Deutsche Mode ist lange kein Oxymoron mehr, und doch lebt sie mit einem Komplex, der schwer zu beheben scheint: deutsche Mode, insbesondere ihre Hauptstadt Berlin, vergleicht sich zu gerne mit anderen und scheitert daran nur zu oft.
Zu klein fühlt sie sich, zu unbedeutend, zu jung und überhaupt fragt sie sich, ob sie denn eine Daseinsberechtigung habe, bei all den großen Vorbildern. Dass sie sich aber gar nicht verstecken braucht, zeigt der Band German Fashion Design (1946-2012) , erschienen im Distanz Verlag, der einmal auflistet, worauf Deutsche Mode stolz sein kann. Und das ist eine ganze Menge.

Modefotografien aus sieben Jahrzehnten belegen deutsche Modegeschichte verschiedenster Spielart, sei es der New Look nach Kriegsende, Techno-Chic der Neunziger oder Sportmode von Adidas und Puma. Von Jil Sander über Hugo Boss, bis hin zu den aktuellsten Nachwuchsdesignern vereint.

Judy Dent in Heinz Oestergard, F.C. Gundlach, Berlin 1962

Püppi Döhler in Staebe- Seger, F.C. Gundlach, Berlin 1956.

MIt Texten von Christiane Arp, Jan Joswig, Cathy Boom, Inga Griese, Klaus Stockhausen, Alfons Kaiser, Tillmann Prüfer, Melissa Drier und vielen weiteren deutschen Modeautoritäten ist German Fashion Design nicht nur ein schön anzusehender Bildband, sondern auch eine Sammlung modetheoretischer und -kritischer Texte, vor allem aber ein sehr vollständiges Who is Who der deutschen Mode.

Wenn eines während der vergangenen Fashion Week laut wurde, so ist es der Ruf nach mehr Geduld. Rom wurde nicht an einem Tag erbaut und Paris, Mailand, New York wurden nicht über Nacht zu Modestädten. Es sind historisch gewachsene Strukturen, die diese Städte, diese Länder, fest in der Mode verankern. Strukturen, die in Berlin und Deutschland zu oft niedergerissen, klein gehalten oder zerstört wurden.
Berlin kann und muss wachsen, und, so zeigt dieser Bildband sehr eindrucksvoll, es hat durchaus starke Wurzeln.

Ralph Mecke für Vogue. Kleid: Rena Lange

Finale der Herbst/Winterschau 2011/12 von Kaviar Gauche.

German Fashion Design (1946-2012)
Distanz Verlag
Herausgeber: Nadine Barth
Deutsch / English
Format; 24 x 30 cm
320 Seiten, gebunden. Zirca 200 Farbaufnahmen
ISBN: 978-3-942405-26-3
Preis: 44.00 €

Wenn man sich für Magazine interessiert, ist das Buch Turning Pages - Editorial Design for Print Media des Gestalten Verlags unverzichtbar und eine wertvolle Ergänzung des Bücherregals. In diesem Übersichtswerk präsentieren bekannte internationale Editorial Designer ihre Publikationen und kommentieren den Entwicklungsprozess von Konzept, Design und Produktion.

Trotz der Tatsache, dass heute Medien mehr denn je digitalisiert sind, unterstreicht dieses Buch die fast kontraintuitive Tatsache, dass “das goldene Zeitalter von Printmedien tatsächlich jetzt ist”.
Andrew Losowsky macht dafür ein gutes Argument in der Einleitung des Buches.

Tony Chambers, Editor in Chief, Wallpaper* zur Rolle der Artdirektoren:
“In today’s information saturated world, succinct visual communication is becoming more and more important. So the role of the designer (art director) is perhaps superseding that of the editor as the person who actually molds the magazine. Add to this the ever increasing commercial pressures and fierce competition and the editor’s role is becoming more and more about how to protect and drive business.”

Dieses Buch feiert alles Visuelle: es ist ein Fest fürs Auge sowie Enzyklopädie.
Fans von Kultmagazinen werden sich in dieses Buch verlieben.

Turning Pages
Editorial Design for Print Media
Herausgeber:
R. Klanten, S. Ehmann
September 2010
Englisch
Format: 24 × 30 cm
272 Seiten, Hardcover

Katie Rose

In Kürze launcht das vom Berliner PR-Agenten Arne Eberle und Team gegründete Magazin-Projekt “OE” (ausgesprochen: “Ö”). Die Zeitschrift mit einem Umfang von ca. 180 Seiten, 10 Editorials ist dabei neben der üblichen Werbungsakquise einen interessanten Weg gegangen, um die Finanzierung zu sichern:
Für den Restbetrag von ca. 3500 Euro zur Realisierung bediente man sich des Crowd-Funding auf der Plattform wefund, die es ermöglicht, unkompliziert Geld für derartige Projekte zu sammeln.

In rerlativ kurzer Zeit wurde das Ziel sogar übererfüllt, mit derzeit zugesicherten ca. 3900 Euro steht der Veröffentlichung nichts mehr im Wege, die 120 backers erhalten je nach gespendeter Summe von einer Erwähnung in der Zeitschrift bis zu einem grösseren Geschenkpaket.

Im Mai 2011 erscheint ein Buch mit dem Titel Visual Research Methods in Fashion bei Berg Publishers. Autorin ist Julia Gaimster, Leiterin der Abteilung für eLearning am Londoner College of Fashion.
Durch viele Interviews mit Personen und Größen der internationalen Modeszene aus den Bereichen: Trendforschung, Blogging, Illustration, Photographie oder Marketing bereitet sie den Inhalt zum Thema Visual Research“, dem Prozess der Kreativität, auf; dabei behandelt sie etwa die Herangehensweise an Methodik und Inspiration für Mode, oder lässt Könner wie Filep Motwary Tipps und Tricks zum Erfolg in der Modebranche verraten.

In den Worten Julia Gaimsters: “I wanted to write a book that was really practical, that was relevant to contemporary practice in the fashion industry and helped people to navigate the maze of information that is now available. It is designed to provide strategies and tools to identify useful and valid sources of visual information, to analyse it, store it and retrieve it. The book reflects twenty years of my experience as an educator in fashion and will be useful to students, researchers or anyone working in the industry that wants to become more strategic in the way they manage the visual research process. I have been very lucky to have professionals like Filep who have agreed to share their expertise and make the project possible.

Visual Research Methods in Fashion
Julia Gaimster
Berg Publishers
Veröffentlichung Mai 2011
352 Seiten, mit mehr als 150 Illustrationen

via un nouveau iDeal

Seit Januar gibt es in Ungarn das neue Fashion Magazin namens Lack zu kaufen, dass durch sein spezielles Cover- und Umschlagdesign auf sich aufmerksam macht: 2 Klappen am Einband lassen sich nach außen falten, um so das Magazin als eine Art Täschen zu transportieren.
Idee und Graphik stammen von Kiss Miklos, einem 29-jährigen Designer.

Mit dem Konzept musste er zum einen die Gestaltung der in der Regel hochformatigen Zeitungen komplett neu andenken, im Querformat, und er hat zum anderen eine eindeutige Konnotation zum Thema Mode geschaffen.

Claudia Oberaigner

Michelle Obama eine Alltagsikone zu nennen, ist an sich schon mutig, hat die Frau doch ein Harvard Studium hinter sich und ist die erste schwarze First Lady of the United States. Dennoch ist Everyday Icon – Michelle Obama and the Power of Style der Titel von Kate Betts Buch über den Stil der FLOTUS.

Ob sie zur Amtseinführung die Kreation einer Jungdesignerin mit Immigrationshintergrund trägt, oder zum TV-Interview ein Stück von H&M, die Kleiderwahl der Michelle Obama wird in den Medien exzessiv besprochen. Ihr Einfluss auf die Mode und ihre Macher ist weithin spürbar. Sie scheint eine lang erwartete Inspiration für eine Generation junger Designer zu sein, die darauf hoffen können, von ihr getragen zu werden.
Die Kombination ihrer amazonenhaften Erscheinung, ihrer Präsenz und ihrer Intelligenz, macht Michelle Obama zu einer Hoffnungsträgerin nicht nur für viele junge schwarze Frauen und Immigranten/innen, sondern auch zu einer Muse für Modemacher/innen.

Michelle Obama Everyday Icon – Vom Sketch zum Outfit

Gleichzeitig steht Michelle Obama auch im Schussfeld der Kritik: darf eine First Lady solch muskulöse Oberarme zeigen? Darf sie in Shorts in den Urlaub fliegen? Darf sie europäische Designer tragen, speziell in einer so schwierigen Zeit für die Amerikanische Wirtschaft? Die First Lady stand immer schon im Fokus der Medien, besonders für ihren Stil und ihre Manieren. Fashion Faux Pas der Präsidentengattin sind begehrte Publikums-Catcher.
Doch die Kritik an Michelle Obama gehe darüber hinaus, sie werde zu oft für ihren Körper, nicht für ihren Stil kritisiert, heißt es auf einigen Blogs, es erinnere schon an das rassistische Erbe der Maßregelung schwarzer Körperlichkeit.
Niemand habe das Recht, Frauen, insbesondere schwarze Frauen, in ihrer optischen Erscheinung einschränken zu wollen und die Medien gingen in dieser Hinsicht zu weit.

Ausserdem wird argumentiert, dass sie als Modewirtschaftsfaktor von unschätzbarem Wert sei, und als Repräsentantin einer ganzen Nation diese auch vertrete, so dass ihre modischen Entscheidungen bisweilen nicht nur unter ästhetischen Gesichtspunkten hinterfragt werden:
Alles in allem der Stoff, aus dem “Fashion Drama ist.

Michelle Obama – the right to bare arms

Das Buch von Kate Betts beleuchtet viele schon jetzt beinahe legendäre Outfits der First Lady Michelle Obama, wie das Inaugurationsensemble in limettengrün von Isabel Toledo oder das weiße, paillettenbestickte Abendkleid von Jason Wu. Es behandelt auch Michelles Vorliebe für Cardigans, ihre Hingabe zu Accessoires und ihre mutige Farbwahl.
Dabei hat Betts es jedoch versäumt, mit der Protagonistin selbst zu sprechen. Es finden sich keine Stellungnahmen von Michelle selbst in dem Buch, kein Interview, keine selbst formulierte Intention der First Lady über ihren Stil und dessen Aussage.

Ob Michelle Obama nun einen neuen, weiblicheren Feminismus oder doch ein rückwärts gewandtes Rollenverständnis als “Mom-in-Chief” propagiert, dies zu entscheiden bleibt Jedem selbst überlassen.
Fest steht: es weht ein anderer Wind im Weißen Haus in Sachen Stil, den zu beobachten sich lohnt – und Kate Betts hat ihn anschaulich zusammengefasst: “Hillary Clinton’s intelligence dressed in Jackie Kennedy’s clothes”

Barbara Russ

Everyday Icon. Michelle Obama and the Power of Style
Kate Betts
Clarkson Potter/ Publishers, New York
256 Seiten
englisch

Am 28.02. gibt sich einer der interessantesten zeitgenössischen (Mode-)Fotografen, David LaChapelle, im Berliner TASCHEN Store die Ehre.
Anlässlich der Jubiläumsausgabe von Heaven to Hell, dem dritten Band einer TASCHEN-Buchtrilogie, steht er ab 18 Uhr für ein Book Signing zur Verfügung.

David LaChapelle Book Signing
28.02.2011
18.00 Uhr
TASCHEN Store Berlin
Friedrichstr. 180-184
10117 Berlin
Anmeldung unter: store-berlin@taschen.com

LaChapelle, Heaven to Hell
David LaChapelle
Hardcover, 25.9 x 33 cm,
352 Seiten
EUR 29.99
ISBN 978-3-8365-2284-7
(deutsch, französisch, englisch)

Buchcover “Berliner Chic”

In einer umfassenden Bestandsaufnahme des Berliner Stils von damals bis heute haben Susan Ingram und Katrina Sark mit Berliner Chic ein Buch veröffentlicht, an dem keiner, der über das heutige Berlin und seine Mode sprechen will, vorbeikommt.

Beginnend mit der Verortung des Berliner Chics in der Moderne, in seiner “arm aber sexy”- Ästhetik, und der Frage, warum diese den Facettenreichtum der Stadt so vortrefflich auf den Punkt bringt, zeigen die Beiden Autorinnen Berlins Einzigartigkeit unter den Metropolen der Welt auf. Berlin sei nicht die Stadt der Liebe, auch wenn sie der Geburtsort der Love Parade ist, sondern die Stadt der “tough love”, der Peitschen, Ketten und Riemen – kurzum: die Stadt der Moderne und ihre Mode die der Industrialisierung.

Museumsinsel Berlin

Die Entwicklung der Museen unter preussischer Herrschaft, die Gründung der Lipperheideschen Kostümbibliothek, der Widerstand gegen normative Kunstverständnisse sowie die Entwicklung der Modefotografie in beiden Teilen Berlins tragen bis heute zum Selbstverständnis der Stadt als wertvolles Kulturerbe bei.

Berlin Friedrichstraße – Heinrich Zille ca. 1900

Fotografen und Wahlberliner wie Newton, Lindbergh, Zille und Gundlach prägen bis heute mit ihren ikonischen Fotografien Berlins die dunkle Romantik und den industriellen Charme, der mit Berlin assoziiert wird. Der modische Ruf der Stadt, die immer im Werden begriffen ist, entwickelte sich jedoch nicht nur aufgrund von Straßen- und Modefotografie – auch bewegte Bilder, Filme der UFA, DEFA und des Studio Babelsberg, speziell aber die weiblichen Botschafterinnen der Stadt, beginnend mit Marlene Dietrich, transportierten den Berliner Chic in die Welt hinaus.

F.C. Gundlach Berliner Chic

Nicht zuletzt die 90er mit ihren Technoexzessen, Heroin Chic und Punkszenen formten weiterhin Berlins “poor but sexy”-Image. Ein Image, auf dem seither aufgebaut wird. Berlin ist jung, kreativ und frei. Kampagnen wie “Be Berlin” bewerben Berlins Vielseitigkeit; Shops und Bars zehren vom international hippen Ruf des Berliner Stils. Besonders aber verdankt Berlin seinen Ruf den Berlinerinnen, welchen Ingram und Sark das Buch widmen:
“Berlinerinnen will always be ready to wear: the women who live in the city, are photographed in its streets, wear local brands and give fashion its reputation as exig©ant and schräg. Without all these women, there would be no Berliner Chic”

Marlene Dietrich und Diane Kruger

Susan Ingram ist außerordentliche Professorin und Koordinatorin für Europastudien an der York University. Katrina Sark ist Doktorandin am Department of German Studies an der MCGill University.

Berliner Chic. A Locational History of Berlin Fashion
Ingram, S. Sark, K.
Intellect Ltd. Bristol, 2011
englisch, Paperback, 256 Seiten

Online-Medien und Print können parallel existieren, und stellen nicht unbedingt eine gegenseitige Bedrohung, sondern vielmehr sogar eine Bereicherung dar. Dass Blogger auch gerne in die Printwelt hineinschnuppern, haben diverse Blogger Magazine gezeigt.
Nun gibt es ein weiteres Crossover Beispiel: Les Mads in Buchform. In ihrem Buch Modestrecke erzählen Julia Knolle (nun nicht mehr bei Les Mads) und Jessica Weiss, die 2 erfolgreichsten deutschen Modebloggerinnen von ihren Eindrücken und Erlebnissen in der Modebranche und geben einen groben Einblick in ihren Alltag seit der Entstehung des Blogs.
Das Buch richtet sich, anders als der Blog, nicht unbedingt an Fashionistas, sondern viel mehr an Teens, die von der Modewelt, und dem damit verbundenen Lifestyle fasziniert sind.
Das Ganze wird unterteilt in viele, knapp gehaltene Kapitel, wie “Warum aus Angela Merkel nie eine Michelle Obama wird”, “Wieso man in Stilfragen besser nicht auf seinen Freund hört” oder “Roter Nagellack. Ein Pro und Contra”.

Darin geben die beiden Styling Tipps fürs erste Date, zählen die besten Shopping Plätze weltweit auf, oder geben Hilfe bei der Frage “Was tun bei einem Fehlkauf?”.
Modestrecke basiert auf ihren Erlebnissen mit Les Mads, Geschehnissen im Freundeskreis oder ganz privaten Erzählungen aus dem Nähkästchen.
Ein nettes und kurzweiliges Modebuch für das Publikum zwischen 12-18 Jahren.

Lara Maria Gräfen

Seitdem die drei ehemaligen gemeinsam Kunststudierenden Wahlmünchnerinnen Kiki Moorse, Melissa Logan und Alex Murray-Leslie sich 1994 zu einer Künstlergruppe namens Chicks on Speed zusammenschlossen, haben sie für jede Menge Furore gesorgt. Ihre Uneindeutigkeit und Unverortbarkeit, die sie zwar in der Popkultur ansiedelt, aber nicht kategorisieren lässt, zählt zweifelsohne zu den Markenzeichen der schrillen Hühner.

Vielseitig begabt und vor nichts Halt machend, gründeten sie 1998 ihr Plattenlabel Go Records, nahmen Songs auf, entwarfen eigene Kleidung und machten Performance Art.

Ihre Musik, die sich am ehesten dem “Electro/Electroclash” zuordnen lässt, brachte ihnen Kooperationen mit Größen des Musikbusiness wie DJ Hell, Miss Kittin und Peaches ein. Der größte Erfolg in Deutschland war der Track “Kaltes klares Wasser” mit Malaria!, der 2001 bis auf Platz 16 der Singlecharts kletterte.

Chicks on Speed – Don’t Art, Fashion, Music

Nach vergangenen Überschneidungen mit Mode, zum Beispiel für die Single Fashion Rules, deren Cover kein geringerer als Karl Lagerfeld gestaltete, haben sie nun einen interdisziplinären Bildband mit dem Titel Don’t Art, Fashion, Music herausgebracht.

Dort werden ihre Kunstwerke, Videoinstallationen, ihre eigenwillige Mode, die typische, viel zitierte DIY-Ästhetik, ihre verqueer scheinende Musikvorstellung und ihr Objektfetisch zusammengeworfen und daraus eine Kollektion selbstgemachter “Objektinstrumente” destilliert.
Diese stellen eine Fusion von Mode, Musik und Kunst dar und finden ihre Inspiration in so mannigfaltigen Quellen (Marionetti, Dada, Bauhaus, Hildegard von Bingen, um nur ein paar zu nennen), dass man sie nur als postmodernes Gesamtkunstwerk betrachten kann.

Chicks on Speed – Don’t Art, Fashion, Music – E-Shoe

Neben Cigar Box Synths und Theremin Tapestries sind die E-Shoes sicherlich eines der Highlights des Buches, da diese sowohl als Kunstobjekt, als auch als Musikinstrument eine Daseinsberechtigung haben. Nur in der Mode jedoch, im tatsächlichen Getragenwerden, entfalten sie aber ihre wahre Vielseitigkeit. Beim Gehen nämlich erzeugen sie Klänge und inszenieren so auch noch eine Performance ähnlich der eines Catwalks.

Chicks on Speed don’t Art, Fashion, Music – E-Shoe

Die Hybridität dieser Kunstwerke, die zwischen verschiedenen Daseinszuständen gefangen scheinen, gepaart mit beinahe halluzinogener Knallfarbigkeit, ergibt ein quietschbuntes, bedeutungsschwangeres Endergebnis mit Aussagekraft.

Barbara Russ

Chicks on Speed – Don’t Art, Fashion, Music
Booth-Clibborn Editions und Dundee Contemporary Arts
Englisch
November 2010
Paperback; 224 Seiten

Tim Van Steenbergen ist seit langem eine feste Grösse in der Modewelt, mit seinen mittlerweile 19 Kollektionen, zahlreichen Kooperationen und Projekten erschafft er, wie er sagt, “ein Universum des Stils”.
Die Modejournalistin Veerle Windels hat sich nun daran gemacht, den Menschen van Steenbergen interessierten Menschen näherzubringen.

Herausgekommen ist das aus privaten Konversationen entstandene Buch Tim Van Steenbergen, act(e), das aufgeteilt in zehn Kapitel ausgewählte Aspekte des Lebens des Modemachers thematisiert; dabei beschränkt es sich nicht nur auf van Steenbergens konkrete Arbeit, sondern nimmt diese als Ausgangspunkt für philosophische Betrachtung.

Tim Van Steenbergen, act(e)
Ludion Publishers
Englisch
Hardcover
30 x 24,5 cm
192 Seiten
49,90 Euro

Sogenannte Multitalente gibt es heutzutage viele. Es scheint fast schon zum guten Ton zu gehören, dass eine Sängerin eine Parfüm-Linie kreiert, ein Schauspieler das Gesicht eines Modelabels wird, und dass sich ein Designer auch als Regisseur versucht.
Den meisten gelingt dieser Spagat eher nicht, und nur wenige schaffen es in mehreren Gebieten zu überzeugen.
Einem dieser Kreativen ist dieser Sprung jedoch gelungen – Tom Ford, ehemaliger Creative Director von GUCCI, hat mit seinem Erstlingswerk A Single Man sein grossartiges Regie-Debüt abgeliefert.

Der Film basiert auf dem gleichnamigen, 1964 erschienenen Roman von Christopher Isherwood, und handelt von einem einzigen Tag im Leben des homosexuellen Literaturprofessors George Falconer, dargestellt von Colin Firth. Jedoch spielt sich der Film nicht an einem gewöhnlichen Tag ab, sondern an dem Tag, an dem Falconer Selbstmord begehen will.
Seit dem Autounfall, bei dem sein Partner Jim ums Leben gekommen ist, leidet Falconer unter schweren Depressionen, und scheint die Lust am Leben verloren zu haben; er plant seinem Leiden ein Ende zu setzen, und sich mit einem Revolver zu erschiessen.
Sein Plan wird durch diverse Zwischenfälle immer wieder durchkreuzt, und schließlich schafft es einer seiner Studenten, der von dem Vorhaben herausgefunden hat, ihn endgültig davon abzubringen.
Als sich der Tag dem Ende nähert, erweckt Falconer den Anschein, wieder neuen Lebensmut gefunden zu haben, da stirbt er an einem plötzlichen Herzinfarkt.

Tom Ford gelingt mit seinem Werk das, was nur wenigen gelingt: einen Film zu erschaffen, der sowohl durch Tiefe und hervorragende Schauspieler den Zuschauer fesselt, als auch durch die äußerliche Schönheit und Ästhetik überzeugt.
Es ist unübersehbar, dass jemand wie in diesem Fall ein Modeschöpfer diesen Film inszeniert hat, jedes noch so kleine Detail, sei es der Schlafsack, in dem sich Falconer umbringen möchte, oder die Kücheneinrichtung seines Hauses, ist ästhetisch durchdacht, fast wie die Dekoration eines Schaufensters (nicht umsonst hat die englische Times A Single Man in ihre kürzlich veröffentlichte Liste der 25 modischsten Filme aller Zeiten aufgenommen).

Fords Kunstwerk kann fast wie einen Hochglanz-Bildband “durchgeblättert” werden, jede einzelne Seite verdient es, eingerahmt zu werden.
Aber allein mit der Stimmigkeit der Oberfläche gibt sich Ford nicht zufrieden; ihre Entsprechung findet sie in der klugen und einfühlsamen Inszenierung, die Firth, Wunschakteur Fords für den Film, den Freiraum lässt, die Rolle seines Lebens zu spielen.

Lara Gräfen

Nach der brillanten Darstellung von Audrey Tautou in “Coco avant Chanel”, folgt nun eine weitere Verfilmung des Lebens der Gabrielle “Coco” Chanel.
Das Drama “Coco Chanel und Igor Stravinsky” handelt von der eher unbekannten Affäre zwischen dem russischen Komponisten und der französischen Modeschöpferin; Der Regisseur Jan Kounen beleuchtet das Schaffen zweier Künstler auf dem Weg Geschichte zu schreiben, sowie deren innige Leidenschaft füreinander.

Der Film beginnt mit der Uraufführung von Stravinskys Ballet “Le sacre du printemps” am Pariser Th©atre des Champs-Elys©es im Jahre 1913. Die moderne und provokante Aufführung ist für die damalige Zeit ein Skandal, und sorgt für Unmut im Publikum. Nur einer Dame gefällt die innovative Inszenierung – Coco Chanel, die selbst als unkonventionell und modern gilt und mit ihren modischen Kreationen neue Wege einschlägt.

Sieben Jahre später trifft die mittlerweile in Paris als Modedesignerin etablierte Chanel erneut auf Stravinsky, der aufgrund der Russischen Revolution zusammen mit seiner Familie in eher ärmlichen Verhältnissen leben muss. Sie bietet ihm und seiner Familie an, in ihrem opulenten Landsitz unterzukommen, um so an seinem Werk in Ruhe weiterarbeiten zu können.

Was folgt, ist eine innige und leidenschaftliche Liaison zwischen dem Komponisten und der Designerin, welche sich vor allem auf der körperlichen Ebene abspielt. Es wird deutlich, dass es sich bei Chanel um keine übliche Frau der damaligen Zeit handelt, sondern um eine emanzipierte, willensstarke und erfolgreiche Dame, die weiss was sie will, und keine Kompromisse eingeht.
Von der Leidenschaft beflügelt, überarbeitet und vollendet Stravinsky schließlich sein Meisterwerk, welches durch Chanels Finanzierung 1922 erneut aufgeführt wird und Stravinsky ein Denkmal setzt. Auch Chanels Arbeit wird durch das emotionale und erotische Spiel beeinflusst, sie vollendet ihren Traum von einem “Parfüm für eine Frau, mit dem Duft einer Frau” und kreiert den erfolgreichsten Damenduft aller Zeiten – Chanel No. 5.

Mads Mikkelsen und Anna Mouglalis als Igor Stravinsky und Coco Chanel

Besonders für Modeliebhaber und Chanel-Bewunderer ist der Film ein Muss, denn niemand Geringeres, als die von Chanel Chefdesigner Karl Lagerfeld zu seiner Muse erklärte Anna Mouglalis, die bereits 2002 als Gesicht der vergangenen Chanel Allure Kampagne diente, verkörpert die Modemacherin.
Lagerfeld selbst liess es sich nicht nehmen Mouglalis nicht nur die Chanel-Roben auf den Leib zu schneidern, er stattete auch den Film teilweise mit Originalkleidern und Accessoires vergangener Chanel-Kollektionen aus, und schaffte so einen realen Einblick in die damalige Mode.
Zudem gewährte Chanel freien Zugang zu allen Archiven und zu Chanels Apartment in der Pariser Rue Cambon 31, und ermöglichte damit ein hohes Mass an Realismus in der filmischen Darstellung.

“Coco Chanel und Igor Stravinsky” von Jan Kounen, mit Anna Mouglalis und Mads Mikkelsen in den Hauptrollen, ist seit dem 15. April 2010 in den deutschen Kinos zu sehen.

Lara Maria Gräfen

Eine von vielen unternehmerisch tätigen Menschen noch stark unterschätzte Kunst ist das Branding, knapp ausgedrückt die Assoziation eines Produkts oder Unternehmens mit bestimmten Eigenschaften.
Gerade in einer globalisierten Welt ist ein positives Markenbild im weltweiten Wettbewerb ein enormer Vorteil;
sogar Kapitalismus- und Konzernkritiker wie die No Logo-Aktivistin Naomi Klein, mit ihren berechtigten Einwänden einer Warenfetischisierung, entkommen der Notwendigkeit von Werten wie Markenreputation nicht:
Die vermeintliche Amoralität der Identifizierbarkeit von Waren und Unternehmen ist ein naiver Gedanke, dessen innere Logik auch die Substanz der Oberfläche leugnet.

Für im kommerziellen Kontext arbeitende Designer sind die Herausforderungen des Branding ästhetischer Natur: wie lassen sich Eigenschaften einer Marke visuell innovativ und über verschiedene Plattformen hinweg übersetzen.

Dieser Frage geht das IdN Magazine mit seiner neuen Branding Issue nach.
In dieser Ausgabe werden 15 Designer gefeaturet, die sich in diesem Gebiet hervorgetan haben, 21-19, Christoph Almasy, Jordi Huaman, Joshua Distler, Landor Associates, Marc Alcock, Mind Design, Pentagram, Proud Creative, Richard Harrington, Round, Section Seven, StormHand, Sue Doeksen Wolff Olins.

Die Branding Issue ist im Online Store von IdN erhältlich.

Anne-Celine Jaeger, Modejournalistin und Autorin, blickt mit ihrem Buch Fashion Makers, Fashion Shapers hinter die Kulissen der Modeindustrie und zeigt auf, wie Labels langfristig Erfolg haben können, und welche Personen dabei eine wichtige Rolle spielen.
Dafür interviewt sie bekannte Designer, Gründer von Fashionlabels und Schlüsselfiguren wie Redakteure, Stylisten, PR-Agenten, Käufer und Trendscouts, die persönliche Einblicke in ihre Arbeitsweisen, Erfahrungen und Inspirationen geben.
Zu diesem Zweck zeigt sie nicht nur Fotos aus den Ateliers von Luella Bartley, Dries van Noten oder A.P.C., sondern recherchierte auch bei der britischen Vogue, dem Central Sant Martins oder Alexandre de Betak, der Shows für John Galliano konzipiert.
So enstanden insgesamt 24 Interviews, die die vielfältigen Jobs in der Modeindustrie widerspiegeln und aufzeigen, wie Trends enstehen, wo Inspirationen herkommen, was junge Designer beachten müssen und wieviel Mut zum Risiko man braucht, um sich durchzusetzen.

Interviewte Personen sind:
Luella Bartley
Paul Smith
Angela Missoni
Dries Van Noten
Acne: Jonny Johansson
A.P.C.: Jean Touitou
American Apparel: Tory J. Lowitz
H&M: Margareta Van Den Bosch
Uniqlo: Yukihiro Katsuta
Vans: Steve Van Doren
Lacoste: Christophe Lemaire
C.P. Company and Stone Island: Carlo Rivetti
Folk: Cathal McAteer
Boundless: Zhang Da
Rodarte: Kate and Laura Mulleavy
Alexandre de Betak
Katy England
Jane Rapley
Coco Rocha
Fourmarketing: Gino Da´Prato
L´Eclaireur: Armand Hadida
WGSN: Catriona Macnab
Purple: Caroline Lynch, Gillian McVey, Nancy Oakley
British Vogue: Alexandra Shulman

Fashion Makers, Fashion Shapers – The Essential Guide to Fashion by Those in the Know
Anne-Celine Jaeger
englisch
Verlag: Thames & Hudson
Erscheinungsdatum: 21.09.2009
ISBN 9780500288245
Preis: 21,99
Format: 23 x 17,7 cm
272 Seiten, Farbe

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