If Looks Could Kill war das Thema der diesjährigen Ausgabe des Fashion in Film Festivals in New York, welches vom 04. bis 13. Mai 2012 stattfand.
Eine Auswahl von 10 Filmen wurde an den beiden vergangenen Wochenenden gezeigt und thematisierte die Beziehung zwischen Mode, Film und Gewalt. Filmkostüme, Styling, die Kleidersprache als solche, und weitere visuelle Details, von gestohlenen Perlen, ein am Tatort hinterlassener Handschuh, der rote Lippenstiftabdruck bis hin zur postmodernen Gangstersilhouette illustrierten das Festivalthema.

If Looks Could Kill beinhaltete neben den Filmvorführungen auch einen Vortrag des bekannten Filmwissenschaftlers Tom Gunning über Kleidersprache, die visuelle Identität der frühen Filmkriminellen in der Stummfilmzeit, und eine Podiumsdiskussion mit der Kostümdesignerin Julia Polsca der amerikanischen Erfolgsserie The Sopranos, Lisa Padovani aus der Serie Boardwalk Empire und Shelley Fox, Professorin für Mode an der Parsons New School for Design.

Zu den Highlights der präsentierten Spielfilme gehörte der deutsche Stummfilm Asphalt von Joe May, mit Kostümen von René Hubert und der bezaubernden Betty Amann in der Hauptrolle.
Der Marlene Dietrich Film Desire von 1936, Casino von Martin Scorsese, Marnie von Alfred Hitchcock mit Kostümen von Edith Head und die HBO Serie Mildred Pierce mit Kate Winslet und Evan Rachel Wood in den Hauptrollen und Kostümen von Ann Roth.

Asphalt

Marnie

Casino

Mildred Pierce

Es war die dritte Kollaboration zwischen dem 2005 in London gegründeten Fashion in Film Festival und dem Museum Of The Moving Image. Das Museum organisiert das Festival zusammen mit dem Central Saint Martins College of Art und Design und der Fashion in Film Mitbegründerin und Kuratorin Marketa Uhlirova. An ihrer Seite standen in New York die Kuratoren David Schwartz und Christel Tsillbaris.

Weitere Informationen zum Fashion in Film Festival finden sich auf der Homepage www.fashioninfilm.com, das Programm der dritten Ausgabe in New York zu finden unter diesem Link.

Nach drei aufregenden und ereignisreichen Tagen in der Villa Noailles und drumherum, ging das 27te Festival der Mode und der Fotografie mit der Show am Sonntagabend am Strand von la Capte, südlich von Hyères zu Ende.

Backstage

Das Finnländische Trio Siiri Raasakka, Tiia Siren & Elina Laitenen hatte bereits beim ersten Defilé den meisten Applaus erhalten. Ihre bunte, laute und frische Menswear Kollektion mit der Intention, einfach Spaß an und mit der Mode haben zu wollen, überzeugte die Jury um Yohji Yamamoto. Die drei Freundinnen dürfen sich nun über den L’Oreal Professionnel Gewinn des Geldpreises von 15.000 Euro freuen. Zusätzlich erhalten sie die Möglichkeit im Rahmen der kommenden Pariser Fashion Week ihre Kollektion im Showroom zu präsentieren.

Siiri Raasakka, Tiia Siren & Elina Laitenen:

Der Premiere Vision Preis mit 10.000 Euro dotiert, wurde an die in Hamburg lebende Estländerin Ragne Kikas vergeben. Ihre skulpturale Womenswear Kollektion trägt den Titel: Dress Code Defensive. Bei den dunkel gehaltenen Outfits wurden drei verschiedene Stricktechniken verwendet: Smoking, Knitting Pleats und Cabble Stitch.

Ragne Kikas:

Der mit 15.000 Euro dotierte Chloé Preis ging an Steven Tai. Diese Entscheidung war keine wirklich große Überraschung, da bereits bei der Pressepräsentation am Freitagvormittag die Reaktionen der Vertreter rund um Chloé deutlich abzulesen waren. Chloé briefte die zehn Finalisten einen Monat zuvor per Mail einen Frauenlook zu kreieren, der leicht und feminin zu sein hat.

Steven Tai:

Auch die breite Öffentlichkeit wurde eingeladen, nach den Schauen für einen Publikumspreis abzustimmen. Hier gewann Lucas Sponchiado mit seiner Womenswear Kollektion Out of vacuum .

Lucas Sponchiado:

In der Kategorie Fotografie gewann die Kanadierin Jessica Eaton. Der erstmals vergebene LVMH Award ging an Florian van Roekel .

Somit geht nun eine überaus überraschend entspannte Veranstaltung zu Ende. Ragne Kikas zufolge ist der Wettbewerb in Hyères der beste in der Modebranche überhaupt. Doch wie ein Wettbewerb hat sich die Veranstaltung keineswegs angefühlt. Weder für die Finalisten selbst noch für die Fachbesucher. Daniel Hurlin bringt es knapp auf den Punkt „ Hyères ist eine wundervolle Stadt und die Villa Noailles ein ganz besonderer Austragungsort.“

Mit einer derart hochkarätigen Jury für die Kategorien Mode und Fotografie und mit ebenso hochkarätigen Gästen und Besuchern, viele aus Paris, England und Skandinavien meint man einem ernsten Publikum aus Einkäufern, Journalisten und weiteren Branchenkennern zu begegnen. Doch das Gegenteil ist der Fall:
In Hyéres hat man das Gefühl in eine Welt abzutauchen, die ein wenig langsamer läuft. Hier begegnet man freundlichen und lächelnden Menschen, die gezielt zu dem doch nicht ganz so leicht zu erreichendem Ort angereist sind.
Hier sei niemand ohne Daseinsberechtigung stimmt Harald Weiler vom Dash Magazine mit ein.
Auf diesem Festival stimmt einfach alles: die Menschen, die Location, die Organisation, das Klima, und während der finalen Abschlussparty freuen sich die Besucher, ein wenig traurig über das Ende der kurzweiligen Festivaltage, schon auf das nächste Jahr.

Mit jedem Treppenauf- und abgang, hinter jeder Tür und hinter jeder Ecke, hält die Villa Noailles eine Überraschung parat. Am Tag des Grand Opening, vor dem Beginn der vielen Exhibitions, liefen die 10 Designer auf Hochtouren. Während die Akkreditierungen stattfanden und sich die ersten Fachbesucher die Location auf sich wirken liessen, mussten sich die Designer der Jury präsentieren.

Im Garten liefen die Models entspannt herum, Hair-Make Up Artisten rauchten gemütlich Ihre Zigarette in der Sonne, die Designer gingen ihre Texte durch und waren auffälligerweise die einzigen, die nervös zwischen der entspannten Truppe umherliefen. Selbst das Team rund um Jean-Pierre Blanc liess sich durch nichts aus der Ruhe bringen.

In einem der vielen versteckten Gärten fand nun die Herausforderung statt, sich vor der elfköpfigen Jury zu präsentieren. Neben dem Jurypräsidenten Yohji Yamahoto sassen im weiteren: Marc Ascoli, Alan Blizerian, Terry Jones , Pascale Mussard, Olivier Saillard, Jules Wright, Paolo Roversi, Christophe Honoré, Irèren Silvagni und Karen Langley.

Im Anschluss daran musste sich jeder Designer vor dem Pressepublikum und den Partnern des Festivals erneut vorstellen. Es ist wohl überflüssig zu erwähnen, dass auch dieser Garten fast nur durch Zufall zu entdecken war. Neben der Präsentation der Kollektion wurde nun auch zum ersten Mal dem französischen Modehaus Chloé das Womenswear Outfit gezeigt, welches zu entwerfen war.
In diesem Jahr wurde erstmalig neben dem dotierten Preis von 15.000 Euro durch das Festival selbst ein Award von Chloé vergeben.

Überaus deutlich waren ihre Reaktionen abzulesen und ganz klar war hier Steven Tai als Favorit zu erkennen.

Hier im Kurzen einige erste Impressionen der 10 Finalisten:

Lucas Sponchiado

Lucas Sponchiado , Belgien, Women Collection
Seine Kollektion ist durch den englischen Kolonialstil geprägt. Die Metamorphose der Frau soll durch den kontrastreichen und architektonischen Look mit Lingerieaspekten dargestellt werden.

Lucas Sponchiado

Narelle Dore

Narelle Dore, Australien, Women Collection
Die in Makrameetechnik entstandene Kollektion soll die Identität von Elfen zeigen. Die Natur soll respektiert und die Frauen eins mit ihr werden.

Narelle Dore

Daniel Hurlin

Daniel Hurlin, Frankreich, Men Collection
Der französische Designer hat diese Kollektion eigens für das Festival entworfen. Inspiriert durch seine Japanreise nahm er Elemente wie die japanischen Farmershüte mit ein.

Daniel Hurlin

Paula Selby Avellaneda

Paula Selby Avellaneda, Argentinien, Women Collection
Die Kollektion setzt sich mit dem Schmelzen von Eisbergen auseinander. Weiter sollen die Farben und die Wirkung der Lichtreflexe den Eindruck vermitteln, dass die Sonne und der Mond zugleich am Himmel stehen. Einige Materialien leuchten im Dunkeln oder zeigen erst durch Blitzlicht reflektierende Eigenschaften.

Paula Selby Avellaneda

Jasmina Barshovi

Jasmina Barshovi, Schweiz, Men Collection
Die Kollektion namens „The Bird are silent“ soll in ihrem Layering Look Merkmale von Nostalgie, Emotionen und verschwommenen Erinnerungen vereinen.

Jasmina Barshovi

Maxime Rappaz

Maxime Rappaz, Schweiz, Women Collection
Der Designer ist fasziniert von der Architektur und hat diese Leidenschaft in seiner Kollektion ausdrücken und umsetzen wollen.

Maxime Rappaz

Ragne Kikas

Ragne Kikas, Estland, Women Collection
Die sehr dunkle gehaltene Kollektion besteht aus verschiedenen Stricktechniken. Die Silhouette und das Design entstehen erst beim Stricken und Nähen selbst. Kein vorheriges Planen oder Zeichnen.

Ragne Kikas

Elina Laitinen, Siiri Raasakka & Tiia Siren

Elina Laitinen, Siiri Raasakka & Tiia Siren, Finnland, Men Collection
Das Trio aus Finnland lernte sich beim Studium kennen und möchte Spaß in der Mode ausdrücken. Die unterschiedlichen Designerinnen zeigen eine sehr bunte und laute Kollektion die für Jungs und nicht für Männer sein soll. Passenderweise trägt die Kollektion den Titel „Rave Cultures“.

Steven Tai

Steven Tai, Kanada, Women Collection
Kurz und Knapp soll die Kollektion inhaltlich wie optisch einem Nerd entsprechen. Der Designer bezeichnet sich selbst als ein Nerd und verbrauchte für nur eine Hose circa 80 Meter Baumwollstoff.

Steven Tai

Kim Choong-Wilkins

Kim Choong-Wilkins, Großbritannien, Men Collection
Inspiriert durch Kinofilme wie Blade Runner und Braveheart zeigt die Kollektion einen futuristischen Look.

Kim Choong-Wilkins

Die Villa Noailles scheint das versteckteste Zentrum der Modewelt. Nach mehreren Rückfragen zum Weg und mit lückenhaftem Französisch begegnet man hier freundlichen und wohlgesonnenen Franzosen.
Von Hyéres aus fährt man durch das Labyrinth der Altstadt den Berg hoch und lässt dann das Auto doch stehn, um sich durch die schmalen Straßen und steilen Gassen zu Fuß weiter zu bewegen und den Weg nach oben zu finden.
Die unregelmäßig gepflasterten Wege sind das sichere Ende aller High Heels; mit flachen Schuhen und offenen Augen lassen sich jedoch wundervolle Details entdecken.

Im Festival International de Mode et de Photographie à Hyères präsenteren je 10 junge, internationale Modedesigner und Fotografen ihre Werke und der Interessierte schaut gespannt hin, wer zu dem Festival – 1985 von Jean-Pierre Blanc gegründet – pilgern wird.
Für viele Größen der Branche wie Viktor & Rolf oder Henrik Vibskov war das Festival ein Sprungbrett, und mit der Eröffnung lockt das renommierte Mode- und Fotofestival wieder mit zahlreichen Ausstellungen, Fashionshows, musikalischen Events und vielen weiteren Highlights.

Jurypräsident in diesem Jahr ist der legendäre Yohji Yamamoto und er setzt damit die Liste zahlreicher bekannter Designer fort, die das Komitee in den letzten Jahren geleitet haben.
Um nur einige zu nennen: Karl Lagerfeld, John Galliano, Jean-Charles de Castelbajac, Martin Margiela, Ann Demeulemeester, Dries van Noten und Raf Simons.

Auch die Partner des Events lassen großes erwarten. Darunter LVMH, L’Oreal, Premiere Vision, Mercedes Benz, Chloé und viele viele mehr.

Verglichen mit den Modeevents in New York, London, Mailand und Paris oder auch Berlin wirkt Hyères entspannt und in freudiger Erwartung auf die kommenden drei Festivaltage. Im Vorfeld konnte man beobachten, wie Liegestühle ihren Platz im Garten fanden und die letzten Vorbereitungsmaßnahmen stressfrei in die letzte Runde gingen.

Einige Blicke in die Ausstellungen konnten bereits erhascht werden und an vielen Stellen war der Zugang noch ganz unmöglich und ließ die Neugier weiter steigen.

Atemberaubend neben der beeindruckenden Villa ist der Ausblick auf die Dächer der Stadt zu Füßen und dem strahlend blauen Meer am Horizont. Man atmet zum ersten Mal in diesem Jahr sommerliche Luft ein, lässt sich auf einem der Liegestühle nieder, findet Kontakt zu den Designern, freut sich auf die vielversprechenden Conferences, und auf entspannte Besucher jenseits der hektischen Fashionweeks.
Kein Terminstress und Absperrzirkus. Das Festival ist nach dem Eröffnungswochenende für einen weiteren Monat für jeden zugänglich und kostenfrei.

Berliner Labels haben einen prägnanten Stil – ob lala berlin, Reality Studio, Nix oder Hien Le. In ihrer modischen Aussage sind sie verschieden, haben aber den „Berlin-Charakter“. Und dieser ist lässig, ungezwungen, und auf eine luxuriöse, durchdachte Weise einfach und tragbar. Neben den vielen Modedesignern in der deutschen Hauptstadt gibt es auch einige Wäschemarken, die sich fernab vom Mainstream bewegen. Aber stehen Labels wie blush, fishbelly, november lingerie und wundervoll auch für den Berliner Stil?
Diese Frage lässt sich nach einem Blick hinter die Kulissen der Labels und auf ihre Kollektionen beantworten.

Bei blush, der Eigenmarke des Dessousgeschäfts von Claudia Kleinert, ist seit zehn Jahren eine klare Linie zu erkennen: Seide, Tüll und etwas Spitze verarbeitet zu Triangel-BHs undschmeichelnden Panties, Babydolls und Kimonos in soften Farbtönen ergeben einen feinen femininen Look. Stadtbekannt wurde das Label allerdings durch seine provokanten Werbekampagnen, die immer in Bezug zu aktuellen gesellschaftlichen oder wirtschaftlichen Geschehnissen stehen – wie zum Beispiel im Januar im Zuge der Polit-Affäre um Ex-Bundespräsident Christian Wulff.

november lingerie

Inspiriert von dem blush-Look ist die Jungdesignerin Imke Hille und ihr Newcomer-Label november lingerie, das seit knapp einem Jahr am Markt ist. Imke Hille hat bei Blush gearbeitet, bevor sie mit ihrer minimalistischen Seiden-Lingerie und Jersey-Homewear startete. Die dezente Erotik ihrer unverblümten, meist unifarbenen Kreationen in untypischen Wäschefarben (Gelb, Blau, Schlamm) spricht Frauen an, die sich mit allzu offenkundiger Sexyness nicht identifizieren können und beim Wäschekauf auf Qualität und nachhaltige Produktion achten.
Die 28-jährige Designerin arbeitet darum ausschließlich mit Naturfasern aus Europa und lässt dort auch anfertigen.

wundervoll

Nachhaltigkeit ist auch beim Berliner Label wundervoll von CEO Mathias Jaschke von Bedeutung. Als eine der ersten Wäschemarken überhaupt arbeitete wundervoll bei seinen futuristischen und progressiven Modellen, die an den Kultfilm Barbarella mit Jane Fonda erinnern, mit der Maisfaser Biophyl, die besonders weich und geschmeidig ist. Wundervoll gilt als Geheimtipp in der Wäschebranche, kleine Concept Stores und namhafte Dessousboutiquen verkaufen das Label – auch in Asien.
Doch trotz der Vorreiterrolle und dem „Berlin Charakter“ gab Mathias Jaschke zu Ostern bekannt, dass wundervoll die Produktion aus wirtschaftlichen Gründen einstellt. Die aktuelle Sommerkollektion ist die letzte des Labels.

Isabell Matschke

Zwar hat die Berliner Wäscheszene mit wundervoll eine prägende Marke ihres modernen, zukunftsorientierten und eigenen Stils verloren, aber die potentiellen Nachfolger stehen schon in den Startlöchern. Drei ESMOD-Absolventinnen haben sich 2011 dazu entschieden, eigene Lingerie-Labels zu gründen.
Eine von ihnen ist die 23-jährige Isabell Matschke. Sie hat sich bereits zu Beginn ihres Studiums auf Lingerie spezialisiert. Ihr Ziel ist es, „Funktionalität und Sinnlichkeit bei der Wäsche zu verbinden“. In Cannes auf der Messe Maredimoda-Intimodimoda erhielt sie für ihre Debutkollektion „Im Labyrinth der Träume“ den begehrten The Link Award.
Isabell Matschkes Wäsche für das gleichnamige Label ist eine Verbindung sportiver Elementen, klarer Linienführung und dem Spiel mit breiten Bändern und Farbkontrasten. Dabei achtet sie auf qualitative Materialien wie Stretchseide und Öko-Mikrofaser.

Mary Oh!

Neu in der Branche ist auch Marie-Odile mit ihrem Label Mary Oh!. Sie näht zurzeit an ihrer ersten Kollektion, die aber dem Look ihrer Abschlussarbeit “Rock-Coco! Backstage with Marie-Antoinette” an der ESMOD treu bleibt. „Mary Oh! soll süß sein, aber auch frech; Wäsche für ein modernes Rockstar-Mädchen, das sich verträumt aber auch selbstbewusst gibt“, sagt die Designerin, die bei ihrer Kollektion die Frauen im Alter von 20 bis 30 im Blick hat, und ergänzt: „Mädels, die ein niedliches zur Lederjacke kombinieren, die Abenteuer suchen und weder Blümchen-BH noch Bombsell-Dessous mögen, mögen Mary Oh.“

Die Zukunft der Wäsche in Berlin ist also nicht ungewiss, sondern arbeitet fleißig an den ersten Entwürfen. Diese könnten dann in der Boutique Linierie in der Linienstraße in Mitte hängen. Das kleine Lingerie-Geschäft mit Sixties-Interior existiert seit einem Jahr und folgt dem Credo „Weniger ist mehr“.

Linierie Berlin

In der Linierie findet die Kundin keine roten Spitzen-Push-Ups oder Tangas mit Cut Outs. Die Inhaberinnen Sabine Kremke und Clara Brandenburg haben sich bewusst für Minimalismus und gegen die typischen Dessous-Klischees entschieden. „Wir reden lieber von Unterwäsche als von Reizwäsche“, sagen die beiden Frauen und erfreuen damit Kundinnen, die sich für Langleibigkeit, Wäsche aus Naturfasern, Baumwoll-Nachtwäsche und dezente Optik von Premiummarken wie Zimmerli und Hanro interessieren.

Très Bonjour

Der Gegensatz zur Linierie ist die Boutique von Très Bonjour in der Torstraße. Hier gibt es seit 2009 handgefertigte Latex-Lingerie & Accessoires von Viola Jäger und Sandra Dresp zu kaufen. Ihre recht zarten Kreationen erscheinen regelmäßig in Vogue, Elle und meinungsbildenden Modemagazinen. „Es war uns wichtig, das klischeebehaftete Material Latex aus der Fetisch-Ecke zu holen und in einen neuen eleganten Kontext zu bringen“, sagt Viola Jäger, die sich über die internationale Kundschaft in Berlin freut und auch schon Pop-Sängerin Kate Perry mit Très Bonjour eingekleidet hat.

Atelier Très Bonjour

Ihr Erfolg beweist, dass außergewöhnliche Konzepte in Berlin selbst eine Chance haben, aber auch über die Grenzen der Hauptstadt wahrgenommen werden und sich Fangemeinden aufbauen.
Das ist besonders wichtig, wenn Deutschland von Franchise-Konzepten und vertikalen Wäscheanbietern bevölkert wird. Auf die Frage, ob bei der Wäsche von Berliner Labels und Designern der gleiche einprägende, typische Berlin-Style zu erkennen ist, gibt es keine klare Antwort: Ja.
Denn Wäsche aus Berlin ist mit Herz gemacht, durchdacht, etwas eigenwillig aber durchaus tragbar und dabei immer progressiv – egal ob Baumwoll-Schlüpfer oder Latex-Korsage.

Den Namen Phoebe English sollte man sich merken. Die Gewinnerin des Merit Awards, welches vom Londoner Vauxhall Fashion Scout jede Saison an die wirklich vielversprechenden Design-Talente verliehen wird, und als Indikator für den nächsten großen Namen in der britischen Mode gilt, hat es geschafft: Ihre Herbst 2012 Kollektion wird im Dover Street Market verkauft, was einem Ritterschlag gleichkommt.

Eigentlich wollte die Central St Martins Absolventin Schauspielerin werden: “Einen Sommer lang sprach ich an allen möglichen Schauspielschulen in ganz Großbritannien vor, und keine hat mich angenommen. Also habe ich den Kurs an St Martins belegt, um überhaupt zu sehen wie es ist – und habe es nie bereut.”
Das dramatische Fach liegt Ms. English nahe, ihre Abschluss-Kollektion war von Gotik inspiriert und man sah im Herbst 2011 viel schwarz, lange Kleider, Federn, künstliches Haar, Leder und Gummi auf dem Laufsteg. English nannte es “deconstructed glamour”, und hat sich damit erst mal in die Liga der mutigen Trendsetter auf der Insel katapultiert, neben Henry Holland, David Longshaw und Pam Hogg.
“Es war aber nicht geplant – und mein Debut war auch eine Überraschung. Haare benutzte ich als Stoff, es hat eine wirklich interessante Oberfläche und ich liebe die Art und Weise, wie es sich bewegt.”

Kleider mit Haar-Vorhängen weckten English’ Interesse an der Textur, und ein Experiment mit Strick folgte und resultierte in hand-gehäkelten Haarsträhnen, die in die Gummi-Elemente eingebunden waren. Ein faszinierend komplizierter technischer Prozess für die Designerin – und eine garantiert spannende Show für die Profi-Besucher der London Fashion Week.

Ungewöhnliche Stoffe einzusetzen ist so etwas wie English’s Signatur, im Herbst 2012 experimentiert sie -neben Seide- mit viel Latex und kreiert dennoch mehr tragbare, feminine Kleider, die auch kommerziellen Erfolg versprechen.
Eine Strategie, die aufgeht: ihre Geschäftspartnerin Rose Easton, frühere Einkäuferin für den renommierten The Shop at Bluebird, platzierte English beim Dover Street Market, der erste und sicherlich nicht der letzte Deal der ambitionierten Businessfrau.
Phoebe English kann sich nun auf das Kreative konzentrieren. Sie hat ein neues Studio im Londoner East End, beschäftigt einen Schneider und zwei Praktikanten, und bastelt gerade an der neuen Kollektion. “Es ist eine große Verpflichtung, ein eigenes Label zu gründen”, sagt sie und fügt hinzu: ” Vielleicht sollte man solche Dinge machen, wenn man jung und naiv ist”.

British Vogue veranstaltet vom 20. – 21. April 2012 zum ersten Mal das Vogue Festival, einen öffentlichen Event mit Live-Acts, Filmen, Präsentationen, Vorträgen und Podiumsdiskussionen, mit Vertu als Hauptsponsor, die Großen der Branche sind bereits als Sprecher bestätigt, darunter Christopher Bailey, Tom Ford, Stella McCartney, Natalia Vodianova, Diane von Furstenberg und Matthew Williamson.
Themen wie Kombinierbarkeit der Männer- und Frauengarderobe oder Mode und Alter sind auf der Agenda, die weibliche Version des Starkochs Jamie Oliver, Journalistin und Kochbuchautorin Nigella Lawson wird über über Frauen und Essen sinnieren.

Die UK-Vogue Chefredakteurin und eine Buchautorin (Can We Still Be Friends) Alexandra Shulman, sagte, sie habe über das Festival für eine Weile nachgedacht: das Publikum sehne sich nach interaktiven Erfahrungen und Live-Events wären beliebter denn je: “Wir wollten soziologische Elemente in das Programm einbringen, um zu sehen wie sich die Mode mit der Welt, in der wir leben, überschneidet und verbindet”, erklärt sie den Vorsatz.

The Vogue Festival
20. – 21. April 2012
Royal Geographical Society, 1 Kensington Gore,
London SW7 2AR
Tickets ab £75

“I stand before you tonight in my Red Star chiffon evening gown, my face softly made up and my fair hair gently waved, the Iron Lady of the Western world.” Margaret Thatcher

Meryl Streep hat ihren dritten Oscar als die Eiserne Lady bekommen, Gary Oldman seine Anerkennung als Nicht-Schurke Hollywoods in John-le-Carré’s Verfilmung Dame, König, As, Spion, und Michelle Williams gibt eine fast perfekte Marylin.
Hollywood bedient sich gerne aus der Schatzkiste der Vergangenheit, und nicht nur auf der Leinwand sieht man plötzlich Zweiteiler aus Tweed, Broschen und Perlenketten sowie die karierten Sakkos, Krawatten und Beton-Frisuren im modischen Anmarsch.

Wer will sich nicht wie sein Lieblings-Filmstar kleiden – oder besser noch, wie eine Filmfigur? Die 20er, 60er und 80er Jahre werden mit einem modernen Touch serviert. Die britische Vogue nimmt Meryl Streep auf ihr Cover, und widmet eine ganze Strecke den Kostümen von Consolata Boyle, die schon früher für The Queen jede Menge Jacken und Röcken in königlicher Länge entwarf.
Die Leser beobachten die Transformation von einer Skizze bis zum fertigen Look der in der Maske kaum wieder erkennbaren Meryl Streep, und klicken begeistert auf farfetch.com, wo es bereits blaue Zweiteiler à la Meryl von Margareth von Yves Saint Laurent und Christian Lacroix zu ergattern gibt.

Dressing the Iron Lady

Plötzlich wird Margaret Thatcher Fashion, Meryl Streep erarbeitet sich durch die Rolle den Titel des ältesten Covergirls. Und Harper’s Bazaar produziert eine Strecke mit Georgia May Jagger, wo die Tochter des Rockmusikers eine reinkarnierte Version von Thatcher auf dem Höhepunkt ihrer Kariere mimt.
Der Thatcher-Trend geht durch die Fashion-Editorials um die Welt, und es ist nun eine Frage der Zeit, bis ein cleverer Stylist einen Zweiteiler und eine Perlenkette auf Andrej Pejic wirft und die Strecke zum neuesten Coup in der Modegeschichte erklärt.

Zwei Industrien, die schon längst zusammen gehören -Film und Mode- haben eine effektive Marketing-Maschinerie in Gang gesetzt. Träume werden recycelt, Stars sind perfekte Models, und den Job eines Kostümbildners übernehmen jetzt Tom Ford (A Single Man ) und Paul Smith (Tinker, Taylor, Soldier, Spy).

A Single Man

Lange betrachtete Hollywood seine historischen Artefakte als eine Art “Industrieabfall”, die entsorgt werden – bis Mad Men kam und eine regelrechte Hysterie auslöste, die ein Revival der Vergangenheit in der Mode inspirierte. Alles dreht sich um eine Idealisierung der Vergangenheit, die angeblich besser war als eine Gegenwart, die fragmentiert und weniger strukturiert erscheint.

Kostümbildner bedienten sich gerne im Retro-Fundus, Mad Men-Stylistin Janie Bryant lancierte eine eigene Kollektion für den Shopping-Sender QVC und arbeitete mit Banana Republic zusammen, Trish Summerville designte die punkigen Looks von Lisbeth Salander in Verblendung, die es dann in ihrer eigens für H&M geschaffenen Dragon Tattoo Collection zu erschwinglichen Preisen gab. Tom Ford machte gleich einen ganzen Film zu seinem Laufsteg mit Colin Firth und Julianne Moore, und damit seine Mode zu einem Dauerrenner.
Der in London ansässige dänische Designer Peter Jensen widmete seine Ressort-Kollektion 2012 der Schauspielerin Meryl Streep und kreierte danach die Looks aus Klassikern wie Kramer vs. Kramer und Manhattan.

Manhattan (1979)

Peter Jensen

Dass Filme Looks kreieren und ihre Zeit prägen, ist bekannt, und alt wie das Zelluloid selbst. Doch die kommerzielle Vernetzung von Mode und Film scheint eine neue Wende zu nehmen.
Man kennt James Bond’s Autos und Uhren, die Manolos von Sex and the City´s Carrie, Produkt-Placement genannt; die andere Richtung – von der Mode zur Leinwand und in den Kleiderschrank – ist neu.

James Bond wears OMEGA

Nicht viele Kostümdesigner können gleich von der Karriere der Sex and the City-Stylistin Patricia Field träumen, die eine eigene Boutique in Manhattan hatte, bevor sie zum Film und später zum eigenen Label kam.
Aber viele lernen schnell einen Pakt mit der Modebranche zu schließen. Arianne Phillips, die Stylistin am Set von A Single Man und Kostümbildnerin von W.E. ist bereits Gast-Redakteurin auf shoescribe.com, einer Online-Plattform für Schuhe. Man kann erwarten, dass sie bald eine eigene Stilletto-Kollektion dort reviewen wird.
Und wenn man noch nichts vom Oscar-Preisträger Mark Bridges (The Artist) und seiner eigenen Linie gehört hat, wird sich das wahrscheinlich bald ändern, schließlich heißt seine Firma Eleven O`Clock Fashion Show.

Es fällt schwer, den Stil von Anat Fritz zu beschreiben, die neben ihrer Mode auch eigene Parfums, Lampen und weitere Accessoires produziert.
Nach einfachen Anfängen mit Strickmützen hat sich die Modemacherin zu einer vielseitigen Produktdesignerin entwickelt, für die die Welt der Mode allein zu klein erscheint.
Mit dem Launch ihrer neuen Kollektion im eigenen Online-Shop hat Fritz nun ihren ersten (Pop-Up) Store im Berliner Prenzlauer Berg eröffnet, in dem neben ihrem regulären Angebot auch Special Editions angeboten werden.

Als nächstes folgt der “X-Mas Pop-Up Store”, vom 1. Oktober bis zum 24. Dezember 2012, ebenfalls in der Marienburger Strasse.

Anat Fritz Online Shop

Anat Fritz Pop-Up Store
03.04. – 16.05.2012
01.10. – 24.12.2012
tgl 12 – 20 Uhr
Marienburgerstrasse 27
10405 Berlin

Londons Design Museum hat ein gewisses Faible für Fashion: neben der MUJI Show zum Thema Nachhaltigkeit und Umweltkatastrophe Fukushima, öffnet am 3. April die Benetton-Ausstellung Happiness and Other Survival Techniques, die eine Sammlung aus der “Survival Guide Trilogy” des COLORS Magazine präsentiert, das vom Zentrum für Kommunikationsforschung der Benetton Group Fabrica produziert wird.
Bereits 2007 stellten die Italiener alle Ausgaben des COLORS Magazine ebenso im Design Museum London aus, zusammen mit diversen Objekten des Benetton-Designs.

Jetzt wird die Ausstellung mit drei Benetton Icon Stores in London, Mailand und Barcelona verknüpft. Auf Benetton Live Windows – High-Definition Videowänden, die die Schaufenster in Screens verwandeln – werden Videos und Animationen aus der Ausstellung im Design Museum übertragen – und teilweise auch künstlerisch weiter interpretiert.

So sollen Benetton Icon Stores zu “einem internationalen Pol für Mode, Web-Kultur und Lifestyle” werden, und Shopping in eine multimediale interaktive Erfahrung transferieren, die sich mit den drei Themen der Publikation DIE TRILOGIE VON COLORS: THE SURVIVAL GUIDES auseinander setzt.
Das Frühjahr 2012 steht ganz im Zeichen des Glücks (”Happiness”).
Benetton erforscht die verschiedenen Zugänge zur Freude, zwischen Neurowissenschaft und Schönheitschirurgie, Prozac und Psychologie, und bietet “eine nützliche Anleitung zum Glück”.

Das wäre doch bitter nötig, denn das vorige Thema des COLORS war.. Shit. So hieß der Herbstband 2011, der sich dem Tabu-Bereich auf eine für Benetton typisch eigenwillige Weise widmete, und dessen heilende Wirkung – “die am meisten unterschätzte Ressource der Welt ” – predigte.
Angefangen hat die COLORS-Themenreihe im Sommer 2011 mit “Transport” und erzählte Geschichten von Menschen, die erfindungsreiche, alternative und nachhaltige Lösungen für ihren eigenen Transport nutzen.

Eins muss man Benetton lassen – medienwirksam und markt-effektiv inszeniert der Konzern seine Kultmarke in dem großen Stil der Postmoderne, wo die Grenze zwischen Kunst und Schwindel immer unsichtbarer wird.

Happiness and other survival techniques
3.-13. April 2012
Design Museum
Shad Thames
London SE1 2YD
UK

Illustration: James Graham
Photo Transport issue: James Mollison for Colors

Die Modeszene ist um ein neues It-Girl reicher. Lange blonde Haare, stylisches Outfit, auffällige Accessoires, High-Heels und Vollbart.
Der Amerikaner P’Trique sorgt in den letzten Wochen für Furore, indem er die Fashionwelt auf wundervolle Weise parodiert.
In Sekundentakt haut der 31-jährige Weisheiten von sich, die nicht konstruiert wirken. Die Crew um P’Trique kennt sich aus und weiß wovon sie spricht.
Hinter der exzentrischen Kunstfigur steckt der Comedian Patrick Pope und das aus einer Prosecco-Laune entstandene Video erreichte auf Youtube mittlerweile über eine Million Klicks.

Sh*t Fashion Girls Say…at New York Fashion Week!

Weitere Videos auf der Grundlage vom Original Sh*t Girls Say von Kyle Humphrey & Graydon Sheppard folgten und es scheint sich ein Kult um P’Trique zu entwickeln.
Während der New Yorker Fashion Week stürzten sich die Fotografen um die bärtige Fashionista und Einladungen zu Shows sind sicherlich nicht mehr weit entfernt. Erkennen sich doch die meisten in P’Trique wieder und können für einen Moment auch über sich selbst lachen: c’est chiiic.

Alle Videos zu Sh*t Fashion Girls Say laufen auf dem YouTube Kanal The Platform.
Sh*t Fashion Girls Say #2
Sh*t Fashion Girls Say … at New York Fashion Week! #3
Anna Wintour vs. P’Trique Stare Off

Anita Krizanovic

“Wer schön sein will, muss leiden” ist eine gängige Binsenweisheit im deutschsprachigen Raum, das englische Pendant “beauty knows no pain” negiert zwar den Leidenspart, bedeutet aber letztendlich dasselbe: Schönheit und Schmerz sind eng miteinander verknüpft. Die Mode, insbesondere aber die Modefotografie, zehrt häufig vom Spannungsverhältnis zwischen Leid und Schönheit, vom Hingezogen- und Abgestossensein des Betrachters, von Begehren und Selbstprojektion, vom Erwecken von Verlangen und dem Traum von einem besseren Leben durch einen schöneren Körper.

Seit jeher verändern Menschen ihre Körper im Namen der Schönheit: Tätowierungen, Skarifizierungen (Scarrings) oder Lippenteller und Piercings bei afrikanischen Völkern und Stämmen, das Feilen und Schwärzen von Zähnen, das vermeintliche Strecken des Halses durch Halsringe, die Tradition des Lotosfußes, erzielt durch Footbinding, bei einigen asiatischen Völkern, bis hin zum High Heel und Korsett der westlichen Kultur – überall werden und wurden langwierige und schmerzhafte Prozeduren ertragen, um die individuelle Schönheit zu steigern.

Fotos via und via

Um die letzte Jahrhundertwende, zum Zeitpunkt des Aufkommens der Modebranche im heutigen Sinne und etwa zeitgleich mit der Abschaffung des Korsetts, begann sich das Schönheitsideal zu wandeln. Von der blassen Schönheit, aufgrund des Eingeschnürtseins meist kränklich und kaum im öffentlichen Raume aktiv, begann Schönheit mit Aktivität und Vitalität assoziiert zu werden. Tennis, Schwimmen und Golf, sowie Autofahren und Tanzen wurden zu Freizeitaktivitäten, an welchen nun auch Frauen teilnehmen konnten. Dennoch war eine schmale Silhouette weiterhin das Ideal. Da nun das Korsett nicht länger den perfekten Körper vorgaukeln konnte, kamen Diäten und körperliche Ertüchtigung in Mode.
Die Verfügbarkeit von und der Anstieg von Werbeanzeigen für Kosmetikprodukte zur selben Zeit deutet auf eine veränderte Wahrnehmung der Manipulierbarkeit des eigenen Körpers hin. Während Make-up vorher nur sogenannten “demi-mondaines”, Schauspielerinnen und Prostituierten vorbehalten war, konnten nun alle Frauen stärker Einfluss auf ihr Äußeres nehmen.

Der schöne Körper blieb aber weiterhin der disziplinierte Körper, es hatte sich lediglich die Methode, diesen zu erreichen, geändert. Heute dominieren noch immer diese Mittel der Körperkontrolle, wenn auch weitere hinzugekommen sind. Schönheitsoperationen machen es möglich, den Körper nach eigenen Wünschen neu zu modellieren und gestalten. Scheinbar endlos sind die Möglichkeiten, den Körper zu zähmen, zu kontrollieren, zu perfektionieren.

Fotos via und via

Die Mode gibt dabei der Schönheit stets den Rahmen vor. Was früher Gemälde mythischer Schönheiten oder Statuen griechischer Göttinnen waren, nämlich Bildnisse körperlicher Perfektion, übernehmen heute Modemagazine mit ihren Versprechen des erreichbaren Glücks durch Konsum. Die Traumwelten, die die Mode in Editorials und Werbeanzeigen für die Massen zeichnet, scheinen stets nur ein paar Kilo oder eine Nasenkorrektur entfernt.

Doch selbst die Schönsten der Schönen kommen nicht ohne Leid aus. Models, die Personifizierung der Schönheit, leiden vor und hinter der Kamera für ihren Beruf. Stundenlanges Warten, Casting-Marathons, Einsamkeit, Körperpflege wie Waxing oder das Zupfen der Augenbrauen, sowie strenge Diäten und Sport sind ein Teil des Modellalltages, der zum Großteil verborgen bleibt.
Sobald gebucht, geht das Leiden weiter: stundenlanges Sitzen in der Maske, tränende Augen vom vielen Make-up, Schlafmangel während der internationalen Modewochen, laufen in zu engen Schuhen oder anstrengende Posen vor der Linse des Fotografen.
Das Resultat, die gelungene Modenschau oder das Editorial in der Zeitschrift erzählt von all dem nichts, negiert also die Anstrengungen und Schmerzen – für das ewig Schöne, den perfekten Moment.

Fotos: James Casalena

Wenn auch die Essenz der Schönheit bisher weder von Philosophen, noch von Wissenschaftlern eindeutig ausfindig gemacht und definiert werden konnte, bleibt doch festzuhalten, dass sie zweifelsfrei existiert, abhängig von Kulturkreis und einem zeitlichen Wandel unterworfen ist. Eine Konstante der Schönheit jedoch scheint von Alters her der Schmerz zu sein.

Julien Archer ist der Gewinner der Fusion Fashion Show 2012 , eine jährlich stattfindende Modenschau, in welcher die führenden Modeschulen New Yorks, Parsons und FIT, ihre Kräfte, soll heißen die Kreativität ihrer Studenten, messen. In ihrem 13. Jahr, nachdem jede Schule sechs Mal den Titel nach Hause getragen hatte, ging in diesem Jahr Parsons mit der Kollektion Julien Archers wieder in Führung.

Der gerade im zweiten Jahr seiner Ausbildung befindliche Jungdesigner Archer, geboren in Richmond, Virginia, begann mit 11 Jahren Kleidung zu designen. Seine Kollektion, die stark an japanisches Design wie das von Yohji Yamamoto oder Issey Miyake erinnert und auch in japanischen Zen-farben rot, schwarz und weiß gehalten ist, zeigt sein Können im Bereich Minimalismus und Drapierkunst.

Für seine Kollektionen lässt Archer sich von Personen in Gemälden inspirieren, und filtert aus ihnen das, was er für zeitlos erachtet, heraus. Die Beziehung zwischen Modell und Künstler spielt dabei ein große Rolle für ihn, doch auch Tragekomfort und praktische Erwägungen wie Taschen fließen in seine Kreationen mit ein.
Drapierungen und qualitativ hochwertige und natürliche Materialien beeinflussen seine Silhouette, die, wie er sagt, so natürlich und zeitlos wie möglich sein soll.
Als seine Designvorbilder nennt er den späten Cristobal Balenciaga, Yohji Yamamoto und Ann Demeulemeester.

Nach seinem Abschluss am Parsons will er sich mit seinem Label selbständig machen – und nach dieser Kollektion im zweiten Ausbildungsjahr zu urteilen, wäre es keine Überraschung ihn in den nächsten Jahren beim CFDA Award wieder zu sehen.

Marc Jacobs zählt zu den einflussreichsten Modedesignern der Gegenwart. Für Louis Vuitton brachte er kürzlich Fetisch-Anleihen auf den Runway, bei seinem eigenen Label setzt er auf eleganten Chic mit femininen Details.
Kaum einer versteht es wie er, Glanz und Glamour tragbar zu inszenieren und mit amerikanischer Lässigkeit zu kombinieren.
Dieser stilistische Spagat ist dem sportbegeisterten Designer auch bei der Beachwear seines jungen Labels Marc by Marc Jacobs gelungen, das es jetzt auch in Deutschland zu kaufen gibt.

Im Kontrast zu seiner cleanen Frauenkollektion für den Sommer 2012 ist die Swimwear recht verspielt ausgefallen: Sportive Streifen treffen auf exotische Blumen und wilde Punkte – ein Mustermix der sich in den Farben des Regenbogens präsentiert. Für den Trip nach Mexiko oder Brasilien eignet sich der Triangel-Bikini aus der Serie “Merida Stripe” in leuchtendem rot-blau-lila-Dessin.
Das Highlight: Träger und Bänder in luxuriöser Goldoptik mit kleinen Anhängern. Für den Stopp an der Strandbar gibt es entweder das passende Kleidchen oder einen gemütlichen V-Neck-Pullover.
Blickfang der jugendlichen Kollektion ist der sportlich anmutende Badeanzug der Linie “Simone Stripe” in den Farbvarianten Creme oder Pink: Der locker in der Taille gebundene Kimonogürtel zum Wenden verleiht dem Badeanzug einen Hauch von Extravaganz.

Dass sich zu moderner Mode auch Retro-Reminiszenzen gesellen, ist bei Jacobs nicht ungewöhnlich. Seine Hommage an das glamouröse Strandleben von Brigitte Bardot und Entourage in den Fünfziger Jahren an der Côte d’ Azur zeigt er mit High-Waist-Schnitten mit schmalem Taillengürtel und niedrigem Beinausschnitt zum knappen Bandeau-Oberteil. Feminine Rüschen und florale Muster, die auch in der aktuellen Kollektion von Jacobs zu sehen sind, sorgen für das stimmige Design.
Der hierzu passende Badeanzug mit Volant-Details, einem Taillengürtel und verspielten Seiten-Raffungen in Zitronengelb runden den Retro-Look ab und schlagen eine Brücke zwischen dem New Yorker Catwalk zu den Stränden dieser Welt.

Alltag im französischen Couture-Haus Hermès: Ein Lederrest fällt beim Zuschnitt vom Sattlertisch, ohne Verwendung in der Taschenfertigung zu finden. Gleichfalls reicht eine Glasblase in einem Kristallglasfuß oder ein winziger Makel an einem Seidentuch, um das Stück auszurangieren, da es dem hohen Qualitätsanspruch von Hermès nicht mehr genügt.
Wohin nun mit Leder, Porzellan, Rosshaar, Seide, Frottee, Verschlüssen?

Hermès hat eine Lösung gefunden: Im hauseigenen Kreativlabor Petit h wird der Mode-Rest von Birkin Bag & Co zu Kleinkunstwerken neu zusammengefügt. Bei “Petit h” arbeiten ein Sattler, eine Schneiderin, ein Möbeltischler, ein Silberschmied und Glas-/Porzellanarbeiter in einer Werkstatt kreativ und handwerklich zusammen, um aus den Luxusabfällen kostbare Kleinkunstwerke zu kreieren.
Hier entstehen Unikate wie ein Koffer aus Krokodilleder, der in sich fantasievolle Pop-up Skulpturen aus Leder birgt, eine mit Seiden-Carrés überzogene Kommode, die für jeden Wochentag eine eigene Schublade bereit hält und gleichzeitig als Raumteiler dient oder ein fast lebensgroßer Lederhirsch, auf dessen Geweih sich ein farbenprächtiger Vogel niedergelassen hat; diese “Wiedergeburten” werden bei Hermès “UPO’s”- Unbekannte Poetische Objekte- genannt.
Und das, weil ihre Entstehung einen philosophischen Hintergrund hat: Die Re-Kreation. Was bedeutet: Aus alt wird neu, aus Tradition wird Zukunft.

Seit 2009 gibt es nun schon das Kunstprojekt im Hause Hermès, initiiert von Pascale Mussard, Mitglied der sechsten Generation der Hermès-Familie. Seit ihrer Kindheit trägt Pascale Mussard den Spitznamen “Nicht-wegschmeißen-das-kann-man-irgendwann-noch-gebrauchen”. Darum liegt ihr das Projekt am Herzen und sie hat eine klare Vorstellung für dessen Zukunft: Externe Künstler sollen an den Projekten verstärkt mitarbeiten, dabei soll der unverkennbare Hermes-Stil bewahrt, aber neu interpretiert werden. Frei, ungezwungen, extravagant.

Die Kunstwerke entstehen unabhängig von Saisons und Kollektionsvorstellungen; sie werden anlässlich besonderer Verkaufsveranstaltungen für eine kurze Zeit in einer Hermès-Boutique präsentiert und ziehen dann, wie eine Karawane, mit zwei bis drei Stationen pro Jahr durch die Hermès-Boutiquen der ganzen Welt.

Ab dem 24. April bis zum 12. Mai 2012 sind die Kunstwerke in Berlin im Store Ku’damm zu bewundern und zu kaufen. Mit dabei: Ein Lampen-Mobile aus Porzellan, extravagante Buchstützen, eine Wanduhr in Taschenform, eine Origami-Skulptur des Berliner Bärens in Hermès-Orange.

Petit h Objekte für Berlin
Wochenschrank :
Semainier en veau togo et carré de soie
Material: Togo Leder, Carré de soie Concours d’étriers
Designer : Christian Astuguevieille
Photographer : Vincent Leroux

Origami Bär :
Ours origami en veau togo
Designer: Charles Kaisin
Photographer: Coco Amardeil

Kuckucksuhr:
Sac Coucou Kelly en veau epsom
Creation by petit h
Photographer: Coco Amardeil

Buchstütze :
Press Book en cristal et veau kenya
Designer: Marina Chastenet
Photographer: Coco Amardeil