Wenn dieser Schmuck Geräusche machen würde, dann wäre es der Widerhall eines metallenen Hammers von einer Fabrikwand. Das rohe Metall, die maskuline Ungeschliffenheit der Geschmeide von Werkstatt:München sind etwas für richtige Kerle.

Klaus Lohmeyer und sein kleines Team fertigen jedes Stück in solider Handarbeit in seiner Werkstatt an, die im Herzen der Bayerischen Landeshauptstadt gelegen ist. Lohmeyer studierte Schmuckdesign und machte anschließend seinen Meistertitel. Auslöser für seine Beschäftigung mit dem Thema Schmuck war der vergebliche Versuch, maskulinen Schmuck seines Geschmacks zu finden.

Rohes Metall von Werkstatt:München

Obwohl sich der Designer beschwert, dass sich in der heutigen westlichen Kultur nur noch “Musiker, Punks oder Rocker” mit Zierrat ausstaffieren, spricht er mit seinen Designs genau jene Zielgruppe an. Die Objektsprache seiner Kreationen trifft eher den Nerv einer jungen, rebellischen Zielgruppe. Der gewöhnliche Vorstandsvorsitzende trägt selten eine Totenkopfkette, auch der treusorgende Familienvater dürfte sich mit der Symbolik schwer tun. Die Motive von Totenköpfen und Tattoos sind spätestens seit Christian Audigier, bekannter unter seinem Label Ed Hardy, im Mainstream versickert und werden gerne mit Spott versehen. Dennoch besitzt die Schwere von Lohmeyers grob behauenen Schmuckstücken, speziell die der einfachen Teile, diejenigen ohne viel Brimborium, eine besondere, unbehandelte Ästhetik, die zu finden selten ist.
Ein Armband halb Leder, halb Metall; Ringe, die an Muttern oder Dichtungsringe erinnern; besonders ein Ring aus einem Stück, in Gold oder Silber, die Front gerade abgeschliffen, in der Oberfläche ist noch die Kraft und das Fingerspitzengefühl der Bearbeitung erkennbar; das ist das Markenzeichen und die große Kunst von Stücken aus der Werkstatt:München.

Ring von Werkstatt: München

Die natürliche Umgebung für die individuellen Teile aus der Wekstatt ist in einer Kombination mit Avantgarde-Mode. Schmuck und Mode gehören für Lohmeyer untrennbar zusammen: “Ich glaube, die Beziehung zwischen Mode und Schmuck beruht auf der individuellen, emotionalen Sehnsucht danach, schöne Dinge zu tragen, die den persönlichen Geschmack, Stil und Charakter ausdrücken.”

Dass Berlin bevölkert ist von Heerschaaren Kreativer, das ist über der Grenzen der Bundeshauptstadt hinaus bekannt. Dass diese Designer und Künstler immer wieder neue Ideen der Selbstvermarktung und -präsentation finden müssen um auf sich aufmerksam zu machen, ist auch nichts Neues.
Auch nicht die Idee, zu Allem, was zu teuer ist, eine Alternative zu veranstalten ist in Berlin unerhört: kleine Messen und Showrooms schießen während der Modewoche jedesmal neu aus dem Boden, und Ausweichcatwalks reifen zur etablierten Ergänzung des Modezirkus heran. Nun spart sich eine kleine Gruppe Modemacher das Geld für die Public Relations, macht eine eigene Modenschau und geht weitere neue kommunikative Wege.

Ein Designerkollektiv dieser Art ist auf diesem hart umkämpften Pflaster Berlins, vermutlich aber weltweit, ein Novum. Die “Partner” haben erkannt, was heute oft in Vergessenheit gerät: gemeinsam ist man stärker, mehr Namen bringen mehr mediale Wirkung, und wenn man im selben Boot sitzt, sollte man in die selbe Richtung rudern.
So entstand das Designkollektiv “The Offer Berlin”.

Gegründet wurde “The Offer” von den drei Berliner Designerinnen der Labels Magdalena Schaffrin, Annmee und Von Bardonitz im Jahre 2008. Zuerst trafen sie sich privat alle paar Wochen, um Informationen auszutauschen. Wo kaufst du deine Stoffe? Wo lässt du dies produzieren, wo das? Wo finde ich die richtigen Knöpfe? Existentielle Fragen eines Jungdesigners eben, der irgendwie durchkommen muss. Immer wieder konnte man sich gegenseitig mit Kontakten und Erfahrungen weiterhelfen oder einfach sein Leid teilen. So kam es zu der Idee, diese Treffen offizieller zu gestalten und neue Designer in die Runde aufzunehmen. Nach leichten Anfangsproblemen, in denen die Aufgabenverteilung geregelt werden und die Hierarchie gefestigt werden musste, denn vorher war entweder alles doppelt oder gar nicht gemacht worden -nachdem also die Demokratie innerhalb der Gruppe quasi abgeschafft worden war – resettete The Offer das Projekt und ging neu und effektiver an den Start.
Seitdem sind rege neue Modeschöpfer zum Netzwerk hinzu gekommen: Comtesse de la Haye, Gabriel&Schwan, Helena Koj, Manikó, Marit Ilison, Sven Bertil, Tata Christiane, 25 Pieces, Ica Watermelon und gelegentliche Gastdesigner.

Designerinnen The Offer Berlin

Die Vorteile der beispiellosen Designerkommune liegen auf der Hand: Gemeinsam veranstalten die jungen Labels aus Deutschland, Frankreich und Estland Showrooms, Sales und Parties und verwirklichen neue Projekte. Sie teilen sich Messegebühren und können sich so den größten Stand leisten, sie vereinen Ihre Mailinglisten zu einem Superverteiler und sie tauchen mit gebündelter Power in der Modepresse auf.

Eine besondere Art der Präsentation ließen sich die Designerinnen für die vergangene Fashion Week einfallen, um als Community ihr Können zu präsentieren und das Augenmerk von Kunden und Presse auf sich zu ziehen. Im Black Box Theater inszenierte “The Offer” das “White Project”.
Jeder Designer hatte zwei bis drei Outfits komplett in weiß kreiert, welche dann in einer Art Model-Installation, schweigend und stillstehend, in durch gleißende Scheinwerfer durchbrochener Dunkelheit dargeboten wurden. Die weißen Haare und Gesichter der Models, Federboas und aufgeklebte Fellbrauen fügten sich, trotz der vorher nicht abgestimmten Outfits, zu einem harmonischen Ganzen.

The White Project im Blackbox Theater

Neue Anwärter müssen deshalb “dazu passen” und “schon einen gewissen Erfahrungsschatz haben, sodass sinnvoller Austausch stattfinden kann”, so Nicole Roscher, Gründungsmitglied von “The Offer”. Einem neuen Mitglied die Grundlagen zu erklären ist derzeit zuviel verlangt. Die selbst noch in den Kinderschuhen steckende Gruppe, deren Mitglieder immer auch das eigene Label managen müssen, wäre damit überfordert.

The Offer soll zukünftig noch professioneller werden und weiter wachsen. Darüberhinaus wird in Kürze die erste Ausgabe des “The Offer Magazine” veröffentlicht, das zweimal jährlich erscheinen soll.

Barbara Russ

Der in Berlin ansässige Italiener Davide Bazzerla, der mit seinem Label Bzz gerade den PREMIUM YOUNG DESIGNERS AWARD gewonnen hat, sieht seine SS 2011 Kollektion als andauernden Dialog über das Rollenmodell des Mannes;
er sieht oder projiziert “Eitelkeit in der Rauheit”, “Frivolität in der Disziplin”, und eröffnet für sich so gestalterische Spielräume für seine Mode.

Mit der Verleihung des “Young Designers Award” gab der Veranstalter PREMIUM Exhibitions am 05.07.2010 den inoffiziellen Startschuss zur Berlin Fashion Week Juli 2010.
Die traditionelle Preisverleihung, die im kleinen Rahmen im Berliner F95-Store abgehalten wurde, würdigte die Kollektionen von Nachwuchsdesignern in den Kategorien Womenswear, Menswear und Accessories/Shoes.

Die Gewinner für die Saison S/S 2011 sind für
Womenswear: ISSEVERBAHRI (Derya Issever & Cimen Bahri, D)
Menswear: BZZ (Davide Bazzerla, I)
Accessories/Shoes: Anita Moser(SUI)

modabot, the News Service for Avantgarde Fashion, presents the interactive Event Map for the Berlin Fashion Week July 2010.
The tool currently enables a location-based as well as a text-based overview of the Fashion Week, gives detailed information and allows for day-to-day filtering of events.
The Event Calendar is now mobile.
The Calendar will be updated in case of subsequently incoming events, please inform us about updates/changes.
The modabot Event Map can be accessed by visiting http://events.modabot.com.

modabot, die Nachrichtenagentur für Avantgarde Mode präsentiert die interaktive Event Map für die Berlin Fashion Week Juli 2010.
Das Tool erlaubt derzeit eine orts- sowie textbezogene Übersicht über die Fashion Week, gibt detaillierte Informationen, und bietet die Möglichkeit einer Tagesfilterung der Events.
Der Eventkalender ist jetzt auch über eine eigenen Mobilversion zu erreichen.
Der Kalender wird bei neu hinzukommenden Veranstaltungen aktualisiert, bitte informieren Sie uns über Updates/Änderungen.
Sie erreichen die modabot Event Map über die Adresse http://events.modabot.com.

Es ist nicht lange her, dass Regine Harr nach Berlin gezogen ist, aber schon macht sie Schlagzeilen: mit nelou.tv hat die Internet-Unternehmerin vor kurzem eine Fashion Web-Show gestartet.
Harr, die darüberhinaus die noch nicht gelaunchte “Haupt”plattform nelou.com betreibt, die sich zukünftig der Förderung jungen Modedesigns widmen soll, war in ihrem “früheren Leben” Investmentbankerin, und entdeckte die Mode für sich, als sie sich mit den Textilindustrien im indischen Subkontinent beschäftigte.

Nelou.tv ist ein innovatives, in dieser Form eigentlich noch nicht dagewesenes Mode Web-TV Format: es ist eine Mischung von Sendungen wie dem CNN-Klassiker Style with Elsa Klench und Latenight-Shows wie die von Harald Schmidt oder David Letterman.
Es besteht aus einem Comedy Stand Up-Teil, und dem Hauptteil, in dem sich Modedesigner im Gespräch mit der Moderatorin Harr vorstellen.
Dabei geht es nicht unbedingt nur um die konkrete Mode der geladenen Gäste, sondern auch um deren Lebensweg, und individuelle Lebensart, die einen besseren Zugang zum Verständnis der Designer erlaubt.

In der ersten Folge von nelou.tv ist die Berlinerin Friederike Porscha zu sehen, die nächsten Gäste werden der Amerikaner Cornell Collins, danach Nicole Roscher von von Bardonitz zu Besuch sein.

Sruli Recht ist ein Freigeist wie er im Buche steht. Seine Kreativität scheint unerschöpflich und seine Produkte sind eine Gratwanderung zwischen Konsumgut und Ausstellungsstück. Zweimal im Jahr gibt es eine Kollektion bestimmter Produkte (beim letzten Mal Schuhe, beim nächsten Taschen) begleitet von einem monatlichen Non-Product.
Dazu zählen Ringe mit austauschbaren Rohdiamanten, eine Luftfiltermaske oder ein Glasschreiber aus Karbon mit Diamantspitze.

Recht graduierte am Royal Melbourne Institute of Technology mit einem Fashion Design Bachelor im Jahre 2002, 2005 bekam er einen Honors Degree.
Er war als Showpiece- und Schnittmacher für Alexander McQueen tätig und seine Arbeiten werden regelmäßig in der ganzen Welt ausgestellt, zuletzt in Uncomfortable Conversations im Rahmen der New York Design Week. Recht beschreibt sich selbst als “broken seabird”, der von Jerusalem nach Südafrika über Australien nach Island migrierte. Dort scheint er nun ein Zuhause gefunden zu haben, wie er selbst sagt.
Vor Kurzem hat er geheiratet.

Was bedeutet Dir Island und was bedeutet es für Dich, ein isländischer Designer zu sein?
Das sind zwei sehr unterschiedliche Fragen in Einer. Ich lebe jetzt seit viereinhalb Jahren hier und bin hier mehr Zuhause als irgendwo sonst. Ich bin kein Isländer, aber dennoch ist diese Peripherie, diese abstrakt-ländliche High-Tech Stadt irgendwie mein Zuhause.
Hier zu sein hatte den größten Einfluss auf mich und was ich gemacht habe, aber noch wichtiger, auf das, was ich mache und vorhabe zu tun.

Das, was mich wirklich dazu gebracht hat hierzubleiben, war die Herausforderung im Design – es gibt sehr wenige natürliche Ressourcen abgesehen von Leder und grober Wolle.
Island stellt eine ziemliche Einschränkung im Design dar, aber dadurch bin ich auf Ideen gekommen, die mir niemals eingefallen wären, wenn ich in New York City leben würde und 24 Stunden am Tag zu Allem Zugang hätte. Es bedingt sowohl die Produktion, die so lokal wie möglich ist oder sogar im eigenen Haus stattfindet, als auch den Fokus auf einheimisches Rohmaterial.
Ich arbeite nicht nur mit isländischer Wolle und Pferdeleder, weil ich es so mag. Es ist hier einfach so, dass wenn du mit etwas anderem arbeiten willst, du es importieren musst. Und das ist fast unmöglich wegen der Importzölle. Aber irgendwie ist das auch ein heimlicher Segen.

Was ist an isländischem Stil Deiner Meinung nach besonders?
Ich bin mir nicht sicher, ob daran etwas anders ist als im Rest der Welt. Style ist heute doch überall homogen.
Visuelle Information ist online auf der ganzen Welt verfügbar, Island ist da nur eine kleinere Kontrollgruppe.

Seit wann existiert Dein Label und wann hast Du entschieden, Designer zu werden?
Man kann sagen, dass meine Firma etwa seit 2007 in der Art existiert, wie sie jetzt ist. Bei der Antwort bin ich mir auch nicht so sicher, weil sich ja alles ständig ändert.
Angefangen, Mode zu designen, habe ich mit 17. Ich bin ein Idealist.
Ich will das, was ich nicht haben kann und wenn ich etwas will das es noch nicht gibt, dann muss ich es eben selbst machen.

Hast Du eine spezielle Philosophie?
Mach nur das, woran Du glaubst. Sonst gibt es keine Regeln. Es ist gefährlich, zu überdefinieren, was Du tust. Ich möchte nicht in eine Schublade gesteckt werden, aber auch nicht Dinge anders machen, nur um anders zu sein.
Ironie, Aggression und soziale Kommentare treffen vielleicht am ehesten meine Philosophie.

Was war die Inspiration für Deine aktuelle Kollektion?
Beim Reykjavik Fashion Festival haben wir den neuen Film Garrote anstatt einer Standard-Modeschau gezeigt. Garrote ist sowohl ein Film, als auch eine Halskette aus isländischer Vulkanlava, geformt in kleine Skarabäen, magnetisiert und an einem Kupfer-Klavierseil aufgezogen.
Der Auslöser für diesen Film, wie mit allem im Studio, kam von etwas, das ich einfach machen musste, weil es das noch nicht gab.

Ich musste es schaffen, die verschiedenen Designaspekte der Kette und ihrer Geschichte rüberzubringen und mir war klar, dass das mit Fotografie nicht zu erreichen war. In den letzten sechs Monaten hatte ich meine Produkte mit Marino Thorlacius geshootet. Seine großformatigen Bilder sind fantastisch und wir diskutierten lange über die perfekte Inszenierung, doch nichts schien zu passen.
Am Neujahrsabend lag ich im Bett wollte ein Nickerchen machen, bevor wir ausgingen… aber alles woran ich denken konnte war: “Wie kann ich diese Halskette inszenieren?” Ich dachte darüber nach, welche Dynamik das Endprodukt haben sollte und weil ich diese Bewegungen und eine Story vor mir sah, wurde mir plötzlich klar, dass es ein Film werden musste. Nur so konnte ich all diese scheinbar unvereinbaren Gedanken zusammenbringen.

Garrote Film Still

In dem Video geht es um einen physischen Dialog zwischen zwei Menschen. Eine Konversation über die Rollen von Macht und Kontrolle beim Sex. Da ist diese Frau, ein Lockvogel, alleine, geschmückt und aufreizend angezogen, verführerisch.
Die Halskette bemerkt man zuerst nicht, aber sie ist der Köder… oder der Stachel einer Biene: um ihr Gegenüber anzulocken muss sie sie benutzen, was aber auch heißt, von ihr kontrolliert zu werden und letzendlich vielleicht von ihr zerstört zu werden.
Hier ist ein Excerpt des Sripts, das ich für den Film geschrieben habe:
“With magnetic attraction stands this woman. A lure. Almost adorned.
Alone, aligned, and still but for her pulse.
Clack goes the rhythm as her necklace swings.
Snap goes the jewellery and around her neck it is laced.
Hard and rapid snaps the wire against her neck and dust explodes from the speed.
It is a struggle. It is arms flailing, breaking through the clouds… and all this time, just two tight white hands. Fast and stuck. Holding that chain.
A grip that doesn’t budge even as her hand pry, slap, slip and scrape.
And comes now the gasps. It has been just long enough that she notices the effect of this choke – she can’t breathe. Throwing her head from side to side, saliva forms a gentle arc through the dust cloud as time stands still for her.
He won’t move.
Her struggle becomes frantic. Her veins, they pop. Her tongue, it writhes.

It is now elbows flying and smacking into his ribs. Near silent claps make their entrance as she pummels his ribs one after another. His flesh ripples like gelatine as her bones hit him.
But tighter he pulls SNAP. Her neck shows wear.
Struggle struggle struggle grapple wrestle scuffle brawl slap slam slam SLAM

He loses grip on a beetle and it makes its way back around her neck, tracing a low arc around her neck. Beetle one meets beetle two and they more or less say hello with their heads. Clack.
Though without much trouble these white hands of this hidden man reclaim them.
And thus, this dance of death ensues.

But it is somewhere around here the atmosphere changes. The intersected rapid chocking and slow languid flailing shifts – her hands grip and slide across his, her struggle away becomes a grind toward… and her choked wet coughs become almost pleasured gasps.
Slow sliding and slipping. Then they move, this slow sensual wave of two together not against. It is here in this transition her role is achieved, finalised and sealed.
And like a bee who has used its own only defence to protect itself only to die, slumps our woman… with that slight grin of menace and triumph on her face as her and her beetles fall. “

Die Halskette herzustellen war ein Prozess, der über ein Jahr gedauert hat:
Páll Einarsson modellierte die Skarabäen, ein alter Pianomacher drehte das Kupferseil in der richtigen Länge und Dicke, wir arbeiteten mit Sigurlina Osuala mehrere Monate, um die richtige Lavaerde zu finden.
Snorri Már Snorrason entwickelte eine Box, aus der beim Aufklappen ein Hals hervortritt, um den die Kette liegt. So viele Menschen für nur eine Halskette, beziehungsweise eine limitierte Auflage von zehn Stück.

Garrote Kette

Aber vor allem war es ein Experiment, um herauszufinden, ob eine visuellle Narrative das geeignete Medium ist, um Design zu präsentieren, und ich denke, das ist es, und die Arbeit hat sich gelohnt.

Text/Interview: Barbara Russ

Garrote kostet 320€ und ist online bestellbar, wie auch die anderen (Kunst-)werke von Sruli Recht

GARROTE – Sruli Recht, is a film performed by HebaEirJónasdóttirKjeld and River Carmalt
Director – HeimirSverrisson www.heimirsverrisson.com
Creative Director – SruliRecht
Editor – Steffi Thors http://is.linkedin.com/in/steffithors
Choreographer – Erna Ómarsdottir www.ernaomarsdottir.com
Sound – Ben Frost www.ethermachines.com
Director Of Photography – TómasTómasson
Assistant Director – Bui Baldvinsson
Special Effects – Aron Bergmann Magnússon
Costume Design – SruliRecht Studio
Storyboard Artist – B. BörkurEiríksson www.borkurart.com
Wardrobe assistant – Andrea Sisson
Dolly – FriðrikGrétarsson
With special thanks to Megan Herbert, Lise Capet, Filmus, AddiKnutsson and HannesBjörgvinsson.
Filmed at Latibær Studio on the Red One camera
Recorded at the Greenhouse

Photo Credits: Marino Thorlacius

Zum Thema
Island Special Teil 5 – Islands außergewöhnlichstes Talent: Sruli Recht im Interview
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Island Special Teil 3 – Weiblichkeit auf Isländisch
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Island Special Teil 1 – das heimliche Modemekka

Fragt man isländische Modemacher nach dem spezifisch Isländischen an ihren Designs, dann antworten sie meist mit Ressourcenknappheit und daraus resultierender Improvisationsgabe. Und eben weil die Ressourcen so knapp sind, das Land klein, die Designer rar, und somit die Wahrscheinlichkeit gross, das gleiche zu tragen wie jemand anderes, muss die isländische Fashionista sich doppelt so viele Gedanken machen, um Individualismus zu beweisen.
Gut, dass es da die beiden folgenden Damen gibt, die ein jedes noch so alltägliche Outfit extravaganzieren.

Áróra
Áróra Eir Traustadóttir schloss erst 2005 ihr Modedesignstudium an der Iceland Academy of Arts ab und gründete 2007 ihr Label.

Áróra

Inspiriert vom Viktorianischen Zeitalter entwirft und gestaltet die 32jährige in Handarbeit abnehmbare Rüschenkrägen, die dann mit Spitze, Schleifen oder Knöpfen verziert werden. Für die aktuelle Kollektion hat sie sich auch von Harnischen anregen lassen, die sie in Lederkrägen mit Schließen uminterpretierte. So wird jeder Look ein wenig edler (respektive härter), gleichzeitig aber auch ein wenig selbstironisch. Man sollte das Leben nicht so bierernst nehmen und einfach immer aufs Neue sein Bestes geben. Der Rest kommt, laut Áróra Eir Traustadottir, dann schon von selbst.

Áróra

Thelma Design
Die platinblonde Thelma Bjork Jonsdottir begann schon als Kind, mit ihrer Grossmutter zu stricken und hat seither nicht mehr damit aufgehört. Sie schloss als Beste ihres Jahrgangs die Iceland Academy of Arts ab und besuchte das Studio Bercot in Paris sowie die prestigeträchtige Ecole Lesage, um dort Erfahrungen im Haute Couture Bereich zu sammeln.

Thelma Design

Ihre Faszination für Kopfschmuck entdeckte sie während ihrer Aubildung und sie begann, damit zu experimentieren: kunstvolle Stickereien, Spitze und Verzierungen werden für die handgerabeiteten Kunstwerke benutzt.
Thelma Design kreiert die Einzelstücke für besondere, starke Frauen und Trendsetter. Wenn es nach der Meinung der Designerin geht, sollten Frauen viel mehr Hüte oder Kopfschmuck als Ausdruck ihrer Selbst tragen, denn: “Hats are for heroes!”

Barbara Russ

Zum Thema
Island Special Teil 3 – Weiblichkeit auf Isländisch
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Photo Credits
Thelma Design: by Friðrik Örn Hjaltested
Áróra: 1,2 by Bjorn Snorri Rosdahl, 3 by Friðrik Örn Hjaltested

Die zierliche Mongolin Tsolmandakh Munkhuu, Gewinnerin des Publikumspreises Hyères 2010, reflektiert in ihrer Kollektion “Magie Noire” über ihre kulturellen Wurzeln, Buddhismus, Vergänglichkeit und Totenkult.
Totenköpfe und Gebeine sind ein wiederkehrendes Motiv, ebenso Fell, als die Haut toter Tiere und die Nicht-Farbe schwarz.

Die Gewinner des Grand Prix L’Oréal Professionnel 2009 Hyères Marite Mastina & Rolands Peterkops von mareunrol´s haben sich für ihre neue Kollektion eine Cinderella-Story ausgedacht: Ihre Inspiration waren desillusionierte Menschen, welchen das Leben übel mitspielt und die deshalb einen guten Geist brauchen können.
Wie im Märchen braucht jeder manchmal die Vögelchen – in welcher Gestalt auch immer- die dabei helfen, auf den Ball zu gehen und den Prinzen kennenzulernen.

Ihr Aufenthalt in Berlin diente der Holländerin Nada van Dalen als Inspiration für ihre Kollektion. Narben, die die Geschichte in der Stadt hinterlassen hat und Spuren der Zeit, die noch immer im Stadtbild sichtbar sind, hat van Dalen in Ihren Entwürfen verarbeitet.
Dies wiederrum bezieht sie auch auf persönliche Erfahrungen und Erinnerungen, die uns prägen. Die Kreationen weisen Löcher auf, die Gedächtnislücken repräsentieren, Taschen stehen für emotionale Last, die uns aufgebürdet wird.
Gummibänder symbolisieren den täglichen Kampf mit der Welt, für den jeder laut der Designerin einen Orden verdient.

Die Kollektion “Exile” von Yiqing Yin ist inspiriert von der Erfahrung, die sie am meisten geprägt hat: sie kam als Vierjährige als Flüchtling von China nach Frankreich.
Die Entwurzelung, die sie erfuhr, überwand sie, indem sie sich ein Zuhause in ihren Kleidern schuf. Gleichzeitig soll sich die Trägerin geborgen und beschützt fühlen, und nach außen soft gepanzert gegen Fremde und Feindlichkeit.
Fließende Seide verwandelt sich durch Falt- und Smocktechnik und Drapierungen in eine feminine Rüstung gegen die Außenwelt.

Über der Hafenstadt Hyeres, zwischen St. Tropez und Toulon, thront die Villa Noailles, Gastgeber des 25. Festival International de Mode et de Photographie à Hyères. Der Aufstieg in Plateaupumps entlang pittoresker Gässchen mag anstrengend sein, doch er lohnt sich.

Mit einem Ausblick auf die Côte d’Azur ist dies einer der eindrucksvollsten Orte, um Mode zu zelebrieren. Das Festival ist eine außergewöhnliche Melange von Mode, Fotografie, Kunst und Zeitgeist. Stress und Hektik der Modewelt sucht man hier vergebens. Hyères fühlt sich eher an, als wären Kunst und Mode zusammen in den Flitterwochen – alle wirken selten entspannt. Die Besucher sitzen im gemusterten Hemdblusenkleid und mit Strohhut im Garten der Villa Noailles, unterhalten sich, bedienen sich vom Buffet mit Mini-Croissants und Café, später plauschen sie mit den Designern in ihren selbst gestalteten Interieurs über Kunst, Mode und die Leichtigkeit des Seins.

Besucherinnen

Wie Alice, die in den Kaninchenbau kriecht, kommt man in den Räumen der Villa Noailles kaum aus dem Staunen heraus. Im Untergeschoss ist die Fotografie-Ausstellung, ganz oben die künstlerischen Expositionen von Größen wie Dries van Noten, Diane Pernet und Steven Klein eingerichtet.
Bei den ausgewählten Designern handelt es sich um zehn internationale Newcomer aus Österreich, Spanien, den Niederlanden, Belgien, Frankreich, UK, Korea und sogar aus der Mongolei. Die Jungdesigner stellen ihre Mode in ihrem eigenen Terrain zur Schau, in dem sie eine eigene Ästhetik, einen Lebensraum für ihre Kreationen, geschaffen haben.

Ziemlich verschachtelt in der Villa Noailles, treppauf treppab über Balkone und Terrassen entdecken die Besucher diese kleinen Parallelwelten in dem vornehmen Landhaus.
Alexandra Verschueren zum Beispiel, die sich in ihrer Kollektion mit dem Thema Papier beschäftigt hat, hat Alltagsgegenstände wie Schreibtisch, Lampe und Telefon aus Papier gebastelt und so ihre Sphäre kreiert.

Lucile Puton, die sich alpin inspirieren ließ, versenkt kurzum einen Wintersportler in Styroporschnee.

Bei Yiqing Yin, deren Kollektion den psychischen Panzer gegen die Fremde darstellt, haben die Büsten den Kopf -an der Reißleine- in den Wolken versteckt.

So verlässt man am Ende des Tages, wie auch Alice ihr Wunderland, die Villa Noailles ein bisschen euphorisch und kehrt zurück in die Realität – wenn man ein malerisches Küstenstädtchen wie Hyères als Realität bezeichnen möchte – mit anderen Augen.

Barbara Russ

Landschaftlich ist Island schroff und eintönig, selbst Wald ist Mangelware. Farne, Sträucher und -man höre und staune- mancherorts Bananenstauden (Dank der Erdwärme) sind die Höhepunkte der isländischen Flora.
Daher scheinen es die Insulaner gerne bunt zu mögen: Häuser, Schiffe und auch die Kleidung dürfen gerne Farbvielseitigkeit beweisen. So reflektiert isländische Mode keinsfalls nur nordisch-kühlen Purismus; feminine Eleganz bis Extravaganz gehören ebenso zum Repertoire. Zwei Labels der Vulkaninsel zeigen ihre Idee von Weiblichkeit auf unterschiedliche Weise, einmal inspiriert von jener kargen Schönheit der Vulkaninsel und einmal um sich aus dieser hervorzuheben.

ELM “Designed by women for women.”
Erna, Lisbet und Matthildur – auch wenn das etwas nach einem Kinderroman von Astrid Lindgren oder Enid Blyton klingt – sind drei Freundinnen, die eine gemeinsame Passion teilen: Mode für Frauen. 1999 gründeten sie ELM zuerst als Label für Strick, bald kamen auch andere Teile zur Kollektion hinzu. Eingesetzt werden besondere Stoffe aus aller Welt, wie japanischer Taft, peruanische Pima Baumwolle und spanisches Leinen und Seide. Die Kollektion reflektiert die kühlen Töne und rauen Gefilde der isländischen Sphäre: wie ein zerfurchter Gletscher wirkt ein Kleid, ein anderes erinnert an einen plätschernden Bach mit kristallklarem Wasser, zuletzt eines an eine moosbewachsene Muräne.

ELM

Royal Extreme “more is more, less is a bore”
Ein blutjunges Label, dessen Begeisterung für extravagante Sinnlichkeit in der Kollektion deutlich spürbar ist, ist jenes von Una Hlin Kristjansdottir. Erst Anfang 2010 gründete die Isländerin ihr Modelabel und partizipierte im März bereits beim Reykjavik Fashion Festival. Die junge Designerin übersetzt den Kontrast, den ihr Island bietet, in ihrer Kollektion: unbewohnbare, unzähmbare Natur und Isolation contra Großstadtleben in Reykjavik.
Natürlich ist es reine Ansichtssache, ob man eine Stadt mit etwa 120.000 Einwohnern als Großstadt bezeichnen möchte, was bleibt sind aber die Gegensätze die, auch von fern, Island so faszinierend machen.

Royal Extreme

So kombiniert sie geflochtene Applikationen mit Mänteln und Fransenbordüren mit Halterstrümpfen oder Seidenkleidern; trotz des Sex-Appeals ihrer Kreationen doch an das Farbspiel (Rostgelb, abgenutztes Grau, Königliches Rot) und die Wucherungen der Farne und Flechten isländischer Natur erinnernd.

Barbara Russ

Zum Thema
Island Special Teil 5 – Islands außergewöhnlichstes Talent: Sruli Recht im Interview
Island Special Teil 4 – Um Kopf und Kragen
Island Special Teil 3 – Weiblichkeit auf Isländisch
Island Special Teil 2 – Die Avantgarde bricht aus dem ewigen Eis
Island Special Teil 1 – das heimliche Modemekka