicole Farhi

Phoebe English by Style Bubble

Den Namen Phoebe English sollte man sich merken. Die Gewinnerin des Merit Awards, welches vom Londoner Vauxhall Fashion Scout jede Saison an die wirklich vielversprechenden Design-Talente verliehen wird, und als Indikator für den nächsten großen Namen in der britischen Mode gilt, hat es geschafft: Ihre Herbst 2012 Kollektion wird im Dover Street Market verkauft, was einem Ritterschlag gleichkommt.

Eigentlich wollte die Central St Martins Absolventin Schauspielerin werden: „Einen Sommer lang sprach ich an allen möglichen Schauspielschulen in ganz Großbritannien vor, und keine hat mich angenommen. Also habe ich den Kurs an St Martins belegt, um überhaupt zu sehen wie es ist – und habe es nie bereut.“
Das dramatische Fach liegt Ms. English nahe, ihre Abschluss-Kollektion war von Gotik inspiriert und man sah im Herbst 2011 viel schwarz, lange Kleider, Federn, künstliches Haar, Leder und Gummi auf dem Laufsteg. English nannte es „deconstructed glamour“, und hat sich damit erst mal in die Liga der mutigen Trendsetter auf der Insel katapultiert, neben Henry Holland, David Longshaw und Pam Hogg.
„Es war aber nicht geplant – und mein Debut war auch eine Überraschung. Haare benutzte ich als Stoff, es hat eine wirklich interessante Oberfläche und ich liebe die Art und Weise, wie es sich bewegt.“

Kleider mit Haar-Vorhängen weckten English‘ Interesse an der Textur, und ein Experiment mit Strick folgte und resultierte in hand-gehäkelten Haarsträhnen, die in die Gummi-Elemente eingebunden waren. Ein faszinierend komplizierter technischer Prozess für die Designerin – und eine garantiert spannende Show für die Profi-Besucher der London Fashion Week.

Ungewöhnliche Stoffe einzusetzen ist so etwas wie English’s Signatur, im Herbst 2012 experimentiert sie -neben Seide- mit viel Latex und kreiert dennoch mehr tragbare, feminine Kleider, die auch kommerziellen Erfolg versprechen.
Eine Strategie, die aufgeht: ihre Geschäftspartnerin Rose Easton, frühere Einkäuferin für den renommierten The Shop at Bluebird, platzierte English beim Dover Street Market, der erste und sicherlich nicht der letzte Deal der ambitionierten Businessfrau.
Phoebe English kann sich nun auf das Kreative konzentrieren. Sie hat ein neues Studio im Londoner East End, beschäftigt einen Schneider und zwei Praktikanten, und bastelt gerade an der neuen Kollektion. „Es ist eine große Verpflichtung, ein eigenes Label zu gründen“, sagt sie und fügt hinzu: “ Vielleicht sollte man solche Dinge machen, wenn man jung und naiv ist“.

British Vogue veranstaltet vom 20. – 21. April 2012 zum ersten Mal das Vogue Festival, einen öffentlichen Event mit Live-Acts, Filmen, Präsentationen, Vorträgen und Podiumsdiskussionen, mit Vertu als Hauptsponsor, die Großen der Branche sind bereits als Sprecher bestätigt, darunter Christopher Bailey, Tom Ford, Stella McCartney, Natalia Vodianova, Diane von Furstenberg und Matthew Williamson.
Themen wie Kombinierbarkeit der Männer- und Frauengarderobe oder Mode und Alter sind auf der Agenda, die weibliche Version des Starkochs Jamie Oliver, Journalistin und Kochbuchautorin Nigella Lawson wird über über Frauen und Essen sinnieren.

Die UK-Vogue Chefredakteurin und eine Buchautorin (Can We Still Be Friends) Alexandra Shulman, sagte, sie habe über das Festival für eine Weile nachgedacht: das Publikum sehne sich nach interaktiven Erfahrungen und Live-Events wären beliebter denn je: „Wir wollten soziologische Elemente in das Programm einbringen, um zu sehen wie sich die Mode mit der Welt, in der wir leben, überschneidet und verbindet“, erklärt sie den Vorsatz.

The Vogue Festival
20. – 21. April 2012
Royal Geographical Society, 1 Kensington Gore,
London SW7 2AR
Tickets ab £75

„I stand before you tonight in my Red Star chiffon evening gown, my face softly made up and my fair hair gently waved, the Iron Lady of the Western world.“ Margaret Thatcher

Meryl Streep hat ihren dritten Oscar als die Eiserne Lady bekommen, Gary Oldman seine Anerkennung als Nicht-Schurke Hollywoods in John-le-Carré’s Verfilmung Dame, König, As, Spion, und Michelle Williams gibt eine fast perfekte Marylin.
Hollywood bedient sich gerne aus der Schatzkiste der Vergangenheit, und nicht nur auf der Leinwand sieht man plötzlich Zweiteiler aus Tweed, Broschen und Perlenketten sowie die karierten Sakkos, Krawatten und Beton-Frisuren im modischen Anmarsch.

Wer will sich nicht wie sein Lieblings-Filmstar kleiden – oder besser noch, wie eine Filmfigur? Die 20er, 60er und 80er Jahre werden mit einem modernen Touch serviert. Die britische Vogue nimmt Meryl Streep auf ihr Cover, und widmet eine ganze Strecke den Kostümen von Consolata Boyle, die schon früher für The Queen jede Menge Jacken und Röcken in königlicher Länge entwarf.
Die Leser beobachten die Transformation von einer Skizze bis zum fertigen Look der in der Maske kaum wieder erkennbaren Meryl Streep, und klicken begeistert auf farfetch.com, wo es bereits blaue Zweiteiler à la Meryl von Margareth von Yves Saint Laurent und Christian Lacroix zu ergattern gibt.

Dressing the Iron Lady

Plötzlich wird Margaret Thatcher Fashion, Meryl Streep erarbeitet sich durch die Rolle den Titel des ältesten Covergirls. Und Harper’s Bazaar produziert eine Strecke mit Georgia May Jagger, wo die Tochter des Rockmusikers eine reinkarnierte Version von Thatcher auf dem Höhepunkt ihrer Kariere mimt.
Der Thatcher-Trend geht durch die Fashion-Editorials um die Welt, und es ist nun eine Frage der Zeit, bis ein cleverer Stylist einen Zweiteiler und eine Perlenkette auf Andrej Pejic wirft und die Strecke zum neuesten Coup in der Modegeschichte erklärt.

Zwei Industrien, die schon längst zusammen gehören -Film und Mode- haben eine effektive Marketing-Maschinerie in Gang gesetzt. Träume werden recycelt, Stars sind perfekte Models, und den Job eines Kostümbildners übernehmen jetzt Tom Ford (A Single Man ) und Paul Smith (Tinker, Taylor, Soldier, Spy).

A Single Man

Lange betrachtete Hollywood seine historischen Artefakte als eine Art „Industrieabfall“, die entsorgt werden – bis Mad Men kam und eine regelrechte Hysterie auslöste, die ein Revival der Vergangenheit in der Mode inspirierte. Alles dreht sich um eine Idealisierung der Vergangenheit, die angeblich besser war als eine Gegenwart, die fragmentiert und weniger strukturiert erscheint.

Kostümbildner bedienten sich gerne im Retro-Fundus, Mad Men-Stylistin Janie Bryant lancierte eine eigene Kollektion für den Shopping-Sender QVC und arbeitete mit Banana Republic zusammen, Trish Summerville designte die punkigen Looks von Lisbeth Salander in Verblendung, die es dann in ihrer eigens für H&M geschaffenen Dragon Tattoo Collection zu erschwinglichen Preisen gab. Tom Ford machte gleich einen ganzen Film zu seinem Laufsteg mit Colin Firth und Julianne Moore, und damit seine Mode zu einem Dauerrenner.
Der in London ansässige dänische Designer Peter Jensen widmete seine Ressort-Kollektion 2012 der Schauspielerin Meryl Streep und kreierte danach die Looks aus Klassikern wie Kramer vs. Kramer und Manhattan.

Manhattan (1979)

Peter Jensen

Dass Filme Looks kreieren und ihre Zeit prägen, ist bekannt, und alt wie das Zelluloid selbst. Doch die kommerzielle Vernetzung von Mode und Film scheint eine neue Wende zu nehmen.
Man kennt James Bond’s Autos und Uhren, die Manolos von Sex and the City´s Carrie, Produkt-Placement genannt; die andere Richtung – von der Mode zur Leinwand und in den Kleiderschrank – ist neu.

James Bond wears OMEGA

Nicht viele Kostümdesigner können gleich von der Karriere der Sex and the City-Stylistin Patricia Field träumen, die eine eigene Boutique in Manhattan hatte, bevor sie zum Film und später zum eigenen Label kam.
Aber viele lernen schnell einen Pakt mit der Modebranche zu schließen. Arianne Phillips, die Stylistin am Set von A Single Man und Kostümbildnerin von W.E. ist bereits Gast-Redakteurin auf shoescribe.com, einer Online-Plattform für Schuhe. Man kann erwarten, dass sie bald eine eigene Stilletto-Kollektion dort reviewen wird.
Und wenn man noch nichts vom Oscar-Preisträger Mark Bridges (The Artist) und seiner eigenen Linie gehört hat, wird sich das wahrscheinlich bald ändern, schließlich heißt seine Firma Eleven O`Clock Fashion Show.

Londons Design Museum hat ein gewisses Faible für Fashion: neben der MUJI Show zum Thema Nachhaltigkeit und Umweltkatastrophe Fukushima, öffnet am 3. April die Benetton-Ausstellung Happiness and Other Survival Techniques, die eine Sammlung aus der „Survival Guide Trilogy“ des COLORS Magazine präsentiert, das vom Zentrum für Kommunikationsforschung der Benetton Group Fabrica produziert wird.
Bereits 2007 stellten die Italiener alle Ausgaben des COLORS Magazine ebenso im Design Museum London aus, zusammen mit diversen Objekten des Benetton-Designs.

Jetzt wird die Ausstellung mit drei Benetton Icon Stores in London, Mailand und Barcelona verknüpft. Auf Benetton Live Windows – High-Definition Videowänden, die die Schaufenster in Screens verwandeln – werden Videos und Animationen aus der Ausstellung im Design Museum übertragen – und teilweise auch künstlerisch weiter interpretiert.

So sollen Benetton Icon Stores zu „einem internationalen Pol für Mode, Web-Kultur und Lifestyle“ werden, und Shopping in eine multimediale interaktive Erfahrung transferieren, die sich mit den drei Themen der Publikation DIE TRILOGIE VON COLORS: THE SURVIVAL GUIDES auseinander setzt.
Das Frühjahr 2012 steht ganz im Zeichen des Glücks („Happiness“).
Benetton erforscht die verschiedenen Zugänge zur Freude, zwischen Neurowissenschaft und Schönheitschirurgie, Prozac und Psychologie, und bietet „eine nützliche Anleitung zum Glück“.

Das wäre doch bitter nötig, denn das vorige Thema des COLORS war.. Shit. So hieß der Herbstband 2011, der sich dem Tabu-Bereich auf eine für Benetton typisch eigenwillige Weise widmete, und dessen heilende Wirkung – „die am meisten unterschätzte Ressource der Welt “ – predigte.
Angefangen hat die COLORS-Themenreihe im Sommer 2011 mit „Transport“ und erzählte Geschichten von Menschen, die erfindungsreiche, alternative und nachhaltige Lösungen für ihren eigenen Transport nutzen.

Eins muss man Benetton lassen – medienwirksam und markt-effektiv inszeniert der Konzern seine Kultmarke in dem großen Stil der Postmoderne, wo die Grenze zwischen Kunst und Schwindel immer unsichtbarer wird.

Happiness and other survival techniques
3.-13. April 2012
Design Museum
Shad Thames
London SE1 2YD
UK

Illustration: James Graham
Photo Transport issue: James Mollison for Colors